Cantautorato

At Least for Now

Emanuele Pavia — Mon, 02 Feb 2015 10:39:38 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Pop

Cantautorato

Etichetta:

Behind Records

Anno:

2015

Line-Up:

- Benjamin Clementine - Tutte le musiche

Tracklist:

1. Winston Churchill's Boy

2. Then I Heard a Bachelor's Cry

3. London

4. Adios

5. St-Clementine-on-Tea-and-Croissants

6. Nemesis

7. The People and I

8. Condolence

9. Cornerstone

10. Quiver a Little

11. Gone

Benjamin Clementine

At Least for Now

Avendo all'attivo due degli EP più chiacchierati e di successo degli ultimi anni nell'ambito pop (Cornerstone e Glorious You, pubblicati entrambi dalla Behind Records nel 2013 e nel 2014 rispettivamente), erano alte le aspettative in vista dell'esordio su full-length del giovane artista Benjamin Clementine (classe 1988).

At Least for Now viene finalmente pubblicato il 12 gennaio 2015, raccogliendo (e in alcuni casi rimaneggiando) parte del repertorio proveniente dagli EP e affiancandolo a materiale inedito, e ottiene immediatamente una (meritata) acclamazione unanime tanto dalla stampa mainstream quanto dalla critica specializzata.

Il segreto di un tale plauso sta nella sua proposta musicale, sospesa in un miracoloso equilibrio tra ere temporali differenti e zone geografiche agli antipodi, dotata di una scrittura sofisticata ma sempre al servizio di melodie avvolgenti capaci di stregare anche il pubblico più generalista. Clementine, oltre che un vocalist dotato di una personalità magnetica e di una abilità canora sorprendente, è infatti anche un fine pianista, capace di alternare acquerelli impressionisti alla maniera di Erik Satie (influenza dichiarata dallo stesso Clementine) e irruenti sfoghi jazzati, e un arrangiatore dal gusto raffinato, che si avvale in egual modo di archi dal sapore retrò che rafforzano il tema melodico dei brani quanto di pulsioni elettroniche sotterranee (che ricordano spesso il cantautorato a tinte UK garage di James Blake) che ne evidenziano la componente ritmica.

Ma ciò che più di ogni altra cosa rende At Least for Now una brillante collezione di brani pop è l'equilibrio che l'album riesce a mantenere tra stili musicali tanto distanti nel tempo e nello spazio: essendo nato da genitori ghanesi, ma cresciuto a Londra e trasferitosi a Parigi a soli diciannove anni (il titolo dello skit St-Clementine-on-Tea-and-Crossaints, metaforicamente, celebra proprio la "doppia vita" dell'autore), Clementine sfrutta per forza di cose gli strumenti della tradizione della chanson française e del jazz vocale così come del soul e del cantautorato inglese del nuovo millennio. Nella sua interpretazione vocale rivivono tanto Nina Simone quanto Édith Piaf, tanto Gil-Scott Heron quanto Antony Hegarty, tanto Leonard Cohen quanto Jacques Brel, eppure all'ascolto si rimane sorpresi dalla capacità di Clementine di sfruttare tanti illustri referenti come semplice trampolino di lancio per il compimento di una propria poetica distinta e personale.

Purtroppo, non tutte le tracce funzionano alla perfezione e rendono giustizia alle doti dell'artista. Per esempio, la London che appare su At Least for Now si avvale di kick elettronici e di un arrangiamento d'archi alquanto kitsch, che non apparivano nella versione originale di Cornerstone, con l'intento di ribadire la profondità della performance vocale ma che finiscono semplicemente per appesantire il pezzo; altri brani (come The People and I o Gone), semplicemente, mostrano un'ispirazione meno ardente rispetto ai (molto buoni) standard del lavoro.

Ma quando Clementine centra pienamente il bersaglio, partorisce alcuni dei pezzi più intensi che la musica pop abbia visto negli ultimi anni: Cornerstone, singolo estratto già ai tempi dell'EP eponimo, è una ballata per solo piano e voce, giocata in un continuo alternarsi tra le strofe dominate dall'ostinato motivo di pianoforte e il chorus, catartico e liberatorio, dove Clementine si erge in una delle prove più toccanti di tutto il lavoro; la ancora più esaltante Condolence, già presente su Glorious You ma estratta solo nel 2015 come singolo per At Least for Now, è introdotta da percussioni elettroniche e perturbazioni minimaliste del pianoforte che, culminando in un trillo, aprono all'eccezionale esibizione vocale di Clementine, vera protagonista del brano fino alla sua conclusione in fade out, condotta nuovamente dal pianoforte.

Ancora, Nemesis (altro singolo, questa volta inedito) è un arioso brano pop in tre quarti dove Clementine sfrutta al meglio le possibilità offerte dall'orchestra d'archi, che non si limita più a sottolineare i momenti più ricolmi di pathos, assumendo piuttosto un ruolo di primo piano duettando e facendo il controcanto alla melodia vocale. Adios (da Glorious You), forse l'assoluto vertice del full-length, vede invece una delle prove più dinamiche e vicine alla grandezza di Nina Simone, con Clementine che si destreggia per tutta la durata del brano tra vocalizzi black, soliloqui deliranti e falsetti angelici, supportato dal pianoforte che ora segue la sconnessa interpretazione vocale in schizzati ritmi jazzati, ora la sostiene con toni più romantici, e con elaborati interventi degli archi a conferire ulteriore drammaticità al pezzo.

Se si può discutere sull'omogeneità qualitativa del disco, troppo sbilanciata in favore dei singoli, e sulla scelta della tracklist (che poteva essere migliorata, magari, inserendo la bellissima I Won't Complain da Cornerstone al posto della nuova London), è innegabile invece che ciò che Benjamin Clementine è riuscito a realizzare su At Least for Now sia un risultato notevole per un album di debutto, che si rivela capace di mettere d'accordo continenti, tempi e finanche pubblici diversi, senza dover rinunciare all'originalità dello stile del suo autore.

Vista inoltre la scrittura dei brani, matura e appassionante, che Clementine ha esibito nei momenti migliori del disco, è lecito aspettarsi un proseguimento di carriera che faccia ancora più giustizia al suo indiscutibile talento come performer.

Fiori Dal Limbo

Giulio Magliulo — Sun, 30 Nov 2014 10:38:19 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Cantautorato

Etichetta:

La Pupilla Records

Anno:

2014

Line-Up:

Verner (Gianandrea Esposito): voce e cori, chitarra acustica ed elettrica, armonio indiano, e-bow, tastiere, drum synth

Simone Cavina: batteria

Luca Nicolasi: basso

Mujura: basso

Frauke Spangenberg: violoncello, cori

Bruno Germano: piano, e-bow, slide, organo

Domenico Stranieri: elettronica

Tracklist:

1. Cose semplici
2. Terra dei miracoli
3. Di noi due
4. Fiori dal limbo
5. Portami in giro
6. Giorno di riposo
7. Inutili verità
8. Non ci siamo per nessuno
9. Tutti questi anni
10. Con le migliori intenzioni
11. Solo un temporale
12. Questa è la mia terra

Verner

Fiori Dal Limbo

Fiori dal Limbo, secondo album di Gianandrea Esposito in arte Verner, potrebbe essere un esempio per i tanti – troppi - che decidono di arricchire l'offerta cantautoriale del nostro paese con la p minuscola!

A cominciare dal linguaggio che senza essere inutilmente ermetico o difficile rappresenta come meglio non poteva quel 'limbo' del titolo, cioè tutti quegli stati intermedi come il dormiveglia in cui la fase onirica è molto elevata, come i ricordi e le memorie, come tutto quello che sopravvive al tempo lineare.

Come tutto quello che non si capisce o non si sa o non si ricorda se è già successo, sta succedendo o forse è già avvenuto.

In Fiori Dal Limbo le canzoni spesso possono sembrare dialoghi sentimentali ma la sensazione è che questo bagaglio emozionale Gianandrea lo tiri fuori come espediente per un monologo con se stesso.

Il sapore dominante è quello della verità e la rinuncia al pop obbliga a qualche ascolto in più (ma non troppi, non temete) in grado di garantire quel piacere dell'attesa prima del viaggio, quella tensione positiva che anima l'eterno conflitto tra veglia e sonno, quella - a volte salvifica - sensazione di smarrimento che ci fa chiedere dove siamo e perché. E se tutto questo vi preparerà all'azione, ben venga.

Solo da questo limbo sembra possibile cogliere dei fiori per regalarli innanzitutto a noi stessi, poi alle nostre controparti affettive ed infine ai nostri nemici senza nome.
Ad annusarli sanno di dolcezza, invitano al riposo che riscatta dalla fatica del quotidiano con la sua ansia da prestazione, da performance continua. Ci fanno chiedere alla nostra gioia che fine abbia fatto in tutti questi anni. Ci permettono di dire che almeno per oggi non ci siamo per nessuno.

E ritornando a quell'idea di rinuncia al pop: se essa significa lasciarsi prendere dall'incalzare di Cose Semplici, da quello di Terra Dei Miracoli o da quello di Con Le Migliori Intenzioni, allora in culo al pop.

Whipping the Devil Back

Giulio Magliulo — Wed, 16 Jul 2014 13:11:20 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Cantautorato

Folk Rock

Etichetta:

Autoprod.

Anno:

2014

Tracklist:

Lonely And Happy Night
Lovely People
Cedar Forest
Maybe
Deep Enough
Whipping The Devil Back
Waiting For My Shift To Start
Every Tiny Drop Of Light
Is It Right
Need You, Have You
You Disturb The Light

Guy Littell

Whipping the Devil Back

Whipping The Devil Back è il secondo full-length di Guy Littell che conferma il talento compositivo ed il songwriting cristallino del precedente Later, nonché le 'presenze' che albergano nel suo animo artistico; Neil Young su tutti, che, se già in passato si delineava tra le influenze principali del nostro, ora sembra essere quasi la cifra stilistica unica.

