Shoegaze

Raven in the Grave

Luca Pasi — Sun, 01 May 2011 00:30:56 +0000

Voto:

7.4 / 10

Autore:

Luca Pasi

Genere:

Shoegaze

Dream Pop

Etichetta:

Vice

Anno:

2011

Link correlati:

The Raveonettes Official Site

Line-Up:

- Sune Rose Wagner - chitarra, strumenti, voce
- Sharin Foo - basso, voce

Tracklist:

1. Recharge & Revolt
2. War in Heaven
3. Forget That You're Young
4. Apparitions
5. Summer Moon
6. Let Me on Out
7. Ignite
8. Evil Seeds
9. My Time's Up

Raveonettes, The

Raven in the Grave

Non sono molti i gruppi che possono vantare un repertorio prolifico come i The Raveonettes, questo a livello quantitativo, figuriamoci poi quello qualitativo. Con questo Raven in the Grave i danesi raggiungono la loro settima uscita in dieci anni e nonostante ciò non sembrano aver perso alcuna traccia di smalto, differenziandosi da tutti quei gruppi pseudo revival che dopo due o tre album hanno perso mordente e il più delle volte sono finiti nel dimenticatoio.

Ma qual è il segreto per durare nel tempo? Si dice che a furia di riproporre la stessa formula per decenni si rischia di perdere appeal, di sicuro non è la strada che hanno intrapreso Sune Rose Wagner e Sharin Foo che in questi dieci anni hanno saputo costruire e distruggere un suono che si è trasformato ed evoluto nel tempo, partendo dal noise-pop degli esordi e di Lust Lust Lust, passando per il garage-rock romantico di Pretty in Black fino all'elettronica dell'ultimo In And out of Control, uscito nel 2009. Ed è proprio sulla base di quest'ultimo album che i danesi sono tornati a demolire un suono che faceva delle hit orecchiabili e tipicamente estive il suo punto di forza. Certo addentrarsi in territori non propri è rischioso, ma se lo fai con l'arguzia dei danesi che hanno saputo mantenere la propria essenziale e visibile matrice, difficilmente potrai sbagliare.

Ora, immaginatevi In And Out of Control, toglieteci il sole, l'estate e le vacanze, aggiungeteci distorsioni, synth, feedback e compressori, trasportate tutto in iperuranio senza tempo ed eccovi servito Raven in the Grave. Se il primo era luce, il secondo è ombra, se il primo era solare e proclamava l'essenza del divertimento, il secondo è tetro, oscuro e funereo; due album che vanno a comporre le facce opposte di una stessa medaglia, quella dei Raveonettes. Come proveniente da una vecchia pellicola in disfacimento da oblio, il 'corvo nella tomba' propone liriche più introspettive legate sia alle imposizioni dell'esistenza umana e alla guerre interiori che imperversano l'uomo, sia a temi più leggeri riguardanti le relazioni amorose.

Questo alone mistico che aleggia lungo l'intera opera è creato magistralmente sia dall'utilizzo di pedali wah wah che intervengono appositamente a dilatare lo spettro sonoro e creare atmosfere sognanti, come nell'iniziale Recharge & Revolt, sia dall'utilizzo di un'elettronica midtempo e quasi robotica che trasporta l'ascoltatore in un mondo futuristico (Apparitions).

Queste schegge di canzoni partecipano alla sostanza dell'album che si snocciola in meno di 40 minuti. Vi sono anche guizzi più pacati in cui divampa la fiamma di sentimenti che vanno verso una rassegnazione senza uscita (Let Me On Out) in cui gli echi riverberati fanno da padrone, per ripiombare pochi secondi dopo nella diperazione e nel pessimismo di Ignite (What if I could run now / What if I could die / What if I could make my heart explode and never cry). Un piano tetro apre le porte ad una cemiteriale Evil Seeds, in cui le tinte cupe aleggiano qui al cospetto di ritmi ossessivi e chitarre lisergiche che lentamente accelerano e si rincorrono per poi affievolirsi nell'oscurità dell'oltretomba lasciando spazio ad una più riflessiva My Times Up.

I nostri si riconfermano così in un pop-gaze disteso e privo di sbavature, che attesta qui come non mai l'incredibile talento compositivo del duo danese e che riesce a mantenere alta l'essenza di una band ormai compiuta, in un lavoro che non suona mai scontato o, peggio, di già sentito.

Paura

Giulio Magliulo — Tue, 10 Mar 2015 19:26:34 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Shoegaze

Etichetta:

Sussidiaria/Audioglobe

Anno:

2015

Line-Up:

DANIELE CARRETTI

Tracklist:

Buio
Inverno
Momenti
Accanto a te
Paura mai
Sempre dopo
Spazio
Stanotte
Estate
Luce

Felpa

Paura

Paura è il secondo album di Felpa, monicker sotto il quale si cela Daniele Carretti degli Offlaga Disco Pax.

L'album è stato anticipato a gennaio dal singoloInverno che comprende anche la cover della celebre Rimmel di De Gregori (che non c'è però sull'album) e si può partire proprio da qui per comprendere cifra stilistica ed intenzioni di Felpa, poiché il brano - si presume - lo conoscono tutti: grande lavoro di restyling, attualizzazione di una canzone culto ormai relegata alle tediose memorie del cantautorato classico.

Il linguaggio utilizzato per realizzarla lo shoegaze perchè alla fine è questo che Daniele fa: shoegaze.

Alla faccia dei maligni che sorridono pensando che importare qui da noi un genere lontano da certe nostre coordinate culturali sia operazione troppo ingenua o troppo furba, Felpa lo suona molto bene, riuscendo a restituire quell' atmosfera dream-pop tutta malinconia che già si respira sol guardando la bellissima cover.

Il resto del campionario sonoro lo immaginate: chitarre lente, sature e riverberate, sfrigolìo di fondo, voce che non sovrasta mai.

Funziona tutto benissimo, basta solo restare immobili a contemplare e presto tutto passerà.

Sunbather

Emanuele Pavia — Mon, 08 Jul 2013 18:41:56 +0000

Voto:

4.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Post Rock

Shoegaze

Black Metal

Etichetta:

Deathwish Inc.

Anno:

2013

Line-Up:

- George Clarke – Voce
- Kerry McCoy – Chitarre
- Daniel Tracy – Batteria

Guest:
- Stéphane "Neige" Paut - Voce (traccia 4)

Tracklist:

1. Dream House
2. Irresistible
3. Sunbather
4. Please Remember
5. Vertigo
6. Windows
7. The Pecan Tree

Deafheaven

Sunbather

Nonostante il già esaltante responso critico ottenuto dalla pubblicazione di Roads to Judah (disco modesto, incastrato senza personalità nell'ormai sovraffolato panorama "blackgaze" senza riuscire a emergere o a proporre qualche idea che non fosse già stata riutilizzata decine di volte da decine di band diverse), era difficile prevedere che il secondo lavoro degli statunitensi Deafheaven (intitolato Sunbather e pubblicato sempre per la Deathwish Inc. l'11 giugno 2013) avrebbe ottenuto un'acclamazione critica quasi unanime dai maggiori portali rock in nemmeno un mese dalla data di uscita.

Acclamazione che pare ancor più assurda quando si presta effettivamente ascolto all'album. Ripartendo dal sound che i Deafheaven avevano esibito nel debutto (e specialmente nella opener Violet), Sunbather appare infatti come uno di quei tanti, troppi dischi costruiti su misura per coloro che degli sviluppi del black metal (anche quelli più raffinati e onirici degli ultimi anni) non conoscono nulla, sfoderando un imbarazzante arsenale di cliché post-rock (sulla scia di gruppi quali Explosions in the Sky, Godspeed You! Black Emperor, e le tonnellate di loro cloni), shoegaze (riciclando ovviamente My Bloody Valentine, Slowdive e Ride), ma anche, seppur in misura minore, emo (citando tanto gli storici Sunny Day Real Estate e Material quanto le più recenti correnti screamo di Touché Amoré), gotici (The Cure) e perfino indie pop (The Smiths), il tutto imbastito superficialmente secondo la lezione dei peggiori emuli del black metal "colto" di Agalloch, Wolves in the Throne Room e Alcest (gli unici nomi effettivamente legati al black metal che vengono in mente durante l'ascolto di Sunbather).
Non solo i nomi, ma anche il numero dei referenti è cruciale per il successo di un album del genere: per molti ascoltatori (specialmente tra l'audience indie, la più incline a cadere vittima dei fenomeni di hype del momento, e non per nulla quella che ha accolto più calorosamente Sunbather), un così vasto stuolo di influenze ostentate in modo tanto didascalico è visto come sinonimo di un'attitudine sperimentale, innovativa e di rottura rispetto alla scena black metal, quando in realtà è solo sintomatico della scarsa creatività dei musicisti e della loro incompetenza (culturale ed esecutiva) in ambito metal, da cui riprendono (anche in questo caso) solo gli stereotipi più rumorosi e nulla più.

