Trip Hop

Some Say I So I Say Light

Giulio Magliulo — Fri, 29 Nov 2013 12:46:29 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Trip Hop

Elettronica

Etichetta:

Play It Again Sam

Anno:

2013

Line-Up:

Ghostpoet (Obaro Ojimiwe)

Guests:

Lucy Rose
Woodpecker Wooliams
Charles Hayward
Gwilym Gold
Dave Okumu
Tony Allen

Tracklist:

1. Cold Win
2. Them Waters
3. Dial Tones
4. Plastic Bag Brain
5. Thymethymethyme
6. Meltdown
7. Sloth Trot
8. Dorsal Morsel
9. Msi Musmid
10. 12 Deaf
11. Comatose

Ghostpoet

Some Say I So I Say Light

E venne la musica nera e portò il ritmo. Anche la scrittura beat aveva ritmo, il ritmo del jazz, il beat dei bianchi che avrebbero voluto nascere neri. Scampoli di jazz si impastavano in quelle parole, il flow era fluido ed avvolgente, finanche euforico quando non velato da giustificate malinconie blues.

E gli animi più sensibili riuscirono comunque a generare grandi cose, grande musica, nonostante il mercato della musica e l'eroina dei bianchi stravolse il jazz che divenne un big business.

Poi qualche nero se ne accorse e decise che mentre i giovani – bianchi – potevano fare la loro rivoluzione, quella nera non era mai stata realmente realizzata. E giù botte e poesia. E grande musica. E tante parole. Last Poets, Linton Kwesi Johnson, Gil Scott Heron: musica che è sempre stata in qualche modo politica e non perchè voleva esserlo, perchè doveva!

I decenni di orge mercantili che seguirono, quelli del funk e della disco furono anni più leggeri e spensierati ma musicalmente propedeutici al rigurgito 'black' che tra poco sarebbe ritornato. Con una differenza però sostanziale rispetto agli antenati spirituali: se fino ad allora era stata la musica bianca a rubare tutto dai neri, ora sarebbero stati i neri a prendere qualcosa dai bianchi; non una cosa qualunque ma ... il ritmo! Ironia della sorte. La suddivisione del tempo - prima estetica che meccanica - che dai Kraftwerk in poi avrebbe rappresentato la musica leggera occidentale sarebbe stato il codice imperante. L'elettronica decretò ed è stato così.

Sarà l'hip-hop che con estrema consapevolezza a volte, decisamente meno in altre che svolgerà la funzione dei 'griot' in chiave moderna. E giù di spoken word e di dub-poetry. Come all'alba del be-bop prima e del free-jazz poi, dalle commistioni e dagli intrecci si svilupperanno nuovi virus e nuovi anticorpi. Eccoli. E' il nuovo millennio.

Ecco il trip-hop e ritorna la poesia. Sempre notturna. Più urbana. Sempre più alienata. Visionaria. Onirica e lacerata come una psichedelia elettronica al negativo. La lingua si inceppa ed il ritmo si spezza. E' la breakbeat, è l'Uk garage, è la dubstep.

Al culmine della tensione può seguire solo il down, l'aria si raffredda ed i colori si confondono, sempre più scuri. Ed è avant-hop. Ed è grime. Ed è abstract. E c'è anche un pò di sentimento ora che si è un po' più lucidi, mica solo i neri che fanno r'&'b hanno un cuore?

Them Waters. Plastic Bag Brain. Meltdown. 12 Deaf. Comatose. Londra, 2013. Ghostpoet. Dietro quegli occhiali degni di uno Spike Lee o di uno dei suoi neri intellettualizzati questa volta c'è un ex-assicuratore al mic e alle macchine, viene dalla City, niente politica, niente botte, solo flow che ritorna di nuovo fluido ed avvolgente.

Lacework

Giulio Magliulo — Fri, 30 Oct 2015 18:21:50 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Trip Hop

Etichetta:

Irma Records

Anno:

2015

Line-Up:

Susanna La Polla
Ezra Capogna

Tracklist:

Billie

Pure Rapture

King Of Fools

The Abacist

Wall Of Mist

Wide Blue Yonder

Anthemusa

Lethe

Test Of Gold

Still Water

Suz

Lacework

Suz è un'artista fuori dal coro e la sua voce magnetica è unica nel panorama italiano.
Al suo terzo album, Suz sembra voglia concentrarsi maggiormente su una narrazione più intima, su una cifra autoriale più affine al filone del moderno songwriting femminile che non teme di utilizzare tutti gli strumenti espressivi a disposizione della contemporaneità, dall'elettronica alla soulful song, partorendo una sorta di trip-hop da camera.

Ne viene fuori un disco esteticamente molto raffinato e forse anche troppo maturo poiché tiene a freno quella capacità, quel talento che spaccherebbe sui dancefloor alternativi.
E' chiaro che questo è frutto di una scelta ben precisa che vuole andare in direzione opposta a quella che noi umilmente vorremmo Suz intraprendesse, tornando indietro fino a quel Shape Of Fear and Bravery ed affondando ancora di più nell'elettronica e nel dub, sognando per lei addirittura episodi electroclash o approdi house alternativi e scongiurando così il rischio di eccessive omogeneità tra le tracce che creerebbero sospetti di piatte comfort zone che per fortuna al momento non esistono.

E' vero, Suz vanta una variegata e lunga biografia, di esperienze ne ha fatte già tante, probabilmente è questo che la spinge ad una dimensione più raccolta.

Ci teniamo comunque stretto questo bel Lacework e confidiamo in uno sguaiato outing di Susanna La Polla che a cassa dritta ci urli 'non sono una signora'.

Shedding Skin

Giulio Magliulo — Wed, 20 May 2015 09:00:07 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Trip Hop

Etichetta:

PIAS / Play It Again Sam

Anno:

2015

Line-Up:

Obaro Ejimiwe - vocals, synth

Etta Bond - vocals

Melanie De Blasio - vocals

Lucy Rose - vocals

Nadine Shah - vocals

Ross Stanley - organ

Joe Newman - guitars

John Calvert - bass, piano, synth

John Blease - drums

Miles Brett - strings

Rob Lewis - strings

Una Palliser - strings

Henry Salmon - strings

Tracklist:

Off Peak Dreams
X Marks The Spot
Be Right Back, Moving House
Shedding Skin
Yes, I Helped You Pack
That Ring Down The Drain Kind Of Feeling
Sorry My Love, It's You Not Me
Better Not Butter
The Pleasure In Pleather
Nothing In The Way

Ghostpoet

Shedding Skin

La black music contemporanea ha deciso di voltarsi indietro, ma se il neo-soul poco 'neo' di Curtis Harding o la svolta funk di Snoop Dogg riaccasatosi con Pharrell Williams rappresentano degli esempi sotto gli occhi di tutti, più spiazzante è il caso Ghostpoet che mettendo in secondo piano l'elettronica e potenziando il fattore 'groove', dimostra che l'universo black ha radici comuni.

Il flow àtono di Ghostpoet è comunque sempre molto intrigante ma le strade umide e gli ambienti fumosi della sua Londra ora rifulgono di strani luccichii, come quelli che sottendono e trasportano in ambientazioni post-errebì come in Be Right Back, Moving House o verso il grime liturgico di The Ring Down The Drain Kind Of Feeling che riporta alle cupe atmosfere bowiane di Outside.

Punti di contatto con il precedente Some Say I So I Say Light ovviamente ve ne sono, con quel talking da cui è difficile staccarsi non potrebbe essere diversamente, ma la groovey Off Peak Dreams sporca di trip-hop, Sorry My Love, It's You Not Me con il basso alla Joy Division, Better Not Butter e The Pleasure in Pleather da chitarra elettrica tutta in avanti animate o la X Mark The Spot, wave quanto possono esserlo gli Editors o gli Interpol, cambiano un po' la prospettiva.

I tessuti caldi e organici del rock e del trip-hop finemente intrecciati che rivestono Shedding Skin non possono essere però sufficienti per accusare Obaro Ejimiwe di essere un nostalgico perchè l'atteggiamento con cui ha deciso di affrontarli, il modo originale e sempre molto legato al suo mondo notturno, urbano, impedisce giudizi definitivi e draconiani.

Le invasioni di campo, si sa, son molto facili su certi terreni di gioco ma se per voi Ghostpoet non è un Gonjasufi qualunque allora aspettatelo al varco – quello si difficilissimo – del prossimo disco se ci sarà e intanto comprendete l'importanza di questo momento, declino di un bass sound UK che forse già non è più.

..If A Night

Giulio Magliulo — Fri, 11 May 2012 20:27:43 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Trip Hop

Etichetta:

Bombanella Records

Anno:

2012

Line-Up:

Laura Sinigaglia (vox)

Davide Verticelli (piano-synth)

Federico Fazia (bass)

Federico Adriani (drums)

Tracklist:

02 a.m.
Bologna By Night
Uptown Bike
In (the) Moscow
Television
Runnin’
04 a.m.
Bad Bed
Colors
Almost in Trouble
Zabriskie’s Bench
Krueger
06 a.m.

Shijo X

..If A Night

Laura Sinigaglia e Davide Verticelli sono le anime di Shijo X, formazione che propone qualcosa che in Italia non ha molti omologhi. Talvolta capita che chi affonda le proprie radici musicali in studi classici paga in termini di spirito il pegno di un notevole bagaglio tecnico ma Shijo X ha saputo creare dal mélange di influenze individuali un prodotto che in quanto ad eleganza e raffinatezza non teme confronti, a cominciare dalla copertina, pochi tratti bianchi su nero che nella sua semplicità è stilosissima e lascia presagire solo parzialmente a ciò che si ascolterà.

Dopo l’intro di pochi secondi di 02 a.m. entra sorniona Bologna By Night e la notte può cominciare davvero con la voce languida di Laura che ci porta in giro pigramente e ci svela angoli di nu-soul e R&B davvero lussuriosi. Spesso la voce è filtrata e spazia da vellutate tonalità jazzy a cromatismi in Fugees style mentre delle note di piano sposano alla perfezione suoni vintage di synth.

La chiave di volta dell’album è tutta in questi rimandi tra tradizione ‘black’ e modernismi che vanno ben oltre il mainstream, sfiorando oscurità trip-hop mai drammatiche, anzi, sempre molto trascinanti e sottilmente ironiche come in Uptown Bike che col suo ritmo in levare ci ricorda il grande northern soul.

Qui non si parla di big band e quindi bisogna riconoscere che l’equilibrio tra elettronico ed acustico è notevole, non c’è attrito o forzatura alcuna, come in In (The) Moscow in cui si passa agevolmente da un sinuoso downtempo ad una parentesi acid-jazz veloce alla Mother Earth, molto seventies e con tanto di assolo di basso.

L’intro barocca diTelevision apre ad una ballad pianistica notturna un po’ lunatica che tanto piacerebbe agli amanti delle chanteuses più famose degli anni ’90, mentre Runnin’ è semplicemente un funky con parentesi dark pop. Quest’ultima faccia degli Shijo X è ancor di più riscontrabile in Bad Bed che vive della stessa stramberia di personaggi come Beatrice Antolini o le Cocorosie.

Per molti aspetti una tale versatilità ricorda anche certe formazioni di gran successo internazionale alla Goldfrapp (come in Krueger), capaci letteralmente di giocare con i più svariati generi nel corso della loro carriera e forse questo è l’aspetto più spiazzante di Shijo X che lo fa all’interno di un unico album senza porsi limiti, passando da atmosfere come quelle descritte finora ad una Zabriskie’s Bench classica come se fosse cantata da una Diane Schuur.

Troppa carne sul fuoco, se la si sa cuocere, non è un problema.