Perché disperdersi tra mille rivoli – sembra chiedersi Guy Littell - quando si può risalire direttamente alla fonte? Forse perché a volte la scalata dritta è ardua (vedi le asprezze vocali di Lovely People), potrebbe essere la risposta; in ogni caso questa essenzialità è la forza di Guy Littell.

Questo apparire nudi e crudi, questo rivelare sé stessi disegnando poche quanto efficaci linee è arte rara di questi tempi se si eccettuano alcune frange estreme del folk americano troppo marginali al mercato per non essere definite weird o freak. E poiché non ci sembra quello al momento l'orizzonte simbolico di Guy Littell (benchè un certo minimalismo lunare sia già ben presente in brani come You Disturb The Light o nella coda di Cedar Forest che potrebbero essere deliziose anticipazioni di possibili risvolti futuri) restiamo con un certo languore alla fine dell'ascolto dovuto alle scelte di produzione e di suono. Viene naturale chiedersi quanto potenziale inespresso c'è indossando questi abiti, quanti dettagli e particolari potrebbero essere esaltati con un sound meno homemade, quanto più appeal potrebbe esserci nei confronti di un mercato e di un pubblico che sembra fagocitare al contempo tutto e niente.

Certo, i soliti vecchi discorsi della critica supponente, la stessa che però riconosce anche quanto sia infinatamente vero questo Guy Littell nel suo aderire a questa sorta di codice interiore (ci piace immaginare queste canzoni quasi uguali alle corrispettive versioni di quando son nate) dettato da un percorso costellato di tante ombre, almeno quanto le luci che in esso baluginano.

Del resto ogni scelta qui dentro deve essere stata ponderata e voluta; non ci si ritrova infatti così per caso un gigante quale Steve Wynn nella titletrack del proprio album, brano in cui il leader dei Dream Syndicate suona l'armonica per tutta la sua durata e senza manie di protagonismo – da grande qual'è – lo screzia di venature paisley underground fortemente affini allo spettro cromatico su cui si muove Guy Littell. Queste cose avvengono solo per affinità elettive (quanti oggi in Italia possono vantare amicizie tali così evidentemente disinteressate?), le stesse che gli permettono di suonare nella stessa serata sullo stesso palco con Dan Stuart, per fare ancora un altro esempio.

A noi dunque i nostri languori e a Guy Littell tutti gli onori per questo equilibrio artistico che ci appare così fragile e delicato ma che proprio per questo genera poi perle così lucenti.

Wakin on a Pretty Daze

Matthias Stepancich — Tue, 31 Dec 2013 21:37:51 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Cantautorato

Alternative Rock

Folk Rock

Etichetta:

Matador

Anno:

2013

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Kurt Vile & the Violators
- Kurt Vile - vocals, acoustic and electric guitars, lead guitar (1 and 4), electric slide guitar (8 and 11), synths (1, 3 and 10), organ (4 and 11), wurlitzer (8 and 10), keyboards (3), tambourine (4), percussion (9), vibes (11)
- Jesse Trbovich - electric guitar (1, 2, 3, 4 and 9), lead guitar (7), arpeggio guitar (4), slide guitar (11), saxophone (4)
- Rob Laakso - bass guitar (1, 2, 3, 6, 7, 10 and 11), electric 12-string guitar (1), EBow guitar (3), fuzz and swell guitars (4), ambient guitars (7), lead electric guitar (8), baritone guitar (8 and 11), tremolo fuzz guitars (10), tap guitar outro (11), ARP 2600 (1), additional drums (1), percussion (2), drum machine (6 and 10), sequencer (3 and 10), electronics (3)

Additional Violation
- Stella Mozgawa - drums (1, 3, 4, 5, 8 and 11), waltz drums (6), percussion (5 and 8), cowbell (8)
- Vince Nudo - drums (2 and 10)
- Michael Johnson - drums (9), medieval drums (6), synth (9), Korg MS-10 (1)
- Farmer Dave Scher - lap steel guitar (4, 6, 7 and 11), melodica (3, 9 and 11), wurlitzer (4 and 6)
- Jennifer Herrema - backing vocals (7)
- Emily Kokal - backing vocals (11)
- Jeremy Earl - percussion (11)
- Dan Park - percussion (3)
- Alan Pavlica - white noise (4)
- Mary Lattimore - harp (6)

Tracklist:

1. Wakin on a Pretty Day - 9:31
2. KV Crimes - 3:57
3. Was All Talk - 7:42
4. Girl Called Alex - 6:20
5. Never Run Away - 3:25
6. Pure Pain - 5:09
7. Too Hard - 8:04
8. Shame Chamber - 4:47
9. Snowflakes Are Dancing - 3:23
10. Air Bud - 6:30
11. Goldtone - 10:26

Kurt Vile

Wakin on a Pretty Daze

Ancora per la Matador, come il precedente Smoke Ring for My Halo che l’aveva fatto esplodere in popolarità due anni prima, esce nel 2013 Wakin on a Pretty Daze, che in realtà, contando anche le autoproduzioni, è ben l’ottavo (!) full-length del cantautore di Philadelphia Kurt Vile, classe 1980; cantautore che, proprio con Wakin on a Pretty Daze, si rivela essere uno dei folk rockers più interessanti della sua generazione.
Se infatti il buon Smoke Ring for My Halo (così come l’EP poco successivo So Outta Reach, sua, comunque interessante, appendice) non rischiava scommesse nella struttura dei pezzi, e non si allontanava nemmeno così tanto dalle saldissime radici del folk rock più intenso e intimista di fine 1960s-inizio 1970s, particolarmente Fred Neil ma anche Nick Drake, Wakin on a Pretty Daze presente un passo in avanti in maturità e originalità.

Sembra che Vile abbia infatti, nel frattempo, compiuto una full immersion nella discografia dei Sun Kil Moon di Mark Kozelek, ma anche nel jangle pop degli 1980s e 1990s, traendo poi una sua sintesi personale delle due influenze ed applicandovi poi i suoi modelli di riferimento classici (il cantautorato americano 1967-1975).

Vile riprende il jangle tipico dell’alternative rock dei 1980s, ma staccandolo da molti dei debiti col periodo post-punk, e ricollegandolo al calore delle sue originarie radici (i The Byrds), allo stesso tempo spingendo invece sullo sperimentalismo per quanto riguarda la durata dei pezzi, che si dilata in un quadro perfettamente coerente alla voluta morbidezza e liquidità delle chitarre; quadro a cui contribuiscono anche una produzione a più alto budget (maggiore definizione nei suoni, sovraregistrazioni per creare un wall of sound avvolgente, effettistica dosata con attenzione quanto basta per dare sfumature oniriche) e delle scelte di pattern ritmici che, pur tempi non lenti e suoni caldi non post-punk, ripetono se stessi spesso in modo ipnotico (dunque il vero legame forse guarda anche più indietro, verso i Neu!).

L’album scodella alcuni dei suoi capolavori, ovvero la trascinante Pure Pain (con schitarrate quasi orientaleggianti che ricordano, anche se evitandone le prodezze tecniche, alcune idee armoniche in passato ben esplorate da virtuosi come Leo Kottke e Michael Hedges, e che si alternano ad una parte in arpeggiato vicina ai Red Hot Chili Peppers di Californication), la rarefatta Too Hard (con crooning profondo e arpeggianti chitarre alla Fleet Foxes), il grandioso trittico iniziale di Wakin on a Pretty Day (9 minuti e mezzo ricchi di grandi idee melodiche), KV Crimes (con una memorabile strofa) e Was All Talk (quasi 8 minuti, immersi nei riverberi), e la doppietta finale di Air Bud (6 minuti e mezzo) e Goldtone (10 minuti e mezzo).
Qualche momento di stanca si può invece trovare nei restanti, meno riusciti e un po’ apatici, pezzi (in particolare Girl Called Alex e Never Run Away), che frenano dall’eccellenza il disco nel suo complesso.

Il modello vocale di Kurt Vile è invece, ora anche più che nel precedente Smoke Ring for My Halo, decisamente Lou Reed, nel cui stile, anche se ammorbidendolo e avvicinandosi in certi momenti a melodie vocali alla Neil Young di Ambulance Blues, Vile si inserisce nel flusso compositivo in maniera leggermente sconnessa e mormorante, ma soprattutto dal sapore “stoned” (dichiarato anche in alcuni passaggi dei testi, e nello stesso "daze" del titolo) che ben si sposa con la vena a suo modo psichedelica (o semplicemente tendente all’onirico) dei pezzi più lunghi.

Con i suoi pregi e le sue imperfezioni, Wakin on a Pretty Daze resta comunque, e senza dubbio, il miglior disco folk rock del 2013.

Later

Giulio Magliulo — Mon, 10 Oct 2011 19:08:29 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Cantautorato

Folk Rock

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2011

Line-Up:

Guy Littell (Gaetano Di Sarno) - chitarra acustica, voce

Ferdinando Farro - chitarra elettrica, basso,synth, piano

Antonio Marino - batteria

Flora Faglia - violino

Tracklist:

1. TIRED OF TELLIN'

2. WITHIN

3. THE NIGHTMARE CAME

4. NEEDED THAT CALL

5. KILL THE WINTER

6. BLACK WATER

7. SMALL AMERICAN TOWN

8. A GIFTED SUMMER

9. WHAT A WAR (FOR MY SOUL)

10. BEST THING EVER

Guy Littell

Later

Dopo l'e.p. The Low Light And The Kitchen del 2009 ritorna Guy Littell con questo primo album, Later, anch'esso rigorosamente autoprodotto in collaborazione con Ferdinando Farro (mente del progetto alt-blues Maybe I'm).

Later, bisogna precisarlo, nonostante le premesse necessariamente 'underground' in cui nasce e si sviluppa, non è figlio di una generica estetica lo-fi come si potrebbe facilmente immaginare: il concept del songwriting di stampo americano che Guy Littell trasmette è di ben ampio respiro.

