Rock

Truth Or Consequences

Giulio Magliulo — Sun, 06 Mar 2016 10:58:33 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Etichetta:

Autoprod.

Anno:

2015

Line-Up:

Emanuele Venturoli: Basso, Voce

Daniele Incicco: Chitarre, pianoforte, tastiere, cori

Matteo Barbieri: Chitarre, cori

Mattia Manfredi: Batteria, percussioni, cori

Tracklist:

1. In The Mood For A Night Drive

2. Home Is Where The Heart Is

3. Latitude 33

4. Gunners & Citizens

5. Winchester 1873

6. The Rosenholtz Dossier

The Ties And The Lies

Truth Or Consequences

Ascoltate Truth Or Consequences dei bolognesi The Ties And The Lies e la sua esuberanza, la grande energia che trasmette vi inducono subito a pensare che questa band possa misurarsi con realtà ben più ampie rispetto ai soli confini nazionali.
Un potenziale mainstream, diremmo, in grado di rompere quel muro di provincialismo cronico che affligge certe giovani produzioni nostrane.

Però non sono mica i soli, c'è dunque un valore aggiunto?
Si c'è, eccome! Innanzitutto TTATL vanno ben oltre le definizioni di genere che si sono dati, nel senso che se post-punk e new wave potevano essere più indicativi per le emissioni precedenti, sono a nostro avviso fuorvianti per questo lavoro che risente invece di influenze e ispirazioni molto più sanguigne e viscerali, rock, nobili e antiche.

La forza di certe melodie quasi anthemiche, i grandi spazi disegnati dalle chitarre, l'intensa espressività vocale, tutto questo ricorda gente come R.E.M. e Soul Asylum, il paisley underground con la sua America di frontiera, le ambientazioni notturne e desertiche, bar polverosi e storie di vita vera vissute e raccontate con animo alcoolico ma sincero.

Home is where the Heart is o The Rosenholz Dossier, i picchi del disco, ve lo spiegheranno meglio.

Blackstar

Giulio Magliulo — Sun, 17 Jan 2016 19:08:21 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Etichetta:

Columbia/Sony

Anno:

2016

Line-Up:

David Bowie – voce, chitarra acustica, chitarra elettrica
Tony Visconti – archi
James Murphy – percussioni
Ben Monder – chitarra elettrica
Jason Lindner – pianoforte, organo, tastiera
Tim Lefebvre – basso
Mark Guiliana – batteria, percussioni
Donny McCaslin – sassofono, flauto

Tracklist:

-Blackstar

-Tis A Pity She Was A Whore

-Lazarus -Sue (or In A Season Of Crime)

-Girl Loves Me

-Dollar Days

-I Can’t Give Everything Away

David Bowie

Blackstar

Recensire Blackstar consapevoli che Bowie non è più in transito terreno lascia troppo spazio a una fastidiosa sensazione di 'retorico' che comunque ci accolleremo non per atto dovuto ma semplicemente perché Blackstar sarebbe stato il nostro disco del mese a prescindere dagli eventi.

Lasceremo agli esegeti analisi dei testi e congetture da un lato fin troppo facili visto che si parla dell'ultima opera di un artista probabilmente consapevole che questo album sarebbe stato il suo ultimo, dall'altro inutili, poiché cimentarsi nell'interpretazione delle liriche del visionario definitivo della musica moderna è sì operazione intellettuale stimolante ma quantomeno pretenziosa.

Blackstar, dall'inizio ieratico, dalla voce che ricorda una litania alla Scott Walker, con il sax di Donny Mc Caslin che vaga nel buio e un testo che i Mars Volta adoreranno è una marcia funebre cosmica, è una processione notturna, è una coperta dai colori oscuri analoghi a quelli del jazz più spirituale dei sixties.
Il brano dall'enorme portato esoterico vede Bowie dover sostenere il doppio peso dell'attore protagonista e dell'officiante di questo rito il cui livello di sacralità sarà ulteriormente innalzato da Lazarus, altro perno del disco, forse ancor più esplicito nel suo messaggio di liberazione e che sta alla già citata Blackstar come una veglia sta al requiem (una veglia che le radio mainstream nonostante la sua natura ferale e solenne si sentono costrette a passare, diremmo con ghigno provocatorio, quasi fosse un ulteriore regalo di Bowie).