Collected

admin — Sat, 06 Nov 2010 23:00:00 +0000

Voto:

7.4 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Trip Hop

Etichetta:

Virgin

Anno:

2006

Link correlati:

Line-Up:

Collected è il titolo di un'antologia dei Massive Attack contenente, oltre ai canonici greatest hits una buona dose di inediti e b-sides.

La raccolta è divisa in due dischi. Nel primo c'è il best of vero e proprio (per la cronaca i brani scelti sono grossomodo quasi tutti giusti anche se, come spesso accade, sono stati tralasciati alcuni titoli meritevoli), più l'eccellente inedito singolo Live With Me scritto appositamente per promuovere l'uscita. A svettare è l'intensa, vissutissima e passionale presenza del cantante soul/jazz Terry Callier, accompagnato da bassi liquidi, tappeti d'archi emozionali, batteria elegantissima e crescendo sonori di forte impatto.

Veniamo ora al secondo disco, che è quello che contiene diverse canzoni precedentemente non rilasciate.

L'iniziale False Flags è scandita dalle tastiere cupe e pesanti che costruiscono un'atmosfera malinconica in cui si inserisce la voce bassa e mesta di Del Naja. Sullo sfondo intanto si inseriscono giri di note melodici d'accompagnamento e droni chitarristici riverberati sul finale, a rendere il tutto più avvolgente. C'è come un retrogusto di romanticismo, ma è un romanticismo leggermente amaro, quasi da amore non corrisposto.
La successiva Incantations risulta parecchio suggestiva negli arrangiamenti, con bassi penetranti abbinati a giochi chitarristici dolci ma capaci di brevi spunti più intensi nel finale; il tutto però suona un po' come se non fosse stato sviluppato come dovrebbe, cioè con del potenziale non espresso (d'altronde il suo testo sarebbe stato poi ripreso per Everywhen). Rimane ad ogni modo una canzone dalla particolare carica emozionale, una love-song moderna ed atmosferica.
Con Silent Spring ci inoltriamo verso lidi più pacati e un po' anche lounge, con un battito sintetico velocizzato sopra il quale gravitano un pianoforte ripetuto e qualche inserto banalotto di archi campionati. A catalizzare l'attenzione è la voce di Elizabeth Fraser, candida e malinconica, ma capace di molta passionalità.
Invece Bullet Boy è più dolente e noir, con numerosi effetti elettronici e riempimenti ambient ad intensificare un'atmosfera notturna particolarmente evocativa. Certe sfumature spettrali sembrano suggerire un viaggio fra le strade deserte di una città che dorme, di notte, rimuginando interiormente con e su sè stessi.
Black Melt è la traccia "sostitutiva" di Black Milk su Mezzanine, poiché l'originale impiegava dei samples che causarono proteste legali nei confronti del gruppo. Questo "rimpiazzo" impiega medesimi testo e linee vocali, ma la musica è molto diversa, con una chitarra quasi doom, sezione ritmica incessante e profonda, atmosfere opprimenti e angoscianti, velate sfumature psichedeliche soprattutto nel breve intermezzo. Purtroppo sembra sempre che il pezzo stia per esplodere in un climax intensissimo, ma tutto questo rimane inespresso, lasciando una sensazione di inconcludenza e di piccola ripetitività - ciò non toglie comunque nulla all'atmosfera cruda e intensa che è capace di scatenare il pezzo.

Si giunge su lidi ben diversi con la riverberata, eterea ed un pochino spettrale Joy Luck Club, dalle influenze dark ambient ed un pizzico new age a rendere tutto più dilatato ed evanescente. E' una canzone pacata e riflessiva, dove la serenità di chi è assorto nei suoi pensieri contemplanti il mondo che lo circonda si fonde con un'irrequietezza tendenzialmente gotica che porta i riempimenti atmosferici a farsi via via più celestiali e glaciali, quasi aperti verso vaste distese insondabili.
Small Time Shoot 'Em Up è un remix di Smalltime Shot Away, più spedito e intenso nelle percussioni, non si distacca molto dall'originale ma suona un po' più incisivo.
I Against I, scritta in collaborazione con Mos Def, è un electro-hop cupo, intermittente, uno dei lavori più oscuri ed inquietanti di sempre dei Massive Attack, scandito dai beats sintetici profondi e dal rap mordace e accattivante. Probabilmente la traccia più riuscita fra gli inediti per via delle sue atmosfere urbane decadenti ed al tempo stesso penetranti, porta il campionario di suoni dell'hip hop in una dimensione nuova, molto più tetra e implacabile, una lotta mentale contro sè stessi che per questo motivo suona ancora più temibile.
Per contro, la passionale I Want You pur mantenendo una certa oscurità di fondo assume sfumature più romantiche e sensuali, rimescolando dub, lounge, downtempo e strings emotive. La carica emotiva che sprigionano i Massive Attack è degna dei club più raffinati, ma lo è soprattutto grazie alle superbe vocals femminili che ammaliano e attraggono con il loro suadente timbro. Gli arrangiamenti di archi campionati sono invece un po' più banalotti, ma le loro coordinante sono di una perfezione formale coerente e ben inquadrata con gli intenti del brano.
Infine abbiamo la title-track della colonna sonora di Danny the Dog, interamente strumentale, con le sue gravi e solenni note di pianoforte, gli archi melodrammatici e le costruzioni scurissime, quasi spettrali che la compongono. L'OST nel complesso non era memorabile, ma l'atmosfericità del pezzo svetta comunque.

Si tratta in definitiva di una selezione di brani con i loro pro e i loro contro, tutti piacevolmente atmosferici e melodici, nonché dotati di particolari cariche emozionali (a volte più sentimentali e romantiche, altre volte più drammatiche e psicologicamente tese). Si consiglia quindi di prendere l'edizione di Collected che include anche il secondo disco, invece di quella contenente solo il best of.

Tracklist:

- CD1
1. Safe from Harm
2. Karmacoma
3. Angel
4. Teardrop
5. Inertia Creeps
6. Protection
7. Butterfly Caught
8. Unfinished Sympathy
9. Risingson
10. What Your Soul Sings
11. Future Proof
12. Five Man Army
13. Sly
14. Live With Me

-CD2
1. False Flags
2. Incantations
3. Silent Spring
4. Bullet Boy
5. Black Melt
6. Joy Luck Club
7. Small Time Shoot 'Em Up
8. I Against I
9. I Want You
10. Danny the Dog

Massive Attack

Collected

Collected è il titolo di un'antologia dei Massive Attack contenente, oltre ai canonici greatest hits una buona dose di inediti e b-sides.

La raccolta è divisa in due dischi. Nel primo c'è il best of vero e proprio (per la cronaca i brani scelti sono grossomodo quasi tutti giusti anche se, come spesso accade, sono stati tralasciati alcuni titoli meritevoli), più l'eccellente inedito singolo Live With Me scritto appositamente per promuovere l'uscita. A svettare è l'intensa, vissutissima e passionale presenza del cantante soul/jazz Terry Callier, accompagnato da bassi liquidi, tappeti d'archi emozionali, batteria elegantissima e crescendo sonori di forte impatto.

Veniamo ora al secondo disco, che è quello che contiene diverse canzoni precedentemente non rilasciate.

L'iniziale False Flags è scandita dalle tastiere cupe e pesanti che costruiscono un'atmosfera malinconica in cui si inserisce la voce bassa e mesta di Del Naja. Sullo sfondo intanto si inseriscono giri di note melodici d'accompagnamento e droni chitarristici riverberati sul finale, a rendere il tutto più avvolgente. C'è come un retrogusto di romanticismo, ma è un romanticismo leggermente amaro, quasi da amore non corrisposto.
La successiva Incantations risulta parecchio suggestiva negli arrangiamenti, con bassi penetranti abbinati a giochi chitarristici dolci ma capaci di brevi spunti più intensi nel finale; il tutto però suona un po' come se non fosse stato sviluppato come dovrebbe, cioè con del potenziale non espresso (d'altronde il suo testo sarebbe stato poi ripreso per Everywhen). Rimane ad ogni modo una canzone dalla particolare carica emozionale, una love-song moderna ed atmosferica.
Con Silent Spring ci inoltriamo verso lidi più pacati e un po' anche lounge, con un battito sintetico velocizzato sopra il quale gravitano un pianoforte ripetuto e qualche inserto banalotto di archi campionati. A catalizzare l'attenzione è la voce di Elizabeth Fraser, candida e malinconica, ma capace di molta passionalità.
Invece Bullet Boy è più dolente e noir, con numerosi effetti elettronici e riempimenti ambient ad intensificare un'atmosfera notturna particolarmente evocativa. Certe sfumature spettrali sembrano suggerire un viaggio fra le strade deserte di una città che dorme, di notte, rimuginando interiormente con e su sè stessi.
Black Melt è la traccia "sostitutiva" di Black Milk su Mezzanine, poiché l'originale impiegava dei samples che causarono proteste legali nei confronti del gruppo. Questo "rimpiazzo" impiega medesimi testo e linee vocali, ma la musica è molto diversa, con una chitarra quasi doom, sezione ritmica incessante e profonda, atmosfere opprimenti e angoscianti, velate sfumature psichedeliche soprattutto nel breve intermezzo. Purtroppo sembra sempre che il pezzo stia per esplodere in un climax intensissimo, ma tutto questo rimane inespresso, lasciando una sensazione di inconcludenza e di piccola ripetitività - ciò non toglie comunque nulla all'atmosfera cruda e intensa che è capace di scatenare il pezzo.

Si giunge su lidi ben diversi con la riverberata, eterea ed un pochino spettrale Joy Luck Club, dalle influenze dark ambient ed un pizzico new age a rendere tutto più dilatato ed evanescente. E' una canzone pacata e riflessiva, dove la serenità di chi è assorto nei suoi pensieri contemplanti il mondo che lo circonda si fonde con un'irrequietezza tendenzialmente gotica che porta i riempimenti atmosferici a farsi via via più celestiali e glaciali, quasi aperti verso vaste distese insondabili.
Small Time Shoot 'Em Up è un remix di Smalltime Shot Away, più spedito e intenso nelle percussioni, non si distacca molto dall'originale ma suona un po' più incisivo.
I Against I, scritta in collaborazione con Mos Def, è un electro-hop cupo, intermittente, uno dei lavori più oscuri ed inquietanti di sempre dei Massive Attack, scandito dai beats sintetici profondi e dal rap mordace e accattivante. Probabilmente la traccia più riuscita fra gli inediti per via delle sue atmosfere urbane decadenti ed al tempo stesso penetranti, porta il campionario di suoni dell'hip hop in una dimensione nuova, molto più tetra e implacabile, una lotta mentale contro sè stessi che per questo motivo suona ancora più temibile.
Per contro, la passionale I Want You pur mantenendo una certa oscurità di fondo assume sfumature più romantiche e sensuali, rimescolando dub, lounge, downtempo e strings emotive. La carica emotiva che sprigionano i Massive Attack è degna dei club più raffinati, ma lo è soprattutto grazie alle superbe vocals femminili che ammaliano e attraggono con il loro suadente timbro. Gli arrangiamenti di archi campionati sono invece un po' più banalotti, ma le loro coordinante sono di una perfezione formale coerente e ben inquadrata con gli intenti del brano.
Infine abbiamo la title-track della colonna sonora di Danny the Dog, interamente strumentale, con le sue gravi e solenni note di pianoforte, gli archi melodrammatici e le costruzioni scurissime, quasi spettrali che la compongono. L'OST nel complesso non era memorabile, ma l'atmosfericità del pezzo svetta comunque.

Si tratta in definitiva di una selezione di brani con i loro pro e i loro contro, tutti piacevolmente atmosferici e melodici, nonché dotati di particolari cariche emozionali (a volte più sentimentali e romantiche, altre volte più drammatiche e psicologicamente tese). Si consiglia quindi di prendere l'edizione di Collected che include anche il secondo disco, invece di quella contenente solo il best of.