Se nel precedente e.p. il nostro celebrava le sue influenze 'di base' con delicati bozzetti che attingevano ad un cantautorato maturo ma contaminato da nobili screziature di pop britannico, ora i riferimenti che si scorgono sono ancora più importanti sebbene nascosti nelle memorie collettive del rock. E sembra che non sia lui a cercarli ma che essi si presentino spontaneamente e miracolosamente visto il modo in cui egli li accoglie e li fa suoi, vista la apparente semplicità della sua scrittura e la fluidità delle composizioni.

La sua voce poi sceglie spesso l'unico tono in cui è possibile raccontare le cose dell'anima, quelle che escono graffiate e sabbiose dopo esser state trattenute a forza in gola; quello basso quindi,fatto di colori scuri anche se - rispetto al passato - ora sembra sapersi anche distendere verso la luce. Resta comunque a sorreggerla un'emotività fragile che si rispecchia anche nei testi, pensieri incompiuti, circolari, spesso solo parole che affiorano e alludono ad un mondo interiore che potrebbe essere stato, o che forse potrebbe ancora essere.

La bellezza che informa questo lavoro è tutta in questi stati d'animo.

L’iniziale Tired of Tellin' procede su un impianto voce/chitarra acustica che era già fondamenta dell'e.p. precedente e che si arricchisce man mano del prezioso supporto degli altri componenti dei Maybe I'm al piano e alla batteria; tutti gli strumenti suonati nell'album provengono da elementi di quella formazione che si è adeguata al songwriting di Guy Littell regalandogli preziosi arrangiamenti (per i quali non si finirà mai di ringraziare Ferdinando Farro) come quelli relativi alle volute di chitarra elettrica urbane e aspre che si avvicinano ad una sensibilità 'moderna' alla Kurt Vile.

Within suggerisce che sarebbe sbagliato pensare solo a Mark Lanegan ascoltando la voce di Guy Littell poichè nel solco profondo in cui affonda la passione del nostro, si diramano rivoli di storia musicale statunitense in cui è possibile incontrare l'intimismo dei Lambchop come l'Eddie Vedder solista più ‘incontaminato’. E’ uno dei punti più alti del disco, impensabile per un primo full-length, allo stesso modo della dolcemente ondivaga The Nightmare Came.

La quarta traccia, Needed That Call ci presenta un Guy Littell tutto in elettrico e questa è una novità che stravolge la struttura delle sue composizioni. Oltre ai Replacements di Paul Westerberg (spesso citato quando si scrive di Guy Littell) qui c'è tutta l'energia grezza, selvatica e insofferente dei Wipers ma al contempo anche l’urgenza pop degli Urge Overkill di Saturation di cui il brano sembra un outtrack: archetipo inconsapevole di inno ‘indie’, di college rock.

E proprio come in quel grande album degli anni novanta che a grandi apertura elettriche seguivano semi-ballads barocchissime, qui segue Kill The Winter, altri due minuti e mezzo in cui si dimostra come la linea di demarcazione tra ciò che potrebbe essere mainstream e ciò che non lo è, resti solo una questione per analisti di mercato.

In Black Water sì che c’è qualcosa di laneganiano, ma il passo sofferto è quello dei Sophia di Ben Sheperd. E’ un funerale in un giorno di sole e la cadenza dettata dalle percussioni non distoglie dal percorso di speranza indicato dalle code di elettrica.

Small American Town è la poesia della grande provincia; immagini sgranate in bianco e nero di teenagers seduti su scalini che pensano ad Alex Chilton e Big Star mentre fuori impazza il punk; le loro canzoni in un universo parallelo avrebbero dovuto incendiare gli stadi mentre non è avvenuto niente di tutto questo; sarebbero stati titani rispetto al piattume indie degli attuali ‘giovani’ e questo Guy Littell lo sa e rende giustizia a tutta una generazione di beautiful losers. Epica!

E’ invece una stramba intro giocattolo di pop-psichedelico a introdurre A Gifted Summer e ci ricorda i Beatles e Robyn Hitchcok. Le antiche passioni british del nostro affiorano e la voce sembra sul punto di spezzarsi. Ma non si spezza e in What a War For My Soul diventa ancora più potente ed oscura come nei migliori Editors.

Best Thing Ever che rispetto a tutto l’album può sembrare più leggera, vuole in realtà proprio diffondere un senso di positività grazie al suo essere corale: qual miglior chiusa con dei violini asciutti a mettere qui il punto?

Contemplare decadi diverse di rock nella musica di Guy Littell non è una forzatura, è una necessità. Come avvenga questo processo è un segreto che solo lui conosce, a noi è concesso solo di ascoltare le sue rivelazioni.

Biophilia

Vincenzo Ticli — Mon, 03 Oct 2011 09:28:33 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Vincenzo Ticli

Genere:

Cantautorato

Elettronica

Etichetta:

One Little Indian

Anno:

2011

Line-Up:

Björk - Vocals, Instruments, Writing, Producing
Graduale Nobili choir - Vocals
Mark Bell - Writing, Producing
16 bit, Leila Arab - Beats, Producing
Damian Taylor, Sjón, Oddný Eir Ævarsdóttir - Writing

Tracklist:

1. Moon
2. Thunderbolt
3. Crystalline
4. Cosmogony
5. Dark Matter
6. Hollow
7. Virus
8. Sacrifice
9. Mutual Core
10. Solstice

Björk

Biophilia

Biophilia, di Björk, non nasce come un semplice album, ma come un progetto che ha la pretesa di essere mastodontico: usando chimerici strumenti musicali partoriti dalla fantasia di Björk stessa, affidandosi alla tecnologia di Ipod e Ipad al punto da costituire il primo vero app-album della storia, esplicitando intenzioni didattiche, il tema affrontato è uno di quelli da sempre a lei cari, ovvero la fusione tra Natura e Scienza, argomento spesso presente in molte altre canzoni della cantante ma qui espresso al massimo delle sue potenzialità. Infatti, descrivendo fenomeni fisici, astrologici, biochimici, si vuole celebrare l'assoluta compenetrazione di Scienza e Natura: la Scienza indaga la Natura, la Natura parla attraverso la Scienza.
Il progetto nella sua complessità è troppo presto per poterlo giudicare, ma il suo concept, che è anche il concept dell'album, è molto interessante.

Il pezzo che apre Biophilia è Moon, ipnotica e oscillante nella sua ciclicità che ricorda quella dell'astro a cui è dedicata, su cui si innesta un cantato granitico e intenso. Crystalline si basa su forsennati tintinnii di gameleste, uno strumento ibrido tra il celeste e il gamelan, e su beats improvvisi e imprevedibili. La voce è chiara, appunto cristallina, e l'intera canzone sembra quasi essere forgiata plasmando il silenzio che la pervade in maniera claustrofobica.
È proprio il silenzio, paradossalmente, il collante che tiene unite le canzoni di Biophilia: il silenzio affiancato al buio, all'oscurità che è la vera colonna vertebrale di questi pezzi. È il caso di Thunderbolt, dedicata ai fulmini e, come un fulmine, solenne e incostante, spezzata nelle sue pause improvvise e nelle sue pulsazioni quasi dubstep, tormentata nei suoi cori e nei misteriosi tratteggi sonori che simulano l'energia dei tuoni. Mutual Core ha una carica distruttiva nei violenti colpi elettronici che si alternano al lugubre organo che costituisce l'ossatura del pezzo, ma è Sacrifice, ovvero il brano migliore, la vera discesa agli inferi, il punto in cui le tenebre sembrano infittirsi. La melodia è imbastita su semplici, marmorei tocchi di sharpsichord, un enorme carillon che suona come se gigantesche campane tubolari venissero percosse da martelli metallici, un suono profondo, cupo, che accompagna il canto a tratti sussurrato di una Björk riflessiva.
Poche sono le luci che fendono il buio: Cosmogony, nella sua corale dolcezza quasi oracolare, canta dell'universo e delle sue origini con ammirata meraviglia, e Virus, dall'appeal che ricorda molto quello di Vespertine, è un delicato canto di un amore viscerale e strenuamente ricercato, cullato sulla percussione smorzata dell'hang drum, una canzone trascinante nel suo tormento imperterrito, ululato con la feroce grazia di un paziente cacciatore.

Biophilia, ad oggi, è senza dubbio l'album più ostico di Björk: il suo ascolto è spiazzante, imprevedibile. Björk si mette per la prima volta veramente a nudo, esponendo le sue debolezze che prendono forma nelle canzoni: le melodie sono molto varie, alcune sono lineari, altre dissonanti e discontinue, come nel caso di Hollow e dei suoi stranianti polirtmi, e in molti casi sembra che la linea musicale e quella vocale, come anche quella ritmica, prendano direzioni diverse. In realtà, ad un ascolto più approfondito si coglie la perfezione delle architetture, che però appaiono circondate da un'oscurità tangibile, a volte pesante, potenziata dal canto e dall'interpretazione di una Björk non addolorata nè disperata, ma gelida e impulsiva nello stesso momento. È un album fatto di tagli, di incongruenze, fatto di spigoli che non vengono ammorbiditi e che è inevitabile che ci siano, in quanto riesce ad evocare realtà immense nella sua complessiva brevità: da una parte Scienza e Natura, compagne indissolubili e indifferenti nella loro enormità, dall'altra Björk, piccola e meravigliata nella sua intima inquietudine.