Ci sono poi due episodi non del tutto nuovi, il singolo del 2014 Sue (or In A Season Of Crime), nevrotico cold funk che concludeva anche la compilation (sempre del 2014) Nothing Has Changed e la sua b-side Tis a Pity She Was A Whore, canterburyana entropia di fiati su ritmiche motorik.

Gli altri tre brani restanti sono Girl Loves Me, Dollar Days e I Can't Give Everything Away: andamento enigmatico, quasi marziale e sempre sul punto di implodere il primo, struggente, triste, toccante come solo una ballad bowiana di questo ultimo Bowie può esserlo la seconda e romanticamente, disperatamente luminosa l'ultima.

Ora che Bowie se ne è andato, come tutti i 'differenti' e a differenza dei 'diversi', più che lasciarci qualche cosa è come se ci avesse restituito qualcosa. Ce lo ha riportato indietro da chissà quale abisso, ecco perché era sempre così avanti, molto più avanti del nostro stesso futuro.

Saturns Pattern

Giulio Magliulo — Sun, 04 Oct 2015 17:50:13 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Pop

Rock

Etichetta:

Parlophone

Anno:

2015

Line-Up:

Paul Weller (Basso, Fender Rhodes, Chitarre, Tastiere, Mellotron, Moog, Hammond, Percussioni, Piano, Sintetizzatore, Vocals)

Jan Kybert (Basso, Chitarra, Tastiere, Moog, Programming)

Steve Cradock (Chitarra, Moog)

Andy Crofts (Chitarra, Basso, Tastiere, Mellotron, Moog, Piano, Backing Vocals)

Ben Gordelier (Batteria, Percussioni)

Tom Van Heel (Batteria)

Steve Pilgrim (Backing Vocals)

Steve Brookes (Chitarra Elettrica, Chitarra Slide)

Syd Arthur (Backing Vocals)

Josh Mcclorey (Chitarra Slide)

Amorphous Androgynous (Effetti, Programming)

Raven Bush (Violino)

Liam Magill (Backing Vocals)

Charles Rees (Basso, Percussioni)

Stuart Rowe (Chitarra Elettrica)

Hannah Weller (Backing Vocals)

Bill Wheeler (Chitarra)

Tracklist:

White Sky

Saturns Pattern

Going My Way

Long Time

Pick It Up

I’m Where I Should Be

Phoenix

In The Car…

These City Streets

Paul Weller

Saturns Pattern

Saturns Pattern di Paul Weller non è stato considerato una priorità di cui scrivere da parte di molti media di settore.

Vista la mole di uscite importanti del 2015, non ce la sentiamo di schierarci contro chi ha deciso di non parlarne, ma un plauso convinto va a chi lo ha trattato senza retorica perché un Paul Weller in così splendida forma – uno tra i migliori della sua generazione – con un album così organico e qualitativamente 'alto' può essere solo osannato.

Paul Weller può fare pressochè quel che vuole, e Saturns Pattern lo dimostra ampiamente.

A cominciare dall'opener White Sky, ovvero come far suonare moderno e groovey un pezzo rock sostanzialmente quadrato, riffoso, persino acido con la sua voce filtrata e i suoi assoli.
Allegramente saltellante invece la titletrack, con tanto di organo vox, piano e cori.

C'è poi Long Time, due minuti di rock'n'roll stradaiolo molto loureediano, il lieve funk souleggiante di Pick It Up, lo shuffle Phoenix e una I'm Where I Should Be, esemplare per la genìa inglese a venire.

E ancora In The Car… che annulla la distanza oceanica tra Uk e USA, tra blues 'slidato' ed eleganza british suonando al contempo classica e sperimentale.

Ma è con Going My Way e These City Streets che abbiamo i capolavori del disco: una romantica piano-ballad che si trasforma in incalzante stomp la prima, impareggiabile esempio di soul style – tra le cose più raffinate ascoltate quest'anno – la seconda.

