Sludge

Eyehategod

Giulio Magliulo — Fri, 29 Aug 2014 18:10:47 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Sludge

Etichetta:

Housecore/Century Media

Anno:

2014

Line-Up:

Mike Williams – lead vocals

Jimmy Bower – guitars

Brian Patton – guitars

Gary Mader – bass

Aaron Hill – drums

Tracklist:

01 – “Agitation! Propaganda!“

 02 – “Trying To Crack The Hard Dollar“

 03 – “Parish Motel Sickness“ 

04 – “Quitter’s Offensive“

 05 – “Nobody Told Me“

 06 – “Worthless Rescue“

 07 – “Framed To The Wall“

 08 – “Robitussin And Rejection“ 

09 – “Flags And Cities Bound“ 

10 – “Medicine Noose“ 

11 – “The Age Of Bootcamp“

Eyehategod

Dopo quattordici anni i signori degli acquitrini di New Orleans riemergono.

Quattordici anni vissuti pericolosamente come si poteva immaginare, tra arresti, uragano Katrina (che nella cruda realtà e senza i filtri dei media è qualcosa di meno esotico di quel che ci è apparso), dipendenze, eccessi e decessi, il più tragico quello dello scorso anno relativo al batterista e membro fondatore Joe LaCaze.

In verità non che si siano mai fermati gli Eyehategod tra live, compilation e singoli, ma tre lustri per aspettare un full-length son davvero tanti e allora la prima cosa da fare è chiamare l'album Eyehategod, come a dire 'noi siamo gli Eyehategod e siamo qui!'.

Cosa è cambiato in questi anni? Dal punto di vista emotivo, diremmo niente: il disagio, il male di vivere è lo stesso, se non peggiorato.

Da quello espressivo invece questa consapevolezza dei propri sentimenti, questa chiarezza d'animo e di testa (certo, parlare di lucidità per gli Eyehategod può sembrare un eufemismo ma provate a comprendere ed accettare questo strano concetto..) ha permesso alla band di venir fuori con un suono più convenzionale in un certo senso o forse semplicemente più standard per quello che può essere un prodotto metal contemporaneo nonostante la 'ruvida energia' di cui parla Mike Williams ci sia tutta, intatta. Anzi, forse questa presunta patina di smalto sembra addirittura esaltarla maggiormente in un gioco di contrasti.

Quindi intorno sentirete dire che gli Eyehategod non sono più gli stessi e che quest'album non regge il confronto con i (capolavori?) precedenti. Un' ovvietà dunque, eccetto per chi nel 2014 cerca ancora un In The Name Of Suffering o un Dopesick.

Eyehategod in termini di suono dimostra invece una certa continuità riprendendo il discorso interrotto in Confederacy Of Ruined Lives, album che già presentava una produzione meno marcia.

Per il resto la decadenza rabbiosa degli Eyehategod qui c'è tutta. C'è vorticoso ed incompromesso hardcore punk, i rantoli sofferenti come pretesti per lascivi giri southern, feedback lamentosi e tristi, fangosi boogie, reminescenze degli Harvey Milk, vecchi riff hard-blues e tutto il corredo che non concede nulla o quasi che vada oltre il teorema sludge da loro formulato.

I vecchi e psicotici Eyehategod come i serpenti che sguazzano nelle paludi di casa loro hanno solo cambiato pelle: ora è più traslucida e si vede meglio tutto il putrido che c'è dentro.

Se oggi il panorama sludge e dintorni è affollato fino all'imbarazzo, di fronte al senso di verità degli Eyehategod, all'ansia che provano e che provocano, alla loro disperazione terminale, non si può che provare profondo rispetto. Finalmente un grande ritorno. Lo sludge è Eyehategod.

Black Honey

Stefano Pentassuglia — Wed, 09 Apr 2014 10:49:13 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Post Rock

Post Metal

Sludge

Etichetta:

Hummus Records

Anno:

2014

Link correlati:

Sito web della band

Line-Up:

Michael Schindl - Voce, Chitarra

Diogo Almeida - Chitarra

Sebastien Dutruel - Basso

Mario Togni - Batteria

Tracklist:

1. The Enemy

2. Submersible Words

3. Chest

4. Grand Gendarme

5. Black Horse

6. Joseph

7. Mute

8. Uncomfortable Life

9. Courageous

10. For The Man That I Love

11. God Rules His Empire

Impure Wilhelmina

Black Honey

Sei lunghi anni: tanto hanno dovuto aspettare gli Impure Wilhelmina, prima di veder pubblicata la loro nuova fatica discografica e dare un taglio più o meno netto al passato. Quasi sconosciuti qui nel Bel Paese, nella natia Svizzera la band di Michael Schindl rappresenta un punto fermo nella cosiddetta “scena di Ginevra e dintorni”, quella che vede le sue colonne portanti in un fermento di band che hanno contribuito a creare un certo modo di intendere il post metal: dai Rorcal ai Vancouver, dagli Abraham ai When Icarus Falls, dai Khelvin agli Elizabeth, passando per band come i Knut che sono riusciti a uscire dall’anonimato svizzero per guadagnarsi una solida base di fan anche all’estero, o gruppi non propriamente ginevrini come gli Unhold (di Berna) o i Geneva (di Valence), che rispecchiano comunque quel determinato modo di sentire e concepire la scena “post”.

Un taglio con il passato, dicevamo. In effetti basterebbe notare come la band non sia più inclusa tra le fila del sito MetalArchives (dove appariva come “sludge”) e alla line up completamente stravolta per capire come il sound del nuovo disco rappresenti qualcosa di diverso e una naturale evoluzione della band. Forse anche a causa degli sfoghi post-black metal di Schindl con il suo progetto Vuyvr, un nuovo sound pervade ora le tracce dei nuovi brani, grazie soprattutto all’addio del caro vecchio Christian Valleise (già ascia nei Knut) e all’arrivo alla seconda chitarra del simpatico Diogo Almeida, già membro dei Rorcal e con una visione della musica leggermente più pesante e distruttiva. Se questo possa essere finalmente il disco della consacrazione per il quartetto di Ginevra non ci è ancora dato saperlo (sempre ammesso che loro stessi vogliano uscire dal caldo underground in cui sono inevitabilmente rinchiusi), di sicuro però si tratta di un’ulteriore maturazione e rivisitazione di un sound che già fin dagli esordi aveva in sé una fortissima dose di personalità.

Prima grande novità dell’album è la voce: per quasi la totalità del disco Schindl decide di esprimere i suoi demoni interiori con un cantato pulito e lamentoso, che mette quasi completamente da parte il lacerante screaming dei lavori precedenti. Non che questo sia un lato positivo di per sé (soprattutto se consideriamo che il leader degli Impure stona un bel po’ quando canta sul registro melodico), tuttavia è uno degli aspetti più controversi di Black Honey che possono far riflettere sul cambio di rotta intrapreso dai quattro. Se il gruppo già prima godeva nel rendere disomogenei i suoi lavori, in un’orgia di generi che si accavallavano tra di loro, ora tutto è ancora meno omogeneo e straniante, dove sludge profondo e post metal sognante si uniscono ad un’attitudine talmente rock e “romantica” da risultare quasi una forzatura del loro stile.

La personalità della band si intravede ancora tutta nei ritmi e nelle distorsioni di The Enemy, che parte con delle strofe dissonanti e si ritrova invischiata in riff pesanti ed emotivi. L'emotività, appunto: uno degli aspetti da sempre più caratteristici del combo viene ora rielaborata in modo da permeare ogni brano, sempre però in favore del continuo cambio umorale. Submersible Words è un perfetto esempio sotto questo punto di vista, con il suo incipit drammatico che tenta di fare il verso al math rock e alle sue strutture complicate, prima di sfociare in un finale che stravolge completamente quello che era il mood iniziale del brano. Stessa cosa, anche se all’inverso, succede con Joseph, che parte semplice e ruffiana, con i suoi ritmi quasi punk, per poi evolvere in atmosfere lugubri che ricordano da vicino l’operato di colonne portanti dello sludge più malsano come i Rwake e forse persino i Minsk. Del resto, la ruffianeria della band rimane solo un aspetto della loro sfaccettata personalità, se consideriamo l’eleganza di brani come Chest e Uncomfortable Life, costruiti su riff raffinati e aperture sonore viscerali ed emotive; per non parlare poi di un brano come Corageous, che cerca di mostrarsi il più epico e trascinante possibile, distaccandosi dallo stile del precedente album Prayers And Arsons, dove l’epicità era un tratto solo tentato e abbozzato ma mai raggiunto a livello di forma canzone. Lo stile sonoro della band, tuttavia, continua a far sentire la sua presenza in ogni brano (e altri brani dell’album, come Mute, mantengono ancora solido quel cordone ombelicale che lega la band allo stile dei suoi primi lavori): non ce n’è nemmeno uno che possa essere stato scritto da un’altra band e una recensione non può spiegare quello che le orecchie hanno capito dopo tanti ascolti della loro intera discografia confrontata con quella di tante altre band della stessa scena. Per essere più chiari, non esistono altre band che suonano quella particolare tipologia di riff, che concatenano in modo così genuino quell’attitudine ruffiana e caciarona con la drammaticità e l’emotività dell’alternative rock, sotto lo sfondo di pesanti riffoni post metal e lezioni prese dalla scuola sludge della Georgia. Volendo fare un paragone per tentare di chiarire meglio il concetto, gli Impure Wilhelmina potrebbero essere definiti come “i System Of A Down del post metal”, tanto la loro proposta è originale e variegata, pur senza mai tradire realmente il codice stilistico del genere da cui provengono.