Rojo

Gabriele Bartolini — Mon, 12 Sep 2011 15:06:34 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Rock

Cantautorato

Etichetta:

La Tempesta

Anno:

2011

Line-Up:

-Giorgio Canali - voce e chitarra
-Marco Greco - chitarra
-Luca Martelli - batteria
-Giovanni Fanelli - basso
-Steve Dal Col - chitarra

Tracklist:

01. Regola #1
02. Ci sarà
03. La tempesta (feat. Angela Baraldi)
04. Carmagnola #3
05. Controvento
06. Morire di noja
07. Treno di mezzanotte
08. Sai dove
09. Un crepuscolo qualunque
10. Risoluzione strategica #6
11. Orfani dei cieli

Giorgio Canali & Rossofuoco

Rojo

Un Giorgio Canali esagerato. Ma anche incazzato, stufato, poetico e romantico. Apocalittico. Lasciata a casa l' ira che per quattro anni l' aveva inibito ( "Che posso farci se mi guardo intorno e l'unica cosa che mi viene da scrivere è "porcodìo"?", aveva recentemente dichiarato) e costretto a "rallentare" il proprio percorso con Nostra Signora della Dinamite, l' uscita più introspettiva ed intimista del Nostro, riesce abilmente a ripercorrere il solco di Tutti Contro Tutti con Rojo, tornando a suonare rock 'n' roll ed amplificando le sue gesta con quello che è il suo miglior lavoro inciso con i Rossofuoco. Da segnalare nuovi cambiamenti nella band che ormai ha supportato tutta la sua carriera solista, con il nuovo innesto di Steve Dal Col ( ex chitarrista dei Frigidaire Tango) e l' uscita forse temporanea di Claude Saut a favore di Giovanni Fanelli al basso, ma la novità decisiva rispetto al precedente capitolo è il ritorno della viscerale inquietudine e della rabbia vomitevole di Giorgio Canali che senza bisogno di conferme lo avrà accompagnato in questi tempi bui riducendolo sull' orlo di una crisi di nervi.

Parole che qui scorrono incredibilmente naturali, mai banali e non per forza ricercate ma soprattutto accese da un sentimento umano che arde ancora, sebbene nascosto dai falsi valori di cui oggi ci cibiamo. Una copertina sfuocata, quasi oscurata anch' essa dai fumogeni: Giorgio Canali vede rosso, ed incita alla rivoluzione, consapevole che non si torna più indietro ma anche che l' affare italiano è, al momento, insostenibile. Non si tratta, sebbene i colori possano ingannare, però di una rivolta faziosa per difendere i propri interessi, ma bensì dell' ultimo irresistibile tentativo di rispedire a casa questa realtà di fantasia fatta dei soliti miliardari al potere, dei fantocci che provvedono ad aggradarli e delle mille altre maschere che negli ultimi anni hanno avuto il merito di far smarrire quell' etica comportamentale capace di distinguerci dalle bestie. Un attacco in piena regola alla Versailles del nostro Luigi XVI con in testa la democrazia incarnata nella carmagnola per dimostrare che si può ancora amare, ridere, scherzare, odiare, divertire, annoiare... Insomma, chiarire per l' ennesima volta che nessuno, qua sotto, vuole sopperire con un senso di apatia ai falsi insegnamenti che da lassù ci stanno fornendo. In particolare, Giorgio Canali rispolvera il termine libertà per usarlo sapientemente sulla popolazione media, abbindolata dai giornali e dalle televisioni, questi ultimi giudicati colpevoli a tutti gli effetti delle vergognose pratiche di ipnosi effettuate con reality e surrogati vari.

E se per quanto riguarda i contenuti Rojo si antepone come un' opera di denuncia irrinunciabile se pensiamo a quanto sta accadendo oggi in Italia, altresì dal punto di vista della musica il lavoro ha il pregio di non ibernarsi in quei precisi stilemi degli ultimi dischi, che prevedevano l' alternarsi di mood talvolta aggressivi talvolta tediosi e narcolettici, ma, semmai, è proprio per la caratura delle melodie che va senza alcun limite considerato come il migliore dei Giorgio Canali & Rossofuoco. Mai come adesso infatti le sonorità si dimostrano incendiarie, vive e taglienti: per le sue trame intrise di nervosismo, Rojo è più vicino di quanto si possa credere all' esordio Che Fine Ha Fatto Lazlotòz, sebbene questo contenesse i compendi tipici del post-rock collegabili alle due personalità di spicco che il panorama degli anni '90 ci riservava, ovvero Emidio Clementi ed Umberto Palazzo. Proprio come i Massimo Volume di Cattive Abitudifni, i Giorgio Canali & Rossofuoco si vedono costretti ad affrontare il problema di collaudare elementi vecchi con elementi nuovi, ed anche questa volta l' alternanza paga eccome: il suono, letteralmente, scorre fluido e denso, perfetto nei cambi armonici quanto tagliente nelle staffilate polemiche. Oltre a questo, c'è una nuova forma di perfezionismo in fase di produzione e mixaggio che invade un pò tutte le tracce da cui ne escono rinforzate il basso e la chitarra, tanto da far pregustare con vere e proprie scariche sonore quella che si prospetta essere un' eccitante dimensione live.

Fin dalla prima traccia, impossibile prendere una posizione a metà: da dentro o fuori, così potremo riassumere la musica di Giorgio Canali. Regola #1 è un input terrificante: tanta verità condensata in un solo brano mi era attualmente ignota, ma questa sorta di talking-over serrato e teso può già considerarsi come un vero e proprio tentativo di purificazione da troppa ipocrisia accumulata. Carmagnola #3 è molto probabilmente la canzone che ha dato il via alla stesura delle altre tracce, un inno cattivo ed acido dai toni febbricitanti per cercare di tramutare in realtà LA rivoluzione che fino ad adesso abbiamo solo sognato: in definitva, il vero pezzo di Giorgio Canali. E se Morire di Noja macina riff a profusione inseguendo a mille all' ora la voglia irrefrenabile di riottenere la libertà di scelta ( curioso poi osservare come le parole "crolla", "brucia", "balla" fortifichino il senso figurativo tra uomo ed inferno), Sai Dove azzera in un sol colpo i tanto decantati esordi di Vasco ( Rossi) con un testo abbacinante sensibilmente e sfacciatamente romantico nelle sue volgarità sparate in particolare alla Chiesa, un punto fisso del Canali pensiero. Si chiude il ciclo di brani a tema politico con Risoluzione Strategica #6, lucida critica al singolo cittadino colpevole di essersi prima schiavizzato da solo provocando il ritorno del medioevo, per poi aver cercato una sorta di timida guerra civile ( "Dovevate scegliarvi quando era ora [...] Dovevate svegliarvi quando il fuoco era acceso"), il tutto su una base musicale hard-rock che ricorda i Litfiba, con cui lo stesso Giorgio ha collaborato successivamente all' esperienza CCCP e precedentemente ai CSI, oppure somigliante anche all' ardore Noir Désir. Per ultimo, ma non per questo meno importante, arriva il lato sentimentale della faccenda, una serie di brani che, interrompendo i ritmi ossessivi, si prodigano in una serie di evoluzioni poetiche tutte da seguire. Ci Sarà viene cosparsa da armoniche dylaniane per dare espressione ad un ritmo infernale che intende evocare uno sfrenato messaggio di speranza, mentre La Solita Tempesa, cantata insieme ad Angela Baraldi - Già presente con lui nel tour di tributo ai Joy Division - Rivela un lato cantautoriale di spessa fattura, con quest' ultima ben adagiata nel ruolo da Paola Turci affidatogli. Controvento e Treno di Mezzanotte, più di dieci minuti in totale, tra distorsioni - la prima - e scariche subito sopite - la seconda - aprono la scena alle vite comuni, velate da un retrogusto metropolitano fumoso ed inquieto. A chiudere la sequenza di undici brani arrivano Un Crepuscolo Qualunque, suonata con un tiro da wavers incalliti, e Orfani dei Cieli, che ricorda al suo figlioccio Vasco ( Brondi) quanta esperienza ancora debba acquisire per provare a stregare con un outro del genere.

Nuove melodie, nuovi testi. Giorgio Canali si ripresenta al pubblico visibilmente ringiovanito e forte. Più che il suo aspetto, Rojo ne è la dimostrazione: un disco che rispecchia in sè e per sè le tematiche già affrontate, ma che a differenza degli altri episodi risulta incontrollabile nella musica, capace di inondare con scheggie sonore la vostra stanza. Una evoluzione a tutto tondo per un artista che sembrava già aver trovato dei precisi canoni per i propri brani, ma che adesso si ritrova incredibilmente l' unico interprete a parlare dei valori per cui dovremo combattere e di altri per cui dovremo, semplicemente, indignarci. Indispensabile.

Marinai, Profeti e Balene

Gabriele Bartolini — Thu, 30 Jun 2011 22:58:24 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Pop

Cantautorato

Etichetta:

La Cùpa / Wea

Anno:

2011

Link correlati:

Sito ufficiale Vinicio Capossela

Line-Up:

-Vinicio Capossela

-Psarantonis

-Ribot

-Jimmy Villotti

-Ares Tavolazzi

-Antonio Marangolo

-Cabo San Roque

-Calexico

-Drunk Sailors

-Mitici Angioletti

-Actores Alidos

-Coro degli Apocrifi

-Sorelle Marinetti

Tracklist:

Primo disco:

01. Il Grande Leviatano

02. L' Oceano Oilalà

03. Pryntyl

04. Polpo d' Amor

05. Lord Jim

06. La Bianchezza della Balena

07. Billy Budd

08. I Fuochi Fatui

09. Job

10. La Lancia del Pelide

Secondo disco:

