Black Metal

Where Greater Men Have Fallen

Stefano Pentassuglia — Thu, 04 Dec 2014 14:08:15 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Doom Metal

Black Metal

Folk Metal

Etichetta:

Metal Blade

Anno:

2014

Line-Up:

Alan Averill "Nemtheanga" - Voce

Ciaran MacUiliam - Chitarra

Michael O'Floinn - Chitarra

Pol "Paul" MacAmlaigh - Basso

Simon O'Laoghaire - Batteria

Tracklist:

1. Where Great Men Have Fallen
2. Babel's Tower
3. Come The Flood
4. The Seed of Tyrants
5. Ghosts of the Charnel House
6. The Alchemist´s Head
7. Born to Night
8. Wield Lightning to Split the Sun

Primordial

Where Greater Men Have Fallen

Ne è passata di acqua sotto i ponti.

Già a partire dai paesaggi evocativi e chiaroscurali di “The Gathering Wilderness”, i Primordial hanno intrapreso un cammino estremamente personale, che si distanziava sempre più dalle sue origini black metal verso un suono simile alla forma vivente di uno spirito guerriero profuso dal loro sangue celtico. “Imrama” e “Journey’s End” ormai sono un lontano ricordo, mentre quei semi che “Spirit The Earth Aflame” aveva sparpagliato iniziavano ormai a crescere e a germogliare senza più fermarsi.

Sempre più passionali, sempre più epici, sempre più inimitabili. Ma soprattutto, sempre più veri. Il 2007 fu l’anno d’oro, con quel “To The Nameless Dead” che si ergeva fiero ad emblema della loro nuova personalità e summa di un certo modo di intendere il metal e di una intera filosofia sul senso della guerra, del sacrificio, del concetto di “morire per il proprio Paese”. Il “morto senza nome” era colui che si immolava per una patria che lo inviava al massacro, senza che nessuna generazione risorta dalle sue ceneri potesse ricordarsi il suo nome, il suo viso, i suoi sogni, le sue speranze. La gloria è solo un’illusione e questo i Primordial ce lo fecero capire con canzoni impregnate di dolore e di un’epicità struggente, con chitarre che mettevano a tacere la retorica patriottarda di tante metal band che si fingono battagliere ma che non si sono mai davvero fermate a riflette sul vero significato della morte, fosse anche di una sola persona. E il successivo bellissimo album “Redemption At The Puritan’s Hand” non fece che proseguire su questa strada, leccando le ferite del disco precedente attraverso un ritorno alla terra e al più autentico folklore celtico.

Adesso, riposte le cuffie dopo l’ascolto di “Where Greater Men Fallen”, sembra quasi che quel ciclo iniziato nel lontano 2005 (anno di pubblicazione di “To The Gathering Wilderness”) si sia chiuso per sempre. Il nuovo lavoro dei cinque di Dublino è quello che potremmo definire il più “drammatico” della loro carriera. Non che prima la drammaticità non fosse presente, e basterebbe far riferimento al basso mortifero e agli scenari di assoluta desolazione di Gallows Hymn per ricordarlo; ma se un disco come “To The Nameless Dead” era anch’esso, a suo modo, “drammatico”, si trattava di un elemento che non avrebbe mai perso di vista la speranza in un futuro diverso, la convinzione che è possibile risalire dal fango, la ricerca di un senso in mezzo alla miseria.

Tutto questo è assente, ora. Le canzoni del nuovo album rimandano a sentimenti di sconfitta e rassegnazione, come se tutte le energie si fossero esaurite negli album precedenti e non fossero rimaste più lacrime da versare. La battaglia è finita e non conta se il nemico ha vinto o ha perso, ciò che conta è che quei valori in cui ancora speravamo sono sprofondati con noi nella fine del mondo, nell’abisso dell’assurdo. La band non può fare altro che ritirarsi e meditare in solitudine.

Where Greater Men Have Fallen, saggiamente scelta come opener del platter, è una chiara dichiarazione di intenti in tal senso, non fa prigionieri e non lesina sentimenti di rabbia e frustrazione, in una cavalcata in cui Alan Averill sembra buttare su nastro non tanto la sua voce quanto la sua stessa anima. Eppure, paradossalmente, è proprio la title-track a risultare il brano più "tradizionale" rispetto agli altri, con la sua classica struttura di strofa e ritornello che punta tutto sulla magnificenza delle chitarre e su riff che rimandano a sensazioni di eroica sofferenza.

Babel’s Tower, però, cambia completamente registro. Si rimane stupiti dall’iniziale arpeggio distorto, in cui sembra persino di cogliere le influenze di un certo swedish black metal figlio di Watain e Marduk, che pian piano si attenuta in una ballata ovattata e avvolgente. Risulta chiaro come i Primordial, adesso, abbiano deciso di mettere un po’ da parte le loro influenze più celtiche, per avvinarsi non solo al black quanto soprattutto al doom metal, con ritmi più pacati e atmosfere decadenti che in certi frangenti sembrano richiamare la sensibilità dei My Dying Bride. L’immagine di un uomo che si ritrova di fronte alla desolazione di un mondo ormai in declino è il tema portante del brano, perfettamente rappresentato dall’oscuro videoclip diretto da Gareth Averill.

Ma se i primi due brani ci hanno già ammaliato a puntino, è con la successiva Come The Flood che l’album spicca il volo in modo definitivo. A parere di chi scrive, si tratta della traccia migliore del disco, l’espressione più alta di quel sentimento di rassegnazione a cui, tuttavia, sembra che la voce di Alan non voglia arrendersi. Già solo l’intro affascina, prima di gettarci in atmosfere dove si respira molto più doom rispetto al passato. Averill si mostra così il più significativo cantastorie di questa nuova decadenza, mentre le chitarre sorreggono ritmiche cadenzate e oscure, che si trascinano inesorabili verso un finale da pelle d’oca, fatto di sangue, lacrime e pura emotività.

The Seed of Tyrants e Ghosts Of The Charnel House si rivelano francamente i brani meno ispirati del platter, ma pur sempre molto interessanti nella loro carica innovativa: la prima traccia è un chiaro ritorno alle origini più prettamente black metal che ormai sembravano dimenticate, con un furioso Simon O’ Laoghaire che mai aveva sfruttato così a fondo il doppio pedale; la seconda traccia imbastisce un riffing forse un po’ troppo stiracchiato e convenzionale, ma non per questo meno energico ed esaltante; ammirevoli comunque gli arpeggi finali intrecciati con il basso che riescono ad infatuare con la loro seducente pacatezza, anche strizzando leggermente l’occhio al post rock.

The Alchemist’s Head è indubbiamente uno dei brani più sperimentali che i Primordial abbiano mai composto; tendente anch’esso al black metal, particolarmente dissonante (soprattutto negli atmosferici riff che anticipano la fine) e sostenuto da ritmiche spezzate, si incastra perfettamente con lo screaming di Averill, mai così maligno nella tipica espressività che lo contraddistingue. Non si tratta certo di un brano facile da ascoltare, ed è più che probabile che qualche fan di vecchia data possa rimanerne spiazzato. In ogni caso, l’esperimento pare ben riuscito e per quanto il brano possa stonare nel contesto epico/drammatico dell’intero album, è da ammirare il coraggio con cui la band è riuscita a provare qualcosa di diverso e nuovo senza spostare di un millimetro quella personalità che l’ha resa unica.

La lunga e ispirata introduzione di Born To Night, di oltre tre minuti, stende un velo di arcana meditazione, come un cielo plumbeo che anticipa la tempesta, prima che uno dei migliori riff degli ultimi Primordial faccia il suo ingresso in campo. Chitarre mai così rocciose e decise gettano l’ascoltatore nell’headbanging più sfrenato, e quando Averill irrompe sulla scena lo vediamo subito prendere in mano le redini di un doom metal nordico, in parte memore dei sempre splendenti Candlemass, che invita chi lo accoglie a sognare ad occhi aperti.

Degna conclusione di questo viaggio ai confini dell’anima, Wield Lightning To Split The Sun emana odore di leggenda celtica da tutti i pori, avanzando in ritmi cadenzati e in echi lontani sperduti nel bosco, con un lirismo malinconico che sembra il canto di antichi guerrieri irlandesi in ricordo dei propri compagni morti in battaglia.

Certo, evitare il confronto con il passato è di fatto impossibile. Ma questo non è un male, anzi. Ci permette di comprendere come “Where Greater Men Have Fallen” rappresenti una naturale prosecuzione, non solo del suono ma soprattutto dell’anima dei cinque irlandesi, che forse sarà diventata più cupa e malinconica ma proprio per questo permette di riscaldare meglio le emozioni di chi sa ascoltarla. E se qualcuno alzerà il dito al cielo, pronto come al solito ad affermare che “To The Nameless Dead" era meglio, non sarà difficile zittirlo affermando che non è possibile migliorare la perfezione. Del resto, non era un disco “migliore” che ci aspettavamo dai Primordial; quello che volevamo era un disco bellissimo come sempre, nuovo, diverso, che continuasse quell’epico cammino di autenticità fatto di melodie sognanti e di sentimenti puri. Lo abbiamo avuto.

Finite le danze, se da un lato non possiamo affermare che “Where The Greater Men Have Fallen” sia un vero e proprio capolavoro, dall’altro non possiamo nemmeno negare che si tratti di un altro meraviglioso disco di una band che ormai è un’assoluta garanzia di qualità, passione ed emozioni sincere, degno stendardo di un’isola che non dimenticherà mai le sue radici e di un metal suonato prima con il cuore e poi con voce e strumenti. E scusate se è poco.

Chapeau.

Earth Diver

Stefano Pentassuglia — Sun, 17 Aug 2014 16:06:59 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Progressive Metal

Avantgarde

Black Metal

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2014

Link correlati:

Sito bandcamp della band

Line-Up:

Markus Luscombe - Voce, Basso

Matt Solis - Voce, Chitarra

Nick Cohon - Chitarra, Tastiera

Brennan Kunkel - Voce, Batteria

Tracklist:

1. Eris

2. Daughter Of Void

3. Sold As A Crow

4. Waking Sleep

5. The Pythia

6. Broken Circle

7. Mark The Trail

8. A Sovereign Act

Cormorant

Earth Diver

Se c’è una cosa che dopo anni e anni di ascolti ancora non riesco a spiegarmi, è come mai la stampa musicale specializzata continui a ignorare e snobbare realtà affascinanti e band finalmente originali, che meriterebbero tutti gli onori di cronaca che un giornalista dedito a qualsiasi altro campo concederebbe ad uno scoop ben congeniato. È il caso dei Cormorant, band statunitense poco conosciuta nel Bel Paese, che non ha mai ricevuto dalla stampa italiana quelle attenzioni che, come spesso succede, sono state dedicate a gruppi tanto più blasonati quanto più poveri di idee.
A onor del vero, ci sarebbe da dire che i musicisti di San Francisco non si siano mai fatta troppa pubblicità e siano sempre rimasti sotto l’ala protettrice del “made it by yourself”, dell’autoproduzione e dell’indie più fiero, con la rigorosa scelta di pubblicare i propri dischi senza il supporto di alcuna casa discografica. Capitanata dal bassista/cantante Markus Luscombe e supportata dalla coppia d’asce Matt Solis e Nick Cohon, la creatura americana stupì il mondo del metal sotterraneo già nel 2011 con il precedente Dwellings per la sua capacità di mescolare le carte in modo certosino e di far risaltare influenze che andavano dai primi Opeth fino agli ultimi Mastodon, passando per band come Isis e addirittura i Sepultura.
Da questo punto di vista, il nuovo Earth Diver rappresenta sicuramente una naturale evoluzione nonché, come ogni buon terzo disco che si rispetti, l’impronta dell’ormai avvenuta maturazione dei nostri. Non che si tratti di un capolavoro, sia chiaro: manca ancora, nei cormorani, quella capacità di andare oltre, di potare le sonorità più ostiche e di premere l’acceleratore sulle idee più riuscite e originali. Ma in fondo non è di un capolavoro che c’è bisogno, quando qui c’è un album che riesce a far dimenticare ogni sua pecca con una virulenza tale da annientare ogni band che cerchi di osare altrettanto.