Se tutto sembra così ispirato al rock e al post metal più emotivo e più vicino alla forma canzone, la granitica God Rules His Empire viene emblematicamente posta alla fine del disco, quasi a confermare quali sono le vere origini del gruppo. Questa canzone, dalla durata di ben 11 minuti, per quanto possa risultare un po’ troppo di maniera e sembri fare direttamente il verso ai Neurosis più accessibili, rappresenta in qualche modo quanto di meglio ha saputo offrire la scena sludge negli ultimi anni, almeno simbolicamente: con il suo concatenarsi di riff, di voci spezzate e di melodia malsana che avvolge l’ascoltatore in un distruttivo turbine di autodenigrazione (“We are weaklings and cowards, just ordinary men”), questo brano potrebbe davvero essere l’esempio perfetto da far ascoltare a chiunque voglia capire quali siano gli stilemi stilistici di un genere come lo sludge metal.

Dopo l’ascolto attento di “Black Honey”, di una cosa divento sempre più convinto: gli Impure Wilhelmina sono una di quelle band che è riuscita a crearsi uno stile estremamente personale che rende riconoscibili le loro canzoni in mezzo a miliardi di altre composizioni dello stesso genere. Solitamente le band che appartengono a questa categoria, sempre più rare in verità, o si amano o si odiano; tutto dipende da un indiscutibile de gustibus ma, al di là del fatto che uno possa preferire voce lamentosa e drammaticità rock a pesanti riffoni figli della scuola di Scott Kelly, di sicuro la band svizzera ha dato vita a qualcosa di diverso, di unico ed inimitabile, che oltre a rappresentare un punto di riferimento per la scena “post” di Ginevra, potrebbe in futuro rivelarsi fondamentale per lo sviluppo di un genere che già dallo scioglimento degli Isis sembra procedere sempre di più verso la sua naturale decadenza.

Affermazioni esagerate? Forse, e solo i posteri potranno dirci se questo sound avrà fatto proseliti e dato alla vita nuove band nella scena. Per ora poco ce ne importa, se possiamo infilarci le cuffie e godere ancora delle insane composizioni di una band genuina e veramente di talento. Che questo sia il disco della consacrazione o meno.

Harmonicraft

Matthias Stepancich — Sat, 12 Jan 2013 05:30:05 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Punk Rock

Sludge

Alternative Metal

Etichetta:

Volcom

Anno:

2012

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Steve Brooks - Guitars, Vocals
Andrew Elstner - Guitars
Jonathan Nuñez - Bass
Rick Smith - Drums

Tracklist:

1. Letting Go – 2:03
2. Kicking – 2:35
3. Walk it Off – 1:25
4. Reverse Inverted – 3:50
5. In Pieces – 3:09
6. Snakes Are Charmed – 3:14
7. Sky Trials – 1:18
8. Roaming – 3:20
9. Skin Moth – 3:18
10. Kiss Me Dudely – 1:48
11. Solitary Traveler – 2:48
12. Harmonicraft – 3:15
13. Looking On – 6:40

Torche

Harmonicraft

Dopo aver perso il chitarrista Juan Montoya (sostituito da Andrew Elstner), e aver pubblicato l'EP Songs for Singles (2010), con cui avevano tentato (non senza ironia, a partire dal titolo) un approccio più melodico, forma-canzone e orecchiabile, senza tuttavia trovare soluzioni troppo convincenti, per i (nuovamente) quattro Torche di Miami è la volta del terzo full-length Harmonicraft (Volcom, 2012), un lavoro esagitato, travolgente e perforante che li rilancia nel gotha del nuovo heavy rock.

Si viaggia senza mai un momento di stanca tra la percussione costante tesa verso il tribale di Letting Go (che mette già in chiaro il tardemark del disco nel contrasto tra chitarra ritmica sludgy, pesante, terremotante, seconda chitarra schizzante in arzigogoli melodici metallici, vibranti, caleidoscopici, e voce che ritaglia melodie memorabili in una vena che ricorda più i Dinosaur Jr. che la tradizione sludge/stoner), i rallentamenti effettati e psichedelici del chorus di Kicking, il minuto e mezzo al fulmicotone di Walk It Off, la granitica e cadenzata Reverse Inverted (con lamentosi fraseggi di chitarra sopra ad una ritmica alternante 4/4 e 5/4 in variazioni diverse tra strofe e chorus, quest'ultimo con un riff sludge spaccaossa, fino ad una coda eccezionale che sviluppa un'avvolgente e stratificata figura ripetuta su ritmica 4/4 alternato a 6/4), il martellamento rabbioso di In Pieces (con una forte vena alla Helmet in voce e distorsioni metallico-industriali), le esplosioni tra indie-rock, psichedelia e sludge di Snakes Are Charmed (con pioggia costante di frasi chitarristiche), il minuto e mezzo scarso dell'anfetaminica Sky Trials (un misto tra hardcore melodico, indie-rock e Mastodon), le acrobazie ritmiche e melodie vocali memorabili di Skin Moth, l'inaspettato cambio di passo con la lenta Solitary Traveler (un torrente sonoro di malinconia creato attraverso chitarre pesantemente distorte, in un aggiornamento metal di shoegaze e indie introverso-intimista, che ricorda da vicino agli analoghi esperimenti distorti, melodici e cadenzati del Jesu di Conqueror e Opiate Sun), le feroci bordate chitarristiche della strumentale title-track, ed un finale da apocalisse con i quasi 7 minuti di Looking On (che più di tutti richiama non solo i Melvins, e in una maniera molto più calda e orecchiabile anche al post-metal dei Neurosis, ma si avvicina anche allo stoner-doom psichedelico e religioso degli Om, con un chorus vocale evocativo da fine del mondo, senza tuttavia riuscire a resistere alla tentazione di chiudere il tutto, dopo una serie di colpi lentissimi e micidiali ed un breve silenzio, con un minuto scarso di sludge-punk nuovamente a rotta di collo).

Non siamo di fronte ad uno stoner che semplicemente assorbe molto dal punk, come poteva esserlo nei massicci Fu Manchu, ma ad una contaminazione più variegata, schizoide, "liquida" e post-moderna: le svariate dosi di punk, indie e pop gettate nel calderone suonano più che in linea con il sound generale della loro generazione, anzi, nelle loro aperture stratificate diventano quasi futuristici.
Ed anche se non raggiunge il livello di innovazione, esplosività e genio melodico del loro debut omonimo del 2005 (senz'ombra di dubbio uno dei migliori album sludge degli anni 2000), il lavoro è comunque più accattivante, e apprezzabile da un pubblico più vasto, rispetto al loro secondo Meanderthal del 2008, disco che (specialmente grazie alla pubblicazione per la Hydra Head di Aaron Turner) a tutt'oggi resta il loro più conosciuto. Il cambio di rotta avvenuto con Meanderthal, tramite cui il gruppo aveva iniziato ad assimilare parte del linguaggio alternative rock di 1980s e 1990s, mischiandolo ad un vivace sludge moderno di radice Mastodon-iana, è stato in Harmonicraft ripreso, ma dirottato verso lidi più punk, scoppiettanti, catchy, solari e divertenti.

Coloratissimo e caleidoscopico, Harmonicraft è una boccata d'aria fresca necessaria per tutto il genere.