Tutto, fin dall'apertura di Dream House, è visibilmente costruito ad hoc per convogliare l'idea di un black metal ormai affrancato dai tòpoi del genere e pronto ad assurgere a un nuovo livello "artsy". Peccato che per rifuggire da questi (fallendo anche in quel senso: il tessuto sonoro a base di blast beat, su cui troneggiano distorsioni eteree, imponenti mura chitarristiche e scream di scuola depressive, è indistinguibile da tutto ciò che la scena "blackgaze" sforna da oltre un lustro) i Deafheaven si gettino a capofitto in quelli del post-rock (emblematiche le costruzioni in inesorabile crescendo e la tendenza nociva a dilatare inutilmente i brani), in quelli emo (come dimostrano gli arpeggi rubati ai Sunny Day Real Estate), oltre che chiaramente in quelli shoegaze. La cronica incapacità del gruppo di conciliare a dovere le diverse influenze e realizzare un sound più compatto e fluido si dimostra anche nella frammentazione del disco, che sfoggia quasi dei compartimenti stagni stilistici totalmente distaccati l'uno dall'altro e incollati senza soluzione di continuità: è particolarmente evidente una divisione tra le strutture più caotiche, distorte e vorticose del black metal e dello shoegaze, e quelle più calme, introspettive dell'emo e della musica indie pop.
Le prime sono esplorate nelle tracce più lunghe, vale a dire la già citata Dream House, la title track (monocorde composizione sulle solite coordinate black metal easy-listening, che in certe sezioni pare addirittua una versione più concitata dei Fucked Up di David Comes to Life, ad ennesima conferma del target di riferimento di Sunbather) e The Pecan Tree (che per quanto si areni nei soliti schemi triti e ritriti del genere, mostra comunque delle idee più compiute, uno svolgimento più fluido e delle melodie più evocative rispetto a quanto mostrato nel resto dell'album - anche se forse si dovrebbero ringraziare i My Bloody Valentine per questo -). Ma è soprattutto Vertigo, tour de force di quasi un quarto d'ora, che incarna tutte le caratteristiche e, quindi, i difetti del disco: un'eccessiva verbosità, un prevedibile sviluppo del brano e in generale un mal celato senso di già sentito, pervadono il pezzo in tutta la sua durata, convogliando ora le sonorità di Cure e Tiamat, ora i soliti Explosions in the Sky, ora, ancora, le formazioni storiche del noise pop e dello shoegaze. Un'accozzaglia di banalità che fa percepire un minutaggio di almeno il doppio rispetto a quanto non duri in realtà.
Le sonorità più tranquille emergono quindi dagli altri tre brani, ovvero Irresistible (tre evitabili minuti di arpeggi dal sapore indie rock), Please Remember (che, aperto da dissonanze noise e dallo spoken word dell'autorevole ospite Neige, in una citazione dei momenti più sperimentali dei Godspeed You! Black Emperor, si abbandona presto all'ennesimo arpeggio di chitarra in clean - questa volta tributando la chitarra di Johnny Marr) e infine Windows, collage di voci distanti tenute insieme da un tappeto di elettronica ambientale.

Il motivo per cui un album del genere è riuscito a conquistare una così alta considerazione va cercato semplicemente nella sua facilità, che permette a coloro che sono a digiuno di black metal di approcciarsi al genere senza dover rinunciare alle sonorità cui tutti i trend di revival della scena alternativa, indie e post-punk li hanno abituati (come del resto aveva fatto anche Alcest, nel 2007, con Souvenirs d'un Autre Monde - ma con idee e realizzazione ben più convincenti e meno stereotipate). Per trovare un termine di paragone a questo lavoro, si è fatto addirittura il nome dei Weakling, una band distante anni luce per importanza, idee e stile dai Deafheaven: ennesima conferma (come se ce ne fosse ancora bisogno) dell'impreparazione che dilaga tra gli estimatori di Sunbather.

Les Voyages de l'Âme

Emanuele Pavia — Fri, 20 Jan 2012 15:40:05 +0000

Voto:

5.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Shoegaze

Etichetta:

Prophecy Productions

Anno:

2012

Line-Up:

- Neige - Voce, Chitarra, Basso, Synth
- Winterhalter - Batteria

Tracklist:

1. Autre Temps
2. Là Où Naissent Les Couleurs Nouvelles
3. Les Voyages de l'Âme
4. Nous Sommes l'Emeraude
5. Beings of Light
6. Faiseurs de Mondes
7. Havens
8. Summer's Glory

Alcest

Les Voyages de l'Âme

Les Voyages de l'Âme è il terzo full-length del fortunato progetto Alcest del musicista francese Neige, nonché la prima, sensibile battuta d'arresto che il percorso creativo del gruppo affronta dal proprio esordio.

Le sonorità sviluppate nello scorso Écailles de Lune, che rivedevano lo stile soffuso e onirico di Souvenirs d'un Autre Monde sotto un'ottica più propriamente black metal, vengono qui quasi totalmente rifiutate, retrocedendo vistosamente a una manieristica riproposizione del sound del debutto mantenendo solo qualche sporadico intervento in scream e qualche accelerazione in blast beat della batteria.
Ciò che non si può mettere in discussione è un certo talento da parte di Neige nel riuscire a elaborare melodie azzeccate e nello sfruttare con una certa esperienza le tecniche del mestiere: Les Voyages de l'Âme non è infatti un brutto disco, ma semplicemente un album inutile che non aggiunge nulla di nuovo al discorso intrapreso dagli Alcest e che ripropone in modo abbastanza fedele tutto ciò che il gruppo aveva sviscerato (meglio) in Souvenirs d'un Autre Monde.
Le dolci melodie cantate da Neige, le zuccherose armonie di chitarra sospese tra lo shoegaze onirico degli Slowdive e il metal evocativo dei Novembre e le precise pulsioni della base ritmica (mai straripanti in modo da non rubare la scena alla coltre fumosa che avvolge la musica degli Alcest), coadiuvate da una produzione pulita e d'impatto, sono le stesse che hanno fatto la fortuna del gruppo nell'esordio ormai diventato un cult tra gli ascoltatori metal e non. Ma proprio il fatto che siano le stesse del disco di debutto rende gli otto pezzi di Les Voyages de l'Âme prevedibili e poco interessanti se non per i fan completisti dell'opera di Neige.

Tra riproposizioni stantie della solita formula (Les Voyages de l'Âme, la caramellosa ed eccessivamente diluita chiusura di Summer's Glory, Autre Temps e Nous Sommes l'Emeraude, eccessivamente improntate all'emulazione formale dei tessuti musicali di Souvenirs d'un Autre Monde) e brani riempitivi (Havens, un sorvolabile interludio acustico che riprende il folk nordico tanto caro a vari musicisti black metal), Les Voyages de l'Âme si esaurisce in circa cinquanta minuti, in un manierismo omogeneo che si mantiene più o meno sullo stesso livello per tutta la durata dell'album. Gli unici momenti che si distinguono sulle restanti composizioni si trovano nella lunga Faiseurs de Mondes, che con le sue venature più viscerali e propriamente black metal rende più dinamico l'intercedere dell'album (sulla stessa scia è Beings of Light, il pezzo più vicino al passato black metal di Neige, che però non riesce a risultare altrettanto valida arenandosi invece in una serie di clichè e stereotipi), e soprattutto nei nove minuti di Là Où Naissent Les Couleurs Nouvelles, che come la precedente suite Écailles de Lune assorbe tutte le varie anime e i diversi umori della musica di Neige (sia il rock intimista di Souvenirs d'un Autre Monde, sia il black metal celestiale degli Amesoeurs), rappresentando probabilmente il vertice dell'album, seppur sia comunque viziata dalle stesse patologie del resto dell'album: il manierismo e il terribile senso di già sentito.

Les Voyages de l'Âme è perlopiù un riassemblaggio di idee non solo mostrate a sufficienza dagli Alcest stessi, ma anche dalla lunga serie di band che hanno ripreso in modo più o meno personale le intuizioni di Souvenirs d'un Autre Monde. Neige incappa così nel suo primo passo falso a nemmeno un lustro dal proprio esordio su full-length, e per quanto Les Voyages de l'Âme possa contenere vari episodi piacevoli, il fatto che gli Alcest si riducano a reiterare già al terzo lavoro le solite idee fa temere che il gruppo abbia già esaurito tutto ciò che aveva da dire.