TRACKLIST:
- CD1
1. Safe from Harm
2. Karmacoma
3. Angel
4. Teardrop
5. Inertia Creeps
6. Protection
7. Butterfly Caught
8. Unfinished Sympathy
9. Risingson
10. What Your Soul Sings
11. Future Proof
12. Five Man Army
13. Sly
14. Live With Me

-CD2
1. False Flags
2. Incantations
3. Silent Spring
4. Bullet Boy
5. Black Melt
6. Joy Luck Club
7. Small Time Shoot 'Em Up
8. I Against I
9. I Want You
10. Danny the Dog

Première Mue

admin — Thu, 07 Oct 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Trip Hop

Etichetta:

Iris Music / Harmonia Mundi

Anno:

2010

Link correlati:

Line-Up:

La « nouvelle vogue » dell’elettronica francese? Una stella nascente del trip-hop più oscuro, addolcito dall’idioma transalpino? O, se proprio vogliamo essere generici ed andare per verosimiglianze, la risposta francese ai Portishead?
Non credo occorra andar così lontano per descrivere il disco di questa giovincella, a quanto pare ancora nota in Italia solo a pochissimi addetti ai lavori.

Peau, come la pelle, accarezzata dalle note di questo disco. E non solo la pelle, ma anche la mente e il cuore.
Peau, giovane e promettente. Semisconosciuta in Italia, ma in cammino verso il balzo internazionale.
Da Grenoble, è qui al suo primo disco, Première Mue, dove intreccia timidamente inglese e francese (soprattutto il secondo), costruendo piccoli ma affascinanti tasselli di intimità, in un’ universo fatto di immagini contrapposte, di rotture, di vellutate spirali di colore grigio-perla (come le sue foto, costantemente illuminate da tinte oscure e decadenti).

Una voce avvolgente ma non troppo, più che altro intimista. Ed è proprio questa la parola su cui occorre soffermarsi. Peau scava dentro l’intimo dell’ascoltatore, ti fa venir voglia di accendere qualche candela e ascoltare il disco in cuffia abbandonandosi alle sue note.

Qualcuno ha detto che questa ragazza è una sorta di equilibrio tra correnti contrapposte, tra forza e fragilità, né angelo e né demone; certo non si può dar torto a questa interpretazione, dato che tutta la sua musica gioca proprio su tale effetto, sul chiaroscuro, su una delicatezza che si fa graffiante quando può e deve farlo. La prima canzone è un segno di queste visioni contrapposte, e il suggestivo (quanto inquietante) video realizzato da Perrine Faillet per renderle omaggio ne è un perfetto esempio. La sua è una musica visiva, fatta di immagini incollate tra loro come se esprimessero quello che è lo scorrere della musica e il divaricarsi dei ritmi nel cervello. Come quando nel video della title-track lei stessa scuote la testa a suon di drum machine, e la sua gemella viene ricoperta di fango che va via da solo per trasformarsi in acciaio liquido e in una serie di clip spezzati, poi distrutti, poi rimontati.
Ma se tale title-track rimanda più al trip-hop, è nelle canzoni più lente che emerge lo spirito della giovane transalpina, come Litanie du coup de foudre: la sua voce sussurrata, che narra le parole di Jaqcues Rebotier, si fa anima e sentimento di un arpeggio ossessivo e tagliente, sussurrato anch’esso e portato a braccetto da ticchettii di pianoforte e cori che fanno emergere strani e oscuri fantasmi del passato. Non solo elettronica quindi: anche un’accennata chitarra elettrica e una timida batteria sostengono un ritmo che è come la corrente di un piccolo fiume, lenta e dolciastra, ma che riesce nel suo scopo di trascinare l’ascoltatore con sé. La musica poi si ingrossa, in un crescendo naturale che contrasta con un cantato che si fa sempre più opprimente, come le emozioni di chi l’ascolta. Attenzione però, perché il suo lato più emozionale non è mai diretto, ma sempre sottile, come se non volesse mai shockare e colpire in faccia chi la ascolta, strizzando sempre l’occhio all’orecchiabilità, per quanto complessa e mai banale.

Violenta dolcezza.
Non mancano infatti episodi più orecchiabili, come Kyle o Sensuelle, dove le melodie create dagli intrecci di arpeggio e voce si fanno ascoltare con piacere fino alla fine e senza mai annoiare. Convincono piacevolmente il suo mordente e la sua coerenza, i suoi arrangiamenti sognanti e quel suo delicato romanticismo d’altri tempi. Esce fuori la testa dalla sua natale Grenoble, con quel faccino da Björk orientaleggiante, e crea un universo ondeggiante, costantemente in bilico tra visioni bleakiane sporcate da una techno soffusa e una leggiadra intimità chitarristica, tra sfrontatezza rock e un tocco di caos paranoico e “viaggione” (la sperimentale Breathe).
Unica nota stonata gli episodi leggermente più ruffiani, come Enola Gay, certo belli anch’essi ma a mio avviso rovinati da una certa “allegria rock” che stecca un po’ con il resto delle composizioni (almeno a mio avviso, qualcuno potrebbe invece trovarla invece un punto di forza).

Nel complesso, un album riuscito e decisamente ispirato, anche se ancora acerbo, che fa ben sperare nel futuro artistico di questa cantautrice originale e visionaria. Consigliato a tutti gli amanti della musica elettronica, del trip-hop, del rock “femminile” e della canzone d’autore francese, non ho dubbi che possa farvi trascorrere minuti di piacere nell’attesa di un disco più maturo e di una meritata attenzione anche fuori dai confini d’oltralpe.

Tracklist:

1 Première mue - 2:18
2 Kyle - 2:33
3 Enola Gay - 3:41
4 Weather - 3:11
5 An Apple a Day - 3:33
6 Litanie - 5:33
7 Guerre longue - 3:46
8 Sensuelle - 3:41
9 Breathe - 4:23
10 Une petite pluie - 4:34
11 A Few Things - 3:50

Peau

Première Mue

La « nouvelle vogue » dell’elettronica francese? Una stella nascente del trip-hop più oscuro, addolcito dall’idioma transalpino? O, se proprio vogliamo essere generici ed andare per verosimiglianze, la risposta francese ai Portishead?
Non credo occorra andar così lontano per descrivere il disco di questa giovincella, a quanto pare ancora nota in Italia solo a pochissimi addetti ai lavori.

Peau, come la pelle, accarezzata dalle note di questo disco. E non solo la pelle, ma anche la mente e il cuore.
Peau, giovane e promettente. Semisconosciuta in Italia, ma in cammino verso il balzo internazionale.
Da Grenoble, è qui al suo primo disco, Première Mue, dove intreccia timidamente inglese e francese (soprattutto il secondo), costruendo piccoli ma affascinanti tasselli di intimità, in un’ universo fatto di immagini contrapposte, di rotture, di vellutate spirali di colore grigio-perla (come le sue foto, costantemente illuminate da tinte oscure e decadenti).

Una voce avvolgente ma non troppo, più che altro intimista. Ed è proprio questa la parola su cui occorre soffermarsi. Peau scava dentro l’intimo dell’ascoltatore, ti fa venir voglia di accendere qualche candela e ascoltare il disco in cuffia abbandonandosi alle sue note.

Qualcuno ha detto che questa ragazza è una sorta di equilibrio tra correnti contrapposte, tra forza e fragilità, né angelo e né demone; certo non si può dar torto a questa interpretazione, dato che tutta la sua musica gioca proprio su tale effetto, sul chiaroscuro, su una delicatezza che si fa graffiante quando può e deve farlo. La prima canzone è un segno di queste visioni contrapposte, e il suggestivo (quanto inquietante) video realizzato da Perrine Faillet per renderle omaggio ne è un perfetto esempio. La sua è una musica visiva, fatta di immagini incollate tra loro come se esprimessero quello che è lo scorrere della musica e il divaricarsi dei ritmi nel cervello. Come quando nel video della title-track lei stessa scuote la testa a suon di drum machine, e la sua gemella viene ricoperta di fango che va via da solo per trasformarsi in acciaio liquido e in una serie di clip spezzati, poi distrutti, poi rimontati.
Ma se tale title-track rimanda più al trip-hop, è nelle canzoni più lente che emerge lo spirito della giovane transalpina, come Litanie du coup de foudre: la sua voce sussurrata, che narra le parole di Jaqcues Rebotier, si fa anima e sentimento di un arpeggio ossessivo e tagliente, sussurrato anch’esso e portato a braccetto da ticchettii di pianoforte e cori che fanno emergere strani e oscuri fantasmi del passato. Non solo elettronica quindi: anche un’accennata chitarra elettrica e una timida batteria sostengono un ritmo che è come la corrente di un piccolo fiume, lenta e dolciastra, ma che riesce nel suo scopo di trascinare l’ascoltatore con sé. La musica poi si ingrossa, in un crescendo naturale che contrasta con un cantato che si fa sempre più opprimente, come le emozioni di chi l’ascolta. Attenzione però, perché il suo lato più emozionale non è mai diretto, ma sempre sottile, come se non volesse mai shockare e colpire in faccia chi la ascolta, strizzando sempre l’occhio all’orecchiabilità, per quanto complessa e mai banale.

Violenta dolcezza.
Non mancano infatti episodi più orecchiabili, come Kyle o Sensuelle, dove le melodie create dagli intrecci di arpeggio e voce si fanno ascoltare con piacere fino alla fine e senza mai annoiare. Convincono piacevolmente il suo mordente e la sua coerenza, i suoi arrangiamenti sognanti e quel suo delicato romanticismo d’altri tempi. Esce fuori la testa dalla sua natale Grenoble, con quel faccino da Björk orientaleggiante, e crea un universo ondeggiante, costantemente in bilico tra visioni bleakiane sporcate da una techno soffusa e una leggiadra intimità chitarristica, tra sfrontatezza rock e un tocco di caos paranoico e “viaggione” (la sperimentale Breathe).
Unica nota stonata gli episodi leggermente più ruffiani, come Enola Gay, certo belli anch’essi ma a mio avviso rovinati da una certa “allegria rock” che stecca un po’ con il resto delle composizioni (almeno a mio avviso, qualcuno potrebbe invece trovarla invece un punto di forza).

Nel complesso, un album riuscito e decisamente ispirato, anche se ancora acerbo, che fa ben sperare nel futuro artistico di questa cantautrice originale e visionaria. Consigliato a tutti gli amanti della musica elettronica, del trip-hop, del rock “femminile” e della canzone d’autore francese, non ho dubbi che possa farvi trascorrere minuti di piacere nell’attesa di un disco più maturo e di una meritata attenzione anche fuori dai confini d’oltralpe.

TRACKLIST
1 Première mue - 2:18
2 Kyle - 2:33
3 Enola Gay - 3:41
4 Weather - 3:11
5 An Apple a Day - 3:33
6 Litanie - 5:33
7 Guerre longue - 3:46
8 Sensuelle - 3:41
9 Breathe - 4:23
10 Une petite pluie - 4:34
11 A Few Things - 3:50

Mixed Race

admin — Tue, 28 Sep 2010 22:00:00 +0000

Voto:

5.5 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Trip Hop

Etichetta:

Domino Records

Anno:

2010

Link correlati:

Line-Up:

- Tricky - tutti gli strumenti

Guests:
- Frankie Riley
- Terry Lynn
- Bobby Gillespie
- Hakim Hamadouche
- Blackman
- Marlon Thaws

Tracklist:

1. Every Day
2. Kingston Logic
3. Early Bird
4. Ghetto Stars
5. Hakim
6. Come to Me
7. Murder Weapon
8. Time to Dance
9. Really Real
10. Bristol to London

Tricky

Mixed Race

Il nono album in studio di Adrian Thaws (in arte Tricky) è all'insegna della contaminazione stilistica su di una base tetra e mesta che in parte si riaggancia ai primi lavori. Il titolo dell'album, Mixed Race, sembra intendere proprio questo gioco compositivo in cui Tricky prende in prestito stilemi vari da scene diverse, di volta in volta l'elettronica, il jazz, il reggae o anche la musica etnica. La base su cui vengono innestati i vari elementi consiste invece nella canonica formula trip-hop che l'artista britannico ha consolidato fin dagli esordi.