Necroide

Giulio Magliulo — Sat, 28 Nov 2015 11:41:05 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Sludge

Thrash Metal

Alternative Rock

Etichetta:

La Tempesta Dischi

Anno:

2015

Line-Up:

Bruno Dorella: batteria

 Giovanni Succi: chitarre e voce

Tracklist:

01 – Black Metal Il Mio Folk

02 – Slayer & The Family Stone

03 – Fascite Necroide

04 – Tarli Mai

05 – Voodooviking

06 – Apocalinsect

07 – Virus Del Male

08 – Feccia Rozza

09 – Cofani Funebri

10 – Sepolta Viva

11- Danza Macabra

Bachi Da Pietra

Necroide

Hanno ragione i Bachi a dire che quando ascoltavamo i Venom era tutto più facile.
Gli intellettuali come Pasolini, i poeti e l'arte tutta hanno sempre avuto anche una funzione di preveggenza, i Bachi non han fatto altro che estendere il concetto al rock and roll, sempre più declinato in metal senza borchia e senza pelo.
Guerra totale nel ventre d'Europa? Si, sta andando proprio così.

Slayer And The Family Stone perché ci piace il groove e il tupa-tupa di qualunque genere esso sia, comunque vada, tanto andrà male e peggio.
Non per mancare di rispetto a Totò - la morte è una cosa seria - quella propria e quella di chi ci piace e ci fa o ci ha fatto scapocciare tanto, perché con Fascite Necroide si scapoccia come con gli Slayer quelli veri e ci si può pure cantare sopra con buona pace di Jeff - ma anche prenderne le distanze con la dissacrante ironia di Succi e Dorella non è male, almeno finché crediamo di essere vivi.

Gli insetti che brulicano in questo lucido letamaio sono sempre tanti e sempre più corazzati di riff cattivi e storti ma Apocalinsect potrebbe anche rifarla Pharell Williams.
Thrash e sludge, growling brutale, affermazione di identità nelle memorie e nei ricordi che diventano epici fintanto che non ci si prende troppo sul serio, come in un gioco di specchi in cui ci si diverte a deformarsi la faccia. Pezzi di Melvins che si staccano e si decompongono in quel terreno umido di sangue e di nuovo vortici di nuda verità.
Forse non è questo quello che vogliamo ma è quello che meritiamo.

Decline & Fall

Emanuele Pavia — Sun, 15 Jun 2014 21:18:28 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Sludge

Industrial

Etichetta:

Avalanche

Anno:

2014

Line-Up:

- Justin Broadrick - Voce, chitarra
- G. C. Green - Basso

Tracklist:

1. Ringer
2. Dogbite
3. Playing With Fire
4. Decline & Fall

Godflesh

Decline & Fall

Decline & Fall è l'EP con cui Justin Broadrick e G. C. Green, dopo qualche anno passato a suonare concerti in giro per l'Europa e per il Nord America, riattivano ufficialmente i loro storici Godflesh, in vista della pubblicazione di un nuovo album in studio (previsto per settembre 2014 e intitolato A World Lit Only by Fire) che sancirà definitivamente il ritorno del gruppo dopo tredici anni di silenzio.

Alla luce degli ultimi show, che prevedevano in setlist prevalentemente materiale proveniente dai grandi classici della band (specialmente da Streetcleaner e Pure, oltre che dall'EP eponimo), non era poi così imprevedibile la scelta di Broadrick e Green di virare nuovamente sul sound meccanico e brutale dei primi lavori targati Godflesh.
Decline & Fall sembra in effetti un'istantanea dell'epoca 1988-1994 del complesso, presentando nelle sue quattro tracce un'accurata riproposizione di quel connubio rivoluzionario di cadenze doom/sludge metal, distorsioni e dissonanze noise rock (marchiate a fuoco dai giochi di feedback atmosferici che caratterizzavano Pure) e propellenti ritmiche post-punk (portate avanti dal vigoroso basso plettrato di Green e dalla drum machine, recuperata dopo essere stata sostituita da uno strumentista umano sul canto del cigno Hymns) che ha reso la band una delle esperienze più importanti della musica estrema di ogni tempo.

Sorprende piuttosto che l'influenza delle ultime esperienze di Broadrick (possano essere i Jesu, i Greymachine o JK Flesh) sia minima o assente su Decline & Fall, da un lato rimarcando ulteriormente la continuità di intenti dei Godflesh attuali con quelli pre-2001, ma dall'altro togliendo freschezza e creatività alla musica dell'EP. Nonostante l'utilizzo di una chitarra a otto corde (già utilizzata da Broadrick in varie uscite con i Jesu, ma inedita all'interno dell'opera dei Godflesh), Decline & Fall dà infatti l'impressione di essere una registrazione fatta su misura per i nostalgici dei capolavori della band (al cui confronto, però, risulta chiaramente meno intenso e potente), piuttosto che il segnale di un'evoluzione del sound del gruppo.
Tale difetto è particolarmente evidente nella prima metà dell'EP, quella innegabilmente più legata al passato classico dei Godflesh: Ringer, con il suo marcato groove industriale su cui si ergono le caratteristiche e tormentate vocals pulite di Broadrick, sembra uscire direttamente da qualche session di Selfless, mentre Dogbite (con il suo affascinante e mesmerizzante utilizzo di dissonanze e disarmonie chitarristiche) strizza evidentemente l'occhio ai brani più ambientali e atmosferici di Merciless e Pure.

In compenso, Playing With Fire (senza dubbio il brano più suggestivo e interessante di tutto l'EP) e la title-track utilizzano appieno le possibilità della otto corde di Broadrick, giocando in un infernale interplay tra le dissonanze dei registri alti della chitarra e la feroce pulsazione ritmica di quelli bassi (ulteriormente valorizzati dalle linee di Green) che sembra aggiornare in maniera sorprendemente efficace i classici Streetcleaner e Pure con le mura sonore dei Korn dell'esordio e dei Meshuggah di Nothing.
La versione giapponese esce inoltre con due notevoli remix in chiave dub di Ringer e Playing With Fire, che trasfigurano i due brani originali tramite la lezione dei progetti anni Novanta più sperimentali di Broadrick (Scorn, Techno Animal e Ice in particolare), offrendo sotto certi aspetti spunti ancora più interessanti di quanto non facciano i pezzi della tracklist canonica.

Di certo Decline & Fall non è un'uscita imperdibile se non per i fan irriducibili della band, soprattutto vista l'esigua durata e la pubblicazione imminente del settimo capitolo della discografia dei Godflesh; ma è innegabile che i pezzi dell'EP, pur con i loro limiti, risultino in ogni caso efficaci nel loro tentativo di riportare in vita il suono classico di Broadrick e Green.
La resa di questi brani alimenta ulteriormente le speranze nel prossimo full-length.

From All Purity

Emanuele Pavia — Sun, 19 Jan 2014 22:09:06 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Noise

Sludge

Etichetta:

Relapse Records

Anno:

2014

Line-Up:

- Dylan O'Toole - Chitarra, voce
- Will Lindsay - Chitarra, voce
- Ron DeFries - Basso
- Bill Bumgardner - Batteria

Tracklist:

1. Rape
2. The Impetus Bleeds
3. Directional
4. Rhetoric of No
5. Clarify
6. Disambiguation

Indian

From All Purity

Gli Indian sono un quartetto statunitense (proveniente da Chicago) attivo fin dal 2003 e dedito all'esplorazione delle propaggini più feroci del metal estremo del nuovo millennio.
Esorditi con il primo The Unquiet Sky (Seventh Rule Recordings, 2005), che esibiva una loro (non particolarmente creativa) interpretazione dello sludge metal più malsano e abietto degli anni Novanta, sono infine emersi dal folto sottobosco dell'underground con il loro quarto full-length Guiltless del 2011, grazie anche all'approdo alla Relapse Records, ma soprattutto a un raggio d'azione ben più ampio (arrivando a lambire territori drone metal).

Sempre sotto l'egida della Relapse, gli Indian pubblicano a gennaio 2014 quello che finora è probabilmente il loro album più riuscito, ovvero From All Purity.
Proseguendo sul percorso intrapreso con l'ultimo Guiltless, la band indulge nelle sonorità più aberranti della musica metal, collocandosi in continuità con la tradizione dei maggiori sabotatori dello sludge, del drone e finanche del noise degli ultimi vent'anni. L'influenza dei più importanti complessi sludge degli anni Novanta (specialmente gli Iron Monkey, i Dystopia e i Noothgrush, di cui riprendono le cadenze ossessive e le atmosfere strazianti) è ancora ben evidente, ma riescono finalmente a superare il semplice tributo al panorama old school sporcando tali ingerenze con le atmosfere apocalittiche dei Neurosis, gli abissi di cieca disperazione dei lavori della Relapse dei Today Is the Day, il sound torturato e claustrofobico dei Khanate, i rumorismi dei Khlyst, perfino con il riffing e la devastazione delle partiture del nuovo black metal (non a caso, il chitarrista Will Lindsay ha lavorato anche con Wolves in the Throne Room e Nachtmystium).