Silhouettes Lay Waste to the Living

Alessandro Mattedi — Thu, 15 Dec 2011 09:58:28 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Post Rock

Post Metal

Shoegaze

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2011

Line-Up:

- M. Bochnig - drums, additional guitars & recording
- C.Holler - guitars
- J. Wulfheide - guitars
- L. Jahns - bass

Tracklist:

1. Sunshine

2. The Moon Is a Cold Light

3. When Hills Call Back

Líam

Silhouettes Lay Waste to the Living

In attesa del loro prossimo full-lenght, i tedeschi Liam ci anticipano questo EP intitolato Silhouettes Lay Waste to the Living con cui enfatizzano il loro appartenere alla frangia più post rock della corrente cosiddetta "metalgaze", in opposizione alle radici depressive black metal da cui provengono; come se la tristezza che causò la decadenza sonora dei primi tempi in gruppi come questi, ora venga espressa tramite una malinconia evocativa e, a suo modo, dolceamara, fatta di impressioni delicate, sogni mesti, voglia di genuinità e al tempo stesso di conforto dal dolore.

L'iniziale Sunshine si conforma ai canoni del genere, con un una lunga sezione arpeggiata dal sottofondo atmosferico e la batteria che si fa via-via più intensa, in un leggero crescendo che poi sfocia nel consueto climax sonoro del post-rock più canonico, solo che in questo caso l'esplosione è decisamente metallica, con chitarre abrasive e ronzanti discendenti in linea diretta dal black metal, ma armonizzate come le farebbe uno shoegazers. La coda finale sfuma in dissonanza, aumentando i tratti più atmosferici del gruppo. Ovviamente la traccia è puramente strumentale, come le successive. E' evidentemente un brano di maniera, scritto in modo da aderire perfettamente ai canoni formali di un genere da pochi anni "esploso" fra i gruppi di mezza Europa.

The Moon Is a Cold Light inizia in maniera simile a Limbs degli Agalloch, ma prosegue invece seguendo i sentieri di un placido pezzo ambient/post rock, con sezione ritmica appena accennata, chitarre riverberate in lontananza, giochi sonori con gli arpeggi a ricreare atmosfere malinconiche e dolcissime, un retrogusto di etero che fa vagamente Sigur Ròs a momenti. Solo la sezione finale è un'esplosione distorta, con delle chitarre in tremolo come un dream pop/shoegaze maggiormente corrosivo sovrastanti dei droni chitarristici cupi e bassi.

Infine abbiamo When Hills Call Back che rimescola tutto quanto già presentato, senza sorprese.

Non c'è molto da dire, i pezzi sono tutti bene arrangiati e certosinamente congegnati perché seguono pedissequamente uno standard ormai consolidato, il che li rende anche intrinsecamente "banali". Anche per questo motivo non vengono certo raggiunte le vette di espressività di gruppi come gli Alcest, nè i giochi sonori sono paragonabili alle raffinatezze dei vati del post rock a schema soft/loud come gli Explosions in the Sky o i Mogwai. Si tratta insomma di un post rock come diecimila altri, a cui è stata aggiunta un pizzico di evocatività eterea e di bruciantezza metallica nei climax sonori.

Red EP

Gabriele Bartolini — Sun, 25 Sep 2011 15:12:41 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Noise

Shoegaze

Etichetta:

Slumberland

Anno:

2011

Line-Up:

-Shaun - Voce
-Kevin Shields - Chitarra
-Abe - Batteria

Tracklist:

01. Sweet Sixteen

02. Hazel

03. Your Own Nothing

04. The One You Want

05. Golfers

Weekend

Red EP

Le dichiarazioni del frontman Shaun susseguenti all' esordio sulla lunga distanza mi avevano lasciato perplesso. "Pubblicheremo un EP a Febbraio", aveva infatti più volte tuonato, proprio quando tutti si aspettavano di avere a che fare con tre ragazzi con la puzza sotto al naso. Sports, per chi all' epoca non avesse ancora sintonizzato le antenne sulle onde medie del nuovo suono americano, si dimostrò un esordio letteralmente folgorante, capace di rispecchiare al meglio l' estetica noise-pop ed al tempo stesso di introdurre una fondamentale componente shoegaze, usando come sfondo l' indie-rock più distorto di Ty Segall e Deerhunter, così credibile da farli accostare più volte agli idoli My Bloody Valentine, per non parlare delle influenze post-punk apportate dai Jesus and Mary Chain di Automatic. Con una panoramica di tale portata, il rischio di bruciarsi era indubbiamente dietro l' angolo.

Ecco perché alla fine la decisione più giusta è stata quella di pubblicare il loro Red EP, edito ancora una volta per la Slumberland records, dopo quasi un anno di distanza, spegnendo ogni smania ossessiva per iperproduzione al fine di cercare una nuova impostazione da dare al loro suono, ormai senza segreti e fin troppo "tradizionalista" per non cadere nelle grinfie di una staticità che già da questa issue porterebbe l' accusa di voler lucrare su ricette fin troppo derivative. I Weekend capiscono l' antifona, lanciandosi adesso unicamente sulle sfuriate noise-pop, prive stavolta di qualsiasi riferimento al garage e con delle sfumature shoegaze meno accentuate. A differenza della maggior parte dei loro coevi, non hanno però dimenticato come far rumore alla maniera di Killing Joke e A Place to Bury Strangers, e questo alla fine è il fattore fondamentale capace di distinguerli dalla massa di elementi capeggiata attualmente da Pains of Being Pure at Heart o Crystal Stilts. Meno fuzz istintivi e più cervello per il trio di San Francisco che adesso, contrariamente a quanto fatto dai Crocodiles, si dedica a tempo pieno sull' hi-fi, senza per questo disdegnare l' ipnotismo di quei riff ossessivi che li hanno resi famosi. Come successo anche per Everything in Between dei No Age, il mood del lavoro risulta meno deciso ma al contempo capace di spaziare nel giro di un brano dalla suite capace di notevoli tecnicismi al pezzo di rottura, meno lucido ma sicuramente dotato di una immediata efficacia, senza sottovalutare il fascino magnetico di certe loro solite dipartite, volutamente roboanti, con cui i due stanno animando letteralmente ogni loro uscita e anche grazie alle quali si stanno prendendo le attenzioni che si meritano. A conferma di questo refresh del proprio sound vi è in particolar modo l' effervescente Hazel, in cui tra i suoi giochi di chitarra sorretti più che altro dalla batteria si nasconde un cantato riverberato che nulla ha da invidiare ai paladini della best coast odierni. L' altro inedito, sempre per quanto riguarda questa nuova faccia dei Weekend, è The One You Want, scorribanda rintracciabile solamente negli Adorable più edulcorati. Le altre tre tracce amplificano il discorso introdotto da Sports, proiettando le espressioni punk di Coma Summer e Monongah, WV in anfratti musicali dotati di una maggiore urgenza melodica. Ecco allora prendere campo Sweet Sixteen, con il drumming sperimentale molto ottantiano, Your Own Nothing, che trasforma i primi secondi di tributo alle ectoplasmatiche U.S. Girls in un anthem che non mancherà di aggradare i fan dei Ride, per concludere con le elucubrazioni in crescendo di Golfers.

Senza disdegnare passi chiaramente al passo con i trend del momento Red EP costituisce, come si suol dire, un lavoro di transizione per i novellini Weekend. Comparsi sulla di per sè folta scena qual'è attualmente quella del rock americano con un discone denso di contenuti capace di omaggiare gli episodi più cupi della storia della musica, perseguono adesso con sagacia l' onda lunga del noise-pop, mantenendo naturalmente gli aspetti cardine qui proposti in maniera meno viscerale ma decisamente consapevole. Per questo, ma non solo, Red EP dovrebbe costituire il pane quotidiano di chi ama lo shoegaze schietto, certamente non inquadrabile con le direttive che etichette come la Slumberland stanno impartendo al solo scopo di formare un mercato discografico dalle tinte tutte uguali.