Purtroppo il risultato è lungi dall'essere ispirato e variegato come vorrebbe essere, ripristinando la parabola discendente del compositore che dura da ormai troppi album. Più che un disco eterogeneo e multisfaccettato, si tratta di un collage di stilemi messi nella mischia senza un vero connettore comune, spesso già sperimentati in passato con più efficacia dallo stesso Tricky che sembra così abbia confezionato senza particolare convinzione una raccolta di brani deboli basati su poche idee a volte riciclate.
Non si raggiungono neanche particolari vertici psicologici o atmosferici, le canzoni si rivelano innocue e i pochi momenti maggiormente efficaci rimangono comunque diluiti da degli arrangiamenti blandi, se non anche ripetitivi. Quest'ultimo fattore viene però mitigato dalla generale brevità delle canzoni, solo in due casi sopra i 3 minuti, che li rende tutti abbastanza immediati e scorrevoli, ma per contro questo rivela anche una generale scarsità di carne al fuoco, difatti l'album nella sua interezza non dura neanche mezz'ora.

L'iniziale Every Day è un blues/trip hop placido ma troppo scarno per incidere sul serio.
Kingston Logic è una parodia della famosa Technology dei Daft Punk, di cui imita ritmo, metrica lirica e versi, suonando così anche simpatica.
La successiva Early Bird gioca con atmosfere noir e tinte jazz, accompagnate da un umore paludoso che rievoca il periodo di Maxinquaye.
Uno dei brani migliori è Ghetto Stars, trip hop emozionante scandito dalle strings dark e dai sample oscuri di chitarra, a cui però segue un pezzo melodico ma banale: Hakim, cantata dall'omonimo cantante algerino, è un innocuo e soffuso trip hop dalle ritmiche più uptempo e contaminato da melodie arabesche, con l'intento di dare un tocco esotico al crogiolo stilistico del disco.
Gli elementi jazzy ritornano nella soporifera Come to Me, stavolta accompagnati da elementi ragga e cocktail/lounge che però non sono sufficienti a non far sì che il pezzo suoni troppo piatto e ripetitivo.
Il primo singolo Murder Weapon è una cover di Echo Minott, ma anche qui il risultato è troppo monotono anche perché dell'originale viene preso solo il motivo portante, che a sua volta cita invece la Peter Gunn Theme dei Blues Brothers.
Con Time to Dance invece veniamo catapultati nella disco dance anni '80, filtrata con un mood più mesto e soffuso influenzato dalle radici lounge del trip hop. Cerca di suonare suadente, ma alla fine è poco più che un piacevole riempitivo d'atmosfera.
Sembra un po' più caratterizzata Really Real, una specie di mezza via fra gli ultimi dischi di Massive Attack e Gorillaz usciti quest'anno, con synth acidi, beats vellutati ma costanti e voce dolente a rendere il tutto abbastanza sentito.
Infine abbiamo Bristol to London, accattivante mix di electro-pop, rap, jazz e big beat dove si incontrano Prodigy, Primal Scream e Mos Def. Peccato che duri troppo poco sembrando così incompiuta, come altre canzoni del full-lenght d'altronde.

Ancora una volta per la realizzazione del disco Tricky chiama una discreta schiera di ospiti, fra i quali spiccano Bobby Gillespie dei Primal Scream e suo fratello minore Marlon Thaws, che però incide poco nell'economia dell'album come se tutti si limitassero a timbrare il cartellino per un ruolo minimo e che attira l'attenzione più per il calibro dei nomi che per il risultato effettivo.

Nearly God

admin — Mon, 14 Jun 2010 22:00:00 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Trip Hop

Etichetta:

Island

Anno:

1996

Link correlati:

Line-Up:

- Tricky - songwriting, programming, sampling

Guests:
- Martina Topley-Bird
- Bjork
- Terry Hall
- Neneh Cherry
- Alison Moyet
- Paul Francis Webster
- Sonny Burke
. Cath Coffey
- Dedi Madden

Tracklist:

1. Tattoo
2. Poems
3. Together Now
4. Keep Your Mouth Shut
5. I Be the Prophet
6. Make a Change
7. Black Coffee
8. Bubbles
9. I Sing for You
10. Yoga

Tricky

Nearly God

"So how does it feel to be God... well, nearly God."

Nel secondo album Nearly God il nostro Tricky, che nel frattempo ha riscosso molta attenzione con Maxinquaye, compie una decisa progressione in avanti sia come compositore che come arrangiatore. Seguendo sempre uno stile minimalista e rallentato, Tricky innanzitutto rende la sua musica più ricca e curata, aggiungendovi in alcuni casi contrappunti sonori eleganti da chamber-music (archi, pianoforte), in una maniera che ricorda vagamente il contemporaneo Londinium (però con un'ottica più nichilista e depressiva e suoni più cupi e rarefatti, oltre che in misura molto minore), ma anche tutta una serie di basi più versatili che raggiungono piccoli picchi di sperimentalismo sparsi a macchia di leopardo.
Dopodiché, il songwriting di Tricky si fa più rifinito e ponderato, come se le numerose guest d'eccezione l'abbiano in qualche modo influenzato, col risultato che i suoi pezzi suonano più concretamente delle canzoni che raccontano qualcosa, piuttosto che un collage di suoni, percussioni e vocalizzi atmosferici fini a sè stessi. Fra gli ospiti spicca soprattutto Bjork, anche perché in questo periodo fra i due vi è una relazione e Tricky la sta aiutando nella produzione del suo Post.

Ciò che ancora manca però a Tricky per realizzare l'atteso capolavoro è il definitivo affrancarsi da quest'attitudine che mette in primo piano le collaborazioni, i duetti, la raccolta di differenti umori ed impressioni assemblati seguendo lo spunto del momento, elementi ai quali vengono asseriviti la sua capacità di metabolizzare ed interiorizzare emozioni, pensieri e frammenti di memoria, fonderli insieme ed esternarli con canzoni vissute ed intimiste. Tricky dovrebbe piuttosto percorrere il sentiero opposto, sfruttando la sua ricerca dell'effettistica, la cura per le basi sonore e la lunga fila di collaborazioni ed apparizioni vocali per enfatizzare e conferire spessore alla carica emotiva dei pezzi.
Con questo schema, invece, il disco suona ancora alle volte frammentario, mentre i brani finiscono alla lunga per perdere caratterizzazione e spessore per via di questo privilegiare il contorno (accattivante, fumoso, noir) al contenuto (profondo, evocativo, ma stemperato).
Nonostante ciò, il disco si rivela comunque influente e anche se Tricky è forse spesso eccessivamente sopravvalutato come compositore, è innegabile l'importanza storica dei suoi primi dischi. Più di tutto, Nearly God mostra come Tricky abbia un enorme potenziale non ancora espresso a dovere, ma pronto a scaturire con efficacia, a determinate condizioni.

L'iniziale Tattoo è una cover di Siouxsie and the Banshees, un'apertura drammatica dove i violini dolenti (campionati da Schoenberg) e il dub intermittente si fondono per costruire un'atmosfera agghiacciante e decadente. Chitarre noisy, spunti jazzati completano la componente claustrofobica del brano, uno dei migliori di tutto il lotto.
Poems è un lungo viaggio lungo un sentiero debolmente illuminato da alcuni lampioni, in cui emergono dalla notte le voci di Terry Hall e Martina Topley-Bird in un duetto intimista e minimalista.
La successiva Together Now, scritta assieme a Mark Saunders e Neneh Cherry, quasi stona, con bassi dub più spigliati, voce sensuale e giocosamente infantile, andamento quasi r&b, spruzzi di chitarre vellutate a sostenere i vocalizzi sguaiati; è purtroppo troppo ripetitiva nonostante duri meno della metà del brano precedente, che però è dotato di uno spessore emotivo di gran lunga superiore.
Rimedia parzialmente Keep Your Mouth Shut, per la quale Bjork riadatta la sua You've Been Flirting Again: un pezzo cupo e visionario, con downtempo rarefatto immerso in un ambient liquido e notturno, dal quale progressivamente emergono percussioni più elastiche ed effetti rumoristici inquietanti.
Risulta particolarmente caratterizzata I Be the Prophet, quasi un monologo evocativo per Tricky, a cui poi subentra la Topley-Bird mentre effetti raggelanti ed archi ossessivi si stagliano sullo sfondo.
Con Make a Change abbiamo un soul malinconico, plasmato dalla carismatica voce di Alison Moyet, impiantato su archi dolenti, ripresi da Tattoo, ma reso particolarmente inquietante dall'effettistica spettrale.
Black Coffee invece è la rivistazione di un classico jazz di Sonny Burke e Paul Francis Webster, reso particolarmente ossessivo ed epilettico.
La successiva Bubbles suona ipnotica, particolarmente notturna e metropolitana con le sue bollicine elettroniche sullo sfondo e il basso ripetuto in primo piano ripreso da Feed Me, ma finisce per essere troppo monotona.
Suonano altrettanto accattivanti e ripetitivi i beats esotici di I Sing for You, che sarebbe potuto essere un'interessante variante "latina" del trip hop se si fosse concesso più spazio ad elementi come le chitarre acustiche, che invece rimangono appena accennati perché il fulcro di tutto rimane il battito ovattato a ripetersi sotto il duetto vocale.
Concludiamo quindi con la tenebrosa Yoga, in cui si avverte lo zampino di Bjork nell'arrangiamento, un disco storicamente importante anche se ancora un po' inconcludente e disomogeneo per elevare Adrian "Tricky" Thaws nell'Olimpo dei grandi del trip hop, ma che testimonia più del precedente la personalità sfaccettata, inquieta, introversa e profonda dell'artista, così come la necessità di sprigionarla a briglie sciolte senza limitazioni.

Nella versione americana sono presenti due cover come bonus track, cioè Judas dei Depeche Mode e Children's Story di Slick Rick.

No Angel

admin — Sat, 01 May 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Cantautorato

Trip Hop

Etichetta:

Arista/Cheeky/Sony BGM

Anno:

1999

Line-Up:

- Dido - vocals, keyboards
- Rick Nowels - acoustic guitar, wurlitzer piano, chamberlin, keyboards
- Paulie Herman - guitar, harmonica
- John Themis - electric guitar, percussions
- Rusty Anderson - electric guitar
- Martin McCory - electric guitar
- Dave Randall - guitars
- Mark Felton - harmonica
- Mark Bates - piano, wurlitzer piano, organ, keyboards
- Paul Statham - piano, keyboards
- Duncan Bridgeman - keyboards, programming
- Peter Vittese - keyboards, programming
- Sister Bliss - keyboards
- Bruce Aisher - keyboards
- Aubrey Nunn - bass
- Tim Vogt - bass
- Youth - bass
- John Pierce - bass
- Richie Stevens - drums, percussions
- Geoff Dugmore - drums, percussions
- Matty Benbrook - drums, programming
- Mal Hyde Smith - percussions
- Sudha - percussions
- Rollo - programming
- James Sanger - programming
- Jony Rockstar - programming
- Nick Manasseh - programming
- Pauline Taylor- background vocals
- Rachel Brown - background vocals
- Aquila - background vocals

Tracklist:

1. Here With Me
2. Hunter
3. Don't Think of Me
4. My Lover's Gone
5. All You Want
6. Thank You
7. Honestly OK
8. Slide
9. Isobel
10. I'm No Angel
11. My Life

Dido

No Angel

La cantautrice britannica di origine franco-irlandese Dido (nome completo Dido Florian Cloud De Bounevialle O'Malley Armstrong) iniziò a farsi conoscere sul serio nel 2000 quando Eminem campionò una sua canzone per il singolo Stan e lei stessa partecipò nel video. Non molto tempo dopo divenne famosa grazie alle hit Life for Rent e White Flag; ma già prima la cantante aveva iniziato a muovere da sola dei primi promettenti passi.