Si tratta di un tentativo di rinnovare la propria proposta che era già stato abbozzato in Guiltless, ma se lì si poteva parlare solamente di timide incursioni in territori alieni allo sludge, qua le inflessioni esterne contaminano indelebilmente il sound degli Indian. Ciò che si nota all'ascolto di From All Purity è che il gruppo ha finalmente superato gli stereotipi di songwriting istituiti dai classici del genere: quelle di From All Purity non sono più semplici marce funebri dal minutaggio estenuante suonate con strumenti accordati due toni più bassi del normale, ma brani che, pur non scendendo ad alcun compromesso con orecchiabilità, melodia e facilità di assimilazione, si aprono ad arrangiamenti, dinamiche e strutture che svecchiano la formula valorizzando comunque la componente psicologica della musica degli Indian.

Manifesto della raggiunta maturità del complesso, l'opener Rape si abbandona in uno dei numeri più tormentati dello sludge metal degli ultimi anni, conciliando il riffing monolitico di Steve Von Till e il terrorismo cacofonico di James Plotkin, distaccandosi al contempo dai numerosi emuli di entrambi gli artisti grazie a un esperto sostegno ritmico (non esattamente virtuoso, ma colorato e dinamico quanto basta da riuscire a risultare devastante senza ricorrere ai soliti cliché del genere) e soprattutto grazie alle urla di Dylan O'Toole. Con il suo registro sgolato e disperato, perfetto punto di incontro tra quelli di Steve Austin e Alan Dubin, è forse proprio O'Toole il maggior artefice dell'atmosfera di incombente cataclisma che aleggia su tutto From All Purity, anche nei momenti meno creativi del disco (come ad esempio The Impetus Bleeds, che per cadenze e melodia non è molto distante da quanto già fatto dagli Isis di Celestial, o Directional, che sembra quasi un'appendice a Rape).
È la seconda metà dell'album che però sfodera al meglio ciò che gli Indian hanno da offrire nel 2014. Il primo vertice di From All Purity è Rhetoric of No, suddivisa in una prima sezione che sfiora la furia del noisecore (vocalizzi schizzati, ritmi epilettici, chitarre che rievocano l'esecuzione di Steve Austin su Sadness Will Prevail) e una seconda parte più sludge (ma sempre corrotta e smembrata da dissonanze e rumorismi sempre più invasivi), separate da un sinistro lead melodico di chiara influenza black metal; quindi, l'incubo di Clarify indulge in quattro minuti e mezzo di puro noise, in un vortice orrorifico che cannibalizza l'opera di Runhild Gammelsæter, Merzbow e Pharmakon.
Quando infine dalle deflagrazioni di chitarra ed elettronica emerge l'arpeggio glaciale che segna l'inizio della conclusiva Disambiguation, l'album giunge al suo apice indiscutibile, in una tragica marcia che evolve da uno sludge/drone di chiara ascendenza Neurosis e Khanate in un rovinoso crescendo che, con il passare dei minuti, si allontana sempre più dalla base doom metal in favore della desolazione black metal dei Weakling.

Forse ancora non perfettamente calibrato (come testimoniano alcuni passaggi a vuoto nella prima metà dell'album), lo stile degli Indian, assorbendo e reinterpretando in modo creativo le innovazioni delle più importanti formazioni estreme degli ultimi decenni, rappresenta comunque una delle più intelligenti esperienze del metal attuale. Rape, Rhetoric of No e Disambiguation, in particolare, sembrano preludere a un'evoluzione del sound del quartetto verso sonorità debitrici dello sludge, del noise e del black metal, eppure non totalmente riconducibili a nessuno di questi tre generi: basterebbero anche solo questi tre brani a rendere From All Purity uno dei dischi più notevoli della scena post-sludge da qualche anno a questa parte.

Ruiner

Emanuele Pavia — Thu, 09 Feb 2012 15:16:50 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Noise

Sludge

Etichetta:

Brutal Panda Records

Anno:

2011

Line-Up:

- Christian Lembach - voce, chitarra
- Jake Shultz - basso
- Travis Owen - batteria

Tracklist:

1. Daddy's Money
2. Fake life
3. Shower Time
4. Straight Down
5. Tell Me Something Scientific

Whores

Ruiner

Quello di Ruiner, EP di debutto dei statunitensi Whores, pubblicato il 20 dicembre 2011 per la Brutal Panda Records, è probabilmente uno dei sound più travolgenti e sorprendenti dell'anno appena trascorso.
La musica proposta dal trio - formato dal vocalist e chitarrista Christian Lembach, dal bassista Jake Shultz e dal batterista Travis Owen - è infatti un terrificante assalto musicale all'insegna del noise anni '80 e dello sludge-metal degli anni '90: i cinque brani di Ruiner (per nemmeno venti minuti di musica) sfoderano un arsenale di bestialità sonore che riprendono ora le partiture granitiche degli Unsane e dei Melvins, ora le sferzanti chitarre dei Jesus Lizard, ora le possenti basi ritmiche dei King Snake Roost. Una produzione all'altezza, che dona spessore al muro brutale dei Whores senza però scalfire le atmosfere grezze evocate dalla musica di Ruiner, favorisce ulteriormente la resa finale dell'EP, che rimane quindi una delle uscite più notevoli nel genere di tutto il 2011.

Daddy's Money, che in certe soluzioni riporta alla mente perfino il claustrofobico nu-metal dei Korn, si gioca tra gli incastri del basso distorto di Shultz e con le ritmiche ossessive di Owen, i riff poderosi della chitarra e i vocalizzi sguaiati di Lembach (erede tanto di David Yow quanto di Dave Sardy), mentre Fake Life si avvicina alle trame dei Barkmarket, in un crocevia stilistico che abbraccia indifferentemente post-hardcore ed heavy metal.
Shower Time raggiunge vette di efferatezza tali da competere con gli Eyehategod, mentre l'ottima Straight Down lambisce territori più atmosferici, cadenzati e desolanti, che strizzano l'occhio ai Neurosis di Through Silver in Blood piuttosto che alle atrocità epilettiche hardcore. Al contrario, la conclusiva Tell Me Something Scientific fa propria la lezione del post-hardcore degli Unsane e dello sludge dei Mastodon, chiudendo il lavoro con la ripresa dell'introduzione chirurgica di Daddy's Money.
La classe esibita dai Whores in questo Ruiner è indiscutibile. Di certo non si tratta di un lavoro eccezionalmente innovativo, ma la sincera furia devastatrice con cui la band si è espressa in questi cinque pezzi è esemplare: rimane solo da attendere la capacità del trio all'opera su un full-length e non solo su un breve EP.

Pain Is a Warning

Emanuele Pavia — Tue, 06 Sep 2011 13:45:42 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Sludge

Etichetta:

Black Market Activities

Anno:

2011

Link correlati:

Today Is the Day @Myspace.com

Line-Up:

- Steve Austin - Voce, Chitarra,
- Ryan Jones - Basso
- Curran Reynolds - Batteria

Tracklist:

1. Expectations Exceed Reality
2. Death Curse
3. Pain Is a Warning
4. Wheelin'
5. The Devil's Blood
6. Remember To Forget
7. Slave To Serenity
8. This Is You
9. Samurai

Today Is the Day

Pain Is a Warning

A quattro anni da quell'efferato (ma deludente) Axis of Eden, è questo Pain Is a Warning che segna il ritorno sulle scene dei Today Is the Day, il folle progetto di Steve Austin che da un ventennio a questa parte rappresenta uno dei più fulgidi e creativi esempi di metal estremo all'avanguardia.