Slave Ambient

Gabriele Bartolini — Sat, 24 Sep 2011 13:51:43 +0000

Voto:

5.4 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Pop

Shoegaze

Cantautorato

Etichetta:

Secretly Canadian

Anno:

2011

Line-Up:

-Robbie Bennett - Arpa Omni, chitarra acustica, piano
-Adam Granduciel - Compositore, produttore, voce
-Dave Hartley - Basso, batteria, Electric Autoharp, Fender Stratocaster, Chitarra acustica, chitarra elettrica
-Steven Urgo - Batteria

Tracklist:

01. Best Night

02. Brothers

03. I Was There

04. Your Love Is Calling My Name

05. The Animator

06. Come to the City

07. Come for It

08. It's Your Destiny

09. City Reprise #12

10. Baby Missiles

11. Original Slave

12. Black Water Falls

War on Drugs, The

Slave Ambient

I The War on Drugs sono una band californiana con base ad Oakland che per i primi sprazzi di carriera ( iniziata nel 2005 con un demo) si è contraddistinta più per i tormentati rapporti tra i vari membri e continui cambi di line-up - basti pensare che i musicisti originali hanno lasciato il posto a quattro componenti nuovi - che per gli effettivi valori musicali. A tal punto che i tanto abusati paragoni con Buffalo Springfield, Byrds e Fleet Foxes essenzialmente nascono e finiscono subito per un motivo che, se non valido, è senza dubbio essenziale: i War on Drugs non hanno mai inciso un capolavoro. Ed anzi, se sono riusciti a riscuotere un discreto seguito di ammiratori solo dopo sei anni con questo nuovo Slave Ambient - che a questo punto potremo pure considerare come loro vero e proprio esordio - un motivo ci sarà. I problemi si potrebbero pure fermare qui per il gruppo, non fosse che il fuoriuscito e fondatore Kurt Vile mesi prima ha pubblicato il suo quarto album solista, Smoke Ring for My Halo, un esplosione di cantautorato tormentato su base roots americana ed una buona dose di psych-folk.

Per l' appunto, anche Adam Granduciel, volto dei War on Drugs ed amico / nemico di Kurt Vile, imposta Slave Ambient come un' opera di americana influenzata stavolta da uno shoegaze che, con i giusti ridimensionamenti, potrebbe far pensare ad una versione pop, o comunque solare ed estatica, dei My Bloody Valentine. Peccato soltanto che, paragoni a parte, questi veri e propri anthem di leggerezza risultino poveri e monocordi, e guarda caso sorretti più volte da evidentissimi imandi ai compendi di folk canadese dettati dalla sempre verde matrice suburbiana di Arcade Fire, oppure dal rock da classe operaia di Springsteen. Le varianti includono dei sinth dal gusto minimale che invece di far trasmigrare l' ascoltatore nelle lande dell' astrattismo lo fanno solamente assopire, oltre al timbro vocale di Dylan che pervade i pezzi migliori ( dalla line-up si scoprirà essere lo stesso Granduciel) e fa dell' arte già di per sè confusionaria dei War on Drugs qualcosa di derivativo capace solamente di far sobbalzare a sprazzi per i flashback emotivi evocati. Ma i veri problemi dei War on Drugs sono evidenziati ( credo, spero non spontaneamente) bene nei brani, dei quali la quasi totalità è composta da strumentali da sottofondo buoni solo per un ascolto distratto, mentre a far da contorno sono quei tre brani che avrebbero fatto gridare al miracolo se racchiusi in un uscita come l' EP. Per essere più precisi, i War on Drugs lucrano come meglio non potrebbero sul momento di massimo parossismo, facendo seguire in coda tre brani a far da cuscinetto, quasi non volessero far scendere a paragoni l' album con l' unico picco di freschezza e qualità compositiva. Sto parlando ovviamente di Your Love is Calling my Name, una scorrazzata percussiva di sei minuti in cui la voce del figlio di Guthrie accarezza gentilmente l' altrettanto elegante aere new wave, trasformandosi negli ultimi minuti in un compendio improvvisato di notevole fattura. Senza mettere i bastoni tra le ruote a nessuno, è altrettanto palese che le successive The Animator, Come to the City e Come for It, trittico che a malapena riesce a superare il minutaggio della traccia precedente, risultino totalmente fuori luogo nel tentativo di dilatare ed accentuare questa tematica shoegazy, che invece viene solo strapazzata e spremuta fino all' osso per produrre solamente un mood assonnato e borioso. Il resto del lavoro si manterrà su binari mediocri, incanalando prima il sentiero del semplice folk-rock e finendo col tributare gli Stephen Malkmus and The Jicks, e dopo plagiando, letteralmente, il gruppo di Win Butler, risultando cinici quando le cose si mettono bene ( Baby Missiles) ma decisamente patetici quando le melodie vengono riprese per filo e per segno ( Original Slave, Best Night). Di spessore e degna di nota Brothers, capace di notevoli scambi di chitarre e rullate al limite dell' evanescente, soltanto gradevoli l' armonica e piano di I Was There e la conclusiva Blackwater.

In generale, l' impianto di Slave Ambient non solo risente di una timidezza in fatto di consistenza vocale e testi ( nella maggior parte dei casi), ma soprattutto non riesce a risultare personale ed intimista quanto basta per essere degno del paragone con Smoke Ring for My Halo. A differenza di Kurt Vile - Presente nel disco in un paio di brani in veste di chitarrista - si ha la sensazione che i War on Drugs sfruttino in maniera eccessivamente ruffiana il lato nostalgico della cosa, approfittando di questa attenzione ricevuta per rivomitarci con delicatezza una psichedelia filtrata che nonostante tutti gli orpelli di inconsistenza risulta alla fine persino un pò pesante. Sconclusionati.

Colour Trip

Luca Pasi — Sat, 18 Jun 2011 16:50:56 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Luca Pasi

Genere:

Shoegaze

Etichetta:

Club AC30

Anno:

2011

Link correlati:

Facebook

Line-Up:

Elliott Frazier

Daniel Coborn

Alex Gehring

Tracklist:

1. Imagine Hearts

2. Do It Every Time

3. So HIgh

4. Two Girls

5. Kaleidoscope

6. Day Dreamy

7. Tambourine Girl

8. Chloe

9. Never Drive

10. You Don't Listen

Ringo Deathstarr

Colour Trip

Nel marasma generale di gruppi che ripropongono forse in maniera fin troppo pedissequa le sonorità degli 80s, riescono a farsi largo tra la folla, a suon di feedback e compressioni, un gruppo dal nome tanto curioso quanto originale, loro sono i Ringo Deathstarr e vengono da Austin, Texas. Il giovane terzetto, dopo aver rilasciato solo due EP (2007 e 2009) con cui erano riusciti a scombussolare la scena shoegazer non tanto per l'originalità della proposta, quanto per l'ottima fattura delle loro canzoni, debutta sulla breve distanza con questo Colour Trip in un vero e proprio viaggio di colori. Si perché i nostri riescono a mischiare come sulla tavolozza di un qualche trasandato pittore impressionista tre fondamentali colori primari: My Bloody Valentine, Jesus & Mary Chain e Primitives. Dai primi ne prendono le distorsioni effettate e cariche di delay che ne hanno contraddistinto l'immortalità, dai secondi ne catturano l'inimitabile e mitizzato scontro tra melodia e rumore che li ha portati nell'olimpo, mentre dai terzi ne catturano le venature pop andando a diluire e forse ad annacquare un colore che sarebbe altresì risultato più spigoloso.

Imagine Hearts è infatti pittura su carta vetrata con il suo continuo incedere di chitarre che raschiano e tagliano la carta andando a scoprire una voce femminile nascosta ed oltremodo offuscata da essa. Una fortuna dei nostri è la possibilità di alternare, appunto, la voce di Alex Gehring, più sensuale e versatile a lidi dream pop, a quella maschile e più cupa di Eliott Frazier come nella successiva Do It Every Time e nel singolo di lancio So High in cui le voci riescono a bilanciarsi in un perfetto blend etereo perso in echi ridondanti. Una varietà di sfumature che si distinguono non solo per densità di colore ma anche per spessore di strati, ne è un chiaro esempio la cavalcata iniziale di Kaleidoscope (titolo preso in prestito ai Ride), chitarre robuste ma non invadenti e non ritornanti in guisa di feedback galoppano insieme alla voce di Eliott. Le ritmiche sono qui sostenute ma funzionali ad accompagnare l'intera traccia in un pulsare stratificato e continuo, un incedere incentrato più sul colore che sull'idea del disegno, in cui le emozioni dell'artista non vengono nascoste e camuffate, ma ripetute e sussurrate ("got a crush on you, what can i do?") in rapidi colpi di spatola, attraverso una ricerca continua di nuovi colori per fotografare ed immortalare un paesaggio: "can you show me colours, no one knows?". Concettualmente rimandanti a pilastri shoegaze quali Drop Ninetinees, Kitchens of Distinction o ai più di nicchia Medicine, i Ringo Deathstarr sono in grado di confezionarci undici brani con un potenziale melodico trascinante e che sfocia spesso in ritmiche anfetaminiche (Never Drive, Chloe), ma che non scade mai in una mera gettata di muri sonori fini a se stessi. Non mancano inoltre episodi più sognanti (Day Dreamy) in cui l'immaginario evocato è quello di oscuri paesaggi presi da un film di Sofia Coppola visto al rallentatore. Le differenti pennellate sono visibili anche nella struttura delle canzoni, in Tambourine Girl (per me un richiamo o un omaggio a Pam Berry e ai suoi Black Tambourine) prima ti fanno sanguinare le orecchie con l'incalzare nauseabondo ed ipnotico dell'effettistica iniziale, poi ti risvegliano di colpo con l'attacco della strofa dalle distorsioni filtrate e smorzate, per poi ancora rigettarti nei colori tetri del 'wall of sound'. La conclusiva You Don't Listen non frena in alcun modo e per nessun motivo i ritmi sostenuti e compulsivi dell'album che dilagano qua più che mai in richiami atavici.