Si parlava di originalità, e in effetti era dai tempi dei primi Bokor che non mi capitava di ascoltare una tale ispirazione unita ad un’invidiabile conoscenza dei propri mezzi espressivi: progressive rock, black metal, death metal melodico, folk metal, sludge e post metal sono solo alcuni dei generi che i Cormorant riescono a mescolare sapientemente in un mix di esplosivo metal estremo, complesso, articolato ma anche immensamente piacevole all’ascolto, che comunque rimane non facile. Pochissime le band che riescono a reggere il paragone in termini di idee, forse i già citati Bokor e magari anche i Lo-Ruhamah di The Glory Of God. In ogni caso, si tratta di un album (e di una band) dalle infinite possibilità espressive e dalla carica compositiva di un toro infuriato. La sensibilità romantica dei primi Opeth qui si sposa con la raffinata attitudine compositiva dei Cynic (per quanto sia grande la distanza a livello musicale), in un saliscendi emotivo che deve tanto allo sludge sporco e progressivo di Rwake e Minsk quanto alla scuola black metal atmosferica dei Wolves In The Throne Room, senza dimenticare quella svedese di Watain e Naglfar; il tutto condito con uno spirito prog che non può non rimandare alle squisitezze soniche dei Green Carnation.

Eris è solo l’inizio di un lungo viaggio e di un trip mentale che inizia già accarezzando i sensi con le sue chitarre melodiche e dal sapore latino, prima che le distorsioni di Daughter Of Void arrivino a spazzare via tutto.
Daughter Of Void. Una canzone che, da sola, varrebbe l’intero album. Non tanto perché si tratta probabilmente del miglior brano nel platter, quanto perché potrebbe candidarsi ad essere una delle canzoni di metal estremo più ispirate di questo 2014. Il suo unico difetto è quello di durare troppo poco, se si pensa che i suoi 6 minuti e mezzo, per quanto sembrino abbondanti, potevano durare anche il doppio, il triplo e forse anche il quadruplo, per la quantità di idee in essi presenti. Fin troppi i riff e i cambi di tempo che si respirano nel pezzo, dalle atmosferiche chitarre iniziali che si trasformano in attacchi a metà tra lo sludge e il viking, in un’epica cavalcata che ricorda da vicino l’espressività melodica di certi Opeth. Ma l’idillio dura poco, spezzato dalla virulenza del black metal che si spegne in riffoni schiacciasassi che evolvono ancora, in un crescendo progressive di metal estremo che termina in un magniloquente riff finale.
Ma sono le chitarre liquide di Sold As A Crow a introdurre l’anima più black metal dei Cormorant, intrisa di emotività folk nella sua delicata progressività. Potrebbero persino essere scambiati per un gruppo folk-black, se solo non insistessero con le loro elaborate strutture chitarristiche, che a momenti ricordano persino i richiami mediorientali dei blackster israeliani Melechesh, senza contare un’anima doom che fa volentieri capolino nei momenti di stacco tra una sfuriata e l’altra.
Waking Sleep parte lenta e pacata, avvolgendo in cori vicini al prog/gothic dei primi Dark Suns per poi adagiarsi su territori di metal estremo sempre più variegati, quasi come se i Green Carnation e i Cynic ultima maniera si fossero improvvisamente messi in testa di suonare viking/black. E ancora ritorna lo spettro degli Opeth nei cori, che si dissolve nello sludge e anche in un certo modo di intendere il death metal, quello dei Morbid Angel in primis.

Diventa ormai chiaro che definire in modo più o meno lineare quale sia il genere musicale suonato dai Cormorant sia compito alquanto arduo, per non dire impossibile. Tanto più che nella successiva The Pythia viene sviluppato ancora di più quello sludge tipico di band come Rwake e Eyes of Fire (per non dire EyeHateGod), ma solo per cedere volentieri alle tentazioni del melodic death tecnico, prima di sfociare in un finale melodico dal retrogusto che sa persino di alternative rock.
Broken Circle inganna con la sua voglia di fare atmosfera a suon di riff progressive rock un po’ settantiani, che in realtà sono solo un pretesto per introdurre una nuova sfuriata in doppia cassa. Degno di nota è poi il cantato, che se da un lato si concede al tipico scream black metal, dall’altro strizza l’occhio all’inconfondibile latrato di Jacob Bannon dei Converge. E continua così l’alternanza infinita tra quiete e tempesta, tra melodie avvolgenti, basso pulsante e riffoni distruttivi.
Anche Mark The Trail si muove su coordinate simili, sempre in bilico tra death, sludge e gusto progressive, prima di chiudersi in un finale epico e molto bathoriano che ricorda certe band più vicine al viking/folk che non alle altre influenze normalmente messe in moto dal combo. Forse è proprio questa la caratteristica più straordinaria di Earth Diver, ovvero quella di mettere quintali di carne al fuoco, cucinarli ben bene e poi servirli con una competenza tale che non si nota più la differenza tra le diverse influenze, ma tutto sembra frutto di un’unica, solida e compatta proposta musicale, figlia solo dell’ispirazione e non del condizionamento dato da tanti generi diversi e da decenni di metal estremo.

A completare il quadro, giunge l’austera melodia di A Sovereign Act, che si costruisce su un post metal oscuro come solo i primi Neurosis sapevano essere, per destreggiarsi anch’essa su territori esattamente a metà strada tra lo sludge e il black metal, che è quasi come se i Rwake, i Minsk e i Watain abbiano deciso di mettersi d’accordo e comporre un pezzo tutti insieme.
Difficile quindi riassumere a parole una valanga così vasta di influenze come quella che travolge lo stile dei Cormorant. Ma che si tratti di prog, death, black, gothic, sludge, post o qualsivoglia altro sottogenere, la band di San Francisco è innanzitutto una grandiosa creatura di metal estremo finalmente originale e autentico, che dona nuova freschezza a una scena ormai stantia e da troppo tempo legata alla sua vecchia gloria. Che poi Earth Diver non sia un capolavoro, su questo siamo tutti d’accordo, tuttavia potremmo anche azzardare che ci è andato vicino. Se in futuro i nostri saranno in grado di spiccare il volo, liberarsi dalla zavorra dei riff più ripetitivi e concentrarsi su quelli vincenti, magari allungandoli in canzoni potate a dovere, le probabilità che venga servito il nuovo chef-d’oeuvre del metallo pe(n)sante sono davvero molto alte. Per adesso, accontentatevi di chiudere gli occhi e di lasciarvi abbandonare sulle ali del Cormorano. Non ve ne pentirete.

Murmur

Emanuele Pavia — Thu, 06 Feb 2014 22:01:48 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Progressive Rock

Black Metal

Etichetta:

Season of Mist

Anno:

2014

Line-Up:

- Matthias Vogels - Chitarre, voce, noise, synth
- Shane Prendiville - Noise, chitarre, voce, synth
- Alex Perkolup - Basso
- Charlie Werber - Batteria

Tracklist:

1. Water From Water
2. Bull of Crete
3. Al-Malik
4. Recuerdos
5. Zeta II Reticuli, Part 1
6. Zeta II Reticuli, Part 2
7. King Yellow
8. When Blood Leaves

Bonus track:
9. Larks' Tongues in Aspic, Part 2

Murmur

Approdato alla Season of Mist, il quartetto statunitense dei Murmur pubblica il suo secondo album eponimo nel gennaio 2014, dopo il primo Mainlining the Lugubrious registrato nel 2007 (ma pubblicato solo nel 2010 tramite Inferna Profundus Records) e uno split con i Nachtmystium (rilasciato nel 2011).

Abbandonando totalmente il black metal depressivo, ronzante e tutto sommato prevedibile dell'esordio, i Murmur qui ripartono dalle idee solo timidamente accennate da brani come Die Injektion Präparat Ritual e The Fall del primo full-length (che mostravano i momenti più creativi, con sezioni oniriche e dilatate e sonorità progressive a intervallare le sfuriate black metal), portando tale discorso alle estreme conseguenze.
Del black metal, infatti, Murmur mantiene solamente poche caratteristiche (essenzialmente certo riffing in tremolo in alcune sezioni, oltre che l'uso occasionale dello scream), ampliando notevolmente gli orizzonti stilistici della band: seguendo l'esempio del black metal sperimentale norvegese degli anni Novanta (Fleurety e soprattutto Ved Buens Ende sono le influenze più evidenti), i Murmur assimilano nel tessuto metal umori e caratteri provenienti dalle scene più disparate, perlopiù legate al progressive rock e alle sue evoluzioni più cervellotiche. In articolate composizioni free-form, i Murmur convogliano le strutture dei King Crimson più geometrici e cerebrali (non è un caso che nell'edizione limitata in digipak, sia presente anche una personale rivisitazione della classica seconda parte della title track di Larks' Tongues in Aspic), le intricate partiture del Rock in Opposition di Henry Cow, Art Zoyd e Univers Zero, così come l'esuberanza dei più recenti progetti Ruins e Time of Orchids. Al contempo, la musica di Murmur riprende il discorso delle frange più intellettuali del rock degli anni Novanta, riesumando il math rock geometrico dei Don Caballero, l'interplay chitarristico dei Polvo, le aspre dissonanze dei Dazzling Killmen e le improvvisazioni degli Storm and Stress.

Nel conciliare tanti stili così sofisticati, i Murmur mostrano un'esecuzione impeccabile (a partire dalla prestazione maiuscola di Charlie Werber alla batteria, capace di alternare con naturalezza e creatività blast beat black metal a ritmiche jazzate) e soprattutto una lucida visione d'insieme, che distingue la loro musica da quella di tanti "sperimentatori" ambiziosi sulla carta ma non abbastanza dotati tecnicamente da poterselo permettere; inoltre, si avvalgono di una produzione nitida, che permette di dare profondità alle sezioni più progressive senza togliere potenza ai momenti più estremi del disco, distanziandosi ulteriormente in tal modo dallo stile esibito nel primo disco (caratterizzato da una produzione scarna e amatoriale secondo i più miopi dettami del black metal).