Dido inizia la sua carriera discografica nel 1995, quando, contemporaneamente alle collaborazioni con il fratello Rollo Armstrong e i suoi Faithless, registra alcune demo (alcune delle quali verrano ri-registrate per l'album riunite in un mini intitolato Odds & Ends che incuriosiscono l'Arista Records e la Cheeky Records. La prima distribuisce il demo negli Stati Uniti, la seconda invece nel Regno Unito fino a quando viene rilevata dalla BGM Records, mossa che fa slittare la data d'uscita del debutto vero e proprio, prodotto con l'ausilio proprio di Rollo e intitolato No Angel, al giugno 1999.
Situato in un delicato crocevia fra trip hop e pop acustico cantautoriale e registrato con un'imponente line-up di supporto, No Angel si rivela un disco particolarmente leggero e soffuso, incentrato soprattutto sulla vellutata ma decisa voce di Dido, a volte paragonata a quella di Sinead O'Connor e che svetta sempre, che vi sia la chitarra classica, il battito downtempo o effetti elettronici rarefatti a fare da tappeto sonoro di sottofondo. L'approccio di base è fortemente intimista e lo si nota soprattutto nei testi, come dei frammenti di emozioni e sogni dal sentore vagamente adolescenziale; ma la stessa musica è decisamente incentrata nel ricreare atmosfere avvolgenti ed emotive, a volte anche oniriche e in parte influenzate dalla musica new age, con cui dipingere tutta una serie di umori e sensazioni. In questo il songwriting si rivela particolarmente curato ed efficace, andando però a peccare di un'eccessiva prevedibilità in alcuni dei momenti più vissuti, che a volte tendono ad appannare un po' gli spunti più eterei e malinconici in favore di una fruibilità emotiva certamente catchy ma anche banalotta. La pezza però ce la mette sempre Dido con la sua voce, capace di rendere i ritornelli godibili e canticchiabili.

L'iniziale singolo Here With Me è già il pezzo più carico e passionale: bassi dub ed elettronica liquida di sottofondo introducono la voce mesta di Dido, intenta a cantare sogni, speranze e paure d'amore in un'alternarsi di passaggi ora più ovattati e malinconici, ora più potenti ed emotivi con beats trip hop intensi accompagnati dalle strings di riempimento. Formalmente un rimescolamento di clichè già utilizzati, ma l'intensità del brano suona sincera e vissuta.
Per contro la successiva Hunter è relativamente più scanzonata, con uno spedito intreccio di chitarra classica e archi su ritmiche più uptempo, e nel pop/rock di Don't Think of Me si va ancora oltre con una ballata acustica fresca ma resa un po' banale dai soliti archi e dai chords distorti del ritornello. Fino a questo momento comunque la forza melodica di Dido si è incentrata sui chorus incalzanti ed in particolare sui picchi emotivi capaci di ricreare.
My Lover's Gone inverte questa tendenza ponendo più enfasi sull'atmosfera, sfociando in un ambient-folk a cui si aggiungono poi percusioni esotiche e incalzanti, sfiorando soluzioni analoghe a quelle dei Lamb.
La successiva All You Want non dice nulla più di quanto già detto da plurime gruppi trip hop, è però come al solito la piacevole voce di Dido con i suoi chorus accattivanti ad attirare maggiormente l'attenzione, facendo passare in secondo piano il resto e impedendo che si sfoci nella piattezza o nella monotonia..
Il secondo singolo Thank You cerca di rivitalizzare un minimo l'abusata formula del trip hop con percussioni esotiche accanto al downtempo e vari contrappunti acustici (chitarra e pianoforte) e vocali (il coretto quasi gospel nel ritornello), ma non va oltre il risultato di un semplice e piacevole pezzo pop senza particolari ambizioni.
Honestly OK ricorda un po' troppo i Crustation, che erano globalmente più creativi, ma Dido riesce a trovare interessanti spunti sonori di sottofondo con tutto un viavai di armoniche, bollicine elettroniche spaziali e riempimenti ambient che impreziosiscono il brano, particolarmente evocativo soprattutto da metà traccia in poi.
Vengono ora due delle canzoni più ispirate e riuscite del disco: la prima è l'esotica Slide, fumosa e notturna per poi diventare particolarmente intensa con le stratificazioni vocali del ritornello e i bassi quasi da shoegazing; a seguire sopraggiungono le cupe atmosfere noir della densa ed evocativa Isobel, a fare da seguito.
La più spigliata, ma sempre molto malinconica, I'm No Angel suona meno caratterizzata, ma non mancano gli spunti melodici piacevoli che rimangono in testa con i loro motivetti.
Infine a conclusione del disco abbiamo My Life, un trip hop quasi portisheadiano per via degli inserti sonori retrò e dei riempimenti tastieristici che fanno capolino ogni tanto, ma senza la drammaticità che era propria di Beth Gibbons & soci.

Ci sarebbe anche una bonus track, Take My Hand, che però è forse eccessivamente sentimentalista e per di più dalle atmosfere spezzate da un battito troppo veloce e da archi fastidiosamente manieristi.

L'album si rivela così una prova piacevolmente melodico e dotato di un sufficiente spessore malinconico che, inaspettatamente, si coniuga tranquillamente con il lato più pop di Dido, dandogli una certa personalità senza stonare. Si tratta di canzoni semplici, dirette ed efficaci, che non aggiungono molto di nuovo al panorama e non hanno particolari pretese, ma che coinvolgono e suonano fresche proprio per la loro immediatezza senza fronzoli.
Successivamente, come già detto, Eminem campionerà Dido per una sua canzone, contribuendo a farla accrescere di notorietà, mentre alcuni pezzi verranno selezionati per delle colonne sonore (Sliding Doors e Roswell).
No Angel otterà un notevole successo nel 2001, a due anni dalla pubblicazione, diventando un best-seller a dispetto dell'immagine e della musica di Dido, lontani dal teen pop da classifica.

Amity EP

admin — Mon, 05 Apr 2010 22:00:00 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Trip Hop

Etichetta:

Century Media

Anno:

2001

Link correlati:

Line-Up:

- Anneke Van Giesbergen - voce, chitarra
- René Rutten - chitarra
- Frank Boeijen - tastiera
- Hugo Prinsen Geerligs - basso
- Hans Rutten - batteria

Tracklist:

1. Amity (Radio mix)
2. Life's What You Make It (Talk Talk cover)
3. Amity (Trip Pop Radio mix)
4. Amity (Timecode Audio mix)
5. Amity (Extended Trip mix)
6. Amity (Three People mix)
7. Amity (Live at Isabelle)

Gathering, The

Amity EP

Questo EP dei Gathering venne rilasciato nel 2001 come appendice dell'album if_then_else incentrata sulla riuscita canzone Amity. Di essa vengono proposti ben 5 remix fra alti e bassi, con particolare enfasi sui loop elettronici, il substrato ritmico impregnato di downtempo e le atmosfere sintetiche.

Ma a catturare l'attenzione è più che altro un'altra canzone relativamente inedita: difatti, Life's What You Make It è una cover dei Talk Talk particolarmente riuscita, dove il piglio spedito dell'originale synth pop viene completamente stravolto in favore di un drumming soffice e cadenzato, in parte ricordante quello degli shoegazers, in parte il trip hop (ad un certo punto del brano). L'effettistica di contorno è avvolgente e mesmerizzante, perfettamente in sinergia con la voce carismatica di Anneke. Altri inserti, come le distorsioni sature e corpose della chitarra contaminano l'atmosfera con una "psichedelia pesante", oppure rendono il tutto più noir, come nel caso dei riempimenti ambientali e degli spruzzi elettronici alienanti che si rimescolano in continuazione.

Oltre alla cover, come già detto, sono presenti vari remix di Amity.
Il Radio Mix è reso particolarmente emozionale e suggestivo dai campionamenti d'archi di sottofondo che si sovrappongono agli elastici beats vicini al downtempo d'accompagnamento alla batteria originale.
Si sfocia invece direttamente nel trip hop con il Trip Pop Radio Mix, dai beats che ricordano vagamente It Could Be Sweet dei Portishead e atmosfere quasi chillout a rendere la traccia particolarmente notturna e malinconica.
Invece il Timecode Audio Mix parte come pezzo ambient liquido ed etereo, purtroppo in maniera abbastanza piatta e con filtri vocali a bassa qualità, ma poi esplode in frenetiche ritmiche breakbit, comunque navigando in lidi molto ripetitivi e noiosi.
Molto più riuscito l'Extended Trip Mix, un trip hop elettrico e sensuale dove i ritmi sincopati accompagnano un'alternarsi di fraseggi più noir e distesi con chorus distorti ed elettrici.
Infine il Three People Mix non aggiunge nulla a quanto già ascoltato, risultando il meno rimodellato dei remix ma con un'enfasi davvero particolare nel climax di tastiera, molto più suggestivo del solito.

C'è anche una trascurabile esecuzione live.

Si tratta in definitiva di un EP consigliato più ai fan, che apprezzeranno diverse traccie, mentre per gli altri il motivo d'interesse sarà quasi esclusivamente nella cover.

Decades and Decisions

admin — Mon, 22 Mar 2010 23:00:00 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Trip Hop

Etichetta:

Rqtn

Anno:

2010

Link correlati:

Myspace

Line-Up:

- Mathieu Artu - musiche, programming

Tracklist:

1. 1928 – A Birth Among Others
2. 1942 – A Struggle In The Haze
3. 1955 – A Shelter For Lovers
4. 1970 – A Gaze Towards The Lighthouse
5. 1982 – A Dawn To Remember
6. 1986 – A Son To Concede All
7. 1997 – A Block In Town
8. 2003 – A Motionless Frozen State (ft. Antoine Ollivier)
9. 2010 – A New Decade

RQTN

Decades and Decisions

Negli ultimi anni la musica classica e le composizioni cameristiche hanno trovato nella popular music un'espansione talmente vasta da andare lentamente a plasmare una vero e proprio scenario costituito da artisti e cantautori provenienti dai più disparati background musicali. Che si tratti di slo-core, post-rock o di semplice pop, il cosidetto stile "modern classical" è diventato una tendenza sempre più viva, una musa ispiratrice mediante cui evolvere ed elevare la propria concezione di musica. A questo punto parlare del progetto RQTN diviene un'ovvietà, nonostante il monicker in questione ancora non goda di grande popolarità. Ma, come sappiamo, non è il successo commerciale di un'artista ad esprimerne e simboleggiarne le qualità: se così fosse Mathieu Artu sarebbe un pessimo musicista, peccato che in realtà Mathieu Artu sia un compositore che - a dispetto dell'età - ha non poca classe da vendere.