La musica dei texani è comunque ingannevole, perché ti rendi conto che infilato dentro l'immensità del loro suono scopri una vulnerabilità pop che pulsa, perché è più che mai viva, ma è racchiusa ed annebbiata in accordi di chitarre pronti a mettere delle barricate e allo stesso tempo scostarsi per liberare schizzi di pittura che riescono in pochi istanti a far breccia nei cuori più straziati e morbosi degli shoegazer.

Psychocandy

Denise Maiolani — Sat, 30 Apr 2011 11:24:02 +0000

Voto:

9.0 / 10

Autore:

Denise Maiolani

Genere:

Noise

Shoegaze

Etichetta:

Blanco Y Nigro

Anno:

1985

Link correlati:

Official Site

Line-Up:

- Jim Reid - voce, chitarra
- William Reid - voce, cori
- Douglas Hart - basso
- Murray Dalglish / Bobby Gillespie - batteria

Tracklist:

1. Just Like Honey
2. The Living End
3. Taste the Floor
4. The Hardest Walk
5. Cut Dead
6. In a Hole
7. Taste of Cindy
8. Some Candy Talking [CD bonus track]
9. Never Understand
10. Inside Me
11. Sowing Seeds
12. My Little Underground
13. You Trip Me Up
14. Something’ s Wrong
15. It's So Hard

Jesus and Mary Chain, The

Psychocandy

I Jesus and Mary Chain avevano le idee chiare: partire da orecchiabili melodie pop e sonorità riconducibili a band quali i Velvet Underground, per ricoprirle poi col rumore di feedback delle chitarre in dosi massicce.
I fratelli William e Jim Reid (chitarra e voce), accompagnati nella prima formazione dal futuro leader dei Primal Scream Bobby Gillespie alla batteria che sostituì quasi da subito Murray Dalglish e da Douglas Hart al basso, divennero immediatamente una band che suscitò molto scalpore, grazie ad una fortunata serie di uscite discografiche sfociate poi nel primo album, Psychocandy.
Reazioni scottanti da parte di pubblico e critica del resto prevedibili, per quattro ragazzi dalle capacità tecniche praticamente nulle.

Just Like Honey lascia da subito assaporare un’irresistibile atmosfera ipnoticamente ‘smielata’ per l’appunto, grazie al lento e psichedelico ritmo, alla sensualità della voce di Jim ed alle chitarre distorte, il tutto sapientemente miscelato all’incedere cupo del basso e ad un umore di fondo non esattamente gioioso.
Vi sono poi altri brani dal versante simile alla prima traccia, quali la trascinante The Hardest Walk e le più delicate e trasognanti Cut Dead, Some Candy Talking e Sowing Seeds.
Memorabili componimenti all’interno di quest’ album, sono poi la graffiante e distorta The Living End, sempre però sostenuta da un’anima pop di fondo, la trascinante ferocia di In a Hole e My Little Underground, che riporta a certe sonorità tipiche dei Ramones.
Più cupe e decadenti invece le graffianti Taste the Floor, Taste of Cindy e Inside me, per poi concludere in malinconica bellezza con l’altalenante malessere di It’s so Hard.

Il risultato finale dell’album è di ammirabile compattezza ed originalità, pur rimanendo fedele alle affinità sonore caratteristiche del periodo dello scanzonato punk dei Ramones, delle raffinate melodie degli Smiths e del più cupo ed introspettivo post-punk dei Joy Division.
L’apprezzabilità di questo disco, non sta nel semplice impiego del prolungato utilizzo massiccio del feedback, quanto nel contrasto fra ruvida rumorosità e semplici melodie pop intonate dalla sensuale voce di Jim Reid; quasi il grido di ribellione della band fosse più profondo ed intimista, anziché letteralmente ‘più grezzamente urlato’ alla società.
I Jesus and Mary Chain furono poi la premessa per la nascita dello ‘shoegaze’, intuizione poi successivamente compiuta dai My Bloody Valentine.
Prevedibilmente, la loro originalità venne poi assimilata ed il gruppo tornò ad essere uno dei tanti, senza però sminuire il fatto che Psychocandy sia una fase fondamentale nella storia del rock grazie all’influenza del passato, all’ incidenza del presente e alla luce per il futuro.

Belong

admin — Mon, 11 Apr 2011 23:00:00 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Luca Pasi

Genere:

Shoegaze

Indie Pop

Etichetta:

Slumberland

Anno:

2011

Link correlati:

Sito ufficiale

Line-Up:

Kip Berman - vocals, guitar
Peggy Wang - vocals, keyboards
Alex Naidus - bass
Kurt Feldman - drums

Tracklist:

1. Belong
2. Heaven's Gonna Happen Now
3. Heart In Your Heartbreak
4. The Body
5. Anne With An E
6. Even In Dreams
7. My Terrible Friend
8. Girl of 1,000 Dreams
9. Too Tough
10. Strange

Pains of Being Pure at Heart, The

Belong

I sogni si sa, sono fenomeni particolarmente complessi, tutt'ora oscuri e limitati alla comprensione della mente umana. Sono scritti spontaneamente, no stop e il più delle volte gli attori appaiono intenti a fare cose strambe e per nessuna ragione sensate, mentre la mente va avanti, l'intelletto guizza, la notte cala e tutti nascondono la testa sotto il cuscino con il berretto da notte.
Tuttavia vi è una sorta di filo logico nel processo di creazione di quest'ultimi:

"Una delicatissima combinazione di complessi ingredienti è la chiave. Innanzi tutto mettiamo un tantino di pensieri a casaccio e poi aggiungiamo appena una punta di reminiscenze del giorno mischiate con un po' di ricordi del passato...ingredienti per due persone. Amori, relazioni, emozioni e tutte le altre cose che finiscono in zioni; le canzoni ascoltate durante il giorno, le cose che avete visto e altre personali. Ok, forse ce n'è uno"

Vorrei parlare brevemente dei sogni di questo disco, ma la cosa più ovvia a cui posso pensare è quella di suonarlo, risuonarlo ancora ininterrottamente. Sarebbe tuttavia facile e senz'altro una banale scappatoia affermare che il disco si commenta da solo, ma è proprio ciò che avviene, perché questo disco ha eco, rimbalzando per giorni nelle vostre menti, nei vostri sogni.
Eppure è difficile esprimere la musica in modi che non siano musicali e si incappa inevitabilmente a tuffarvici dentro.

A due anni di distanza dal discusso esordio dei The Pains of Being Pure at Heart, i newyorkesi tornano sulla scena indipendente americana con questo nuovo ed aspettato album: Belong.
I nostri non sono cresciuti solo dal punto di vista anagrafico, ma, coaudiuvati dagli innumerevoli tour, hanno maturato un'esperienza tale che li ha portati ad abbandonare quei sentimentalismi forse fin troppo adolescenziali e immaturi dell'esordio in favore di una maggior corposità dei ritmi, un suono che vede una netta e intensa stratificazione che non lascia scampo al respiro dell'ascoltatore.
Senz'altro assistiti dal lavoro in fase di produzione di Alan Moulder, guardacaso già al fianco nel passato di nomi del calibro di Depeche Mode, Erasure, Elastica, The Jesus and Mary Chain, Curve, Ride, Lush o My Bloody Valentine (e la lista potrebbe continuare) e incentivati dallo stesso ad abbandonare quelle linee twee pop dell'esordio, si concentrano a proporci qui arrangiamenti irrobustiti ed energici sia dalla maggior presenza di chitarre sia dallo sfrenato utilizzo di tastiere.