01. Goliath

02. Vinocolo

03. Le Pleiadi

04. Aedo

05. La Madonna delle Conchiglie

06. Calipso

07. Dimmi Tiresia

08. Nostos

09. Le Sirene

Vinicio Capossela

Marinai, Profeti e Balene

L' ultima volta lo avevamo lasciato alle prese con Antonio DiMartino, che aveva tentato di ucciderlo perché piaceva alla sua ragazza. Ma Vinicio Capossela, che di avventure ne ha passate tante, non si è arreso, riprendendosi in fretta dallo shock e tornando in studio( in verità ha scelto più di una location), ad un anno esatto dal best of The Story Faced-Man, compilation antologica seguita da un tour all' estero tra Canada, Inghilterra e Stati Uniti molto ben accolto persino dalla stampa internazionale come ad esempio Mojo. Ma questa volta ha voluto fare le cose in grande. E se un tipo come Capossela decide di fare le cose sul serio, ci si deve aspettare di tutto. Ma proprio di tutto, anche che registri diciannove canzoni riguardanti il mare e le sue avventure, traendo spunto dal Moby Dick di Melville, racchiundendo il tutto in due dischi. E infatti, così è successo. Trovato l' abbigliamento adatto ( quello della foto), ha radunato più coristi ed amici possibili ( tra cui spuntano sicuramente i Calexico) per mettere insieme una vera e propria opera, con protagonisti, personaggi, antagonisti, comparse e tutto il resto. Come vedremo, Vinicio si caricherà sulle spalle tutto l' onere dei testi, narrando ( non sempre in prima persona) nella prima parte con un tiro molto più energico, facendo entrare tante parti in scena, per poi acquisire pacatezza nella seconda parte, senza naturalmente perdere la sua espressività. Questa sembra una chiara mossa per annientare le critiche ricevute con Da Solo, suonato e composto, come da nome, unicamente da lui, altrimenti non si spiegherebbe l' impiego di una simile task force. In seconda battuta, sarà interessante vedere le differenze di stili con cui due cantautori come Capossela e Benvegnù hanno deciso di interpretare uno scritto come quello di Herman Melville, considerando che anche l' artista milanese nel suo recente Hermann aveva preso spunto da questa fonte. In realtà, si dimostreranno veritiere le parole di Paolo pronunciate nella nostra intervista, dove si era detto felice per la "visione" del cantautorato italiano, spiegando come ogni ensamble, a suo modo e con la giusta diversità, tenti almeno di andare in profondità sfiorando gli astri, riportando così in auge l' idea di un concept che riesca ad appassionare anche l' ascoltatore, che come nel caso di Marinai, Profeti e Balene si senta partecipe attivamente all' ascolto, immergendosi in queste avventure capitanate da nientemeno che Vinicio Capossela.

Nelle prime dieci tracce, definite dall' autore come oceaniche, appare evidente l' intento che si prefigge con Marinai, Profeti e Balene quando lo definisce come una Marina Commedia. Lui vuole installare negli amplificatori di casa nostra una odissea, incentrata su una musica facilmente intercettabile con l' immaginazione. Evocativa in tal senso la passerella di ruoli che troviamo all' interno dell' equipaggio, ognuno affrontato con un diverso mood e molto spesso anche con diversa strumentazione. Come dicevamo, in questo primo capitolo Capossela si sbraccia, agitandosi tutto indaffarato nel cercare di cogliere i vari aspetti legati ad un concept di tale portata. Certo, i brani di stampo puramente suo, quelli scanzonati e ricchi di un' ironia tipicamente italiana, abbondano fin troppo, ma finché riuscirà a mantenere tali standard qualitativi non saremo di certo noi a precludergli questo piacere. E così, tra una bevuta di whisky al saloon accompagnata dai cori dei marinai ( L' Oceano Oilalà), abbondante umorismo infantile da Walt Disney ( Pryntyl) e danze arricchite dalle rime del Nostro ( Polpo D' Amor), si trovano esempi di puro stampo classico solenne fatti di pianoforte ed organo ( l' intro Il Grande Leviatano) oppure di spenzieratezza incredibilmente autentica e credibile ( i brani Lord Jim e Billy Budd, ispirati dalle novelle omonime di Joseph Conrad e Melville, di nuovo). Per poi affrontare i pezzi più intensi, dalla dipartita folk alla De André di Job, riguardanti temi religiosi e spirituali, alle due "caverne" oscure di I Fuochi Fatui e La Lancia Del Pelide per arrivare a La Bianchezza Della Balena, il brano forse più rappresentativo del lotto, arricchito dalle preziosissime voci dei Mitici Angioletti. Il primo disco riesce a conquistare, soprattutto per i tanti riferimenti ed una intensità più che adatta al tenore dell' opera. Bisognerà comunque attendere al varco la seconda parte comunque, considerando che dovrà cercare di distanziarsi, anche in minima parte, dai metodi qui utilizzati, onde incappare in numeri ripetitivi o far appesantire il tutto.

Nelle restanti nove tracce, rappresentanti il secondo disco, definito da Vinicio stesso come omerico e mediterraneo, continua invece la marina commedia con toni più rilassati, o se permettete più cantautorialmente soli. Vinicio Capossela, che oltre ad essere un poeta è anche un polistrumentista ed appassionato di strumenti insoliti, esce dal vivo della nave, per tornare al timone, facendo uscire in questo modo le parole in maniera più intimista e narrativa, eccezion fatta per la corale Nostos, dove i violini scandiscono una melodia maggiormente evoluta rispetto alle altre. E così, armato di viola d' amore barocca, sega musicale, ondioline e theremin, avvolge in melodie dolci e meno contorzioniste la narrazione, qui più spoglia e non accompagnata da cori. Si parte dalla meccanica Goliath, episodio riguardante la famosa balena, introdotta da una musichina tipica dei luna park. Ritmo più spedito per Vinocolo e Calipso, con quest' ultima a disegnare un paesaggio da giardino eden grazie ad archi e percussioni caraibiche ammalianti, che fanno il palio con La Madonna delle Conchiglie per la naturale grazia. In Le Pleiadi trova spazio il pianoforte e poco più, mentre Aedo porta con sè un afflato tipicamente medievale. Dimmi Tiresia è invece un bel pezzo folk, con le derive necessarie a Marinai, Profeti e Balene, che ha tutta l' aria di voler fare da antagonista alle ballate caposseliane. Troppo utopici appaiono invece i ventuno minuti di Le Sirene, abbastanza monotona nel suo andamento di violini e pianoforte.

Conclusasi l' imponente opera, le motivazioni di tutta questa esagerazione appaiono ben chiaro. Capossela, dopo il disco solista intitolato, appunto Da Solo, ha voluto riprendere prepotentemente la situazione sotto controllo, dando una prova di forza, prepotente quanto piacevole per il disco, e rivendicando le sbrodolate lodi che sembrano spettargli ad ogni album. Estroso più di sempre, a lui non serve un' orchestra lirica per narrare un racconto: apre il suo teatrino tingendo di colori la prima parte, decisamente più vivace, per poi concentrare tutte le luci su di sè nel secondo disco. Me lo immagino dietro le quinte, con il suo orrendo cappello da Napoleone, fatto di carta ed orrendo, sudare ed impegnarsi per riuscire a montare la sua personalissima rilettura del Moby Dick nel modo più nobile possibile. Parte infatti dal Castello Aragonese di Ischia a registrare, per riuscire ad avere un suono il più solenne e pulito possibile, per poi andare ad assemblare le altre parti tra Milano, Creta e Berlino, ed alla fine le cure maniacali per queste diciannove tracce si fanno sentire eccome. E alla fine, che sia Ibiza o Tagliata di Cervia, godetevi sotto il sole cocente questo Marinai, Profeti e Balene, magari all' ombra di un ombrellone, seduti su una sedia a sdraio, ad occhi aperti verso il mare. Scrutate bene l' orizzonte, mi raccomando. Chissà se la ciurma di capitan Capossela non possa attraccare in spiaggia.

Vol. 2 - Poveri Cristi

Gabriele Bartolini — Sat, 11 Jun 2011 13:34:57 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Cantautorato

Etichetta:

Picicca Dischi

Anno:

2011

Link correlati:

Picicca Dischi

Line-Up:

- Dario Brunori - Voce, composizione musiche
- Dente - Voce in 5
- DiMartino - Voce in 8

Tracklist:

1. Il Giovane Mario
2. Lei, lui, Firenze
3. Rosa
4. Una Domenica Notte
5. Il suo Sorriso (con Dente)
6. La Mosca
7. Bruno mio dove sei
8. Animal colletti (con DiMartino)
9. Tre Capelli sul Comò
10. Fra milioni di Stelle

Brunori Sas

Vol. 2 - Poveri Cristi

Solo pochi giorni fa, a proposito di una new entry, I Cani, avevo posto l'attenzione su quello che si potrebbe definire il disco italiano più atteso dell'anno. Dal punto di vista dell' appassionato di cantautorato medio, il secondo disco in studio di Brunori Sas potrebbe essere uno dei papabibili vincitori di questa speciale (quanto inutile) classifica, con rispetto dei vari Capossela, Benvegnù, Donà ed altri. Costruito su solide idee di base, il progetto di Dario Brunori riuscì ad aggiudicarsi infatti nel 2009 il premio Ciampi come migliore esordio. Targa di buon auspicio, considerando che chi è riuscito a vincerla sta conducendo una carriera musicale di tutto rispetto adesso. Ma, al di là di ogni statistica, Vol. 1 aveva tutte le carte in regola per ricevere gli elogi ricevuti, ricco dell' antica ricetta di calda ed umile scrittura com'era. Irresistibili i passi autobiografici come Guardia '82 e Nanà, accativanti ed ironici pure i riferimenti all' Italian Dandy, convincenti soprattutto per l'appeal radiofonico da musica leggera.

Nel Vol. 2 invece, Brunori Sas si libera dello status di eterno e finto allegro per cercare una nuova evoluzione, destinata inevitabilmente a mostrare oltre che un aspetto adulto di Dario anche una maggiore capacità di scrittura e narrativa. Meno rime fantasiose e felici quindi, ma più attinenza al cinico scorrere del tempo odierno, che si porta con sè le simpatiche avventure italiane ma soprattutto i disagi degli over fourty in crisi di identità e i fallimenti in amore, raccontati con uno spirito ironico e disilluso oppure con un taglio triste ma putroppo anche più veritiero. Si sente che durante lo scorrere delle dieci tracce Brunori è più consapevole e sicuro di sè: la voce è meno squillante o tremolante, per niente preoccupata di toccare modelli vocali già noti, ma anzi riesce anche a giocare benissimo con gli illustri due ospiti presenti sul disco, ovvero gli altrettanto promettenti Antonio DiMartino e Dente. Importanti altresì le parti melodiche, rappresentate da composizioni orchestrali della musica pop che molto spesso nascono dalla tipica sezione acustica di Vol. 1, liberandosi a sprazzi in manifestazioni di fiati, flauti e violini, deliziosi e perfetti per accompagnare i testi più spensierati. Si pesca sempre dal quotidiano, ponendo lo sguardo verso un Italia sempre più obbligata a confrontarsi con l'instabilità delle nuove famiglie, alle prese con l' incertezza di un lavoro precario e mal pagato, ma riguardanti anche la morte (più precisamente il suicidio), gli amori ed una ricerca della quotidiana felicità (considerando che quella eterna sembra ormai essere trattata nei libri di filosofia).