Modificata nuovamente la line-up, Austin si circonda questa volta del bassista Ryan Jones e del batterista Curran Reynolds (entrambi membri della band metal newyorkese dei Wetnurse), mentre affida il ruolo di produttore del disco a Kurt Ballou, che ha lavorato anche con i Converge. E nonostante le varie entusiaste dichiarazioni rilasciate dallo stesso Austin («Pain Is A Warning is some of the most rocking, most epic music ever layed down by Today Is The Day. I am putting all of the hardships and triumphs of the past 3 years into this album. After many changes in personnel, Today Is The Day finally feels like a real band.»), il disco si rivela invece come uno dei peggiori pubblicati dalla band fin dai tempi del suo debutto.
Il sound della band è infatti diventato più granitico e massiccio rispetto ai lavori precedenti, con muri chitarristici che guardano soprattutto alla tradizione sludge e hard rock, ma tutto ciò a discapito di quelle strutture serpentine che rendevano dinamica la musica di capolavori del calibro di Sadness Will Prevail, e soprattutto di quel mood claustrofobico e sofferto che i Today Is the Day avevano continuato a perseguire dalla pubblicazione del primo, terrificante Supernova. Dove rimane un song-writing noise/grind, però, aleggia spesso anche una certa mancanza di ispirazione.

Nonostante la presenza di un pezzo più convincente, la brutale sfuriata hardcore di Death Curse, l'album si muove su coordinate decisamente più fiacche e prevedibili rispetto ai precedenti lavori. Gli episodi più frenetici sembrano dimenticare la lezione di genuina disperazione che la stessa band aveva impartito nel genere con i capolavori passati, risultando come esercizi di stile senza significato (Expectations Exceed Reality, Wheelin'), mentre i pezzi più sludge e hard rock (il mid-tempo di Pain Is a Warning, The Devil's Blood, la più solenne Slave To Serenity, la chiusura Samurai), nei loro passi cadenzati e fortemente ritmati appaiono semplicemente banali e stereotipati. Nel disco sono presenti perfino alcune ballate come Remember to Forget, che prima sembra proseguire sulla scia disumanizzante di Sadness Will Prevail per poi abbandonarsi su un tono melanconico, e la quasi adolescenziale This Is You, ma in nessuna di queste si riesce a percepire lo stile e la personalità di Steve Austin.

Una grossa delusione da parte dei Today Is the Day, che consegnano un disco scialbo, privo di guizzi compositivi e soprattutto privo di quella sincera verve angosciante e morbosa che ci si aspetta da un lavoro di questa band. Difficilmente anche i fan più accanniti potranno apprezzare Pain Is a Warning, che rappresenta incontestabilmente un vistoso passo indietro per quest'istituzione della musica estrema.

Mammal

Paolo Bellipanni — Tue, 19 Jul 2011 11:41:05 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Sludge

Black Metal

Etichetta:

Profound Lore

Anno:

2011

Line-Up:

- Dave Condon - basso, voce
- James Kelly - chitarra, voce, synth
- Jeremiah Spillane - chitarra
- Johnny King - batteria

Tracklist:

1. Neptune Is Dead
2. Feather and Bone
3. When the Sun Drowns in the Ocean
4. All Life Converges to Some Center

Altar of Plagues

Mammal

La Profound Lore li aveva tirati fuori dal nulla e li aveva portati sull'altare (loro che con gli altari hanno molto a che fare) del black metal contaminato. Poi è arrivata la Candlelight Records e quella che nel 2009 fu - forse - la più bella sorpresa dell'underground black europeo, sembra essere già diventata una presenza immancabile nell'odierno metal estremo. In molti si sarebbero aspettati ancora la Profound Lore di Chris Bruni a riportare in auge gli Altar of Plagues, e invece la distribuzione dell'attesissimo successore di White Tomb - non senza sorpresa - è finita tra le mani di un colosso dell'industria discografica metallica. In ogni caso, sarà anche cambiata l'etichetta, sarà anche stato imposto un taglio stilistico meno underground, ma gli Altar of Plagues hanno proseguito per la loro strada senza preoccupazioni e senza il minimo timore. Dall'isola della Guinness, delle colline e dei leprecauni, riemergono così in superficie dei musicisti che con la loro terra d'origine (l'Irlanda, se non si era capito) hanno veramente poco, pochissimo a che fare. E se c'è una sola cosa che può accomunare gli Altar of Plagues alla loro patria, allora trattasi dell'Oceano, delle sue onde violente, della sua forza e dei suoi abissi.

Mammal riprende il black metal atmosferico e decadente di White Tomb e lo immerge nel più inquietante blu cobalto, appesantendone le sfumature e riempendone i pochi punti di luce con un'oscurità interiore che ha un qualcosa di splendidamente primordiale. Suddiviso, come il precedente episodio, in quattro lunghe suite, Mammal rende ancora più evidente quel percorso di distacco dal black canonico che oggi, sovente, viene etichettato come post-black metal. Niente sinfonismo, nè tematiche occulte, nè richiami ai Signori degli Inferi: quella degli Altar of Plagues è una discesa nell'oscurità naturale, portata avanti da chitarre serratissime, atmosfere plumbee e richiami ancestrali provenienti dal punto più basso dell'oceano.

Neptune Is Dead, prima suite del disco, evoca immediatamente la vastità, la profondità e il pericolo degli abissi marini, ora rimasti orfani del proprio dio-padrone. La produzione, ancora una volta ruvida ed essenzialmente sporca, mette in risalto la crudezza strumentale del progetto irlandese, ricoprendo i suoi slanci melodici (meravigliosa la cavalcata di chitarra e batteria dopo la pausa pseudo-post-rock verso l'ottavo minuto) di un'atmosfera densissima, splendida coltre di nubi, acqua e buio primordiale. Incalzante e ipnotica, Feather and Bone svela poi il lato più demoniaco e violento di Mammal, contraendosi in una lunga serie di blastbeat furiosi e riff sotterranei, prima di aprirsi - come prevedibile - alle solite distensioni atmosferiche, questa volta vagamente katatoniche e non più indissolubilmente legate alla matrice post-rock.
Rispetto a White Tomb, infatti, le divagazioni post-rock e il sound sludge sono ridotte all'osso nel nome di un ritorno al black metal originale che ha dell'ancestrale. Un black metal che, in ogni caso, continua ad apparire trasfigurato e tutto fuorchè canonico: ne è palese dimostrazione anche la terza (e più breve, solo otto minuti) When the Sun Drowns in the Ocean, agghiacciante rituale black-ambient che prende Mammal e lo trasporta in un limbo parallelo da cui si può realmente osservare il sole - e la sua luce, il suo candore, il suo calore - sprofondare nel gelo dell'oceano. Ultimo frammento di questa danza cobalto, All Life Converges to Some Center non aggiunge nè toglie nulla a quanto fatto vedere in precedenza dagli Altar of Plagues (se non per il taglio più pacato e "rock"), rimanendo come un episodio troppo debole laddove sarebbe stata necessaria la presenza di un vero e proprio gioiello come lo era stato in apertura Neptune is Dead.

Seducente e oscuro, atmosferico ma ancora visceralmente legato ad un sound marcio e roccioso, Mammal è la prova del nove di tutto ciò che gli irlandesi ci avevano fatto assaporare con l'imperdibile White Tomb. Sebbene l'esordio rimanga tuttora irraggiungibile per qualità, stile e atmosfera, gli Altar of Plagues hanno nuovamente dimostrato (al di là dell'inatteso cambio di etichetta) di essere uno dei più talentuosi progetti del black metal contemporaneo. Se di black metal si può ancora parlare...

Ascension

Paolo Bellipanni — Fri, 03 Jun 2011 16:28:57 +0000

Voto:

5.5 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Noise

Sludge

Etichetta:

Caldo Verde

Anno:

2011

Line-Up:

- Justin K. Broadrick - voce, chitarra, programming, musiche

Tracklist:

1. Fools

2. Birth Day

3. Sedatives

4. Broken Home

5. Brave New World

6. Black Lies

7. Small Wonder

8. December

9. King of Kings

10. Ascension

Jesu

Ascension

Superata la fatidica soglia dei quarant’anni, la figura di Justin Broadrick sembra essere sempre più circondata da un alone mistico e da un fascino solitario, essenziale, intimo. Il tempo passa anche per i mostri sacri, e rimanere immuni allo scorrere dei giorni è cosa fuori dalla portata di qualunque essere umano, anche del più grande tra gli artisti. Sulla sua fronte cominciano ad appesantirsi le rughe e lo stesso percorso d’invecchiamento si ripercuote sulla sua musica: Ascension – quarto album a nome Jesu – è l’anelito ad una pace mentale ed emotiva tipico di un uomo il cui spirito è stato solcato da tante, troppe esperienze. Broadrick si mette alla ricerca del proprio letto interiore e, con voce sempre più dolente, canta della solitudine, delle menzogne, della capacità di meravigliarsi ancora delle cose quotidiane.