Ma al di là delle disquisizioni prettamente divulgative è ora di procedere con l'ascolto. Il crescendo della titletrack, che con i sinusoidali arpeggi ora jangle ora graffianti, possiede il fascino irresistibile di colpire ed affondare il colpo per poi risucchiare le vostre emozioni. Non è una novità la flebile voce di Kip, forse il loro tratto somatico più caratteristico, fanciullesca e quasi timida si contrappone qui come non mai ai suoni ruvidi e di piglio shoegaze: un vero e proprio elefante in una cristalleria. La propagazione delle onde sonore in Heart in Your Heartbreak, singolo di lancio, non è dissimile da quella dei sogni; questo è indotto a livello subliminale da certi loop - a cominciare dal ritornello ("She was the heart in your heartbreak/
She was the miss in your mistake") - che ti pervadono la mente e lì vi si annidano nei meantri più bui, rimbalzando tra la notte e il giorno.
Parlavamo di ingredienti, i più disparati, che il più delle volte sono soggettivi e variano da persona a persona, si parlava di reminiscenze del giorno e ricordi del passato, si parlava di amori ed emozioni: sono tutte cose che hanno fatto corso in fase di scrittura; potremmo quindi stilare una lista infinita di ingredienti ma ci perderemmo inevitabilmente in un labirinto di proseliti senza via d'uscita.
E' bene comunque andare a sottolineare alcuni riferimenti che hanno se non altro ispirato i nostri, portandoli a compiere salti temporali notevoli.

Ascoltando canzoni come The Body - e basta l'intro - ci vengono subito in mente i New Order e da qui il salto è più lungo della gamba giacchè My Terrible Friends pare essere una In Between Days del 2011. Si agitano qui inquiete le tastiere; il pezzo accelera, rallenta, riaccelera e rallenta di nuovo ed è bello perdercisi dentro.
L'epicità di Even in Dreams, con le sue chitarre che tagliano l'aria, riporta alla luce l'inquietudine e la passione tormentosa degli shoegazer Adorable e le melodie sognanti dei Pale Saints; è sintomatico quanto il martellante ritornello - "Even in dreams i could not betray you" - ti contamini il cervello riecheggiando per giorni.
Distorsioni continue, inni, echi: Girls of 1000 Dreams è pura poesia e puro tempismo, le strofe si incastrano e combaciano perfettamente all'arrangiatura. Il sogno si propaga passando dalla celestiale Too Tough e arrivando alla conclusiva Strange, che con le sue tastiere vagamente curiane svanisce lentamente come in una dissolvenza cinematografica.

Un spettro sonoro che è quindi maturato con il tempo, ma che riesce ancora a regalarci un'infatuazione seria e ragionevole. Una maggior ricchezza ritmica rispetto all'esordio e una pesante colorazione alle vibrazioni cerebrali con cui riecheggiano i dieci pezzi in un sogno che dura sì 40 minuti, ma che lega tutti in quella che dovremmo definire una tacita unione.

Against Perfection

Luca Pasi — Mon, 14 Mar 2011 00:08:23 +0000

Voto:

8.8 / 10

Autore:

Luca Pasi

Genere:

Pop

Shoegaze

Etichetta:

Creation Records

Anno:

1993

Line-Up:

Piotr Fijalkowski (Voce, Chitarra),
Robert Dillam (Chitarra)
Stephen Williams (Basso)
Kevin Gritton (Batteria)

Tracklist:

1. Sunshine Smile
2. Glorious
3. Favourite Fallen Idol
4. A to Fade In
5. I Know You To Well
6. Homeboy
7. Sistine Chapel Celling
8. Cut #2
9. Crash Site
10. Still Life
11. Breathless
12. I'll Be Your Saint

Adorable

Against Perfection

"And then I awoke from a dream
I didn't really want to
And then I heard your tiresome scream
I really don't need this
And then you said, "Where's the sun?"
Well, are you really so stupid
And I don't need you or anyone..."

Nel naturale divenire degli eventi è facile quanto assai incomprensibile incontrare sulla propria strada brevi e intense manifestazioni di grandezza, effimera bellezza la cui durata è inversamente proporzionale alla loro effettiva intensità: fulmini che scatenano la loro propulsione e potenza ancora prima di poter essere uditi o meteore che bruciano ardentemente il loro nucleo ancor prima di essere scorte nell'intramontabile buio della notte, così è nella natura come nella musica.

Gli Adorable sono stati un esempio di questa impalpabile, fugace ed effimera bellezza, scomparsi ancor prima di poter essere realmente apprezzati nell'apice della loro attività.
Figli illegittimi, o forse rinnegati, di un movimento brit pop che stava ormai per esplodere dopo il disco rivelazione dei mancuniani Stone Roses (capaci di dare una svolta psichedelica ad un suono che univa le melodie dei Byrds a ritmi di base funky) si formarono nel 1991 a Coventry. Il quartetto, che consisteva in Piotr Fijalkowski (Voce, Chitarra), Robert Dillam (Chitarra), Stephen Williams (Basso) e Kevin Gritton (Batteria) fu assoldato nel 92 dai fasti indipendenti del patron Creation, Alan McGee, che in quel periodo era in cerca di un gruppo che risollevasse le casse economiche dell'etichetta, crollate miseramente in seguito alla gestazione travagliata e interminabile del terzo album dei My Bloody Valentine, Loveless. Il rosso di Glasgow fece però male i conti perché il gruppo non divenne mai il fenomeno commerciale che si aspettò, cosa che avvenne invece qualche anno più tardi con i fratelli Gallagher.
Questo mancato successo - e se vogliamo incomprensibile visto che le carte per poter effettivamente esplodere nelle scena britannica le possedevano tutte - è stato attribuito in parte all'arroganza di Piotr che unita ad un'ostentatezza e un'irriverenza senza eguali creò attriti fra gruppo ed etichetta e in parte alle forzature dello stesso Mcgee ad imporre un suono che si avvicinasse il più possibile alle attitudini commerciali brit pop del periodo. Questa forzatura, involuta e quanto mai fuori luogo distrusse i rapporti tra band e label che nel 94 si sciolse dopo aver pubblicato due album: Against Perfection (il titolo originale, pensate un po', era Against Creation che la dice lunga sui rapporti che intercorrevano con Mcgee) e Fake pubblicato nel 93 quando ormai era già stato dato fuoco alle polveri.

Imposizioni che fortunatamente non andarono a ledere e ad intaccare quello che era il suono e la vena artistica del quartetto di Coventry, perché c'è da mettere in chiaro una cosa: gli Adorable non sono e non sono mai stati, per quello che il termine possa ancora significare, un gruppo brit pop. O per lo meno, non lo sono stati del tutto. Collocabili in un olimpo di narcisismo autoreferenziale creato da loro stessi e portavoce di un'ideologia freudiana del super-ego sono riusciti a proporre una musica che richiamava da un lato l'estetica glam e dark dei connazionali Suede e dall'altro le distorsioni viscerali e shoegaze dei My Bloody Valentine, il tutto condito con una furia chitarristica senza eguali.

Ogni traccia, nel rispetto di queste caratteristiche, è un tripudio trasandato (perdonatemi l'ossimoro) di un'intensità emotiva celebrata qui con una passione che viene dalle interiora. Effetti di chitarre che esplodono rincorrendosi ed innalzandosi a ritmiche tormentate in magistrali "textures" di arpeggi, già da quando il jangle iniziale di Sunshine Smile prende piede: probabilmente uno tra i più famosi e belli di quegli anni, coperto e scoperto da un'intensa dose di distorsioni stratificate. Un gioco squillante di chiaro-scuro, un'immoralità continua trovata in un 'sorriso di sole' che ti inganna e ti rapisce scaldandoti fin nel profondo per rigettarti poi nella perdizione. Ma se Sunshine Smile scalda i cuori, Glorious fa vibrare i sensi. Abbandonato per un attimo il muro sonoro, ma ripreso già con la successiva Favourite Fallen Idol, Piotr trova forse qua il manifesto dell'essenza degli Adorable. Un crescendo continuo che li innalza in un limbo distaccato, un limbo superiore e quasi menefreghista che si disinteressa di ciò che sta attorno (And there's a whole world outsider, that I didn't know about, I don't need it) come se questa elevazione li caricasse di sensazioni al punto tale da non considerare le conoscenze futili terrene, ma solo quelle gloriose. Un'epicità fuori dal comune che attraverso un incalzare di una melodia trova sfocio in un grido ripetuto e straziato che glorifica le loro percezioni di grandezza. Ma i nostri, come ogni idolo che si rispetti, sono disposti ad abbandonare questo status, questo limbo costruito ad arte per cadere nel vuoto e rituffarsi in un mondo stantio, come se volessero perdere tempo per intrattenerci, noi, comuni mortali, ma attenzione perché la loro è solo finzione.