Ad aprire Vol. 2 - Poveri Cristi è Il giovane Mario, efficace storia (una delle tante) di chi non sopporta più vivere nella povertà e nella crudeltà di una routine senza sorprese, cantata con personalità e garbo dal direttore in accomandita semplice. Lui, lei e Firenze è più cinematografica, con quel savoir faire pop che ricorda temi retrò, o che comunque la accomuna al Mauro Ermanno Giovanardi del disco solista, solo un pò più sognatore. Rosa, per il folk 'n' roll elettrizzante, ha rimandi sin troppo evidenti ai Pan Del Diavolo, prima ancora che a Rino Gaetano, di cui sembra sentire ovviamente la voce, mentre Una Domenica Notte è cullante nel mood, molto simile a quello degli ex compagni di etichetta Dilaila, ma rassegnata da un mal di vita nel testo, che abbraccia per la prima volta il tema della partenza. Sgargiante e simpatico il duetto (d'altri tempi) con Dente in Il Suo Sorriso, scazzata e melodica, come vuole lo stile dell' artista di Fidenza, qui un pò più in versione Bugo. La Mosca ci riporta in pieno Vol. 1, con quella struttura solo acustica sorretta dalle melodie vocali dell'ex imprenditore, mentre Bruno Mio Dove Sei è un'invocazione struggente di una donna che ha capito il valore della felicità solo dopo aver perso il marito. Animal Colletti ironizza, nella festosa disperazione palermitana di DiMartino, sul tema del suicidio facendo da contraltare a Tre Capelli Sul Como, che mischia realtà e cabaret alla maniera dei Perturbazione. Finale riservato ancora una volta a ritmi tradizionali con Fra Milioni Di Stelle, che come Stella D' Argento del precedente disco chiude narrando le milioni di stelle che ogni giorno animano il paese più suggestivo ed istrionico del mondo, legato alle dicerie popolari quanto ai profeti.

Ancora una volta Brunori Sas domina l'attenzione, con quel suo modo tutto particolare di trascinarci lungo i sobborghi e le periferie d' Italia, mostrando problemi e felicità fugaci. Vol. 2 - Poveri Cristi è il successivo e naturale step di Vol. 1, che migliora per la parte musicale ma che non si dimentica della prosa e del racconto tipico solo a chi ha scelto di fare il mestiere del cantautore. Romantico, sarcastico e, all' occorrenza, anche diretto: non manca proprio nulla a Dario Brunori, che in questo suo personalissimo carosello di quaranta minuti non si dimentica proprio di nessuno, coinvolgendo ogni frangia del popolo nostrano. Ribadendo ancora una volta di essere uno dei pochi ad avere tanti assi e poche figure nel proprio mazzo. Chapeau.

Demolished Thoughts

Gabriele Bartolini — Fri, 27 May 2011 13:48:01 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Cantautorato

Folk Rock

Etichetta:

Matador

Anno:

2011

Link correlati:

Matador records

Line-Up:

-Thurston Moore - Voce, chitarra acustica
-Samara Lubelski - Violino
-Mary Lattimore - Arpa
-Bill Nace - Chitarra
-Joey Waronker - Batteria
-Bram Inscore - Basso
-Beck Hansen - Cori

Tracklist:

1. Benediction
2. Illuminine
3. Circulation
4. Blood Never Lies
5. Orchard Street
6. In Silver Rain With a Paper Key
7. Mina Loy
8. Space
9. January

Thurston Moore

Demolished Thoughts

"Whisper "I love you my darling, life is just a fling" / But I know better than to let her go"

Thurston Moore, il tutto fare della musica rock, dopo nemmeno un anno dall' incisione della soundtrack per il film francese Simon Werner a Disparu torna con un nuovo album, il quarto in veste solista, intitolato Demolished Thoughts. Certamente non è uno di quegli artisti che si fanno attendere nella pubblicazione di nuovo materiale, considerato che fin dagli anni '80 non ha mai nascosto niente ai propri fan, incidendo dischi non appena il numero di brani lo permetteva, riuscendo addirittura a dare alle stampe nel 2006 un lavoro interamente dedicato a b-side e rarità. Così come tanti sono i generi che sono stati suonati ed esplorati dall' artista americano, dai quali gli stessi Sonic Youth sono stati naturalmente influenzati, a partire dalla no-wave di Confusion is Sex per finire con l' indie/rock "pulito" di Rather Ripped, considerando che l' ultimo The Eternal, anche primo con la Matador, ha segnato un ritorno alle origini per il quartetto. Thurston si imbarca verso la via del folk, interpretato sì in maniera acustica, ma arricchito di ulteriori parti sonore a cui non daremo il giusto merito se ci limitassimo ad etichettare Demolished Thoughts come un disco di solo folk acustico. Nella line-up attuale l' unico membro già presente nel suo personale ensemble è la violoncellista Samara Lubelski, per il resto il gruppo è composto da Mary Lattimore all' arpa, il chitarrista Bill Nace più il bassista Bram Inscore e il batterista Joey Waronker, ormai musicisti fissi.

Questa volta Moore decide di interpretare le nove tracce con un mood soffuso e rilassato, senza ovviamente farsi carico di tutti i suoni, ma costruendo come suo solito composizioni notevoli con gli strumenti a sua disposizione, deviando più volte la sua personale narrazione in prima persona con violino ed arpe, facendo rallentare i ritmi ed entrando in una cappa sonora a suo modo tipica delle sonorità dei Sonic Youth, separando quindi con parti strumentali spesso malinconiche parti del cantato, in modo da farlo risultare spontaneo e per niente dispersivo. Un altro grande plauso va indirizzato sicuramente all' altro ingegnere del suono presente in fase di registrazione, che corrisponde al nome di Beck Hansen. Da chitarrista patentato qual'è dimostra una certa mania nel far risaltare le parti composte a dodici corde, ma allo stesso tempo ad inserire a volumi prepotenti le altri parti, dai riverberi controllati provenienti dal basso fino alle orchestrazioni ricche di un' espressività sicuramente fuori dal comune. Rispetto al precedente Trees Outside the Academy il lavoro è spiccatamente più confidenziale, meno attaccato alla band sonica ma suo, in tutti i sensi. Questo approccio più libero e distaccato permette di tornare indietro nel tempo agli album maggiormente sperimentali; in particolare i suoni, meno rock e più curati, sembrano essere quelli di Murray Street, ambizioso ed altrettanto meritevole album del 2002. Il paragone con lo stesso Beck sembra non avere significato per tematiche trattate e percorsi sonori, anche se in un certo senso le versioni più acustiche possono avvicinarsi pure al suo stile.

Entrando nell' ottica di analisi delle tracce di Demolished Thoughts, si nota come i primi quattro brani siano costruiti su una metrica puramente folk e pop, dotati di un ritornello e di una base stabile e adattata, mentre nella rimanente parte Moore imbracci prepotentemente la propria chitarra e si metta a scervellarsi al fine di inventare la melodia da far evolvere e magari mutare a proprio piacimento. Si parte con il suono di Benediction, tutt' altro che complicato ma allo stesso tempo profumato e fragrante, apparentemente animato da sospiri struggenti e tristi. Illuminine presenta invece un aria più sognante, un' atmosfera sospesa tra la pesantezza della Terra e la leggerezza del cielo. La forza di gravità ci spinge giù, evidenziando il suono cinico e rock di Circulation, ma soprattutto le problematiche ( riguardanti l' amore e non) dell' essere umano, qui sintetizzate in un testo che strabocca di buone vibrazioni, in termini qualitativi ed emotivi. Anche in Blood Never Lies il buon Moore ci offre cinque minuti di pura ambrosia, strimpellando e cantando con quella voce da buon saggio, oppure da Dio verrebbe da dire, tanto per concludere con le analogie; in questo episodio il suono è più smunto ed essenziale, solo i violini arricchiscono in maniera evidente la composizione, mentre un timido Beck si fa avanti ai cori. Ma si sa, quando si è fenomeni si può manipolare la propria creatura a piacimento, donando le più disparate sfaccettature, congelando le esecuzioni e giocando a fare melina, ma soprattutto sapendo quando reimpostare la manovra evitando i fischi del pubblico infastidito. Orchard Street è pura energia sonica stranamente in crescendo, lenta ed incisiva, mentre In Silver Rain With a Paper Key riprende le melodie abituali di Demolished Thoughts per andare a comporre un brano che più di tutti evidenzia il lavoro di Hansen. Mina Loy porta in cattedra capacità probabilmente innate, risultando essere una vera e propria calamita per riverberi scuri ed antipatici, seguita da Space, composizione che abbraccia tutti gli strumenti a disposizione, presentando suoni ed echi maggiormente evoluti ma trascinandosi alla fine in maniera piuttosto languida e spenta. Dopo un brano difettoso la chiusura è tutta per January, che suona come qualcosa di puramente etereo, alternando ottimamente la concretezza e l' ermeticità del cantato con la dissolvenza della musica.