I lidi quasi epici e dalle dimensioni colossali che Infinity (senza riuscirci) tentava disperatamente di evocare, vengono qui spazzati per far spazio ad un’approccio più intimo, trascinato comunque da un sound ancora una volta plumbeo, pesante e distorto. Per la seconda volta sotto l’egidia della Caldo Verde di Mark Kozelek (Red House Painters e Sun Kil Moon), Broadrick cerca di scavare negli antri più dolci e sensibili del proprio cuore e di portare ad uno stadio ancora più romantico quel contrasto tra la ruvidità strumentale e la pacatezza vocale-melodica che già Jesu (2005) e Conqueror (2007) avevano splendidamente declinato.

Dopo il mezzo flop di Infinity, però, il risultato è ancora una volta scadente.
Molte canzoni sono sconclusionate, con melodie spesso senza capo né coda (Fools, Brave New World) e atmosfere - ora plumbee ora più eteree – che nulla aggiungono e nulla tolgono a quanto già fatto vedere da Broadrick in passato. Il suo stile si dimostra così rimasto vittima della sua stessa, originaria alchimia: dall’omonimo gioiello del 2005, l’ex Godflesh e Napalm Death sembra essersi profondamente alienato in una ricerca sonora autoreferenziale, chiusa e ormai divenuta stantia. A mutare lievemente è solo il sound, meno fumoso del passato e continuamente sospeso tra linee chitarristiche plumbee e distorte e rintocchi melodici lucidissimi, quasi angelici ma fin troppo ripetitivi (Birth Day, Broken Home). La fragilità interiore di Broadrick si ripercuote ancora una volta nella sua voce dolce ma fiacca, sovrastata dalle imponenti distorsioni di chitarra sottostanti che ne oscurano qualunque tentativo di risalita. Ascensioncerca di evocare tutta la dolcezza e il cuore più sensibile di Broadrick (December, la sbilenca Small Wonder), senza però mai riuscire a lasciare testimionianze realmente intense e vibranti di un linguaggio già invecchiato.

Il formato più rock del piacevole Opiate Sun viene qui riproposto solo in parte, mancando però dell’essenziale vis melodica e della densità atmosferica su cui si reggeva il precedente Ep: unico episodio strutturato in questa direzione è infatti Sedatives (peraltro vetta qualitativa del disco), che azzarda una simbiosi tra sound distorto e linee ritmico-melodiche decisamente più (alt) rock, uptempo e dal retrogusto malinconico.

Dopo la piacevole Sedatives, a brillare rimane solo ed esclusivamente il capitolo di chiusura dell’album, l’omonima Ascension, unico episodio a rendere realmente tangibile l’elevazione interiore tanto anelata da Broadrick: una breve cornice strumentale, intima e pacata, che chiude l’album in un sussurro, quasi a volerci far dimenticare forzatamente il disordine e il caotico linguaggio del disco.

Murder the Mountains

Emanuele Pavia — Sun, 01 May 2011 11:43:54 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Sludge

Stoner

Etichetta:

Relapse Records

Anno:

2011

Link correlati:

Red Fang Official Site

Line-Up:

- Maurice Brian Giles - Voce, Chitarra

- Aaron Beam - Voce, Basso

- David Sullivan - Voce, Chitarra

- John Sherman - Batteria

Tracklist:

1. Malverde

2. Wires

3. Hank Is Dead

4. Dirt Wizard

5. Throw Up

6. Painted Parade

7. Number Thirteen

8. Into the Eye

9. The Undertow

10. Human Herd

Red Fang

Murder the Mountains

Murder the Mountains, pubblicato il 12 aprile 2011 dopo una prima uscita eponima nel 2009, si tratta della seconda fatica discografica dei Red Fang, supergruppo americano formato nel 2005 da vari membri di alcuni complessi underground (tra cui i Party Time, da cui provengono i tre quarti della line-up) e che ha riscosso fin da subito un discreto successo nel panorama dello sludge/stoner a tinte psichedeliche, che in questo periodo si sta affermando grazie ad acts di valore come Baroness e Kylesa.

L'album risulta una riproposizione piuttosto competente dei vari stilemi appartenenti alla corrente stoner/doom, dalle chitarre distorte e abbassate tipiche dei più recenti Kylesa, ai muri sonori, ora corposi nei momenti più sludge e ora atmosferici, retaggio della componente più psichedelica della scena (influenzata da Kyuss e Sleep). Tutto ciò senza, però, disdegnare l'aspetto melodico, forse il più curato nel lavoro: Murder the Mountains si dimostra, quindi, una sintesi di tutte le diverse sonorità che hanno caratterizzato la scena fin dalle primissime origini ad oggi, accompagnandole ad un song-writing efficace e ad una buona produzione (opera di Chris Funk, membro dei Decemberists, mentre il mixaggio è supervisionato da Vance Powell - già collaboratore di band come White Stripes e Kings of Leon -).

Il lavoro è abbastanza omogeneo, sia per quanto riguarda la proposta sia dal punto di vista qualitativo: i Red Fang adottano, infatti, uno stile duro ma sempre accattivante, tenendo sempre d'occhio l'aspetto melodico. Questo modus operandi si realizza a partire dalla opener Malverde (dove gli echi dei Kylesa, anche per via della componente psichedelica del pezzo, sono piuttosto evidenti) e prosegue nelle tracce successive (come in Wires, dove l'influenza di Black Sabbath e Sleep è tangibile, e Hank Is Dead), talvolta estremizzando gli elementi più hard del loro sound (è il caso di Throw Up e Into the Eye, dove i riff di basso e chitarra diventano tanto granitici da riportare alla mente perfino il doom metal dei primi Paradise Lost), talvolta preferendo approfondire il carattere psichedelico e stoner à la Kyuss (Number Thirteen e soprattutto The Undertow, caratterizzata da elementi spaziali direttamente ripresi dalla prima psichedelia anni '60 e che rappresenta uno dei vertici del disco, ne sono degli esempi lampanti).
Ciò che però manca per permettere alla proposta dei Red Fang di fare un salto di qualità è una maggiore personalità: per quanto si rivelino capaci nell'opera di revival psych/stoner in tutte le sue varie sfaccettature, le influenze del sound del gruppo sono troppo pesanti e danno spesso un senso di deja vù all'ascoltatore. Il complesso non ha certamente dimostrato di essere una semplice tribute band di gloriosi acts del passato e del presente, ma per riuscire a spiccare definitivamente il volo e dare vita a un sound ancora più personale è necessario un distacco più pronunciato dall'eredità artistica che si trascina dietro.

Questo difetto, tuttavia, non toglie il fatto che Murder the Mountains rappresenti una godibile uscita nel panorama: seppur non sia sicuramente ai livelli delle uscite più recenti di Kylesa e Church of Misery, i fan dello stoner e dello sludge atmosferico apprezzeranno comunque facilmente la proposta di quest'ultimo lavoro dei Red Fang.

Matador

admin — Thu, 30 Dec 2010 23:00:00 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Sludge

Stoner

Etichetta:

Anno:

2010

Line-Up:

Brent Anderson - basso, voce
Will Fiore - chitarra, voce
Dan Scanlan - batteria

Tracklist:

1. D.N.R. (6:25)
2. Ancient Ones (3:34)
3. Odyssey (5:37)
4. Trident (3:38)
5. Firewater (4:13)
6. Old World (7:03)
7. Black Hole (3:48)
8. Odyssey II (3:00)
9. Matador (7:33)

Zoroaster

Matador

Gli Zoroaster sono un trio di Atlanta (Georgia, USA) consistente in Brent Anderson (basso, voce), Will Fiore (chitarra, voce) e Dan Scanlan (batteria).
Matador è il loro primo album per la label E1, dopo ben tre dischi indipendenti pubblicati per la loro Terminal Doom Records.
Se il sound dei precedenti Zoroaster (2005), Dog Magic (2007, il disco che li ha fatti notare) e Voice of Saturn (2009) poteva essere ben descritto come una variante più scarna e hardcore degli Electric Wizard, Matador segna il balzo verso una nuova formula stilistica, più melodica e accessibile al mainstream; è tuttavia vero che la band ha dimostrato una propria evoluzione nel corso degli album precedenti, introducendo pezzi più ricercati e con influenze più aperte già da Dog Magic. In particolare, Matador riprende l'afflato spirituale e psichedelico introdotto in alcuni pezzi di Dog Magic come Tualatin e la title-track, e la tendenza all'impasto più melodico di Spirit Molecule (da Voice of Saturn), portando tuttavia quei timidi accenni verso una dimensione assolutamente nuova.
Senza più monolitici pezzi da 10 e più minuti, e con una rinnovata sensibilità melodica, gli Zoroaster sembrano voler associarsi agli High on Fire nel fare da ponte tra la forma-canzone più classica del rock e le sonorità più aggressive dello sludge; tuttavia, in Matador, le abrasioni più heavy che la fanno da padrone negli High on Fire vengono levigate con forza, e il focus si sposta verso la costruzione di un wall-of-sound mesmerizzante e allo stesso tempo "morbido", in cui la carica di furia riesce (anche grazie alle vocals pulite e riverberate) a suonare soffice e psichedelica, pur mantenendo tutte le attrattive essenziali del genere sludge-stoner.