Gran parte del valore dell'album è dovuto alle prime tre tracce, che più di tutte dimostrano l'acquisita maturità dei Murmur. Water From Water, con i suoi arpeggi acustici, raffinati arrangiamenti di tastiere, dissonanze spettrali e atmosfere oniriche, sembrerebbe addirittura inaugurare un disco di avant-prog, se non fosse per l'assalto tipicamente black metal incastonato a metà del brano (che, comunque, tradisce la magniloquenza tipica del progressive rock, a partire dai cori fino al riffing intricato). A quanto mostrato nella opener, l'eccellente Bull of Crete aggiunge quindi la spigolosità geometrica e dissonante del math rock, arrivando a una quasi esplicita citazione dei Polvo (epoca Merge) e dei Dazzling Killmen nella jam strumentale centrale.
È però la lunga (undici minuti e mezzo) Al-Malik la traccia che riassume al meglio tutti i caratteri dell'operazione Murmur: ripartendo nuovamente dal black metal norvegese più sofisticato, i Murmur ben presto concentrano tutte le proprie velleità sperimentali in un brano di progressive rock (con tanto di sintetizzatori) che sembra voler aggiornare tramite gli strumenti del math rock, del noise rock e del metal d'avanguardia di Voivod e Virus le divagazioni e improvvisazioni oniriche di Robert Fripp su Moonchild. Con tutti i linguaggi e le tecniche di cui si avvale il gruppo in questo pezzo, Al-Malik rivela però anche le maggiori deficienze compositive dei Murmur, che ancora non levigano adeguatamente alcuni spigoli della loro musica, cedendo a ingenuità (si veda l'apertura con solo arabeggiante, naif e sopra le righe) o lungaggini e autoindulgenze di troppo nella sezione intermedia.

Tali difetti sono maggiormente evidenti nella seconda metà dell'album, dove le composizioni generalmente non raggiungono i vertici dei primi tre pezzi pur mostrando una creatività e un gusto raro nel metal attuale. È questo il caso di Zeta II Reticuli, altro esperimento di progressive black metal diviso in due atti: dove il primo ripercorre con grande successo la strada del crossover tra metal, progressive, jazz, math e noise, il secondo altro non è che un ben più standard tributo ai King Crimson. D'altra parte, King in Yellow è un miasma di ripetizioni ossessive di dissonanze alienanti di chitarra e pianoforte, ma ben presto il trucco stanca e l'ascolto rimane interessante solo grazie alla straripante prestazione ritmica.
In ogni caso, l'interludio Recuerdos (giocato tra chitarre acustiche e synth) e soprattutto il finale onirico di When Blood Leaves (in cui l'interplay chitarristico di Matthias Vogels e Shane Prendiville, mai in tutto il disco così prossimi come in questo brano al suonare come una versione black metal di Ash Bowie e Dave Brylawski, raggiunge probabilmente il vertice emotivo e creativo) sono tra il meglio di ciò che l'album abbia da offrire.

In anni in cui il paradigma di sperimentazione nell'ambito black metal è dato dalla commistione di darkwave, dream pop, post-rock e shoegaze, i Murmur si muovono in controtendenza recuperando l'eredità di capisaldi dell'avant-garde metal del calibro di Carheart e Written in Waters, rivelandosi in questo modo come uno dei gruppi più particolari e coraggiosi ad emergere dalla scena estrema americana negli ultimi tempi.

Noregs Vaapen

Corrado Penasso — Mon, 10 Oct 2011 19:01:44 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Black Metal

Etichetta:

Dark Essence Records

Anno:

2011

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Hoest - Vocals, All Instruments

Tracklist:

1. Fra vadested til vaandesmed 06:47

2. Orkan 06:17

3. Nordbundet 05:25

4. Du ville ville Vestland 06:51

5. Myr 05:35

6. Helvetesmakt 05:37

7. Dei vil alltid klaga og kyta 10:16

Taake

Noregs Vaapen

In un passato recente, voci si rincorrevano riguardo allo scioglimento dei Taake da parte del master mind Hoest. L’album precedente, il buon Taake, venne preso dalla stampa come il possibile epitaffio di una band che sin dal debutto Nattestid Ser Porten Vid datato 1999 si stava prendendo sulle spalle il pesante fardello di portare avanti la tradizione del vero black metal norvegese in un periodo di totale crisi del genere. Ora, a tre anni di distanza da quella che sembrava la fine, il gruppo capitanato dal polistrumentista Hoest ritorna sul mercato discografico con un nuovo lavoro: Noregs Vaapen.

In occasione di questo rientro nella scena, la band decide di appoggiarsi nuovamente alla Dark Essence Records per un album che punta su di un sound molto scarno e grezzo, rievocando i fasti del debutto. Le chitarre rivestono un ruolo importantissimo nelle canzoni siccome esse sono il vero punto di forza per ricreare atmosfere gelate e tipicamente nordiche che ormai in molti si sono dimenticati. Il basso pulsante ed una batteria minimale sostengono alla perfezione il tutto ed in cima alla struttura troviamo sempre lo scream malato e classico del genere. Sin dall’opener dal titolo Fra vadested til vaandesmed possiamo constatare come lo stile dei Taake sia inesorabilmente ancorato alla corrente nordica di inizio anni 90 ed a band quali DarkThrone e Gorgoroth. Le chitarre disegnano paesaggi di pura desolazione e come prima sorpresa possiamo trovare la partecipazione speciale di un certo Nocturno Culto che presta la sua voce. Alcuni stacchi tipicamente black ‘n’ roll spezzano e danno varietà ad una struttura abbastanza diretta ed il suono delle tastiere sul finale aumenta la sensazione di decadenza per una delle tracce migliori del lotto.

Segue a ruota una tagliente Orkan, forse tra le canzoni meno convincenti su disco ma che comunque riesce a spezzare la sua leggera monotonia con ottimi breaks stile black metal depressivo dopo la seconda metà. I ritmi rallentano e le atmosfere cariche di oscurità hanno finalmente la possibilità di esprimersi al meglio facendo notare una certa somiglianza con alcune produzioni degli svedesi Shining. Stessa cosa si potrebbe dire per il riffing iniziale della seguente Nordbundet, canzone per alcuni versi leggermente più accessibile grazie ad alcuni passaggi di chitarra dal retrogusto epico che spesso invadono i territori del thrash metal e del black ‘n’ roll. I Taake sono giustamente restii a seguire lettera per lettera l’insegnamento dei padri fondatori del genere ed affinché il genere continui a rimanere vivo necessita anche di leggere innovazioni che ne arricchiscano il sound. Ecco perché in Du ville ville Vestland possiamo trovare anche influenze sludge da opporre ai soliti tempi veloci. Il risultato è qualcosa di strabiliante.

Non contento di queste sperimentazioni ottimamente riuscite, cosa pensereste se io vi dicessi che Hoest ha osato ancora di più su questo disco? Vi spaventereste, penso. Bene, allora provate a sentire che effetto farebbe il suono di un banjo in un fantastica Myr. Se ad un primo momento la proposta può sembrarvi destabilizzante, un ascolto è d’obbligo. Il genio del leader ha dell’incredibile perché le note prolungate di tale strumento riescono ad incastrarsi alla perfezione in una canzone completamente votata al verbo nero, tra momenti rallentati e veloci ripartenze dal retrogusto folkeggiante. Le influenze black ‘n’ roll vengono maggiormente valorizzate nella successiva Helvetesmakt, contenente un ottimo break folk a metà della sua struttura, altrimenti nera come la pece. Da segnalare anche l’ottimo coro di voci pulite che fa seguire alcuni tra i migliori riffs del disco per un’atmosfera strana ma incredibilmente catchy.

I dieci minuti della finale Dei vil alltid klaga og kyta si dividono tra passaggi in blast beats dalla lunga durata e ricadute in tempi medi ove il solismo della chitarra accresce nella giusta maniera la sensazione di oscurità. Attila Csihar presta la voce in questa canzone ove le solite influenze black ‘n’ roll vengono sapientemente alternate a momenti più classici per il genere, terminando un lavoro veramente buono. I Taake versione 2011 sanno mantenere i piedi stabilmente ancorati nel passato ma con un occhio al futuro e sembra che oggigiorno questa sia la vera ricetta del successo. Album consigliato ai vecchi fan delle sonorità passate ma anche a coloro i quali cercano sempre qualcosa di nuovo nel genere, senza allontanarsi troppo da ciò che ha fatto la storia.

Celestial Lineage

Gioele Nasi — Fri, 09 Sep 2011 22:45:58 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Gioele Nasi

Genere:

Black Metal

Etichetta:

Southern Lord

Anno:

2011

Link correlati:

Sito Ufficiale Wittr

Line-Up:

Aaron Weaver - Batteria, Sintetizzatori
Nathan Weaver - Chitarra e Voce Guitars, Vocals
Jessika Kenney - Voce
Aaron Turner - Voce

Tracklist:

1. Thuja Magus Imperium
2. Permanent Changes in Consciousness
3. Subterranean Initiation
4. Rainbow Illness
5. Woodland Cathedral
6. Astral Blood
7. Prayer of Transformation

Wolves in the Throne Room

Celestial Lineage

“Celestial Lineage”, scritto e registrato nel primo semestre del 2011 e pubblicato a inizio Settembre dello stesso anno, è il quarto full-length della fortunata parabola artistica dei Wolves in the Throne Room, uno dei pochi gruppi Black Metal ad aver fatto breccia anche tra il pubblico Indie e Rock.

Lo diciamo subito: questo sarà il disco della loro consacrazione. Se “Black Cascade” (Southern Lord, 2009), per quanto di gran bellezza, era sembrato una mezza battuta d'arresto (perlomeno a livello d'aggiunta di nuove idee), il nuovo “Celestial Lineage” torna a fare passi avanti e ad incantare con rinnovata maestria.

Il gruppo dei fratelli Weaver riprende il meglio del proprio passato (il Black Metal spazioso, atmosferico e naturalistico di “Two Hunters”, del 2007), lo rinfresca ripescando alcune intuizioni che avevano accennato ma mai sviluppato compiutamente (le interessanti contaminazioni di “Malevolent Grain”, EP del 2009) e lo impreziosisce con alcune nuove, gustose idee.
Idee che arrivano da lontano, visto che nelle dichiarazioni di rilascio del disco il gruppo arriva a tirare in ballo addirittura i Popol Vuh – la spiritualità delle tastiere del celebre gruppo tedesco è stata difatti d'ispirazione per i due ragazzi di Olympia, e la cosa si riflette ad esempio nei sontuosi e ricchi accompagnamenti di synth che sostengono diversi pezzi di “Celestial Lineage”, o anche nei rasserenanti e mistici cori dell'intermezzo “Permanent Changes in Consciousness”.