L'intero album è un singolo nel singolo ed è difficile credere come il gruppo sia scomparso senza lasciare un solco, un segno profondo o trepidazioni particolari, perché queste sono dislocate in tutta la durata dell'album a cominciare da A To Fade In dove i nostri lavorano su un'emozione disperata; una canzone cosparsa di un intimismo logorroico che dilaga in angoscia ma che allo stesso tempo si strugge e ti colpisce al cuore.
"I don't want to be faded skin / I don't want to fade out / I want to fade in / I want to fade in". Nostalgia, gemiti, frustrazioni si formano qua al cospetto di una voce struggente, paure che vengono impersonificate da un padre o più probabilmente da un figlio in una supplica continua, un figlio distaccato come la memoria o delle vecchie fotografie impolverate, indifferenti, che stanno lì da sole in istanti di consapevolezza che ti azzerano, ti annichiliscono. "Can you see me? I can't see myself / Can you hear me? I can hardly hear myself", suppliche ovattate, implorazioni dimenticate: non voglio essere un ricordo sbiadito, tutto ciò che voglio è essere me stesso. Quasi impossibile trovare un momento sottotono perché ogni brano è un capitolo a parte, sia negli elogi alla bellezza di Homeboy e Sistine Chapel Celling, invidiosa l'una e schizofrenica l'altra, sia nella folgorazione tormentata di Cut #2 dove le emozioni saltano definitivamente. In Cut #2, infatti, vi è qualcosa in più, un fascino difficilmente spiegabile; una sorta di magia che tutto avvolge che forse è il segno della tanto agognata perfezione. Pervasa da un cantato intenso, passionale e allo stesso tempo indifferente segna, per me, l'apice dei sentimenti deteriorati della band. Una disperazione sfibrata che sfociava nei live mediante l'utilizzo di vere e proprie forbici utilizzate a tagliare la sua giacca di pelle prima e le corde della sua chitarra poi, che appese successivamente al collo mostravano una totale fusione con la canzone. Come non citare una splendida Crash Site e la sua pesante ritmica con un suono che salta da feedback a pop stratificato o l'acustica Still Life che culla l'ascoltatore prendendolo per mano in un pianto rassegnato. Sono questi i momenti in cui ti si apre una voragine davanti, uno strapiombo nero di nulla e ti domandi se finirai inghiottito in un baratro, in un limbo che è lo stesso di Piotr e soci, distaccato, indifferente e apatico o troverai nuova vitalità in una conclusiva Breathless che impersonifica una spasmodica incredulità di fronte ad un ritrovato amore: "I'm breathless and speechless / But still, there's so much to say / In words with one syllable / I love you".

Against Perfection è stato la summa di questa sintesi, un disco che si proclamava contro la perfezione e che cercava di combatterla ma che al contrario ci si avvicina toccandola ripetutamente. Una folgorazione straniante che esprime per desideri consapevoli e umorali un riassunto di un gruppo che troppo presto diede il suo tanto involuto "fade out", dove in conclusione i confini dell'ego vengono demoliti per permettere un respiro all'unisono tra musicista e ascoltatore.

"...Oh this feeling is glorious"

Demo 2011

admin — Thu, 03 Mar 2011 22:00:00 +0000

Voto:

6.9 / 10

Autore:

Matteo Manfredini

Genere:

Post Metal

Shoegaze

Black Metal

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2011

Line-Up:

- A.N. - guitar, vocals, programming
- Samigina - bass
- Marco - drums

Tracklist:

1. La Ville des Rêves

La Ville des Rêves

Demo 2011

Nel 2007 il mondo della musica è stato innovato dal primo full-lenght effettivo degli Alcest: Souvenirs D'un Autre Monde. Neige, fondatore e unico membro del progetto Alcest, con quell'album coniò una formula stilistica che amalgamava l'effettistica e le timbriche tipiche dei gruppi definiti come shoegazers con le chitarre brucianti ed efferate del black metal (un ibrido che alcuni critici avrebbero poi chiamato "metal-gaze"); e che poi portò avanti nel secondo, ottimo, LP, cioè Ecailles de Lune.

Da quel momento vari gruppi si sono ispirati ai lavori targati Alcest, rimanendone fortemente influenzati e raccogliendone l'eredità stilistica. Fra questi, troviamo questo nuovissimo complesso multi-nazionale, La Ville Des Reves, composto da membri provenienti dalla Bielorussia, dalla Francia e dall'Italia. Il gruppo ha recentemente reso disponibile per il download la prima demo omonima.

Il lungo brano che compone la demo, in realtà senza ancora un titolo ufficiale, è completamente strumentale. Aperto da un fumoso arpeggio, al quale si aggiungono presto altri strumenti, raggiunge una melodia quasi sognante (ma dal forte retrogusto di malinconia dolente), fino a circa metà canzone, quando si aggiunge la batteria ed il suono generale si fa più distorto. Da qui in poi è tutto un crescendo: la batteria ha degli sprazzi di doppia cassa, che però, nonostante rendano più aggressiva l'atmosfera, non distolgono dal mood di base.
Dopo poco fa il suo ingresso un'altra, distortissima chitarra, mentre il batterista inscena una tipica cavalcata in stile black, fino a quando la canzone raggiunge il suo culmine e sentiamo il lavoro sulle pelle fermarsi e la chitarra distorta scemare, lasciando spazio all'arpeggio iniziale.

La demo in questione si ispira visibilmente al sopracitato gruppo francese, ma pare comunque abbastanza ispirata, lasciando sperare nel futuro e in qualche altra uscita.

Sports

admin — Tue, 25 Jan 2011 23:00:00 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Shoegaze

Etichetta:

Slumberland

Anno:

2010

Link correlati:

Slumberland Records

Line-Up:

Shaun (Voce)
Kevin Shields (Chitarra)
Abe (Batteria)

Tracklist:

1. Coma Summer
2. Youth Haunts
3. Monday Morning
4. Monongah, WV
5. Landscape
6. Age Class
7. Veil
8. End Times
9. Afterimage
10. Untitled

Weekend

Sports

Con molta probabilità i Weekend sono il gruppo noise più interessante del 2010. E badate bene, non lo dico solo perchè il loro Sports, debutto in assoluto sul palcoscenico musicale, mi ricorda in tutto e per tutto il suono dei primi Sonic Youth, anche se di certo meno sporco e confusionario. Ma tant'è, non sono mai stato bravo nel paragonare tra di loro le band, e infatti il loro gruppo preferito sono i My Bloody Valentine, aggiungendo anche che un loro live lo definiscono come ''la cosa più aggressiva e intensa che possa capitarti di vedere''.

Vengono da San Francisco, che in accoppiata con San Diego ha sfornato negli ultimi mesi artisti del calibro di No Age, Wavves, Best Coast e Crocodiles, alcune delle band più in voga del momento che, a mio modo di vedere, hanno contribuito al recupero di un' etica di suonare ormai definita obsoleta ma che evidentemente obsoleta non è, andando tra l' altro di pari passo con il ritorno in voga delle audiocassette, diventate sempre più cool man mano che la Burger Records cresceva (guarda caso).

Entrando nell' ottica del disco, và detto che questo dà spazio a brani talvolta eccessivamente allungati, in cui le chitarre compongono la componente principale, con compiti meno individualistici di quello che sembra. Un suono magistralmente dettato anche dalla batteria, che sà decisamente quando entrare a gamba tesa e quando no; una delle più incalzanti sotto questo punto di vista è Age Class, decisamente ottima.
I singoli di turno sono Coma Summer, già preventivamente inserita in una recente Blalock's Indie rock playlist e munita di giusti coretti pop ma soprattutto di un ritmo incalzante perfetto, e Monongah, WV, lamentosa canzone decisamente più riflessiva, anche se scatenata nel finale e dotata tra l'altro di uno dei video più azzeccati che abbia mai visto. Ma nel disco bisogna dare il giusto merito anche a brani come End Times, dalla struttura più rock classica, Monday Morning, quasi unicamente strumentale, e Landscape, in cui è presente un continuo eco che dice ''I'll Wait For You'' che crea la giusta atmosfera.
Il tutto si chiude con una stanchissima quanto deliziosa Veil (''So Tired'') e con una untitled che pare la riproposizione di alcuni dei suoni del disco rivisitati in maniera più aggressiva e rabbiosa.