L'unico uomo in grado di portare t-shirt attillate e scarpe bicolor a punta e risultare 'figo' rappresenta indubbiamente ancora un faro per la musica brit tutta.

The Cold Summer of the Dead

Giulio Magliulo — Sun, 14 Dec 2014 07:49:50 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Ambient

Elettronica

Etichetta:

Blinde Proteus/Trovarobato

Anno:

2014

Line-Up:

Paolo Raineri - trumpet, flugelhorn, fx

Michelangelo Vanni - electric guitar, fx

Simone Calderoni - electric bass, fx

Simone Cavina - drums, fx

Tracklist:

In
Days Are Numbered
The Maze
On Canvas
The Quiet Sparkle
As One
Below The Belt
In Circles

Junkfood

The Cold Summer of the Dead

La scelta di dare per titolo alla seconda opera di Junkfood la traduzione dell'ultimo verso della poesia di Pascoli, Novembre (quella sull'estate di S.Martino tratta dalla raccolta Myricae) è già di per sé esercizio eloquente e raffinato.

Un mondo oscuro e labirintico dietro una nitidezza apparente, oltre i colori vividi e forti come le espressioni utilizzate dal quartetto per allontanarsi da queste folate di morte, da queste immagini che nella loro ambigua bellezza potrebbero essere state elaborate anche da un David Lynch.

E se la musica dei Junkfood si presta moltissimo ad un immaginario cinematografico è perché utilizza un formato strumentale in cui convivono jazz, rock ed elettronica senza la necessità di una gerarchia ben precisa e questo permette una grandissima libertà operativa senza però sfociare in soluzioni parossisticamente anarchiche.

Ora veloci e cattivi, ora riflessivi e sospesi, con la chitarra che reiterando ricorda anche cose etniche, simili a sirtaki suonati dai Birthday Party, drones che imitano didgeridoo, il passo funereo di una processione andalusa durante la 'semana santa' guidata da Bill Frisell, jazz impressionista, doom rock, sketch circensi non meno sinistri di quelli dei Coil ed ancora Morricone meets Calexico meets drone 'n' bass in calvari acustico-psichedelici.
Casse che friggono.

C'è tutto questo nel lavoro ultravisionario del quartetto romagnolo prodotto da Tommaso Colliva, tra quelli che resteranno sicuramente impressi tra gli ascolti di quest'anno.

Get Back

Giulio Magliulo — Sat, 22 Nov 2014 19:57:08 +0000

Voto:

8.3 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Etichetta:

Jagjaguwar

Anno:

2014

Line-Up:

Stephen McBean - Guitar, Keyboards, Percussion, Vocals

Daniel Allaire - Drums, Percussion

Rob Barbato - Arp 2600, Bass, Guitar, Piano

Gregg Foreman - Guitar, Wurlitzer

Annie Hardy - Vocals

Steve Kille - Bass

J Mascis - Guitar

Jon Wahl - Saxophone

Randall Dunn - Mixing

Howie Weinberg - Mastering

Tracklist:

01 Ambulance City
0 2 The Second Summer of Love
0 3 Through All the Worry
0 4 Wheels
0 5 Sell Your Soul
0 6 North Hollywood Microwaves
07 Sixteen 
08 New Teenage Mutilation 
09 Shakedown
 10 The Last Dance

Pink Mountaintops

Get Back

Il successo dei Black Mountain è fuori discussione così come le critiche che alla band sono sempre state rivolte, se vogliamo anche fondate, quando si riferiscono al revivalismo tout-court in cui la band in qualche modo ha sempre sguazzato.

Ma se a Stephen Mc Bean piacciono quei suoni, quel periodo e quelle bands, è forse una colpa ricreare più o meno consapevolmente un'epopea? Non sembri eccessiva quest'ultima affermazione, perché con Pontiak, White Hills, Dead Meadow e compagnia bella di questo si tratta. Forse troppo calligrafici rispetto ai compagni citati, ma forse proprio per questo tra i più potenti?