Non solo: in “Celestial Lineage” trovano spazio anche linee di chitarra più dissonanti e spigolose, in cui si strizza l'occhio al Black Metal attualmente prodotto in entrambe le coste degli States (“Subterranean Initiation”), oltrechè rallentamenti fino a tempi tipici del Doom o dello Sludge, protagonisti nella seconda parte del capolavoro “Thuja Magus Imperium”, opening track di oltre dieci minuti.
Ad arricchire il disco abbiamo anche i più classici interventi acustici, presenti nella splendida “Astral Blood”, brano attorno a cui s'impernia la seconda metà del disco, e che è preceduto e seguito da due dei momenti più interessanti del lavoro, ovvero “Woodland Cathedral” e “Prayer of Transformation”.

La prima, “Woodland Cathedral”, potrebbe ricordare una versione ascetica e illuminata dei Menace Ruine del capolavoro “The Die is Cast” e, tenendo fede al proprio titolo, gode degli interventi corali di stampo sacrale di Jessica Kenney e di un paio di aperture di tastiere/organo di solenne austerità e bellezza (in cui riappare il fantasma dei Popol Vuh che i due Weaver hanno voluto evocare). La conclusiva “Prayer of Transformation” è invece congedo perfetto: chitarre nebbiose e sgranate si dipanano lentamente sopra un funereo scandire di batteria, attraverso percorsi in chiaroscuro, secondo una lezione nota fin dai tempi del Burzum più dilatato e fosco (“Gebrechlichkeit”) ma sempre capace di affascinare.

Tirando le somme, quest'ultima creazione dei lupi americani soddisfa, e non poco: per la maturità con cui hanno saputo amalgamare vecchi e nuovi elementi; per l'abilità nel coniugare spiritualità e intensità sonora; per il modo in cui mantengono sempre organico il loro sound, a prescindere da ciò che ci inseriscono; per il buon gusto di non eccedere mai (nella durata, ad esempio); perchè dopo un “Black Cascade” tanto compatto e monolitico, ci hanno saputo sorprendere; e infine per la pura e semplice qualità dei pezzi.
“Celestial Lineage”, capace di arrampicarsi fino alle vette qualitative di “Two Hunters” e forse pure un pochino più su, è quanto di più interessante e accattivante sia stato pubblicato dai Wolves in the Throne Room.

Under Saturn Retrograde

Corrado Penasso — Thu, 19 May 2011 09:39:17 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Doom Metal

Black Metal

Etichetta:

Agonia Records

Anno:

2011

Link correlati:

My Space.com

Line-Up:

- Algol - basso

- Asher - batteria

- Herr Morbid - chitarra, voce

- Razor SK - chitarra

Tracklist:

1. Reject Existence (06:47)

2. Shutter (06:53)

3. Downlift (05:39)

4. I Wanna Be Your Dog (The Stooges cover) (03:13)

5. Joyless (04:48)

6. Under Saturn Retrograde Part I (03:40)

7. Under Saturn Retrograde Part II (04:23)

8. You Can't Kill Whos Already Dead (08:24)

9. Spectres Over Venice (06:58)

Forgotten Tomb

Under Saturn Retrograde

Quinto album in casa Forgotten Tomb, ovvero una band tra le più amate e pubblicizzate dell’intero panorama depressive black/doom metal internazionale. Fonte di orgoglio per noi italiani e concorrenza pura per i blasonati mostri sacri svedesi, la band di Herr Morbid ritorna con questo Under Saturn Retrograde, album frutto di una continua evoluzione che vedeva inizialmente la band debitrice ai maestri Burzum, Strid e Katatonia per poi muoversi verso lidi maggiormente “Seventies”, grazie all’apporto prezioso di un certo groove musicale. Una scelta coraggiosa che fece storcere il naso a molti e che con questo nuovo lavoro possiamo ritrattare.

Suoni potenti, cristallini ci introducono all’opener, una favolosa Rejected Existence. Il groove delle chitarre va a creare un’impalcatura per le linee soliste disperate a plasmare un contrasto accattivante ma anche terribilmente depressive. Le cadute in arpeggi aumentano la sensazione di pura claustrofobia mentre la voce di Herr Morbid riversa tonnellate di odio per la vita in un crescendo che culmina durante un ritornello sì di facile presa ma dalla carica autodistruttiva impressionante. Influenze maggiormente “moderne” si possono riscontrare nel riffing più tendente al black metal con punte dissonanti della successiva Shutter. Alcune sezioni arpeggiate donano una profondità ancora più marcata ad un sound nero come la pece, sostenuto da alcuni cambi di tempo dinamici ad arricchire strutture che viaggiano sempre su tempi medi/doom. Assolutamente imperdibile il groove Sabbathiano delle chitarre successivo al solo di basso ad introdurre pure alcune clean vocals ormai tanto care al cantante/leader.

I quasi sei minuti diDownlift ci danno la possibilità di gioire di multiple e svariate influenze che il gruppo ha mostrato di poter trasformare in ottima musica. Il groove delle chitarre rimane un elemento importantissimo, in qual si voglia ambito. Esso va a sostenere lugubri arpeggi oppure strazianti linee soliste tra ricercati cambi di tempo e conseguentemente di atmosfera a sfociare nella rilettura in chiave doom di un classico che teoricamente non ci azzeccherebbe molto col suddetto genere, ovvero I Wanna Be Your Dog dei The Stooges. Il marchio Forgotten Tomb è impresso indelebilmente in ogni secondo di questa traccia. Qui si capisce veramente come un donare/ricevere di influenze sia stato importante per arricchire uno stile che dopo i primi tre superbi lavori dei nostri romagnoli era a rischio di immobilismo. Il compianto Pete Steele sarebbe stato orgoglioso di aver lasciato un segno così importante con i suoi Type O Negative in occasione di Joyless, ottimo episodio di doom/gothic profondo, melodico e desolato. Una sorta di Alone Part II.

Under Saturn Retrograde Part I non si fa notare in modo eclatante se non per la fase solista della chitarra verso lo scemare della traccia. Il resto si assesta su una sorta di black metal canonico, tra tempi questa volta maggiormente veloci e riffs più diretti. Di tutt’altra pasta Under Saturn Retrograde Part II: quasi completamente arpeggiata, questa traccia mostra neanche troppo timidamente influenze che ancora una volta chiamano i Black Sabbath sinfonici per proseguire con l’esplosione delle chitarre elettriche e le urla sofferenti di Herr Morbid per un viaggio disperato che sfocia nella lunga e tenebrosa You Can't Kill Whos Already Dead. Come sempre, i punti di forza risiedono nelle sezioni arpeggiate che si intrecciano e scambiano con le linee soliste e momenti in cui il groove delle chitarre crea un ottimo appoggio per alcune linee vocali pulite in indubbia espressività, sempre alternate al solito scream carico di malattia interiore e disperazione.

La finale Spectres Over Venice stilisticamente ci riporta al 2003 e all’album Springtime Depression giacché annovera idee maggiormente legate al passato della band per un risultato eclatante. L’oscurità e la sensazione di pura decadenza che questa traccia riesce a trasmettere sembrano voler essere una sorta di summa di tutto ciò che abbiamo avuto modo di ascoltare in questo ottimo lavoro.

I Forgotten Tomb hanno lavorato parecchio alla stesura di questo album e si sente. Tutte le sfumature del loro sound, le ottime idee che vengono a galla sin dal primo ascolto ed il carico di malessere interiore che ancora una volta il gruppo riesce a trasmettere sono tutti segni di una maturazione ormai compiuta e che sta dando i suoi frutti. Under Saturn Retrograde è un lavoro solido, forse migliore del suo predecessore e che conferma il gruppo come una delle realtà internazionali di spicco del genere.

End Gates

Stefano Pentassuglia — Mon, 07 Apr 2014 10:36:11 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Thrash Metal

Death Metal

Black Metal

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2014

Link correlati:

Pagina Facebook della band

Line-Up:

Antonio Guerra - Voce

Aldo Panico - Chitarra

Luca Miolla - Chitarra

Francesco Oresta - Basso

Rodolfo Russo - Batteria

Tracklist:

1. Ballad of the Death

2. Last Journey

3. Scent of Blood

4. Black Light of Death

5. Rotten Conscience

6. Eternal Desire

7. A Jump in the Absolute

8. Something Dark Grows

Alldead

End Gates

“Per tutti la morte ha uno sguardo.

Verrà la morte e avrà i tuoi occhi.

Sarà come smettere un vizio,

come vedere nello specchio

riemergere un viso morto.”

Tante, troppe le band convinte che l’originalità, o meglio la “personalità”, sia solo un optional. In un mondo come quello del metal estremo, ormai saturo di album sempre uguali e di musicisti convinti che bastino 4 riff scopiazzati qua e là per mettere in piedi qualcosa di decente, ascoltare un album che esca dai soliti canoni del thrash/death/black assomiglia sempre più al cercare un metallaro sobrio a un concerto dei Tankard. L’Italia non è da meno; per quanto il bel Paese abbia sfornato alcune tra le band più particolari e originali degli ultimi anni, nell’oceano dell’underground prettamente estremo sembra che sia dia sempre più interesse al “suonare thrash”, “suonare black”, ecc. e al rimanere ancorati alla propria zona di comfort, piuttosto che a suonare con la propria testa e al dare un contributo “personale” alla scena.

Con le dovute eccezioni, naturalmente. Gli Alldead sono un’eccezione.

Provenienti da una città come Taranto, diventata sempre più un emblema di sofferenza giovanile a causa di uno scenario urbano dilaniato dalle errate scelte industriali del passato, questi 4 ragazzi del profondo Sud non sembrano tanto interessati a mettere in mostra le loro influenze estreme quanto piuttosto a servirsene per spaccare più culi possibili in un’orgia di riff taglienti, assoli al vetriolo e influenze che non si fanno problemi a mescolare la furia degli Slayer con l’epicità degli Amon Amarth e la glacialità dei Dissection. Nati nel 2009 con il nome di Redrum, inizialmente una cover band fondata dal chitarrista Aldo Panico, dal bassista Francesco Oresta e dal batterista Rodolfo Russo (già con i thrasher tarantini Assaulter), il gruppo pugliese inizia la gavetta assemblando tutto ciò che anni di ascolti estremi hanno saputo offrire in un calderone di stili e di influenze diversi, fino all’arrivo del chitarrista solista Luca Miolla (anche lui nei già citati Assaulter) e del vocalist Antonio Guerra, abile nel passare da un registro estremo all’altro come se la band disponesse di più cantanti allo stesso momento. Il risultato è un debut album incazzato e con così tanta carne al fuoco da essere quasi prog nel suo concatenarsi di cambi di tempo repentini e di riff che spaziano dal thrash al death, dal black metal di scuola svedese al melodic death, dal viking al blackened death in una proposta unica, compatta e distruttiva.