In chiusura, cosa aggiungere di nuovo rispetto a ciò che è gia stato detto? Thurston Moore è uno di quei pochissimi artisti capaci di rinnovarsi e migliorarsi cogliendo ogni lato positivo del proprio percorso( non solo musicale) e traendo linfa nuova da questi. Questo suo nuovo disco dimostra perfettamente gli anni che ha, ovvero 52. Dopo una vita passata a suonare rock( di quello sporco, duro e per nulla remunerativo), ad inneggiare contro il nazismo e a far battaglia coi critici svela un lato da cantautore incallito impressionante alle orecchie dell' ascoltatore, letteralmente immerso in questa sorta di personalissimo tentativo di intrattenimento, che abbraccia sì gli stili più popolari della musica ma che sa suonare come qualcosa di innovativo, o perlomeno nuovo. Noi ne prendiamo atto, meravigliandoci di questo Demolished Thoughts, viaggio infelice d' amore tra pianeti, astri e stelle, invitando pure tutti gli appassionati del cantautorato ad avvicinarsi al disco, tutt' altro che un divertissement.

James Blake

Paolo Bellipanni — Fri, 29 Apr 2011 18:23:21 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Cantautorato

Elettronica

Etichetta:

A&M

Anno:

2011

Link correlati:

Sito Ufficiale

Line-Up:

- James Blake - voce, programming

Tracklist:

1. Unluck
2. Wilhelms Scream
3. I Never Learnt To Share
4. Lindesfarne I
5. Lindesfarne II
6. Limit To Your Love
7. Give Me My Month
8. To Care (Like You)
9. Why Don't You Call Me
10. I Mind
11. Measurements

Blake, James

James Blake

Nuova scommessa della musica indipendente britannica, James Blake è il cantautore che non ti aspetti venire fuori in un periodo come il nostro. Si legge che ha iniziato a comporre le prime canzoni nella propria stanza durante il periodo universitario; che la nota R&S Records gli ha messo gli occhi addosso ancora prima che divenisse famoso (cosa che ha invece fatto la furba A&M); poi che la sua Limit to Your Love (cover del brano della canadese Feist) ha regolarmente scalato le posizioni delle chart inglesi. Un ragazzo poco più che ventenne, un londoner, con già in mano un grosso contratto discografico e un disco (omonimo) pronto a graffiare l’anima di mezzo mondo.

Anche grazie alla piattaforma web – che, come sappiamo, permette una diffusione di materiale spaventosa in termini di pubblicità e reperibilità – James Blake ci ha messo veramente poco a diventare il nuovo fenomeno della musica pop/soul contemporanea. Ma guai a pensare che dietro questo nome ci sia un ragazzetto agiato, vuoto e venduto; Blake un bel visino da stampare su ogni strada del mondo ce l’ha, ma il suo sguardo è spento, la sua voce è spezzata, la sua idea di musica maledettamente lontana da ciò che il termine “pop” fa istintivamente balzare in testa.

Canzoni d’amore e smarrimento chiuse in una teca di vetro da cui possiamo osservarle muoversi, strisciare, sussurrare poesie frammentate: l’esordio di James Blake mischia completamente le carte del cantautorato soul comunemente inteso, filtrandolo in un ricercato limbo elettronico in cui si consuma un incrocio sottile (ma estremamente profondo) tra strutture dubstep e un afflato pop-soul che ne smussa la freddezza e la rigidità atmosferica. Gli arrangiamenti del disco sono scarni, a tratti inesistenti (il silenzio sintetico di Lindisfarne I e II, le voci solitarie della più noiosa Measurements), i sottofondi sintetici quasi sfiorano il glitch, logorati da un minimalismo intelligente seppur a tratti eccessivo. Canzoni come The Wilhelm Scream, To Care (Like You), I Mind e l’opener Unluck (migliori episodi dell’album) esprimono quest’atteggiamento compositivo mettendo evidentemente in risalto il contrasto tra il freddo distacco di un’elettronica decostruita e il calore, a tratti appena percepibile, della voce di Blake e dei suoi giochi melodici, piacevoli ma spesso prevedibili. Ad essere messa principalmente in risalto – oltre, ovvio, ai caldi vocalismi di Blake – è quindi la sua invidiabile maestria nella manipolazione sonora (il pianoforte fantasma di Why Don't You Call Me) che veste le trame del disco di forme nebbiose e impenetrabili, assolutamente al di là di qualunque semplice approccio pop/soul al materiale sonoro.

La rivelazione di quest’inizio di 2011 prende così le sembianze di un giovane a metà tra Jan Jelinek e Antony Hegarty tutto cuore, filtri, synth e sequencer. Che si tratti del futuro della musica europea è difficile da dire, di sicuro James Blake ha fatto qualcosa che nessuno prima di lui, nel suo ambito, ha mai fatto: liberare il soul dal suo abito mainstream e avvicinare il cantautorato easylistening alle più complesse (e colte) contaminazioni elettroniche. Per apprezzarlo questo dovrebbe bastare e avanzare.

Anna Calvi

Gabriele Bartolini — Fri, 22 Apr 2011 14:11:40 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Dark Wave

Cantautorato

Etichetta:

Domino

Anno:

2011

Link correlati:

Domino records

Line-Up:

-Anna Calvi - Voce, chitarra

-Daniel Maiden-Wood - Batteria

-Mally Harpez - Polistrumentista

Tracklist:

01. Rider to The Sea

02. No More Words

03. Desire

04. Suzanne & I

05. First We Kiss

06. The Devil

07. Blackout

08. I'll Be Your Man

09. Morning Light

10. Love Won't Be Leaving

Anna Calvi

Anna Calvi: la senti, la guardi, vedi come si atteggia, e poi sentenzi. Anna Calvi è una ragazza viziata, nata quando in TV le grandi star dal rossetto pesante dominavano e i grandi chanteurs la facevano da padrona. Lei, in mancanza di personalità, si è atteggiata. Leggi che nel 2009 ha fatto una cover di David Bowie, e tutto torna. Poi scopri che ha passato gran parte della sua infanzia in ospedale, a curarsi da una malattia rara. La Televisione l' avrà vista sì e no una volta al giorno, per non parlare poi di altri interessi artistici. Allora, forse, tutto cambia. Quel vecchio, ricco e felice mondo 80's l' ha coinvolta dentro le luci, i colori e le passioni di quell' epoca, nonostante le difficoltà. Che per molti non tornerà mai. Lei allora si arma della parola, della musica assimilata da Elvis, dal cantautorato e dalla wave, il dark e la gothic di Cure e Bauhaus e decide di iniziare ad occuparsi di musica. Dal 2006 infatti è ufficialmente in attività, insieme a vere e proprie band, come i Cheap Hotel, con cui registrerà un solo brano. Successivamente troverà in Daniel Maiden-Wood e Mally Harpez le basi per formare il suono che aveva in mente, materializzatosi dapprima con due singoli e poi con questo album omonimo.

Ricco, innanzitutto, di teatralità, inclusi pathos emotivi e recitazione. Anna Calvi infatti di italiano non ha solo il nome, ma anche il padre. Che, a quanto pare, le ha trasmesso fin da bambina la passione per la musica, qui riversata in brani pieni di passione che sfocia nelle chitarre, dal sapore latino, e nella voce, che sembra possedere il dono di saper interpretare tutte le varie emozioni, espresse ad esempio tramite gorgheggi tenebrosi o passi tipicamente lirici, aperti e maestosi. Sì, un disco fatto di emozioni, innanzitutto. Ma forti, eh, rivelatrici di una sensibilità innata, che portano a raffigurare Anna come una bambolina, la stessa di cui si parla in Fee Fi Fo dei Cranberries. " How could you touch something / So innocent and pure / Obscure / How could you get satisfaction / From the body of a child / You're vile, sick". Roba da far sfigurare tutto Palazzo Grazioli, insomma. Ma anche noi, che lungo questi quaranta minuti del disco godiamo del songwriting sopraffino, delle melodie orchestrali che azzerano gli ultimi sbiaditi ricordi sanremesi. Di una timidezza che qui esplode, rivelando un incredibile aspetto umano della bambolina. Già così esperta, spigliata e potente, al primo colpo. Tutt' altra cosa da Joan As Police Woman, che nelle sue esibizioni veste i panni della dura, e nemmeno vicino a Regina Spektor, troppo infantile e ancora immersa nei sogni che faceva da bambina. Ecco, Anna Calvi canta di cose adulte, musicando il tutto con fare da quindicenne, fanatica del perfezionismo, manifestato in una teatralità sopraffina e comune ad altri pochi. Ed è proprio qui, nell' assimilare questi fattori, che già riesce a stregarti.

Tanto che No More Words sembra messa lì apposta, come ad anticipare le esecuzioni che troveremo di lì a poco: la musica segue la voce, a cui basta un "Oh my love" per convincere, riempiendo poi di cori la fine, magistralmente sfumata. Desire poi rivela da subito il lato dark del disco, dove traspaiono le figure del Diavolo e dell' Amore, che come due Dei avversi domineranno la scena. Ricca di percussioni, cori, chitarra e una voce che non rimane mai coperta, ma anzi sembra si diverta a sghattaiolare tra un elemento e l' altro dando vita ad esecuzioni una più bella dell' altra. Come Suzanne & I, dai toni melodrammatici e inquietanti, oppure First We Kiss, dai rimandi vintage, o Blackout, la più ritmata e convincente del lotto. Cullata, con tanto di riferimenti in mezzo ( "Should I fear you or should I just let go?") e poi fatta sbocciare, in tutta la sua purezza.

Una descrizione tanto simile a lei. Perché il vero punto di forza, che lungo questa recensione sono andato a ricercare, è proprio questo: ogni canzone le somiglia. Ed identiche a lei, le note sembrano fiere di essere suonate con così tanta verve emotiva. Un astro nascente, dunque, la cui unica difficoltà in futuro sarà quella di dover cercare di evolvere il proprio sound. Già imponente, dotato di una personalità forte, rimarcata a più riprese. Uno sfoggio di classe e unicità davvero insolito, ancora acerbo e giovane, e per questo sorprendente da sentire. Un' etichetta che a ben altri suoni ci aveva abituato, ma che con questo disco in catalogo riuscirà a tenere testa più che mai alle major. Acquisto a scatola chiusa per i più grandi, sicuramente. Ah, alla fine vince l' Amore, anche se il finale non ve lo avrei dovuto svelare.