Se ne resero ben presto conto - anche se furono pochi - tutti i curiosi che finirono intrappolati nella rete incantata del primo full-lenght firmato RQTN: Monolithes en Mouvement (scaricabile gratuitamente qui) è senza ombra di dubbio una delle più scintillanti perle modern classical degli ultimi anni, ben più intensa e peculiare di molte altre opere appartenenti allo stesso scenario eppure molto più pubblicizzate e osannate. A un anno di distanza da quel gioiello che qualunque appassionato di questo tipo di musica dovrebbe far suo, Mathieu Artu porta a termine la seconda fatica del progetto RQTN, evolvendo e smussando il proprio stile in maniera decisiva. Rispetto al precedente album, Decades and Decisions si impone in un'ottica decisamente meno cameristica, più lucente ma alla stessa maniera intrisa di uno spleen intenso e decadente. Lo fa prendendo gli infinitesimali frammenti elettronici/trip hop di Monolithes en Mouvement ed elevandoli a principale veicolo espressivo della sua carica drammatica, rendendo di conseguenza nettissimo il salto stilistico-compositivo rispetto al precedente full-lenght.

Decades and Decisions è di fatto un album trip hop vero e proprio, nel quale però si continua a respirare la malinconica ariosità classical e la profondità melodica delle origini, aspetti qui conservati e semplicemente trasposti in chiave elettronica seguendo però la medesime impostazioni espressive (andamenti lenti, ricche stratificazioni timbriche, struggenti fraseggi melodici) del precedente album. Gli archi si trasformano così in synth brillanti e dilatati, i suoni si elevano mestamente dal ben più tragico buio di Monolithes.. e l'atmosfera intera dell'album cambia improvvisamente colore, mutando la tenue tristezza del grigio in un rosso molto più vivo e, per certi versi, pieno di speranza.
Eppure Decades and Decisions parte piuttosto in sordina, aprendo le proprie danze col suo episodio meno significativo: 1928 - A Birth Among Others enuclea in breve tempo le nuove coordinate stilistiche del progetto RQTN ma si smarrisce ben presto in una cerimonia di synth tanto sfarzosa quanto priva di intensità drammatica. Il discorso cambia però immediatamente verso quando a sciogliersi sono 1942 - A Struggle In The Haze e 1955 - A Shelter For Lovers, i due maggiori gioielli dell'album nonchè i brani che scavano nella maniera più profonda e vibrante nelle corde emotive di Artu, dipingendo affreschi interiori ariosi e vasti, come sempre condotti da una pazzesca vis melodica e supportati dall'avvolgente spiegarsi dei beat (che, pur non essendo mai originali, si dimostrano sempre funzionali al discorso drammatico dell'album).
Intimismo cameristico e lente evoluzioni trip hop si inseguono così per tutta la durata di Decades and Decisions, lasciando al proprio passaggio una serie di frammenti sintetici semplici ma come non mai avvolgenti, sia che si tratti delle più secche trame synth pop di 1982 - A Dawn To Remember, sia che si tratti di lente ballate da camera (1986 - A Son To Concede All) o di ben più robusti momenti tipicamente trip hop (le atmosfere densissime di 1970 - A Gaze Towards The Lighthouse e del trittico finale 1997 - A Block In Town, 2003 - A Motionless Frozen State e 2010 - A New Decade)

Criticabile solo ed esclusivamente per alcune trame sintetiche che in maniera troppo evidente si rifanno al trip hop di maniera (i beat sono semplici ma spesso prevedibili e i synth, quando messi in primo piano, risultano a tratti eccessivamente "forti"), Decades and Decisions è un album che per il resto affascina e commuove senza difficoltà alcuna, seppur senza raggiungere le splendide vette emotive del precedente capolavoro Monolithes en Mouvement. In ogni caso si tratta di una chicca che sarebbe meglio non lasciarsi sfuggire. Provare per credere.

Heligoland

admin — Sun, 31 Jan 2010 23:00:00 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Trip Hop

Etichetta:

Virgin

Anno:

2010

Line-Up:

- Robert Del Naja - vocals, keyboards, programming, songwriting
- Grant Marshall - vocals, keyboards programming, songwriting

Guests:
- Horace Andy - vocals
- Martina Topley-Bird - vocals
- Guy Garvey - vocals
- Hope Sandoval - vocals
- Tunde Adebimpe - vocals
- Adrian Utley - guitars
- John Baggott - keyboards
- Damon Albarn - keyboards, synths, vocals
- Neil Davidge - bass, programming
- Billy Fuller - bass
- Jerry Fuchs - drums
- Damon Reece - drums
- Angelo Bruschini - guitars
- Tim Goldsworthy - programming

Not credited guests:
- Jhelisa Stephanie Dosen
- Yolanda
- Aku
- Akwetey Orraca Tetteh
- Elizabeth Fraser
- Dot Allison
- Debbie Clare
- Mike Patton
- Fredo Viola
- Beth Orton
- Terry Callier.

Tracklist:

1. Pray for Rain
2. Babel
3. Splitting the Atom
4. Girl I Love You
5. Psyche
6. Flat of the Blade
7. Paradise Circus
8. Rush Minute
9. Saturday Comes Slow
10. Atlas Air

Massive Attack

Heligoland

Il quinto album studio dei Massive Attack (quarto, se si considera 100th Window come un album solista di Robert Del Naja) viene alla luce dopo un periodo di gestazione immensamente lungo e travagliato. Problemi nella stabilità della formazione, un lavoro di produzione tribolato, il titolo che ha subito diverse modifiche prima di giungere a quello definitivo e gli innumerevoli rinvii hanno fatto di Heligoland uno dei dischi più attesi degli ultimi anni.
Il parallelo è con Third dei concittadini Portishead, anch'essi fra i pionieri del trip hop e che hanno rilasciato un nuovo album dopo molti anni dall'ultimo. Ma se Third risultava inaspettatamente inedito e con uno stile completamente trasfigurato rispetto a quello dell'epoca d'oro del Bristol sound, Heligoland cerca di mediare maggiormente fra alcune delle tendenze esplorate dai Massive Attack nel corso della loro discografia e assemblarle in qualcosa di familiare e ugualmente oscuro, introverso e alienato - anche se molto più soffuso e meno angosciato nei toni, decisamente meno spiazzante nella novità.
Un'altra differenza è nel songwriting ben più elettronico, nonostante pure gli strumenti acustici qui abbiano un ruolo attivo in fase di composizione e il disco rimanga in larga parte "suonato"; ma principalmente la tendenza del disco e di rimescolare basi elettroniche e riempimenti ambientali sia come fondamenta su cui appoggiare l'edificazione del brano, sia come accompagnamento espanso, con percussioni mai invasive anche quando più frenetiche, sintetizzatori dosati e introversi, tastiere minimali. Un risultato che è frutto della produzione certosina effettuata da Del Naja & soci e che deriva da quanto già fatto in 100th Window (spogliato però di buona parte dei suoi spunti gotici e psichedelici, nonché di molte soluzioni sonore esotiche).
Una similitudine è invece negli arrangiamenti più scarnificati, soluzione atta a rendere i pezzi più essenziali, diretti e inquietanti, come a rappresentare una società spogliata della sua umanità oramai che il nuovo secolo si è inoltrato, ma che nel finale tendono a risultare purtroppo un po' piatti a dispetto di un buon inizio.
Apparentemente meno profondo, Heligoland è invece calmo, ponderato, con un'attitudine più riflessiva e intimista, necessitante di una dosata messa a fuoco per svelare i vari volti psicologici nascosti nei pezzi.

Si comincia dunque con l'intrigante Pray for Rain, tetra e paludosa traccia a tinte noir, con la voce distaccata di Tunde Adebimpe dei TV on the Radio a squarciare la notte scandita dalle percussioni glaciali e scarnificate. Fra le note si insinuano velati spruzzi jazzy, infiltrazioni lontanamente soul ed un minimalismo più accentuato del solito, mentre l'intermezzo è un crescendo mesmerizzante che sfocia poi in una breve parentesi più dolce e lounge. Si tratta di uno dei pezzi meglio riusciti di tutto il disco, dal notevole spessore malinconico e con arrangiamenti ben delineati e rinfrescati nello stile.
Babel è mandata avanti da beats elettronici e bassi secchi che rievocano le atmosfere del precedente disco firmato Massive Attack ed alla lontana anche il mood di Hail to the Thief dei Radiohead e dei 13 & God; la voce distaccata ma anche sensuale di Martina Topley-Bird si inserisce fra le influenze dubstep e i synth cupi, quasi ululanti, come se emergesse una figura candida e delicata da un immaginario claustrofobico pronto ad inghiottirla in qualsiasi momento, tale è l'inquietudine generata dalle atmosfere di sfondo - ma è un'inquietudine totalmente modellata nell'era digitale attuale. Sono comunque le ritmiche upbeat incalzanti e le distorsioni di chitarra riverberate in lontananza ad accentuare l'angoscia umana in contrasto con la fredda elettronica in primo piano.
Viene ora Splitting the Atom, che figura alla voce l'onnipresente amico Horace Andy ed il redivivo Grant Marshall, tornato nel gruppo dopo averlo temporaneamente lasciato una decina di anni fa circa per stare con la famiglia.
Il ritmo suadente, i sintetizzatori caldi, il piglio ragga, le atmosfere fumose con tonalità quasi soul e le linee vocali distaccate sembrano riportare alla mente Protection: ma gli arrangiamenti più graffianti ed ipnotici, le stratificazioni avvolgenti e la generale cupezza di sfondo rievocano invece certi aspetti di 100th Window. La canzone però non sembra nè un estratto dal primo nè uno estratto dal secondo, ma qualcosa di nuovo e particolare. Peccato che alla lunga suoni un po' ripetitiva, il che limita il risultato finale; ma complessivamente è un buon pezzo.
La successiva Girl I Love You inizia con una combo di bassi intermittenti, batteria ossessiva e tastiere raggelanti che costruisce un'atmosfera epica e terrificante al tempo stesso, forse squarciata solo dalla voce delicata di Andy che però a tratti assume quasi lo stesso ruolo della Topley-Bird in Babel, soprattutto nel chorus allucinogeno e macchiato di suoni orientaleggianti. Si tratta di una rivisitazione di un suo vecchio brano del 1974, in maniera analoga alla storica hit Angel.
Fino a questo momento il livello generale delle canzoni mostra una certa bontà (anche se non ci sono delle perle che svettino in particolar modo nella discografia, tranne forse Pray for Rain) che permane anche con la prossima canzone: Psyche è lenta, fangosa, spettrale, il battito cadenzato e sintetico enfatizza l'oscurità generata dai sintetizzatori, che sembrano dipingere lo scenario di una metropoli catatonica e asfissiata dalle angoscie esistenziali dei suoi abitanti. Solo la voce tenue della Topley-Bird lascia filtrare un bagliore di luce in queste strade offuscate.
Invece in Flat of the Blade le linee vocali di Guy Garvey (Elbow, I Am Kloot) sono più desolate e melanconiche. Il sottostrato elettronico è però a volte troppo monotono e piatto, finendo per spegnere le atmosfere macabre e post-industriali del pezzo che vengono risollevate solo da alcuni tappeti di strings che subentrano ad un certo punto (tuttavia in sè banali e che non impediscono alla canzone di risultare alla lunga ripetitiva).
Il risultato è migliore nella tenue Paradise Circus, che recupera certi spunti melodici di Mezzanine (assieme ad alcuni singulti emotivi dalla OST di Danny the Dog) convertendoli nel formato dolente di Heligoland, raggiungendo alcuni dei picchi dolci e malinconici del disco. Il pianoforte minimale si sposa alla perfezione con le percussioni leggere e le linee di basso orecchiabile, mentre in lontananza ad un certo punto fanno capolino le solite strings ad accompagnare le linee vocali meste di Hope Sandoval dei Mazzy Star.
Rush Minute è tenue e soffusa, la voce dolente di Del Naja è quasi sussurrata mentre le chitarre ovattate costruiscono degli arrangiamenti a ripetersi. Nel complesso il pezzo segue un velato crescendo emotivo, tuttavia troppo labile per incidere realmente, mentre il mood malinconico risulta annacquato dalla monotonia.
Viene ora Saturday Come Slow, in cui si percepisce l'influenza dei progetti di Damon Albarn (che difatti è alla voce). La batteria leggera ma continua funge da pavimento per il resto della strumentazione, che si risolve in arpeggi di chitarra acustica (che sono invece di Adrian Utley) sullo sfondo e riempimenti tastieristici appena accennati. Ancora una volta la canzone risulta un po' monotona, ma gli spunti melodici nel ritornello sono comunque godibili e complesssivamente c'è più ispirazione, facendo risultare la canzone più coinvolgente della precedente. La prestazione vocale di Albarn è invece altalenante, ora particolarmente espressiva e ora che sembra mal adattarsi alle atmosfere.
Due pezzi con buoni spunti ma non riusciti del tutto, in questo caso è difficile vedere il bicchiere mezzo pieno quando si ha a che fare con dei primi della classe durante qualche episodio un po' sottotono.
Fortunatamente la sorte del disco viene (per la seconda volta di fila nella discografia degli inglesi) risollevata in extremis con Atlais Air, condotta da synth e batteria ottantiani, bassi dub incisivi e vocals accattivanti, il tutto impreziosito da contrappunti sonori elettronici melodici, percussioni esotiche e hammond retrò che rende ancora più nostalgico l'umore della canzone. Il suo punto debole potrebbe risultare l'eccessivo prolungamento del tutto, ma il climax della parte finale riamalgama gli elementi in gioco attenuando ciò.