Una macabra citazione sul booklet da “Verrà la morte e avrà i tuoi occhi” di Cesare Pavese introduce l’ascoltatore in un mood oscuro e tagliente, spezzato da chitarre che ballano tra mid tempo thrash e tesissime accelerazioni black; in questo senso Ballad of the Death si mostra come una chiara dichiarazione di intenti della band, sospesa com’è tra i due generi senza abbracciarne nessuno e senza lesinare cattiveria sonora. La produzione cristallina del chitarrista Luca Miolla non fa altro che far risaltare ancora di più la potenza dei riff e della voce di Guerra, perfettamente a suo agio in uno screaming che paga dazio ai Dissection dei tempi d’oro ma che sa destreggiarsi bene anche in altri contesti molto diversi tra loro.

The Last Journey è una pausa di sollievo dalla tensione black metal di prima, un solido pezzone death/thrash che sembra scritto apposta per far scatenare il pogo nella bolgia sotto il palco, sostenuto da chitarre cavalcanti e ritmi cadenzati. Scent Of Blood, invece, parte con un attacco alla Slayer e prosegue con un fare sempre più sostenuto, tra assoli melodici e atmosfere sulfuree, quasi come se la band di Tom Araya abbia improvvisamente deciso di mettersi a suonare come i Dimmu Borgir.

La concessione al thrash dei due pezzi precedenti viene però spezzata dalla funerea Black Light of Death, con un titolo che è un omaggio nemmeno troppo evidente a Legions of the Black Light dei Watain, una delle band black metal più ispirate degli ultimi anni nonché chiara fonte di ispirazione per il combo tarantino. L’influenza della band di Erik Danielsson si avverte tutta in questo brano, tra i più complessi dell’album, che inizia macabro e minaccioso per poi destreggiarsi tra riffoni schiacciasassi e accelerazioni che partono black metal e poi si evolvono in un blackened death figlio bastardo dei Behemoth; il tutto procede dritto verso un abisso finale costruito dalla feroce doppia cassa di Russo e dagli assoli avvolgenti di Miolla. La seguente Rotten Conscience inganna, spezzando l’atmosfera creata dal mesto arpeggio finale in un concatenarsi di riff in bilico tra thrash e death metal, con il diabolico screaming di Antonio Guerra che sembra quasi una dichiarazione d’amore a Shagrath, alternato a un profondo growl nei momenti più rallentati.

Quello che stupisce di più di questa band, al di là dell’effettiva qualità compositiva dei singoli riff e degli assoli, è la sua capacità di mescolarli in un insieme non convenzionale di influenze estreme, che suonano thrash, death e black come se si trattasse di uno stesso genere musicale. Questa “non convenzionalità” diventa peraltro ancora più evidente verso la fine del platter; anche se Eternal Desire sembra un brano ancora un po’ troppo di maniera, seppur convincente grazie ai ritmi galoppanti ed epici delle chitarre e soprattutto alla voce di Guerra, sospesa tra growl e screaming con una facilità disarmante, già la parte conclusiva di A Jump In The Absolute rende chiara la forza compositiva della band, con melodie fredde ed epiche che emergono dopo una battaglia di pogo, sudore e sangue.

Emblema e dichiarazione di intenti della band è la conclusiva Something Dark Grows, brano che ispira a mandare indietro e premere più volte il tasto play per la sua straordinaria versatilità: dopo un inizio crudo e diretto, i riff diventano sempre più cadenzati e melodici, resi brutali da accelerazioni in doppia cassa, assoli al fulmicotone e una voce che, mescolando sapientemente growl profondo e screaming dilaniante, si sposa perfettamente ai ritmi del brano e sembra quasi tarata apposta con la velocità delle chitarre. Così, se il disco era iniziato in modo oscuro e brutale, la sua conclusione è invece affidata a soluzioni melodiche dal sapore quasi viking, con tanto di clean vocals corali e un riffing che dal black/death procede sempre più verso un epic/death figlio degli Amon Amarth più ispirati.

End Gates è un debutto con i fiocchi, specialmente se si pensa che si tratta di un’autoproduzione; un assaggio di metal estremo nella sua accezione più pura del termine, un album non convenzionale che saprà come far felici tutti coloro che da una band non si aspettano il solito compitino ben confezionato ma prediligono personalità, originalità e passione nella propria musica. In sostanza, una band di cui il panorama metal italiano sentiva il bisogno; adesso speriamo solo che riescano a trovare un'etichetta che possa rendere giustizia alla loro personale concezione del metallo estremo.

Benvenuti.

Sunbather

Emanuele Pavia — Mon, 08 Jul 2013 18:41:56 +0000

Voto:

4.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Post Rock

Shoegaze

Black Metal

Etichetta:

Deathwish Inc.

Anno:

2013

Line-Up:

- George Clarke – Voce
- Kerry McCoy – Chitarre
- Daniel Tracy – Batteria

Guest:
- Stéphane "Neige" Paut - Voce (traccia 4)

Tracklist:

1. Dream House
2. Irresistible
3. Sunbather
4. Please Remember
5. Vertigo
6. Windows
7. The Pecan Tree

Deafheaven

Sunbather

Nonostante il già esaltante responso critico ottenuto dalla pubblicazione di Roads to Judah (disco modesto, incastrato senza personalità nell'ormai sovraffolato panorama "blackgaze" senza riuscire a emergere o a proporre qualche idea che non fosse già stata riutilizzata decine di volte da decine di band diverse), era difficile prevedere che il secondo lavoro degli statunitensi Deafheaven (intitolato Sunbather e pubblicato sempre per la Deathwish Inc. l'11 giugno 2013) avrebbe ottenuto un'acclamazione critica quasi unanime dai maggiori portali rock in nemmeno un mese dalla data di uscita.

Acclamazione che pare ancor più assurda quando si presta effettivamente ascolto all'album. Ripartendo dal sound che i Deafheaven avevano esibito nel debutto (e specialmente nella opener Violet), Sunbather appare infatti come uno di quei tanti, troppi dischi costruiti su misura per coloro che degli sviluppi del black metal (anche quelli più raffinati e onirici degli ultimi anni) non conoscono nulla, sfoderando un imbarazzante arsenale di cliché post-rock (sulla scia di gruppi quali Explosions in the Sky, Godspeed You! Black Emperor, e le tonnellate di loro cloni), shoegaze (riciclando ovviamente My Bloody Valentine, Slowdive e Ride), ma anche, seppur in misura minore, emo (citando tanto gli storici Sunny Day Real Estate e Material quanto le più recenti correnti screamo di Touché Amoré), gotici (The Cure) e perfino indie pop (The Smiths), il tutto imbastito superficialmente secondo la lezione dei peggiori emuli del black metal "colto" di Agalloch, Wolves in the Throne Room e Alcest (gli unici nomi effettivamente legati al black metal che vengono in mente durante l'ascolto di Sunbather).
Non solo i nomi, ma anche il numero dei referenti è cruciale per il successo di un album del genere: per molti ascoltatori (specialmente tra l'audience indie, la più incline a cadere vittima dei fenomeni di hype del momento, e non per nulla quella che ha accolto più calorosamente Sunbather), un così vasto stuolo di influenze ostentate in modo tanto didascalico è visto come sinonimo di un'attitudine sperimentale, innovativa e di rottura rispetto alla scena black metal, quando in realtà è solo sintomatico della scarsa creatività dei musicisti e della loro incompetenza (culturale ed esecutiva) in ambito metal, da cui riprendono (anche in questo caso) solo gli stereotipi più rumorosi e nulla più.

Tutto, fin dall'apertura di Dream House, è visibilmente costruito ad hoc per convogliare l'idea di un black metal ormai affrancato dai tòpoi del genere e pronto ad assurgere a un nuovo livello "artsy". Peccato che per rifuggire da questi (fallendo anche in quel senso: il tessuto sonoro a base di blast beat, su cui troneggiano distorsioni eteree, imponenti mura chitarristiche e scream di scuola depressive, è indistinguibile da tutto ciò che la scena "blackgaze" sforna da oltre un lustro) i Deafheaven si gettino a capofitto in quelli del post-rock (emblematiche le costruzioni in inesorabile crescendo e la tendenza nociva a dilatare inutilmente i brani), in quelli emo (come dimostrano gli arpeggi rubati ai Sunny Day Real Estate), oltre che chiaramente in quelli shoegaze. La cronica incapacità del gruppo di conciliare a dovere le diverse influenze e realizzare un sound più compatto e fluido si dimostra anche nella frammentazione del disco, che sfoggia quasi dei compartimenti stagni stilistici totalmente distaccati l'uno dall'altro e incollati senza soluzione di continuità: è particolarmente evidente una divisione tra le strutture più caotiche, distorte e vorticose del black metal e dello shoegaze, e quelle più calme, introspettive dell'emo e della musica indie pop.
Le prime sono esplorate nelle tracce più lunghe, vale a dire la già citata Dream House, la title track (monocorde composizione sulle solite coordinate black metal easy-listening, che in certe sezioni pare addirittua una versione più concitata dei Fucked Up di David Comes to Life, ad ennesima conferma del target di riferimento di Sunbather) e The Pecan Tree (che per quanto si areni nei soliti schemi triti e ritriti del genere, mostra comunque delle idee più compiute, uno svolgimento più fluido e delle melodie più evocative rispetto a quanto mostrato nel resto dell'album - anche se forse si dovrebbero ringraziare i My Bloody Valentine per questo -). Ma è soprattutto Vertigo, tour de force di quasi un quarto d'ora, che incarna tutte le caratteristiche e, quindi, i difetti del disco: un'eccessiva verbosità, un prevedibile sviluppo del brano e in generale un mal celato senso di già sentito, pervadono il pezzo in tutta la sua durata, convogliando ora le sonorità di Cure e Tiamat, ora i soliti Explosions in the Sky, ora, ancora, le formazioni storiche del noise pop e dello shoegaze. Un'accozzaglia di banalità che fa percepire un minutaggio di almeno il doppio rispetto a quanto non duri in realtà.
Le sonorità più tranquille emergono quindi dagli altri tre brani, ovvero Irresistible (tre evitabili minuti di arpeggi dal sapore indie rock), Please Remember (che, aperto da dissonanze noise e dallo spoken word dell'autorevole ospite Neige, in una citazione dei momenti più sperimentali dei Godspeed You! Black Emperor, si abbandona presto all'ennesimo arpeggio di chitarra in clean - questa volta tributando la chitarra di Johnny Marr) e infine Windows, collage di voci distanti tenute insieme da un tappeto di elettronica ambientale.