Several Shades of Why

Paolo Bellipanni — Wed, 20 Apr 2011 08:09:35 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Roberto De Medici

Genere:

Cantautorato

Folk Rock

Etichetta:

Sub Pop

Anno:

2011

Line-Up:

- J Mascis - voce, chitarra
- Kurt Vile - voce, chitarra, piano, optigan
- Pall Jenkins, voce, lap steel, piano, optigan
- Kevin Drew - voce, clarinetto
- Ben Birdwell - voce
- Suzanne Thorpe - flauto
- Sophie Trudeau - violino
- Kurt Fedora - chitarra
- Matt Valentine - chitarra

Tracklist:

1. Listen to Me
2. Several Shades of Why
3. Not Enough
4. Very Nervous and Love
5. Is It Done
6. Make It Right
7. Where Are You
8. Too Deep
9. Can I
10. What Happened

J Mascis

Several Shades of Why

Sino ad oggi era francamente difficile immaginare i Dinosaur Jr. senza il muro sonoro delle chitarre che li aveva resi tanto apprezzati e imitati. J Mascis riesce invece a spogliarli completamente, dimostrando che oltre la potenza, la complessità e l’efficacia dei suoi assoli ci sono testi, melodie ed atmosfere che non hanno nulla da invidiare agli ultimi lavori di Neil Young, al quale è stato spesso accostato. Come già Eddie Vedder aveva fatto coi Pearl Jam nel 2007, l’ex frontman dei Dinosaur Jr. si libera dalle dolci zavorre delle linee di basso di Barlow e dei colpi decisi della batteria di Emmett Jefferson 'Patrick' Murphy, avviando un processo di catarsi e ripulitura al quale sopravvivono le belle melodie quasi sussurrate, la voce che scivola su accordi semplici ed efficaci, la pulizia del suono. Le collaborazioni di Kurt Vile, Ben Bridwell (Band of Horses) e Kevin Drew (Broken Social Scene) impreziosiscono poi l’album e lo attualizzano senza troppi sforzi.

La critica è concorde nell’incanalare questo nuovo bel lavoro ad un filone quasi folk del cantautorato statunitense. In realtà termini come “folk”, “cantautorale”, sembrano quasi riduttivi; di atmosfere folk non è che ce ne siano poi così tante, i paesaggi attraverso cui immaginiamo muoversi le melodie di “Listen to Me” o “Where Are You” non sono né il New Jersey di Springsteen, né l’arioso Canada di Young, ma un piccolo appartamento di provincia, accogliente, a tratti malinconico e desolato.

La prima cosa di cui ci si accorge ascoltando Several Shades of Why è la disarmante semplicità che accoglie l’ascoltatore sin dalla prima traccia; Listen To Me è un complesso di sincere, intime frasi d’amore ("Listen to me, I can't wait to see you, I can't wait to be you") che scorrono leggere sul familiare timbro di voce di Mascis. La maliconia embrionale della prima traccia esplode poi nel testo e nei definiti arpeggi di Several Shades of Why ("Why should I have time an answer? Several shades of why I can't go back").
Not Enough costituisce probabilmente uno dei motivi per cui l’album viene accostato tanto facilmente ad un rock di matrice folk; il tamburello che ci accompagna sino alla fine, la voce femminile di sottofondo, l’atmosfera più rilassata, ne sono la prova tangibile. Very Nervous and Love torna invece alla corda malinconica, ricordando vagamente “Alone” di “Hand It Over” del 1997. La semplicità con cui qui Mascis continua a dipingere i suoi affreschi si manifesta ora in modo completamente evidente per l’uso quasi minimale che viene fatto di tastiere e chitarre secondarie, con un timido banjo che da lontano si avvicina alla chitarra principale.
Is It Done non è memorabile, ma viene impreziosita dall’irrefrenabile voglia di Mascis di distendere un assolo sporco, preciso e melodico. Il gioco è fatto, la distorsione è stata introdotta, e Make It Right è una rilassata melodia che si stende per 3 minuti e mezzo di incastri sonori tra una chitarra acustica e un paio di tracce distorte in sottofondo.
Where Are You è forse il momento più riuscito dell’album, la melodia della voce è orecchiabile, ritmica, semplicemente perfetta, e si alterna ad un riff elettrico che impreziosisce il tutto conferendo alla canzone un taglio più stimolante.
Too Deep è posizionata nella parte finale del lavoro, ed è una scelta felice; il movimento delle dita di Mascis sull’acustica è ipnotico e tiene fermo l’ascoltatore lì dov’è: 2 minuti di parziale incoscienza sonora che fungono quasi da anticamera alla esasperante tristezza di Can I ("Again I'm lonely lonely lonely all the time, can I feel the way but there's no peace to find"). Qui le posizioni si invertono, J Mascis mischia le carte, e mentre la chitarra elettrica spara malinconici accordi minori, quella acustica vi disegna un elengantissimo assolo.
What Happened è un tranquillo pezzo pop, che scorre senza grandi sussulti, forse il pezzo meno interessante dell’album, che però ben si presta alla chiusura per il finale in crescendo, le chitarre che si sovrappongono tra loro e l’assolo di commiato che J Mascis generosamente ci regala.

Il capellone induista scompare così, nascosto tra le sue distorsioni, quasi a voler ribadire che sì, la semplicità affascina e conquista, ma il suo diamante prezioso sarà per sempre una cattivissima Fender Jazzmaster che forse, in fondo al cuore, già rimpiange.

Alonetogether

Giulio Magliulo — Wed, 23 Nov 2016 05:13:28 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Cantautorato

Folk Rock

Etichetta:

Dotto

Anno:

2016

Line-Up:

Michele Sarda: voice, guitars, bass
Enrico Viarengo: guitars on #1 and #5, vocals on #1, #3, #4, #10, synth on #3
Ulisse Moretti: drums on #6, melodica on #5
Loris Spanu: self-built Theremin on #8
Roberto Necco: banjo on #10

Tracklist:

	1.	Ask the stars 04:05
	2.	Better than yesterday, worse than tomorrow 04:10
	3.	November 04:06
	4.	Stranded 02:45
	5.	Christmas eve lonesome bitterness blues 05:41
	6.	Outcast manifesto 01:49
	7.	You & I 03:09
	8.	Girl interrupted 02:00
	9.	One for the missing 03:08
	10.	Scenes from a wedding 03:11
	11.	Winterlight 01:37

Neverwhere

Alonetogether

Capita che a cantare in inglese in Italia - al di là dell'ovvia barriera linguistica - si rischia di essere poco credibili quando è una sensazione di debolezza del progetto artistico a prevalere.
Questo è meno evidente nelle formazioni rock o elettroniche, ma quando ci si mette a nudo come nel cantautorato acustico è più facile che possa succedere.
Insieme a Guy Littell e ai Pristine Moods ora c'è anche Neverwehere ad ambire alle sedie di quelli che invece lo fanno bene.
Neverwhere, nome d'arte di Michele Sarda (bassista dei New Adventures in Lo-Fi e chitarrista degli American Splendor) in questo debutto solista contempla davvero tutte le migliori influenze di 'genere' degli ultimi trent'anni, riuscendo a prendere perfino quel poco di buono che c'era nel New Acoustic Movement di metà anni novanta, unendolo alla levità di certo cantautorato folk di matrice nordeuropea anni zero e andando ancora più indietro, a ripescare la scena intimista di personaggi e formazioni mitiche quali Mark Eitzel o Spain.
Qualche scossa elettrica è mutuata invece dai Replacements che insieme ai riverberi dei R.E.M.chiudono il cerchio.
November e Ask The Stars le tracce che rappresentano al meglio il talento di Neverwhere e le gioie nascoste di un disco come Alonetogether, ascolto ideale per la stagione che stiamo vivendo e per quella che verrà.

Ciclo di Lavaggio

Giulio Magliulo — Sun, 10 Apr 2016 11:34:06 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Noise

Cantautorato

Alternative Rock

Etichetta:

Dry-Art Record

Anno:

2016

Line-Up:

Massimiliano Martines - Voce e cori

Vince Pastano - chitarre, cori e programmazione elettronica

Antonello D'Urso - bassi e programmazione elettronica

Max Messina - batteria e percussioni

Ignazio Orlando - basso (7)

Tracklist:

1. Amo le novità 3:33
2. Tutto uguale 3:37
3. Perla nera 5:22
4. La polvere 3:12
5. La scatola e l’inganno 5:33
6. Ciclo di lavaggio 3:36
7. La guerra dei fiori rossi 4:53
8. I colori dell’autunno 3:48
9. Mi sto preparando 2:14
10. Sogni neri 6:41

Massimiliano Martines

Ciclo di Lavaggio

Un disco scuro, cupo, questo terzo di Massimiliano Martines, pugliese attivo a Bologna dall'importante background artistico che lo vede regista, attore, poeta e direttore artistico.

In un'altra epoca lo avremmo potuto definire un manifesto di disagio post-punk allo stato puro che trova tregua dalla violenza sonica rifugiandosi nel monologo interiore senza nessuna paura di partorire immagini da incubo e determinare un senso di disfatta generale.

Le chitarre tirate e storte non sono proprio quello che ci si aspetta da un disco cantautorale, ma Ciclo Di Lavaggio invece è proprio così ed emerge quasi cattivo dal suo substrato alternative noise, sia italiano che quello midwest statunintense dei novanta.

Suoni distorti e disturbanti su un recitato nevrotico ed acido da teatro sperimentale che si alternano a distese malinconiche post-core d'autore, se possibile.
Filastrocche nere e visionarie che rimettono in gioco la parte attoriale e reminiscenze di Marlene Kuntz e CCCP ma anche lente e minacciose movenze post-rock.

Un disco di sicuro impatto, complesso ma immediato, poetico e violento, che non può passare inosservato e che rompe le dighe del cantautorato italiano contemporaneo dai colori incerti.