Uno dei migliori esempi è già l'opener D.N.R., in cui il ritmo incalzante (scandito in sottofondo da un respiro affannato) e i riff catchy vengono accompagnati da una contagiosa melodia vocale riverberata e cantata con tono da rituale esoterico.
Stesso discorso per Odyssey, in cui i toni da sermone orientale si abbinano a dei giri chitarristici più heavy-metal (una sorta di Motörhead al rallentatore, così come la precedente traccia Ancient Ones), per poi lasciare spazio all'esplosione caleidoscopica dell'assolo e ad un potentissimo riff finale.
Ancora meglio riesce comunque a fare il capolavoro del disco, ovvero la centrale Old World, in cui le memorabili vocals, accoppiate al ricorrere di uno dei riff più esotici e indimenticabili della band, portano il brano in una dimensione quasi liturgica.
Queste sperimentazioni più vicine al lato spirituale, esoterico e psichedelico vengono ben bilanciate dalla carica heavy-metal nostalgica di Trident, e prendono una forma diversa in Firewater, una strumentale in cui la psichedelia disorientante viene espressa tramite distorsioni più noise-rock.
Il momento più legato al doom-metal e all'aggressività dei lavori precedenti è rappresentato da Black Hole, il cui inizio profondo e apocalittico fa tremare la terra, mentre la voce torna alle abrasioni straziate da killer tipiche del doom.
Un'altra strumentale è la breve Odyssey II, stavolta però quieta e arpeggiata, perfetta introduzione per la title-track, di 7 minuti e mezzo e divisa in due parti, la prima una vibrante tensione in preparazione del terreno per l'esplosione stoner-doom riverberata a wall-of-sound della seconda; qui gli Zoroaster suonano come un incrocio perfetto tra lo sludge-doom più funebre e i Pelican di Australasia.

Il power-trio di Atlanta ha ora abbandonato le ruvidità più estreme, le distorsioni più rumoristiche, le ritmiche più lente e straziate; ma ciò che è stato perso in efferatezza doom è stato guadagnato sotto il profilo melodico e psichedelico: tagliando di netto il loro debito evidente con Electric Wizard e Harvey Milk, i tre hanno trovato una voce più personale, una sorta di versione più "pop" ma allo stesso tempo fresca e originale di quel medesimo stile.

Spiral Shadow

admin — Sun, 26 Dec 2010 23:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Sludge

Etichetta:

Prosthetic

Anno:

2010

Line-Up:

- Phillip Cope - guitar, vocals
- Laura Pleasants - guitar, vocals
- Corey Barhorst - bass, vocals
- Eric Hernandez - drums
- Carl McGinley - drums

Tracklist:

1. Tired Climb
2. Cheating Synergy
3. Drop Out
4. Crowded Road
5. Don't Look Back
6. Distance Closing In
7. To Forget
8. Forsaken
9. Spiral Shadow
10. Back and Forth
11. Dust

Kylesa

Spiral Shadow

Dopo a malapena un anno dal riuscito e acclamato Static Tensions ritornano i Kylesa, ormai stabilmente affermatisi fra il pubblico di appassionati dello sludge metal, con il loro quinto album studio in 9 anni, intitolato Spiral Shadow.
Si tratta di un disco che è la naturale evoluzione del suo predecessore, con una produzione densa e ruvida per ricreare delle suggestive atmosfere secche abbinandole ala grinta ed al carisma del loro distintivo stile.
Rimane però un album fondamentalmente orecchiabile, come testimonia anche l'ossatura dei brani, lineari e con ritornelli catchy, anche antemici alle volte, e dagli arrangiamenti essenziali, per renderli tutti diretti e facilmente assimilabili riavvicinandosi in ciò sempre al loro retaggio hardcore punk.
Nel complesso però in realtà è un disco non molto punk-oriented bensì relativamente ancor più psichedelico e vicino ai Baroness, con un approccio chitarristico che si fa più variopinto e facente ricorso a più effetti, ma senza rinunciare alla giusta dose di riff indomabili, vicini sia allo stoner per la corposità di certe melodie vagamente kyussiane che al noise rock dei Sonic Youth per l'asperità e ai Fugazi più hardcoreggianti per l'intensità.
Le linee vocali sono più equilibrate, dal canto tendenzialmente più dosato, in linea con l'atmosfericità di fondo dovuta alle crescenti, man mano che si procede con la tracklist, infiltrazioni settantiane di psichedelia pesante, ma bisogna fare un discorso a sè per la voce della Pleasants: suadente e avvolgente, tuttavia a volte tende ad essere un po' piatta, rispetto agli altri due cantanti ed i suoi interventi sono più riusciti quando accompagna la melodia portante della canzone, apparendo invece più deboli e meno espressivi quando si posizionano in primo piano.
Infine, notevole è soprattutto la sezione ritmica, con bassi dinamici che pervadono i brani ed un supporto della doppia batteria ancora più versatile, senza impegnarsi in poliritmi intricati ma piuttosto per ricreare un piglio intenso, frizzante, con anche occasionali stacchi quasi tribali.

Feroce come gli Alice in Chains ma suggestiva come i Neurosis, l'iniziale Tired Climbing inizia con delle percussioni esotiche che rapidamente cedono il passo ad un aggressivo attacco di chitarra metallica e a sguaiate vocals hardcore. Intenso e micidiale, un anthem epico fra distese di sabbia e albeggiare rossastro.
Si prosegue con Cheating Synergy, introdotta da tastiere atmosferiche dal sapore spaziale e come consueto interrotte bruscamente da veloci ritmiche uptempo e riff ipnotici, mescolado melodismi metal e grinta punk rock.
Con la cadenzata Drop Out abbiamo un maggior numero di distensioni che rendono la musica pesante e incessante, non c'è una particolare via di distinzione fra versi e ritornelli il che rende la canzone ancora più ipnotica.
Per contro in Crowded Road ci sono molte più variazioni, influenzate dal doom per oscurità e gravità, ma anche dallo space rock in dosi minori.
Don’t Look Back è molto diretta e immediata, praticamente radiofonica; Distance Closing In viene introdotta da ritmiche tooliane a cui fanno seguito un continuo mescolarsi di avvolgimenti psichedelici da desert rock e fraseggi più monolitici, tra i risultati migliori dell'album.
La successiva To Forget, completamente con la voce femminile, è forse l'episodio più stoner e psichedelico dell'album, ma la corposità avvolgente delle melodie viene penalizzata da un po' di monotonia di fondo.
Ora c'è l'alienante e breve Forsaken, con canto quasi spettrale, batteria intricata ed intensa, riff ripetuti e allucinogeni a metà fra Black Sabbath, Cathedral e Melvins.
L'introduzione melodica ed effettata della lunga titletrack non lascia intuire le variazioni ritmiche della batteria spiazzanti e coinvolgenti; è la canzone meno cantata, il che consente alle atmosfere psichedeliche di prendere nuovamente il sopravvento in un excursus negli anni '70 emozionante, arrivando a toccare persino Pink Floyd e Led Zeppelin.
Back and Forth è forse la più punkeggiante e anche la più vicina ai Sonic Youth, ma suona sbiadita e derivativa in confronto alla conclusiva Dust, più distesa e atmosferica, con un massiccio sound stoner che ricrea il tipico mood in un compendio delle tendenze più psych del gruppo.

Forse non sono ancora entrati nell'olimpo della musica, ma il titolo di onesta band che scrive bei dischi se lo sono ampiamente meritato, perché fra gli attuali alfieri del metal psichedelico i Kylesa di certo non sono i primi arrivati, ma ne sono probabilmente fra i migliori interpreti odierni.