In ogni caso l'uomo di Vancouver non solo stoicamente non demorde, ma procedendo in quell'idea di collettivo aperto tira fuori sempre per Jagjaguwar il quarto atto della serie Pink Mountaintops che – copertina a parte - è semplicemente uno dei più bei dischi rock dell'anno di fronte a cui anche la critica più pigra si è dovuta piegare.

Si parte con il rock n'roll stradaiolo di Ambulance City memore dei '70 più viziosi, gran botta di adrenalina protopunk, citazione bowieana alla maniera di Johnny Thunders, si prosegue con The Second Summer Of Love, eloquente sin dal titolo, forse il brano più conosciuto dell'album, pervaso da una vena beat malinconica, come dei Jefferson Airplane in minore ma comunque energica, ritmata, sostenuta e che invita decisamente alle danze.

Through All The Worry è la resurrezione della scena paisley underground, è Dylan se fosse stato ventenne negli ottanta e c'è anche un assolo inconfondibile che ricorda quello di Mascis quando con i suoi Dinosaur ha rifatto Just Like Heaven dei Cure. Ed infatti è proprio lui, J. Mascis, solo uno dei tanti partecipanti alla comune per questo giro.

L'apertura latineggiante di Wheels, il suo incalzare, nasconde in realtà un brano che non avrebbe affatto sfigurato in un album degli Smiths con quel cantato tra l'appassionato ed il lamentoso.

Sell Your Soul: ancora una perla a cavallo tra settanta ed ottanta, un pò Big Star ma anche un pò Nikki Sudden, un pò glam ed un po' power-pop.
Ma è con North Hollywood Microwaves, sicuramente la traccia più sporca di tutto il catalogo Jagjaguwar, che si osa di più essendo un delizioso schizo-pop alla Ariel Pink in fast mode con sax acidi che si affacciano sbeffeggianti e la voce di Annie Hardy dei Giant Drag che si lancia in uno scioglilingua protorap come dei Bis strafatti di coca.

New Teenage Mutilation riprende gli Stones più pigri mentre Shakedown fa un giro attorno al miglior pop scozzese 80-81 sporcato ancora una volta dalla chitarra di Mascis.

I Pink Mountaintops son stati in grado di prendere il meglio della transizione tra settanta ed ottanta e con una freschezza unica li han messi in questo disco coadiuvati – oltre ai già citati – da Rob Barbato, bassista per i Fall nella seconda metà degli anni '00, Steve Kille dei Dead Meadow, Daniel Allaire dei Brian Jonestown Massacre e Gregg Foreman dei Delta 72.

In cabina di regia invece troviamo Randall Dunn e Howie Weinberg e se tutto ciò non vi dice nulla allora abbiate solo fede: Get Back è l'album che non si crede possa esserci nel 2014, rock and roll da bere tutto d'un fiato.

Lost in the Dream

Giulio Magliulo — Wed, 29 Oct 2014 15:29:27 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Indie Rock

Etichetta:

Secretly Canadian

Anno:

2014

Line-Up:

Adam Granduciel - vocals, guitars, harmonica, keyboards, samplers
Dave Hartley - bass guitar
Robbie Bennett - keyboards, piano
Charlie Hall - drums, percussion

Tracklist:

Under The Pressure

Red Eyes

Suffering

An Ocean In Between The Waves

Disappearing

Eyes To The Wind

The Haunting Idle

Burning

Lost In The Dream

In Reverse

The War on Drugs

Lost in the Dream

Quest'anno non abbiamo un nuovo Kurt Vile da portare ai primi posti delle nostre top ma poco male, ci penserà sicuramente 'l'altra metà del cielo', Adam Granduciel.

Gioco di parole idiota a parte, sembra davvero che i due ex-sodali sopperiscano reciprocamente alle loro vicendevoli mancanze annuali con nostra somma gioia.