Il motivo per cui un album del genere è riuscito a conquistare una così alta considerazione va cercato semplicemente nella sua facilità, che permette a coloro che sono a digiuno di black metal di approcciarsi al genere senza dover rinunciare alle sonorità cui tutti i trend di revival della scena alternativa, indie e post-punk li hanno abituati (come del resto aveva fatto anche Alcest, nel 2007, con Souvenirs d'un Autre Monde - ma con idee e realizzazione ben più convincenti e meno stereotipate). Per trovare un termine di paragone a questo lavoro, si è fatto addirittura il nome dei Weakling, una band distante anni luce per importanza, idee e stile dai Deafheaven: ennesima conferma (come se ce ne fosse ancora bisogno) dell'impreparazione che dilaga tra gli estimatori di Sunbather.

The Underground Resistance

Corrado Penasso — Mon, 18 Mar 2013 21:22:08 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Thrash Metal

Black Metal

Etichetta:

Peaceville

Anno:

2013

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Nocturno Culto - Vocals, Guitars, Bass

Gylve Fenriz "Kaptein Vom" Nagell - Drums, Vocals, Bass (on 4), Guitars (solo, on 2)

Tracklist:

1. Dead Early 04:49

2. Valkyrie 05:14

3. Lesser Men 04:55

4. The Ones You Left Behind 04:16

5. Come Warfare, the Entire Doom 08:38

6. Leave No Cross Unturned 13:49

Darkthrone

The Underground Resistance

Dall’uscita di Too Old Too Cold, i Darkthrone sembrano vivere un’involuzione. So che può sembrare una cosa ridicola da dire, siccome il loro stile sin dal principio non concedeva nulla all’innovazione o alla raffinatezza. Tuttavia, gli album a seguire si distinsero per una propensione al black/thrash con evidenti influenze heavy per una proposta spiazzante per molti, me compreso. Bathory, Venom ed Hellhammer tornano a giocare un ruolo chiave nella proposta dei norvegesi e di colpo si ritorna in un periodo storico del genere, prima della nascita di estremismi vari, quando per sembrare cattivi bastavano delle borchie e dei giubbotti in pelle.

The Underground Resistance è l’ultimo prodotto partorito dalle menti malate di Fenriz e Nocturno Culto e sin dal titolo capiamo che nulla è cambiato. Dead Early, che con la sua lugubre introduzione mostra già influenze heavy/thrash, prosegue in puro stile 80s grazie ad uno speed metal sporco. Nocturno Culto al microfono imposta la sua voce su roche tonalità, evitando lo scream black metal ed il tutto funziona. Con Valkyrie si arriva alla vera hit del disco, una traccia epic dal retrogusto Bathory ma anche dalla spiccata vena heavy metal. Tra rallentamenti e veloci ripartenze si respira il vero approccio viking con voce su tonalità pulite a contrastare con il riffing grezzo e serrato. Con Lesser Men l’atmosfera si fa nuovamente oscura ed opprimente, con un riff penetrante ed alcune linee soliste glaciali. Qui le atmosfere death metal si fanno più udibili, specialmente nel timbro vocale mentre i tempi mutano spesso, tra partiture al limite del doom ed improvvisi uptempo.

Ritornano prepotentemente le influenze punk/speed nella ferale The Ones You Left Behind, canzone che sembra essere un misto di Exciter e Venom in una bolgia di riffs e vocals veramente particolari, al limite del bizzarro. Sicuramente una tra le composizioni più particolari del duo e devo dire anche una tra le più riuscite. Il riff piazzato nel mezzo possiede un’anima epica che cozza (nel senso buono) con l’oscurità di un primordiale heavy metal. Il doom metal di Come Warfare, the Entire Doom puzza di Hellhammer lontano un miglio. Del gruppo storico di Tom G.Warrior, i Darkthrone ne riprendono il riffing essenziale e quasi punk, le lugubri linee soliste, le voci roche e sofferte e la struttura lineare. Alcune velocizzazioni sono benvenute anche se l’intera traccia vive dei riff alla Black Sabbath e con seguenti atmosfere, sicuramente non solari.

La finale Leave No Cross Unturned si distingue per un approccio molto diretto. Il riffing è tipicamente speed ed il ritornello è ben piazzato per essere cantato a squarciagola. Le vocals durante le strofe si sporcano di una certa tonalità viking che centra in pieno l’obiettivo. I tempi medi, ancora tipicamente Hellhammer style, odorano di black primordiale e sono lì per mietere vittime tra gli ascoltatori. In tredici minuti, i Darkthrone stupiscono ancora una volta e ci regalano un album solido e paradossalmente innovativo e fresco, pur proponendo metal anni 80! Da coloro i quali, seppur giovanissimi, hanno vissuto quell’epoca non ci si poteva aspettare di meglio. E ditemi voi se non c’è band più adatta a tale scopo.

Vexovoid

Emanuele Pavia — Tue, 05 Feb 2013 21:23:24 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Noise

Death Metal

Black Metal

Etichetta:

Profound Lore Records

Anno:

2013

Line-Up:

- The Curator – Voce
- Horror Illogium – Chitarra solista
- Aphotic Mote – Chitarra
- Omenous Fugue – Basso
- Ignis Fatuus – Batteria

Tracklist:

1. Kilter
2. The Back Wards
3. Curtain
4. Plasm
5. Awryeon
6. Orbmorphia
7. Oblotten

Portal

Vexovoid

A dieci anni dal loro esordio, quel Seepia che nel 2003 aveva proposto al mondo una inedita e devastante visione del metal estremo (in particolar modo delle frange death e black), il 19 febbraio vede la luce Vexovoid, nuovo full-length dell'istituzione australiana Portal e quarto capitolo di una delle saghe più terrificanti che la musica metal abbia partorito nel nuovo millennio.

Pubblicato nuovamente per la Profound Lore Records (forse la più importante label in ambito metal degli ultimi tempi), che si occupa di tutte le release del quintetto fin dal secondo lavoro Outre' del 2007, Vexovoid non si discosta molto dai binari su cui viaggiavano i dischi precedenti, senza portare novità di sorta ma senza nemmeno crogiolarsi nell'autocompiacenza o, ancora peggio, abbandonarsi a compromessi per favorire la fruibilità del loro lavoro. La musica dei Portal è ancora lo stesso asfissiante amalgama denso e magmatico dei tempi di Seepia, fatto di riff liquidi che rileggono la tradizione old school del death metal e del black metal (Morbid Angel e Blasphemy) alla luce degli sviluppi atonali dei Gorguts, calati in strutture caotiche e free-form che riprendono tanto le derive sperimentali della musica estrema quanto la cacofonia dell'harsh noise (ma sempre vista dall'ottica estrema del metal, secondo la lezione degli Abruptum).
Ciò che rende Vexovoid un gradito ritorno non è quindi una particolare innovazione della formula di base coniata con Seepia - che anzi qui si mostra, per quanto sempre deformata da continui bombardamenti di rumore e dissonanze, quasi semplificata e più vicina a stilemi tradizionali, e nel riffing e nella composizione, del death/black metal -, ma la semplice efficacia dei pezzi. Grazie anche a una produzione molto più professionale (ma che salvaguarda tutta l'atmosfera opprimente e catacombale che hanno meritatamente reso i Portal un fenomeno cult nel death metal attuale) le muraglie di distorsioni e cacofonie chitarristiche assumono nuovo volume e nuova compattezza, per donare ai brani di Vexovoid uno dei sound più brutali che il quintetto abbia mai sfoderato su full-length e, contemporaneamente, rendere più intellegibili le composizioni dei Portal.

La prima metà dell'album è in generale la più vicina al modus operandi del precedente Swarth: cascate di distorsioni, drumming marziali e il growl oltretombale di The Curator dominano le prime tre composizioni, abbandonandosi ora a cadenze cibernetiche riprese da Fredrik Thordendal (Kilter), ora approfondendo il legame con il black metal più cupo e rumoristico (The Back Wards), infine sfoderando una delle interpretazioni più notevoli del loro tipico death metal "occulto" (Curtain, tra i più importanti momenti di tutto Vexovoid).
Ma è forse solo con la successiva Plasm che l'album giunge al proprio vertice stilistico e compositivo: da una prima parte particolarmente improntata al metal estremo (con una delle prove più furiose e distruttive dei Portal dai tempi del capolavoro The Endmills), il brano sfuma con un inesorabile fade-out in una coltre assordante di noise deforme e straziante. Sempre più invasivo, il terremoto di rumorismi cede infine il posto ad Awryeon, che di contro è forse il momento più tradizionale dell'album, in cui sono più riconoscibili le strutture old school trasfigurate dai Portal (in particolar modo le cadenze dei Morbid Angel più granitici e il riffing in tremolo picking del black metal norvegese), eccezion fatta per un'altra coda drone a preludere la breve scarica di Orbmorphia, in bilico tra thrash/death geometrico e i tessuti più violenti di Swarth.
Il secondo apice di Vexovoid giunge in chiusura con l'orrorifica strumentale Oblotten, aperta da un inquietante arpeggio sconnesso e distorto (intercettato da raggelanti dissonanze in secondo piano) prima di evolvere in un turbinio di distorsioni e riff apocalittici e spegnersi, infine, tra gli agonizzanti rintocchi di basso sospesi nel nulla.

La maggiore accessibilità di Vexovoid rispetto allo standard dei Portal o il (talvolta ingombrante) legame con la musica di Swarth non deve portare all'affrettata conclusione che in questo quarto lavoro il quintetto australiano abbia deciso di concedere un momento di calma al proprio percorso o, peggio, che la musica dei Portal abbia perso creatività e impeto selvaggio. Per quanto non tocchi comunque i vertici di Seepia (ad oggi ancora il capolavoro dei Portal, nonché uno dei massimi episodi del metal dello scorso decennio), le partiture di Vexovoid confermano la statura del complesso nel panorama musicale estremo attuale: negli ultimi dieci anni da tutto il mondo sono spuntate nuove band che, sulla scia dei capostipiti, hanno cercato di emularne la particolare commistione di stili e l'agghiacciante dimensione della loro musica, in modo troppo spesso pretenzioso. Evitando inutili lungaggini e preferendo invece un approccio essenziale, per quanto sempre sofisticato e non banale, i Portal si portano di nuovo davanti a tutti i vari Ævangelist, Sulphur Aeon e Abyssal, dimostrando ancora una volta come non bastino distorsioni granitiche e un songwriting privo di direzione per rendere la propria musica caotica e vorticosa.

...and Don't Deliver Us from Evil

Corrado Penasso — Sun, 25 Nov 2012 18:58:51 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Doom Metal

Black Metal

Etichetta:

Agonia Records

Anno:

2012

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Kyoo Nam Rossi - Drums

Ferdinando Marchisio - Vocals, Guitars

Alessandro Comerio - Bass

Andrea Ponzoni - Guitars

Tracklist:

1. Deprived 06:13

2. ...and Don't Deliver Us from Evil 07:44

3. Cold Summer 08:33

4. Let's Torture Each Other 06:00

5. Love Me Like You'd Love the Death 08:43

6. Adrift 07:46

7. Nullifying Tomorrow 07:32

Forgotten Tomb

...and Don't Deliver Us from Evil

Giunti al sesto tassello di malessere interiore dal 1999, i Forgotten Tomb non perdono lo smalto e la creatività che da sempre hanno contraddistinto la loro proposta musicale. Doom, dark e black metal sono elementi di una combinazione che ha avuto tanti proseliti in Europa in questi anni ma pochi di questi si possono fregiare di una carriera su alti livelli. Forse neanche i blasonati "maestri" scandinavi riuscirono ad arrivare a sfiorare le vette compositive di Herr Morbid e soci. Disheartenment, Alone, Subway Apathy, Reject Existence sono solo una manciata di chicche di un’inarrivabile genialità compositiva, pregna di malessere e odio per l’umanità in generale.