Un lavoro ottimo dunque, che già dalla copertina faceva prevedere il fatto di preferire suoni bui ad altri più diretti e cool. La scelta di un suono ad alta qualità, preferito ad uno più lo-fi (che in questo caso pareva più indicativo) è data dal fatto che il gruppo ha voluto sfruttare la possibilità che lo studio professionale avuto a disposizione offriva, e per questo in parte sono giustificati. Fatto stà che non attenderemo molto prima di risentire il loro nome, infatti hanno già in programma l'incisione di un EP di inediti a febbraio, oltre naturalmente al loro tour che li vedrà impegnati in ben tre tappe italiane.

Clinging to a Scheme

admin — Sat, 25 Dec 2010 23:00:00 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Luca Pasi

Genere:

Shoegaze

Dream Pop

Etichetta:

Labrador

Anno:

2010

Link correlati:

Sito ufficiale

Line-Up:

- Johan Duncanson (chitarra e voce)
- Martin Carlberg (chitarra)
- Daniel Tjäder (tastiere)

Tracklist:

1. Domestic Scene
2. Heaven's On Fire
3. This Time Aroud
4. Never Follow Suit
5. A Token Of Gratitude
6. The Video Dept.
7. Memory Loss
8. David
9. Four Months In The Shade
10. You Stopped Making Sense

Radio Dept., The

Clinging to a Scheme

Dopo lo splendido capolavoro, che racchiudeva malinconia e mood gioiosamente sfocato del debutto Lesser Matters targato 2003 e il seppur spontaneo e primaverile Pet Grief targato 2006, esce sulla lunga distanza il terzo LP dei Radio Dept, Clinging To A Scheme. Un gruppo che è stato capace di far conoscere la Labrador Records al di fuori della Svezia, un gruppo primogenito, un gruppo che, non si direbbe, è attivo dal 1995.
Con questo disco riescono ad unire due generi, due schieramenti, ossia gli amanti del debutto più shoegaze e dream-pop e quelli del successore più tendente a linee indie-pop.

Ci siamo: atmosfere struggenti e sconsolate, accompagnate da un uso efficacissimo dell'elettronica fanno da padrone in Domestic Scene, la traccia opener del disco. Duncanson, sembra quasi scoraggiato dalle sfide che ci propone la vita: "Seemed like a good idea at one time/ But now it's all wrong". Un suono ovattato, sospeso in modo irreale, circonda la voce dello svedese; "Leaving just in time" continua a ripetere, come se stesse cercando di convincersi che è andato tutto a buon fine.
Il viaggio introspettivo prosegue con Heaven's on Fire, la canzone forse più catchy dell'intero lavoro:

"People see rock and roll as, as youth culture, and when youth culture becomes monopolised by big business, what are the youth to do? Do you, do you have any idea? I think we should destroy the bogus capitalist process that is destroying youth culture."

Recida così Duncanson riferendosi alle persone che non hanno orgoglio e si affidano al "big business". L'intero brano è un elogio alle melodie quasi mid-tempo alla Saint Etienne, accompagnate da un feedback melodico delle chitarre in stile Jesus & Mary Chain e My Bloody Valentine.
Never Follow Suit con i suoi ritmi al limite del dub e l'atmosfera sognante si contorce, si lacera e vi colpisce dritti al cuore. Schegge di sincerità e malinconia proseguono in A Token Of Gratitude: "Do I love you? / Yes, I love you / But easy come, easy go." affiancante da melodie pop alla Prefab Sprout; squarci di ripresa dal dolore e di speranza per il futuro sono visibili anche nell'auto-elogio The Video Dept.
Il viaggio prosegue attraverso il synth pop leggiadro e delicato di David, brano forse più accessibile del disco, le distorsioni glaciali di For Months In The Shade fino ad arrivare alla conclusiva You Stopped Making Sense: autentico diamante indie-pop e vero elogio allo sconforto.

Tra un connubio di sensazioni spesso agli antipodi e contrastanti, i Radio Dept si dimostrano ancora abili a creare e ad unire attraverso una linea sottile generi diversi usati con un perfetto equilibrio, regalandoci uno scrigno di ottimi gioielli shoegaze-pop.

I Will Be

admin — Sat, 18 Sep 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Shoegaze

Indie Rock

Etichetta:

Sub Pop Records

Anno:

2010

Line-Up:

- Dee-Dee - vocals, guitar
- Jules - guitar, vocals
- Bambi - bass
- Frankie Rose - drums, vocals

Tracklist:

1. It Only Takes One Night
2. Bhang, Bhang, I'm a Burnout
3. Oh Mein Me
4. Jail La La
5. Rest of Your Loves
6. Yours Alone
7. Blank Girl
8. I Will Be
9. Lines Her Heyes
10. Everybody's Out
11. Baby Don't Go

Dum Dum Girls

I Will Be

Le Dum Dum Girls (nome che fa riferimento ad un brano dei Talk Talk) sono il progetto personale di Dee Dee (nome d'arte di Kristin Gundred), giovane compositrice americana già divenuta famosa nell'underground per la collaborazione con Blank Dogs nei Maifair Set e per tutta una serie di demo e anteprime su Youtube pubblicate prima dell'esordio.
La formazione, nata nel 2008 e che debutta sul full-lenght due anni dopo con questo I Will Be sotto la celebre Sub Pop, è composta al femminile e questo le fa rientrare nella cerchia di un ultimo calderone di gruppi in rosa che ha attirato l'attenzione del pubblico indie, con varie analogie con gruppi come le Vivian Girls.

Le Dum Dum Girls si rifanno al garage rock anni '60 e alle bands punk pop dei '70, dai quali riprendono gli elementi più diretti, essenziali e d'impatto (e anche, soprattutto nel secondo caso, una certa propensione alla melodia nei ritornelli), ma anche a Patti Smith, al noise pop ruvido e improntato al feedback dei Jesus and Mary Chain, il canto cristallino su distorsioni riverberate del twee pop, i richiami retrò dei Raveonettes, amalgamando il tutto con riferimenti al periodo post punk/new wave.
I suoni sono tutti volutamente in lo-fi, per amplificare l'effetto ispido dato dai muri sonori delle chitarre su cui si adagiano linee vocali docili e irresistibili per ottenere un discreto effetto dolce-amaro, mentre la sezione ritmica è ridotta all'osso così come la durata delle canzoni è sempre breve, due retaggi dell'attitudine punk. Ma anche nei pezzi stilisticamente più vicini al genere (la grinta ironica ramonesiana condita di richiami agli Shop Assistants di Oh Mein Me, le melodie stereolabiane di Jail La La, il sapore vintage di Yours Alone, i giochi melodici di Everybody's Cut) emergono interessanti influenze dai primi precursori dello shoegaze per il gioco effettistico delle chitarre ronzanti e forti connotazioni pop per le linee vocali antemiche e alle volte pure morbide. Il risultato si rivela così un noise pop particolarmente melodico.

Il suono comunque non è tanto distorto o ostico come ci si potrebbe aspettare, anzi, il lavoro in fase di produzione di Richard Gottehrer (Blondie, Raveonettes) l'ha reso relativamente più malleabile e ascoltabile, rendendo il disco fluido nella sua progressione. Le canzoni così scorrono via leggere, perfettamente godibili e senza stancare anche se pure senza imprimersi in maniera particolare vista la generale omogeneità della proposta.

Il tutto infatti non risulta particolarmente variegato, la formula funziona così com'è e la Gundred & socie la mantengono per undici canzoni che forse dopo un po' possono risultare un po' ripetitive, ma è nella natura dell'album e ciò signfiica più che altro che non c'è reale necessità di track-by-track alla fine. Sarebbe ridondante, visto che non ci sono molte occasioni di segnalare qualcosa in particolare, ma alcuni brani che si notano più di altri naturalmente ci sono: la dolce ma distorta ballata Rest of Our Lives e la malinconia ottantiana di Blank Girl, il punk della titletrack contaminato da nenie oriniche che nel chorus diventano più grintose, la parentesi acustica finale e speranzosa della malinconica Baby Don't Go, cover di Sonny Bono.

La forza del gruppo risiede proprio nel proporre con una semplicità elegante, ma mai dozzinale e anzi a suo modo "ricercata", tutta una serie di melodie vocali trascinanti, briose e quasi spensierate, accompagnate poi dai fuzz box delle chitarre noisy (tanto che il gruppo è stato etichettato come fuzz punk), dalla batteria elementare e dalla registrazione rigorosamente in lo-fi.
I difetti sono invece la già citata poca varietà dei brani, che a volte tendono ad assomigliarsi un poco, e la necessità del gruppo di mettere più a fuoco la personalità del sound, ancora leggermente acerbo ma interessantemente vitale.

Vediamo come cresceranno in futuro le ragazze.