Leviathan

Matthias Stepancich — Sun, 26 Sep 2010 18:52:44 +0000

Voto:

9.0 / 10

Autore:

Enrico Gullo

Genere:

Progressive Metal

Sludge

Etichetta:

Relapse Records/Self

Anno:

2004

Link correlati:

Official website

Line-Up:

- Brent Hines - chitarra, voce
- Troy Sanders - basso, voce
- Bill Kelliher - chitarra
- Brann Dailor - batteria

Tracklist:

1. Blood and Thunder
2. I Am Ahab
3. Seabeast
4. Island
5. Iron Tusk
6. Megalodon
7. Naked Burn
8. Aqua Dementia
9. Hearts Alive
10. Joseph Merrick

Mastodon

Leviathan

Di tutto ci si può aspettare da un gruppo che decide di produrre un album ispirato ad uno dei più celebri romanzi di tutti i tempi, il “Moby Dick” di Herman Melville. Certo giunge inaspettato un album che riesce a rendere, grazie alla maestria dei Mastodon (per molti i degni eredi dei Neurosis), ogni sensazione comunicata dal romanzo, dalla rabbia del capitano Ahab alle onde del mare in tempesta, dalla furia degli elementi alla frenesia della Balena Bianca – il “Santo Graal”, come il gruppo ama chiamarla nella traccia di apertura del disco.

Blood and Thunder, questo il titolo del primo pezzo, si apre con un riff di chitarra semplice, nervoso e devastante allo stesso tempo, subito affiancato dalla distruttiva batteria di Brann Dailor, dall’altra chitarra e dalla linea di basso macinata da Troy Sanders. La canzone si mantiene su una struttura abbastanza semplice, ed è proprio questa semplicità a renderla coinvolgente e carica, e in un turbinìo vocale già da questa canzone il gruppo ci trascina nella propria apocalisse sonora. Ma non c’è tempo per la possente frenesia dei Mastodon: finito il primo pezzo, subito attacca I Am Ahab, altro pezzo che segue la scia di Blood and Thunder, senza cambiarne troppo i toni, alleggerendoli soltanto nel bel mezzo della canzone con un arpeggio montato sopra una batteria mai stanca di stupire, solo per riprendere subito con un’aggressione vocale che lascia di sasso. Un altro arpeggio, dalle sonorità parecchio strane e inquietanti apre Seabeast, che alleggerisce i toni e si intreccia con suoni leggermente più melodici e meglio definiti – anche alcune delle parti vocali passano dalla possanza delle prime due tracce a una voce “stranamente” melodica. E in un batter d’occhio ci ritroviamo in Island, velocissima, cattivissima e rabbiosissima, con la solita batteria che non lascia vie d’uscita e gli ormai noti riff di Brent Hines e Bill Kelliher – un vero e proprio attacco diretto alle orecchie dell’ascoltatore.

Quindi parte Iron Tusk, uno dei pezzi più orecchiabili e meglio costruiti del disco: eseguito in maniera magistrale, con ogni strumento che dà il meglio di sé, la decisione che trasuda dalla voce del cantante/bassista Troy Sanders, spietata. Megalodon ci illude che il peggio sia passato con un arpeggio che lascia presagire una canzone calma, ma i Mastodon hanno ancora molti colpi in canna, e tirano fuori un’altra canzone con dei suoni quanto mai nevrotici, instancabili, strambi e inauditi. L’intro di Naked Burn è degna di un film di alta tensione – naturalmente con una grande colonna sonora, perché con Naked Burn abbiamo tra le mani un pezzo di alto livello, denso di emozioni e di sonorità inaspettate quanto piacevoli. Aqua Dementia è il penultimo pezzo, impreziosito dalla collaborazione vocale di Scott Kelly dei Neurosis, che riprende i toni di Island, e ci prepara all’arrivo del piatto forte del disco: Hearts Alive, una canzone composta da circa tredici minuti di pura sperimentazione sonora, dove le due chitarre Hines e Kelliher trovano lo spazio necessario per provare tutta la propria abilità, mentre Brann Dailor macina tempi su tempi senza fare una piega, accompagnato da Sanders che continua a tratti ad aggredire il microfono, altri ad accarezzarlo con una voce calma – ma continuando a seguire il ritmo della batteria con il suo Warwick. Il tutto viene accompagnato da degli effetti sonori molto suggestivi (notare il rumore delle onde del mare all’inizio della canzone, che per tutto l’album viene riprodotto dagli strumenti) e da delle atmosfere inquietanti o tranquille create.

Le note si arrampicano in un turbine che porta a un assolo di chitarra che occupa gran parte degli ultimi minuti della canzone, quindi un bridge e il gran finale: con un power chord lasciato in fade out si chiude la nevrotica apocalisse sonora. Joseph Merrick, un brano strumentale con chitarra acustica, una batteria che scandisce il lento ritmo e una chitarra elettrica leggermente “sporca” che fraseggia su un brano finalmente lento, pacifico. Che i Mastodon abbiano finalmente trovato la pace tanto freneticamente cercata nella rabbia degli altri brani? Che abbiano – sarebbe il caso di dirlo – trovato il loro personale “Santo Graal”, che abbiano raggiunto la loro Balena Bianca?

Eve

admin — Sun, 09 May 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Post Metal

Sludge

Etichetta:

Supernatural Cat

Anno:

2010

Link correlati:

Ufomammut Official Site

Line-Up:

- Poia -chitarra, synths
- Urlo - basso, voce, fx e synth
- Vita -batteria, synth

Tracklist:

1. Eve (44:42)

Ufomammut

Eve

Ritenuti fin dalle loro origini l’astro portante della scena Post italiana, i piemontesi Ufomammut giungono nel 2010 al loro quinto sigillo discografico con Eve, un’opera ricca di sublimi silenzi e di impetuose sezioni che ben si iscrivono nel contesto apocalittico e soffocante tipico del genere.
Introdotto da una copertina minimalista ma intrisa di un fascino tenebroso, Eve si articola in un’unica traccia (suddivisa in cinque capitoli) per un totale di quasi 45 minuti di durata, che spaziano dalle sonorità tipiche del sottobosco Post-Metal californiano fino a toccare dimenticati e lontani vagiti psichedelici.

Negli undici anni di attività che li hanno accompagnati, gli Ufomammut hanno saputo trasformare progressivamente il loro sound, arrivando a definire una logica timbrica inedita alla scuola estrema italiana. Il primo movimento di Eve si fonda su un crescendo maestoso e inquietante, che conserva i tratti tipici delle realtà più atmosferiche, senza dimenticare la consueta attitudine Sludge che ha caratterizzato gli episodi di studio precedenti.
I lamenti incisivi degli Ufomammut di Snailking riecheggiano nelle aperture monolitiche, ma ciò che nel quinto album di studio del trio piemontese emerge è la volontà di ricerca di aloni spettrali e che stregano l’ascoltatore, trascinandolo in un primordiale vuoto cosmico.
Sebbene alcuni passaggi abbiano un andamento maggiormente “old-school”, quale il quarto movimento, è necessario sottolineare come Eve risulti permeato di frammenti esoterici di estrema rilevanza: la creatura Ufomammut rimane infatti ancora sospesa nella fitta nebbia dai tratti gelidi e soffusi che ha influenzato un’ampia parte del panorama italiano dell’ultimo decennio (Morkobot e Lento su tutti).
Basti soffermarsi sulle sensazioni che gli effetti di chitarra e synth sono in grado di trasmettere attraverso la loro raffinata irruenza o sulle improvvise accelerazioni cariche di angoscia e di malattia.

In definitiva, nonostante la sostanza di un full-length come Eve scavi in una tradizione lontana dal territorio musicale italiano, gli Ufomammut riescono di nuovo a interpretare l’anima della tavolozza timbrica del Post-Hardcore, mantenendosi in un limbo sonoro volutamente opprimente ed oscuro. Eve si colloca quindi come ennesimo manifesto della scena della Penisola, desiderando testimoniare il suo dinamismo, la sua struttura variegata e la sua indole ribelle: proprio la ribellione di Eva nei confronti di Dio per portare all’uomo la conoscenza è al centro delle tematiche affrontate nel disco, che prosegue quindi con il percorso tracciato dai platters precedenti.
Un'ultima nota deve essere spesa riguardo all'ambito grafico dell'opera, curato ancora da Malleus della Supernatural Cat e come di consuetudine intriso di un'aura acida e malsana che ben ritrae il contesto tessuto dalla sezione musicale.