Ora, arrivati nel 2012 ed a distanza di un anno da Under Saturn Retrograde, il combo piacentino da’ alle stampe questo ...and Don't Deliver Us from Evil. Le influenze groove, che da qualche anno ormai contraddistinguono lo stile del gruppo, si fanno pesanti ma non per questo la negatività tipica del genere ne risente. Anzi, ormai siamo abituati alle sorprese operate da Herr Morbid e, grazie al suo buongusto, esse si amalgamano sempre alla perfezione in uno stile in costante evoluzione. Se Deprived ad un primo approccio può sembrare una sorta di black ‘n’ roll, entrando in profondità possiamo notare una grande dose di oscurità ed atmosfera, specialmente in occasione del ritornello doom. La voce di Herr Morbid è acida, disperata e feroce mentre il groove delle chitarre risente molto dello stile stoner anni 70. In occasione del fantastico intermezzo arpeggiato forse si può riscontrare una maggior dose di melodia anche se il tutto rimane incredibilmente melanconico e desolato.

I quasi otto minuti di title-track esplodono in un riffing abbastanza serrato, prevalentemente in tremolo che viene supportato da un quasi continuo tappeto di doppia cassa. Qui c’è poco spazio per le melodie anche se personalmente preferisco i momenti in cui la band rallenta e lascia che le influenze doom pervadano i loro strumenti. I quasi nove minuti di Cold Summer debordano di malinconia ed oscurità in una marcia funerea senza luci. Arpeggi distorti, riffs profondi e grugniti dall'oltretomba sono caratteristiche di una traccia certamente oscura ma senza spunti originali; cosa già notata con la title-track. Si migliora decisamente in occasione di una groove Let's Torture Each Other, la quale spesso si avvale di oscure linee soliste per arricchire le sue trame. L'evoluzione é palese e la virata verso una forma di stoner tendente al black 'n' roll può spiazzare ma sicuramente a lungo andare riuscirà ad essere apprezzata.

Si ritorna allo stile dei primi tre lavori del gruppo grazie ad una Love Me Like You'd Love the Death veramente riuscita. Gli arpeggi alternati al puro doom che ammanta le chitarre sono un evidente richiamo al passato per forse la miglior traccia del lavoro insieme alla succesiva Adrift. La solita ed ottima melodia crepuscolare ammanta una composizione che si arricchisce di voci pulite al fine di arrivare dritta al cuore dell'ascoltatore e dilaniarlo. Insomma, un'accoppiata micidiale che riscatta appieno la parte centrale del disco, a mio parere meno ispirata. A chiudere l'ennesimo album azzeccato da parte dei Forgotten Tomb, abbiamo i quasi otto minuti di una canonica ma apprezzabile Nullifying Tomorrow. Tra cadute acustiche e momenti in puro doom Katatonia-style, il gruppo , ancora una volta, si appoggia la passato per un finale decisamente vintage ed in qualche modo meno legato alle nuove sperimentazioni.

Tirando le somme dell'ascolto, ...and Don't Deliver Us from Evil non delude affatto le aspettative e ci delizia con tre/quattro tracce veramente eccelse. Peccato per qualche caduta di tono nella parte centrale (io adoro quando il gruppo si getta a capofitto nelle melodie delle chitarre soliste invece che dilettarsi con il più oscuro doom/black). Nulla di grave, sopratutto se confrontato con la bontà delle altre tracce. I Forgotten Tomb si possono ancora fregiare del tittolo di miglior band depressive in circolazione per i miei gusti.

Nightmares at Dawn

Giulio Magliulo — Thu, 23 Aug 2012 18:58:47 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Black Metal

Etichetta:

Avantgarde

Anno:

2012

Line-Up:

Malefic - voce e tutti gli strumenti

Tracklist:

1. Spoken In Vibes Of Coldness

2. Nightmares At Dawn

3. Reprisal

4. Degenerate Uprising

5. The Prison Of Mirrors 2007

6. Losing Hand/Redemption

7. Portal Of Hatred

8. Merciless Reflection

9. A National Acrobat (cover Black Sabbath)

10. Screaming At Forgotten Fears 2007

11. Society Wants To Die

12. Human Flotsam

13. Enthroned Uselessness

14. Suicide In Dark Serenity 2004

Xasthur

Nightmares at Dawn

Nightmares At Dawn non è l’ultimo album pubblicato da Scott Conner (aka Malefic) per la sua creatura Xasthur, avendo egli chiuso ogni attività con questo monicker nel 2010, ma una raccolta che comprende 14 brani inediti risalenti al periodo tra il 2004 ed il 2009 tra cui tre suoi ‘classici’ ri-registrati in momenti diversi, 'Prison of Mirrors', 'Suicide In Dark Serenity' e ‘Screaming At Forgotten Fears’.

Vista la prolificità dell’autore nel corso degli anni, sembra che la schiera dei seguaci di Xasthur non abbia preso molto bene quest’uscita, ritenendo i brani di ‘qualità inferiore’ alle potenzialità del Malefic di quel periodo e quindi, questa edizione, solo un’occasione per rimpinguare le sue casse. O svuotare definitivamente i cassetti da ogni altra tentazione discografica xasthuriana, terminata quell’esperienza.

E certo, se lo dicono i ‘seguaci’, il dubbio può essere legittimo, ma davvero le motivazioni di questa insoddisfazione sono quelle menzionate? Perché ascoltando Xasthur l’ultima cosa che viene in mente è la parola ‘qualità’. Il che non significa che non ci siano stati momenti più o meno ispirati nella sua nutrita discografia ma che eventuali alti e bassi vanno perfettamente ad incastrarsi nella natura estetica, stilistica, sonora, emotiva e quindi umana del soggetto in questione, rivelandone un’altra verità, restituendone un’immagine forse più obiettiva, disincantata ed a fuoco.

Questa testimonianza che ricopre diversi periodi della carriera del californiano può essere quindi presa come un vivido viatico per accedere a quell’universo di follia del ‘depressive black metal’: sinfonie malate, marce e corrotte dalle dissonanze che glorificano la miseria dell’uomo, volumi asimmetrici, strumentazione scoordinata, sconnessa i cui suoni sembrano galleggiare in una placenta nera e affiorare in modo apparentemente casuale e che inducono in stati di stupore catatonico, arpeggi in decomposizione che si lasciano cadere a mò di pezzi morti, distese di synth ed archi che crescono in cattedrali di paranoia, il tutto corredato da abbondanti dosi di pervertito autolesionismo.

In questo panorama di negativa magniloquenza neanche la cover di ‘National Acrobat’ dei Black Sabbath in rituale screaming riesce ad apparire grottesca, conservandone il riff originale ed il prezioso cameo gotico della folk singer Marissa Nadler non fa altro che confermare che le visioni infauste di Scott Conner non sono poi così lontane da un comune sentire musicale ‘oltremetal’.

Terribilmente adatte a questi giorni soffocanti ed opprimenti di un’estate che volge al termine, da ascoltare al tramonto mentre il sole rosso di agosto muore lento, sembra che le composizioni di Malefic siano nate in un contesto simile, forse quella California lì…

Ravage & Conquer

Corrado Penasso — Mon, 30 Apr 2012 15:32:37 +0000

Voto:

5.5 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Death Metal

Black Metal

Etichetta:

Pulverised Records

Anno:

2012

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Shyaithan - Vocals, Bass, Lyrics

Dizazter - Drums

Nizam Aziz - Guitars

Tracklist:

1. Revelation Decimation - 08:03

2. Ravage & Conquer - 05:59

3. Weaponized - 08:03

4. The Scourge Majesty - 05:42

5. War Crowned - 05:58

6. Legacy of Savagery - 07:50

7. Salve the Goat - 03:45

8. Sacrifice (Bathory Cover) - 03:02

Impiety

Ravage & Conquer

Ventidue anni di carriera nel mondo dell’estremo e tante pubblicazioni sul mercato hanno portato gli Impiety da Singapore alla luce di tutti gli appassionati di black/death. La provenienza geografica non è mai stata un punto a loro favore ma il combo non se n’è mai preoccupato più di tanto e ha sempre riversato tonnellate di odio e violenza in forma musicale, attingendo costantemente dai mostri sacri del genere. L’attitudine no-compromise del gruppo non conosce limiti ma devo dire con l’ultimo lavoro, Ravage & Conquer, le strutture cominciano a scricchiolare leggermente. Basta riguardare anche solo all’EP Dominator (2008) per notare una sorta di reverenza Morbid Angeliana nettamente appesantita, produzione compresa. I suoni maggiormente impastati e meno ruvidi hanno fatto scivolare la band da un ipotetico confronto coi primi Angelcorpse agli ultimi lavori di David Vincent & Co.

Le chitarre tipicamente “fangose” e la batteria triggerata fanno la loro comparsa già durante l’opener, Revelation Decimation. I suoni sono nettamente più amalgamati e meno taglienti, tanto da essere a tratti poco potenti. I blast beats non martellano come dovrebbero e le chitarre, pur creando un numero impressionante di riffs, risultano essere abbastanza caotiche tra divergenze progressive e tagli thrash. La voce abbastanza anonima Shyaithan risulta relegata nel sottofondo con il suo tono roco e poco convincente. Le fasi soliste sono molto fluide e tecniche ma slegata dalla struttura e sovente il bieco assalto sonoro mi ha fatto tornare in mente lo scontato platter dei Terrorizer dal nome di Hordes of Zobies. Anche qui, comunque, non ci troviamo per nulla di fronte ad un brutto lavoro e per esempio, i vari stop and go dai ritmi marziali della successiva Ravage & Conquer sono lì per dimostralo ma non brilla quella scintilla di pura ferocità. E così scorre nell’anonimato anche l’eccessivamente lunga Weaponized, otto minuti di estremismo forzatamente elaborato ma del tutto scontato, senza spunti di rilevanza.

Man mano che si prosegue nell’ascolto, le strutture si somigliano sempre di più e anche se sporadicamente possiamo ritrovare riffs dallo stampo epico tipico di formazioni quali Krisiun o i succitati Angelcorpse, nulla colpisce. Le linee soliste delle chitarre sovente forniscono (o pretendono di farlo) una sorta di melodia grottesca (The Scourge Majesty) che nulla aggiunge alla composizione. Proseguendo nell’ascolto del lavoro in questione, possiamo solamente notare come la band sia costantemente devota alla pura velocità senza elementi degni di nota. Tutta la più bieca brutalità del black/death ci viene riversata addosso senza sorprese e gli onnipresenti riffs dissonanti a tratti risultano essere persino fastidiosi, senza contare la loro totale apatia. La durata eccessiva di alcune tracce, poi, mette a dura prova la pazienza di un ascoltatore che magari trova eccessivi i quasi cinquanta minuti complessivi di durata dell’album.