La sensazione è che i Massive Attack si siano "reinventati" prendendo alcuni elementi del loro passato, in particolare gli arrangiamenti più elettronici di 100th Window (di cui comunque il disco non è l'erede diretto, anche se il paragone non è tanto erroneo) e alcune soluzioni che caratterizzavano i primi dischi, però più che altro per non ripetere la stessa solfa con qualcosa di identico piuttosto che per rivoluzionare o sperimentare nuove soluzioni, ma comunque cercando di esprimere appieno gli umori e le angoscie più radicati nelle storie raccontate da ciascuna traccia.
Il songwriting in certi momenti è più prevedibile del solito come evidenziato nel trackbytrack, ma permangono apici interessanti e guizzi melodi con cui si ottengono diversi brani piacevoli, immersi come sono in atmosfere cupamente elettroniche dal retrogusto decadente o intrise da arrangiamenti acustici minimali. Inoltre, le numerose guest faticano ad inserirsi con omogeneità negli schemi del gruppo, sembrando come se stessero timbrando il cartellino sconnessi fra loro piuttosto che integrandosi con il nucleo della formazione come accadeva in passato (persino Horace Andy, che è praticamente un membro del gruppo, lascia questa sensazione in alcuni momenti).

Può darsi che Heligoland si riveli in ogni caso il disco più debole e meno creativo dei Massive Attack, ma l'album cresce con gli ascolti e rivela ogni volta nuove sfaccettature della sua personalità complessa e introversa.
Se dopo sette anni di attesa e innumerevoli rinvii ci si aspettava molto di più dalla formazione britannica, il disco può rivelarsi a conti fatti un po' deludente, ma dandogli tempo di crescere ed evitando confronti con i capolavori del passato (che sminuirebbero gli intenti e gli obiettivi di Del Naja e Marshall) si scoprono sempre più sfumature che lo compongono.

Dovrebbe essere inoltre in arrivo un album di remix targato Burial, analogo a quello che Mad Professor fece per Protection.

Sweet Shadows

admin — Sun, 27 Dec 2009 23:00:00 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Trip Hop

Etichetta:

Plain Jane Records

Anno:

2002

Link correlati:

Line-Up:

- Nathalie Walker - vocals, guitar, keyboard, production
- Travis Fogelman - programming, sampling, mixing, production
- Stephen Fogelman - programming, sampling, scratching, production

Guests:
- JD Kinder - piano
- DJ Infiniti - scratching
- Daniel DeJesus - cello, violin
- Jim Cameron - additional backing vocals
- Bob Stokes - bass
- Jason Baron - guitars

Tracklist:

1. Broken Bridge
2. Shattered
3. Let Me Speak
4. Absconding
5. Mermaid
6. Sad and Lonely
7. Things Untold
8. Voodoo Games
9. You Won't See Me
10. Sweet Shadows
11. Dust in the Wind (Kansas cover)

Daughter Darling

Sweet Shadows

Gli americani Daughter Darling sono essenzialmente i due produttori Travis e Stephen Fogelman, di stanza a Philadelphia, che partendo da un background lavorativo in ambienti hip hop e drum'n'bass nella prima metà degli anni '90 ad un certo punto reclutano la cantante folk Natalie Walker di Indianapolis per formare un gruppo trip hop col cambio di decennio.
Con questa formazione rilasciano il loro album di debutto, Sweet Shadows, nel 2002. La musica del disco consiste in un trip hop impreziosito dalla voce della Walker (vicina per certi versi a Sarah McLachlan e alla cantautrice Esthero), dolce e malinconica, dagli interventi di pianoforte e soprattutto da inserti acustici combinati al contorno elettronico, mentre le tematiche affrontano la solitudine e il senso di smarrimento in una grande metropoli come quelle americane dove i passanti appaiono più come ombre prive di anime (da cui il titolo).

Seppur occasionalmente facendo il verso allo stile paludoso di Tricky, ad un abbozzo del sampling acido e retrò dei Portishead e alle stratificazioni eteree degli Halou e di certi Lamb, pur comunque con modalità e quantità differenti, la musica dei Daugher Darling rimane principalmente contaminata da un pop malinconico e cantautoriale (molto americano nel mood e negli arrangiamenti) che emerge a più riprese nel corso del full-lenght, come in Shattered che introduce i timidi arpeggi acustici di sfondo al battito downtempo o Let Me Speak che sembra scritta da dei Portishead contaminati da un'immediatezza a la Crustation e macchiati di country. La similitudine in questo caso è nuovamente con Esthero, ma con meno eterogeneità stilistica e con un feeling più delicato ed immediato.

L'elemento del disco che salta per primo al centro dell'attenzione, per la sua melodicità diretta, è però probabilmente il pianoforte che, come cardine degli arrangiamenti o con semplici infiltrazioni che fanno da contraltare a pulsazioni elettroniche, contribuisce non poco ad edificare un'atmosfera evocativa e dolceamara nella sua nostalgia quando compare.
Il fatto che venga introdotto direttamente con l'iniziale Broken Bridge, dove assume un ruolo praticamente di lounge a tinte dark, ne enfatizza il ruolo, nonostante quantitativamente sia molto meno presente dei momenti più acustici e folk.
Il matrimonio fra questi ultimi e la combinazione di battito rallentato/turntablism/elettronica cupa difatti rimane una costante: Things Untold continua a citare i Portishead nell'effettistica e nelle linee vocali vicine al soul, ma immergendoli in una dimensione tutta nuova, mentre Dust in the Wind è una cover dei Kansas riuscitamente convertita al linguaggio trip hop ed arricchita sul finale da pregevoli duetti d'archi sovrastanti lo spedito battito e seguiti da elementi come le percusioni esotiche ed una chitarra classica spagnoleggiante.

Le canzoni più caratterizzate ed interessanti ad ogni modo sono, con tutta probabilità, Mermaid (con flauti, percussioni industriali, strings di riempimento, downtempo che cresce fino ad attimi più upbeat, campionamenti inquietanti), Voodoo Games (ipnotica e fumosa marcia condotta solo dai bassi secchi, dal downtempo robotico, dai filtri vocali e dall'effettistica spettrale) e You Won't See Mee (brano interamente folk che insegue tonalità orientali abbinandole a sporadici archi dal sapore europeo).
La titletrack invece è il pezzo più legato ai canoni del trip hop senza aggiungervi novità di sorta, ma convince lo stesso grazie ad effetti sonori allucinogeni e ad un arrangiamento mesmerizzante. Abbastanza convincente è anche Sad and Lonely, arricchita da spunti jazz seppur penalizzata da un pizzico di ripetitività, mentre la ballata Absconding suona elegante ma un po' scontata nei giri di piano e nei piccoli spunti d'archi.

Se gli elementi che costituiscono Sweet Shadows, presi singolarmente, sono stati già detti, la loro combinazione suona nel suo piccolo piacevolmente fresca e godibile grazie soprattutto all'apporto vocale della Walker e ai fraseggi raffinati inseriti nel songwriting, che pur non nascondendo una certa orecchiabilità più radio-friendly mantiene una propria elegante, introversa e notturna vena atmosferica. Il mood e l'immagine del disco sono per di più dotati di una malinconia quasi neo-gotica che forse di per sè non è originalissima ma contribuisce a dare un sapore abbastanza differenziato al lavoro rispetto agli stereotipi del trip hop.
Mancano giusto un po' più di drammaticità, stemperata dall'immediatezza cantautoriale che permea il disco, ed un po' più di variegatezza, visto che a lungo andare il disco tende a non offrire più molte sorprese man mano che lo si assimila.

Il disco viene inoltre nominato "miglior release del 2003" ai Philly Music Awards.

Attualmente i Daughter Darling sono in sospeso, in attesa di dare loro notizie.

Controlling Crowds - Part IV

admin — Fri, 13 Nov 2009 23:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Post Rock

Trip Hop

Elettronica

Etichetta:

Warner

Anno:

2009

Line-Up:

- Danny Griffiths - sound effects, keyboards, programming
- Darius Keeler - keyboards, choral arrangments, orchestral arrangments, programming, engineering
- Pollard Berrier - vocals, guitar, keyboards, sound effects, choral arrangments, orchestral arrangments
- Dave Pen - vocals, guitar, keyboards
- Maria Q - vocals
- Rosko John - vocals
- Steve Harris - guitar
- Smiley - drums
- Jonathan Noyce - bass, moog bass
- Graham Preskett - choral arrangments, orchestral arrangments, additional piano
- Pete Barraclough - guitar, engineering
- Steve Davis - bass
- Ella Cook - backing vocals
- Eltham Choral Society - choir
- Regional Orchestra of Cannes Provence Alpes Cote d'Azur - orchestra
- Philippe Bender - orchestras artistic director
- Jerome Devoise - engineering

Tracklist:

1. Pills
2. Lines
3. The Empty Bottle
4. Remove
5. Come on Get High
6. Thought Conditioning
7. The Feeling of Losing Everything
8. Blood in Numbers
9. To the End
10. Pictures
11. Lunar Bender

Controlling Crowds - Part IV

Il seguito di Controlling Crowds viene pubblicato dagli Archive dopo sei mesi dall'uscita dell'originale.
Questo breve periodo è stato probabilmente dovuto da due fattori: innanzitutto gli inglesi non se la sentivano di rilasciare in una sola volta un massiccio e probabilmente indigeribile doppio CD che supererebbe le 2 ore di riproduzione (che difatti è stato rilasciato solo in seguito in edizione limitata), ma preferivano separare le cose (e forse c'è stata anche qualche pressione dalla label dietro le quinte); inoltre il nuovo episodo seppur ricco di potenziale ha molta meno organicità del predecessore, fattore che avrebbe potuto minare l'economia del doppio album rendendolo meno efficace.
Difatti Controlling Crowds Part IV suona più disomogeneo, piuttosto che eterogeneo o eclettico, rispetto alle altre tre parti. Fortunatamente ciò non comporta un lavoro sbrodolato, ma alla lunga il divario fra, per esempio, momenti più ottantiani e altri più gospel/elettronici, avendo in mezzo passaggi downtempo ed elementi ereditati dai gruppi post-rock, risulta più sconnesso ed indefinito che negli altri tre capitoli del concept.
Sostanzialmente la Part IV prosegue con naturalezza il discorso del precedente disco ma al contempo gioca a ricongiungerlo con particolari momenti della discografia el gruppo, a riassumere e rivedere, musicalmente, molti stilemi già adottati dal gruppo in passato, a scomporli e a ricomporli, trovandovi così spesso nuove idee (e anzi, a volte si aggiungono novità) ma perdendoci l'equilibrio e la compattezza risultanti trovati con Controlling Crowds, e quindi piazzandosi alle sue spalle.
Diluito e nuovamente ridimensionato il trip hop nel complesso, l'influenza solita dal post-rock è molto forte nei suoi ormai stereotipati climax, e anche occasionalmente con piccoli spunti strumentali di certi gruppi, ma spesso arrivandoci tramite pulsazioni elettroniche, stratificazioni sintetiche e ballate emozionali immerse in trip onirici e spaziali.
Il mood è generalmente disteso e sognante, con i picchi romantici di Noise reinterpretati con gli arrangiamenti malinconici più elaborati di You All Look the Same to Me e le armonizzazioni e gli amalgama stilistici di Controlling Crowds.
Non manca qualche interessante, anche se forse un po' fuori posto, escursione fuori dagli schemi rispetto ai binari principali dell'album.