In chiusura troviamo la cover di Bathory, Sacrifice. Il taglio thrash delle chitarre ricorda la versione originale anche se la velocità è maggiormente elevata. Tutto sommato si tratta di una discreta versione per chiudere un album che sicuramente non brilla per varietà, oltre che originalità. A mio parere, un mezzo passo falso da parte del gruppo

Nemesis

Corrado Penasso — Thu, 02 Feb 2012 08:08:05 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Black Metal

Etichetta:

Moribund

Anno:

2012

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Narqath - Guitars, Bass, Vocals, Keyboards

JL Nokturnal -Synth, Guitars

Chernobog - Drums

Niflungr - Vocals, Bass

Tracklist:

1. In Deathlike Silence 04:33

2. Pohjoisen Valkoinen Kuolema 04:16

3. De Masticatione Mortuorum 03:10

4. Vihasta ja Veritöistä 07:49

5. Hail the Whore 05:33

6. Ex Nihilo 07:42

7. Nemesis 04:51

8. Black Legions of Satan 04:27

9. The Pit of Shoggoths 04:38

10. Satanic Devotion 06:27

Azaghal

Nemesis

Penso che oramai chiunque si approcci ad un disco dei finlandesi Azaghal abbia già ben chiaro in mente cosa andrà ad ascoltare. Nemesis è il titolo della nona uscita discografica in formato full-length, quindi senza contare una lunga serie di EP e di split. La band di Narqath (unico membro rimasto dal lontano 1995) si è sempre contraddistinta per un approccio folle, schizoide al genere; miscuglio di black/thrash suonato in maniera impulsiva ma che a tratti variava per lasciare entrare delle leggere melodie. Ma dopo un buon Teraphim, cosa ci propongono questa volta i quattro membri?

Ad un primo approccio visivo possiamo notare una copertina del tutto priva di fantasia ma si sa che il genere non la richiede in particolar modo mentre per quanto riguarda il contenuto, il nuovo lavoro si compone di ben dieci canzoni per una durata complessiva che arriva quasi a sfiorare l’ora. Molta carne al fuoco ma forse non sarà un po’ troppo per un disco black metal? L’inizio è quanto di meglio ci si possa aspettare dalla band grazie al riff epico e raggelante che contraddistingue In Deathlike Silence, canzone in costante bilico tra sfuriate in blast beats, up-tempo grezzi e sezioni in mid-tempo. La voce non è mai eccessiva nel suo screaming che, unito alla musica a tratti più accessibile, potrebbe far ricordare il black metal melodico dei Dissection. Per avere un ritorno al classico black/thrash con spruzzate di black ‘n’ roll bisogna aspettare Pohjoisen Valkoinen Kuolema (che a tratti sembra copiata dagli ultimi Satyricon o Dark Throne) mentre la successiva De Masticatione Mortuorum si contraddistingue per un approccio decisamente più classico del genere con una temibile velocità in più sezioni. Di tutt’altra pasta sono gli otto minuti di Vihasta ja Veritöistä, traccia che vede gli Azaghal a tratti abbracciare sonorità al limite del depressive black metal grazie a melodie desolanti tra le varie sfuriate in blast beats che comunque sostengono riffs veramente azzeccati per il richiamo al periodo magico del black metal melodico di scuola svedese.

Volendo citare la prima canzone trascurabile del disco, Hail the Whore sicuramente non brilla per originalità e neppure per idee vincenti, a parte la breve fase arpeggiata piazzata nel mezzo della sua struttura troppo monotona. A spezzare la velocità troviamo il doom Ex Nihilo, altra traccia che sfiora gli otto minuti tra rallentamenti, sporadici cori in voce pulita ed un’atmosfera da cripta. La classica “vena catchy” ritorna nel riff portante di Nemesis, traccia che pare richiamare più volte gli Immortal di fine anni 90 ma che stupisce maggiormente per i cori in voce pulita dal chiaro stampo epico. Il ritorno al black ‘n’ roll si ha con Black Legions of Satan mentre la successiva The Pit of Shoggoths vede la dissonanza nei riffs prendere il sopravvento per una traccia fortemente influenzata dal thrash metal. La finale Satanic Devotion riversa su disco blasfemia e velocità come da copione per salutarci a dovere.

Tirando le somme dell’ascolto, gli Azaghal si sono presentati questa volta con una maggior predilezione per il black metal melodico e ciò mi è piaciuto perché sarebbe stato rischioso riproporre in eccessive dosi il solito black/thrash. Si sa che la band non ha più nulla da dimostrare. Essa ha raggiunto uno dei posti più elevati della storia del genere se si tira in ballo la coerenza ed il nuovo pargolo Nemesis lo dimostra in pieno. Nulla di nuovo sotto il sole (o luna, meglio) ma tutti i folli ammiratori della band e di gruppi come Horna, Behexen, Sargeist e Barathrum potranno sempre trarne godimento.

In the Sign of Evil

Corrado Penasso — Wed, 11 Jan 2012 15:54:50 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Thrash Metal

Black Metal

Etichetta:

Steamhammer Records

Anno:

1984

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Angel Ripper - Bass, Vocals (lead)

Grave Violator - Guitars

Witchhunter (R.I.P. 2008)- Drums

Tracklist:

1. Outbreak Of Evil 04:48

2. Sepulchral Voice 04:31

3. Blasphemer 03:05

4. Witching Metal 03:13

5. Burst Command Til War 03:36

Sodom

In the Sign of Evil

Quando si vuole citare il trio che in Germania ha rappresentato e rappresenta tutt’ora, dopo trent’anni, l’apice del thrash metal, si tirano in ballo i Destruction di Schmier , i Kreator di Mille ed i Sodom di Tom Angelripper. Tutti gli appassionati del genere conoscono ogni passo fatto dalle band in questione e forse ancora oggi i Sodom rappresentano la realtà più estrema delle tre. Nel primissimo periodo di attività i Destruction si sono subito fatti notare per uno stile diretto di thrash metal, fortemente debitore al punk; i Kreator per le loro influenze death metal che, tuttavia, sarebbero velocemente sparire, mentre i Sodom hanno sempre conservato quello stile primordiale sin dagli esordi. Nati nel 1982 nella Germania dell’Est, il trio composto da Tom Angelripper, Aggressor e Witchhunter mostra immediatamente di essere fortemente influenzato dal black/speed dell’epoca, in particolare da band come Raven, Venom, Tank e Motörhead.

Witching Metal (1982) e Sentence of Death (1984) furono i primi due demotapes prodotti dal gruppo che si vide proporre un contratto discografico dal responsabile SPV/Steamhammer durante un concerto in compagnia degli allora neonati Tankard e Destruction, nel 1984. Leggendaria fu la frase del discografico: "You guys are so bad, you will sell a lot of records!" (“Voi ragazzi suonate veramente male, venderete molti dischi!”). Da questa espressione si può evincere quanto oramai fosse lontana la critica della stampa verso band che in qualche modo volevano seguire la strada di Cronos & Co. al fine di suonare musica violenta, oscura e caotica. Fatto sta che la band entrò in studio per registrare lo storico EP In the Sign of Evil. L’allora chitarrista Aggressor, che lasciò la band poco prima delle registrazioni, venne rimpiazzato da un ragazzo consigliato a Tom da Mille, un certo Peppi Dominic ovvero Grave Violator. Il 5 maggio del 1984 il debutto dei Sodom era pronto per invadere il mercato e dare il suo enorme contributo ad una scena thrash metal in piena esplosione.

L’atmosfera sulfurea che si respira ascoltando questo lavoro non può che far venire in mente a quanti gruppi si ispirarono ad esso al fine di creare la prima corrente black metal. Sepultura, Mayhem, Morbid, Sarcòfago e Bathory furono innegabilmente fascinati da uno stile che sin dalle prime note non ammette mediazioni. Outbreak of Evil è ancora oggi suonata dal gruppo in sede live e sul disco viene introdotta da distorsioni, voci acide per poi ripartire a folle velocità con prolungati uptempo. Il riffing della chitarra è diretto, raramente improntato sui powerchords, quanto più sulle plettrate derivate dal punk con una distorsione tipica del primo black metal. La voce aspra di Tom mostra una tonalità ancora adolescenziale ma in essa risiede la prima forma di DNA del classico scream che oggi ritroviamo nella band di metal estremo. Seguono le velocizzazioni improvvise di Sepulchral Voice, canzone che non fa mancare anche una buona dose di oscurità grazie a partiture rallentate che oggi possono sembrare infantili ma che a mio parere conservano quel tocco genuino tipico del periodo. La distorsione del basso di Tom fa scuola anche alla futura corrente grindcore ed il tutto, nel suo stile diretto, risulta anche essere facilmente memorizzabile e divertente.

Blasphemer, altro classico della band, esplode con tutta la sua irruenza e serba in seno altri riffs neri come la pece ma anche facilmente riconoscibili ed un ritornello che ancora oggi viene urlato dalla folla ad ogni concerto. Le stecche si susseguono ma anche per questo che il disco piace. Il drumming quasi sconclusionato o apparentemente in perenne ritardo di Witchhunter si fa subito riconoscibile in questo album mentre ci godiamo una Witching Metal che risale addirittura al primo demo della band. Questa nuova versione ha guadagnato molto in velocità; le influenze Venomiane sono riscontrabili più che mai nella sua struttura semplice, priva di fronzoli e pregna di tanti riffs orecchiabili che prendono lo speed metal di allora e lo intingono in un liquido nero che lo ricopre ma allo steso tempo lo lascia respirare. La finale Burst Command Til War riversa una violenza disumana sull’ascoltatore ormai alla saturazione, tutto in meno di tre minuti. Riffs taglienti si susseguono e le rullate spezzano sporadicamente questo massacro per introdurci al ritornello, ciliegina sulla torta di questa scatenata forma primordiale di black/punk/speed metal.

Giungendo alle conclusioni, mi sembra quasi inutile stare qui a rimarcare l’importanza di un prodotto che ha contribuito alla nascita del metal estremo esattamente alla pari di tanti altri blasonati lavori nati in altri Paesi non europei. Di lì a due anni i Sodom avrebbero proseguito la loro carriera con il primo album, Obsessed by Cruelty, con successiva virata verso una forma più canonica di thrash metal. In seguito, le tematiche sataniste avrebbero definitivamente abbandonato la penna del gruppo con la pubblicazione dell’EP Expurse of Sodomy (1987), periodo in cui il gruppo, raggiunta la maturazione definitiva, si accingeva a conquistare il mondo del metal estremo.