Si comincia dunque con Pills che catapulta direttamente negli anni '80 con synth notturni, bassi pulsanti, beats incalzanti, atmosfere avvolgenti e la voce suadente di Maria Q che riecheggia per le strade di una viva metropoli illuminate dai lampioni, dai fari delle automobili e dalle insegne luminose dei club; un crocevia fra l'electro-pop e la dance di quel decennio con un più energico electro-rock e le sfumature indietroniche degli attuali Archive, oltre che il consueto crescendo sonoro. Sicuramente una hit molto melodica, ma anche un pezzo dotato di più spessore compositivo e caratterizzazione negli arrangiamenti di quel che la sua intrinseca orecchiabilità sembrerebbe suggerire.
Lines si distacca dagli eighties e gioca di più con effetti sonori stranianti, distorsioni acide e rimescolamenti vari, facendo una summa di diversi momenti della carriera degli Archive: ci sono refrain taglienti a metà fra i bassi allucinogeni di storiche hit come You Make Me Feel e la parte intermedia di Finding It So Hard, la batteria alterna battiti filtrati e sintetici ad attacchi acustici, e poi si intrecciano in sinergia il rap duro di Rosko John e gli effetti acidi di pezzi come Razed to the Ground. Le basi sono in alternanza ora più oniriche, ora più corrosive, queste ultime sono predominanti e presentano anche un accattivante riff che occasionalmente emerge con prepotenza e carisma (ma senza sovraddosaggi). L'elettronica di sfondo dipinge scenari apparentemente tesi da un punto di vista psicologico, ma fra le note emerge anche un'energia più rocciosa e impetuosa.
La lunga The Empty Bottle è una continua progressione sonora soft/loud secondo le consuete influenze dal mondo post-rock, con un susseguirsi di tastiere dolci e atmosferiche a cui si aggiungono beats più dinamici, ma nel climax c'è persino un pizzico di shoegazing nella stratificazione rumoristica (ma sempre melodica), corposamente onirica e dai bassi intermittenti.
Invece Remove, sempre comunque utilizzando come coordinate di base una variante più rarefatta ed elettronica del post-rock come nella precedente canzone, è molto più mesta e meditata in quanto a tonalità, con tastiere rarefatte, hammond malinconici ed un battito rallentato e sintetico a far d'accompagnamento. Il climax è abbastanza prevedibile in ogni caso, con batteria più jazzy, basso dub e apice emotivo.
Riprendiamo suoni più psichedelici (e ripeschiamo alcuni effetti di Collapse/Collide) con Come on Get High, dove l'influenza dei Pink Floyd ed un'attitudine maggiormente ambientale vengono mescolate al trip hop e all'elettronica spaziale di Controlling Crowds. Il finale soprattutto è mesmerizzante e toccante, ma di base permane ancora lo schema orientato verso il crescendo per enfatizzare questi picchi emozionali.
Thought Conditioning è un trip hop liquido, portato avanti dal rap mordace accompagnato dalle tastiere inquiete e dal battito incalzante. Notturna, avvolgente e intrigante, è forse la canzone più convincente fino a questo punto assieme ai due brani iniziali.
La successiva The Feeling of Losing Everything inizia come un duetto fra la voce malinconica di Dave Pen ed un pianoforte in lo-fi che conferisce un tocco retrò al pezzo efficace nel dare un retrogusto dolente al tutto. Verso metà traccia c'è una trasformazione in un elettro-ambient cosmico, denso ed etereo, con tappeti di strings ad accompagnare spruzzi elettronici che ricordano in parte il Vangelis di Blade Runner e i Kraftwerk.
Ma il battito morbido e sintetico di Blood Numbers serve ad introdurre invece suoni più dolci, anche se permane una generale inquietudine di fondo. Complessivamente sembrerebbe un tentativo di mediare fra certi elementi del dubstep, il trip hop ed il post rock, ma i droni rumoristici che emergono ad un certo punto e la progressione ossessiva a ripetersi portano anche oltre lo spessore del pezzo, a cui però mancano la verve tipica del gruppo e l'immediatezza delle altre canzoni.
To the End è una parentesi con un duetto fra le linee vocali tendenzialmente gospel di Pen e il pianoforte, godibile anche se forse un po' troppo sentimentalista.
La successiva Pictures presenta un denso tappeto di tastiere ambient di sottofondo, con strings che raggiungono poi un'esplosione emotiva, d'accompagnamento alla voce mesta ed in contrasto con le frenetiche e quasi ballabili ritmiche. Ricorda alcuni aspetti dei Bark Psychosis, quelli però di Hex.
Infine l'album viene concluso da Lunar Bender, dolce ed etereo viaggio fra space-ambient e le consuete influenze dai gruppi post-rock, con arpeggi delicati, elettronica vellutata e vaste distese celestiali dipinte dalla musica.

Non ci sono picchi particolari che svettino all'interno della discografia per posizionarsi fra le pietre miliari composte dal gruppo, anche se una buona dose di buoni pezzi, godibili e catturanti, ci sono.
La sensazione quindi è che gli Archive abbiano più che altro concluso il discorso intrapreso con Controlling Crowds senza preoccuparsi di eccedere o adagiarsi sugli allori, anche se i capitoli I-III risultano maggiormente riusciti.
Ora vediamo cosa ci serberanno in futuro.

What Sound

admin — Thu, 15 Oct 2009 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Trip Hop

Etichetta:

Mercury

Anno:

2001

Link correlati:

Line-Up:

- Louise Rhodes - voce
- Andy Barlow - composizione, arrangiamenti, programmazione, tastiere, sintetizzatori

Tracklist:

1. What Sound
2. One
3. Sweet
4. I Cry
5. Scratch Bass
6. Heaven
7. Small
8. Gabriel
9. Sweetheart
10. Just Is

Lamb

What Sound

Nel terzo album What Sound i Lamb si distaccano dalla vena privilegiante ritmiche frenetiche (anche con tempi particolari) e giochi vocali, rimpiazzando gran parte degli elementi drum'n'bass e breakbeat con un più sostenuto downtempo, mentre le atmosfere si fanno generalmente più soffuse e ambientali. La voce di Lou Rhodes si adatta a ciò, risultando più malinconica e morbida.
Si tratta del disco più vicino al trip hop del gruppo, che entra praticamente in una sua variante più elettronica e new age. Dalla matrice principale del trip hop i Lamb partono per costruire un sound però molto più evocativo e spesso onirico, non solo in confronto al predecessore, pur non rinunciante ad alcuni momenti più incalzanti. Sono poche le eccezioni a queste coordinate ma si tratta di episodi marginali e poco convincenti.
Se la formula di base del genere non viene aggiornata più di tanto rispetto ai gruppi che influenzano maggiormente il duo per le ritmiche (Sneaker Pimps, Crustation, Moloko, primi Morcheeba), è però il contorno atmosferico e negli arrangiamenti ad assumere una discreta personalità e a distaccarsi da loro, per via del background musicale degli inglesi in particolare dall'eredità stilistica dell'esordio.
Quel che manca è invece un più approfondito lavoro di caratterizzazione nei brani che risultano discontinui e con un potenziale non espresso a fondo. Quest'ultimo fattore avviene principalmente per via del canone stilistico del full-lenght che tende a far coabitare due anime, una più vicina alla chillout ed una che consiste in un'espressione relativamente più sperimentale nei suoni: per cui i momenti più particolareggiati tendono ad essere affievoliti nella propria "profondità" con l'attitudine da ballad sentimentale o da escursione onirica a tutti i costi, anche a costo di risultare un po' monotoni (ma nel suo dipanare tappeti eterei, suoni avvolgenti, sfondi sfumati il disco riesce comunque a mostrare molta eleganza), oppure al contrario sono essi stessi a smorzare la passionalità.
Ciò non significa comunque che i Lamb non abbiano scritto delle canzoni riuscite, piccole perle che risplendono e catturano con giochi compositivi di gran classe, e che vi siano spunti pregevoli nelle soluzioni sonore di volta in volta adottate.

L'iniziale titletrack è inizialmente una ballata di fondali ambient, archi nostalgici e note acustiche, ma l'intermezzo centrale spacca l'armonia catapultando in un'interessante commistione di ritmi secchi e tappeti sonori emozionali.
La successiva One apre le porte al trip hop, con un battito cupo e delicato (accompagnato da piccoli spruzzi breakbeat in sottofondo) a sostegno di un sound elettronico ed onirico.
Sweet invece è una parentesi funk/upbeat, poco incisiva e che stona con il resto dell'album.
Con I Cry abbiamo un trip hop mandato avanti dai ritmi intriganti sui quali poggiano di volta in volta spruzzi elettronici minimalisti, inserti di strings, dualismi vocali (breve inserto di voce maschile accanto a Lou) e crescendo emotivi.
Scratch Bass è l'unico pezzo che ritorna su territori drum'n'bass, ma è monotona e più un esercizio di stile accattivante che altro.
Fra le canzoni migliori del disco c'è Heaven, con percussioni esotiche, bassi dub, tonalità celestiali, refrain di chitarra latineggiante accompagnata da una mesta tastiera in lontananza; mentre Small è più un'interessante escursione elettro-ambient con battito elettronico a scandire un'atmosfera liquida ed onirica come non mai, e anche con esperimenti sonori e alcuni droni, ma senza troppo spessore.
Viene ora la famosa Gabriel, ballata trip hop che raggiunge l'apice emotivo e malinconico dell'album ed è probabilmente la canzone più riuscita di tutte - eccetto per qualche tòpos stilistico un po' prevedibile, come l'orchestrazione che sfocia in un climax comunque emozionante.
Invece la successiva Sweetheart è più sperimentale, con effetti sonori bizzarri, ritmiche martellanti, strings che si infiltrano fra i beats metallici e vocalizzi eterei di sfondo.
Infine Just Is enfatizza l'atmosfera con riempimenti tastieristici, voce da sirena, pianoforti minimali, suoni distorti e campionamenti vari, ma è un po' ripetitiva. C'è anche una ghost track di solo pianoforte dopo una decina di minuti di silenzio.

Si tratta quindi di un album riuscito a metà, con molti spunti interessanti ed alcune canzoni fra le migliori composte dal duo, ma in cui emerge un po' un conflitto nella necessità di coniugare il lato melodico/atmosferico con quello più elettronico e quello più downtempo. C'è anche il potenziale maggiore fino ad ora riscontrato in un disco dei Lamb, purtroppo spesso inespresso proprio per ciò che ci piace paragonare ad una coperta troppo corta: se si tira da una parte, per approfondire un dato elemento, rimane scoperta un'altra, che così risulta appiatita, e il compromesso non sempre permette sufficiente enfasi. Non ancora la definitiva maturità per i Lamb, quindi.