E proprio come i dischi di Kurt Vile, anche Lost In The Dream fa fatica a collocarsi in un tempo ben preciso e ci fa girare in tondo, lasciandoci sospesi a mezz'aria mentre le sue melodie trovano un equilibrio tra esili synth wave e piccoli trucchi psichedelici leggeri leggeri.
Soffice ed etereo, Lost In The Dream è supportato da un cantato che sarebbe stato bene tanto agli ottanta quanto ai novanta alternativi. E nel giro sono inclusi anche momenti di romanticismo ipnotico in cui The War On Drugs ci portano a rimirare i luccichii delle maree.

Poi c'è l'altra anima dell'album, quella che innesca una carica blue-collar rock, un'energia immensa e potente che non ha bisogno di urla o di volumi grossi, di accendini e di stadi. Come danzare da soli nel buio di una stanza e sentirsi pienamente illuminati.
Un promemoria, se si vuole, di appuntamenti mancati o forse solo rimandati con tutti quegli artisti americani di area urban-folk con cui non abbiamo mai avuto il piacere o la fortuna o la voglia o il tempo di imbatterci.

E come in uno strano gioco di specchi deformanti, li ritroviamo tutti qui dentro, in un disco in cui anche nella più semplice delle ballad che potrebbe rimandare a certe cose dei migliori Girls, pur di assecondare la voglia di non cercare riferimenti ed escludere ogni sospetto di compiacenza, si preferisce utilizzare suoni più impegnativi ed asprigni pur lasciando sempre quel tappeto onirico sotto i piedi.

Burning, In Reverse, Under The Pressure, Red Eyes, An Ocean In Between The Waves, The Haunting Idle .. sono solo alcune delle tracce che avrebbero potuto benissimo chiamarsi magia n.1, magia n.2..ecc.

L'assoluta liquidità di quest'album se da un lato gli impedisce di contenere una vera hit in grado di raggiungere vette più alte in termini di riconoscimenti, dall'altro è la caratteristica che lo rende alle nostre orecchie uno dei capolavori di questo 2014, che ci permette di ascoltarlo più e più volte, anche a dispetto della lunghezza dei singoli brani, mai eccessiva ma neanche così breve come i nostri tempi - appunto liquidi - richiedono.

Coming Out of the Fog

Giulio Magliulo — Thu, 15 Aug 2013 14:22:02 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Etichetta:

Thrill Jockey

Anno:

2013

Tracklist:

The Long Night
Renouncer
The Promise
Oceans Don’t Sing
All At Once, The Turning Weather
World Split Open
Easter Island
Coming Out of the Fog

Arbouretum

Coming Out of the Fog

Servirebbe un bamboccione rock (un amico, un fratello maggiore, un collega … tutti ne conosciamo uno) per spiegarci i segreti degli Arbouretum.

Del banco di prova del fatidico ‘terzo album’, quella soglia spaventosa dalla quale comincia una fase di ineluttabili critiche, - con loro - ce ne siamo dimenticati. Già questo non è da tutti. Oltre al mero dato cronologico, chi insomma ha fatto dietrologie sul penultimo The Gathering? Non certo io che lo ho messo senza vergogna alcuna addirittura all’ottavo posto della mia chart ufficiale del 2011. Gli Arbouretum dunque come negli anni settanta, in cui certi bilanci si tiravano verso il sesto, settimo album?

Oggi che le bands si sciolgono dopo due albums o in eccesso contrario ne fanno otto in cinque anni e neanche è cosa bella starci dietro, gli Arbouretum sembrano un po’ il mistero buffo del rock e questo è ancor più vero se consideriamo che negli Arbouretum c’è del manierismo. Non so quantificarlo bene ma questa cura, questa attenzione estrema alla produzione, questo non distinguere un album dall’altro cela una certa dose di manierismo. Normalmente solo una parvenza di tale ombra, di tale ‘vizio’ mi farebbe disinteressare alla questione dopo un unico ascolto. Ed invece gli Arbouretum ti drogano e non ci si può fare nulla se non arrendersi dolcemente.

Cosa ci direbbe dunque il bamboccione di cui prima? Probabilmente che gli Arbouretum rappresentano oggi ciò che nell’Era dell’Acquario veniva rappresentato da Crosby Still & Nash o da The Band; e vi dirò: non ha affatto torto. Ma questa è solo una delle intuizioni – per quanto corretta – che si può avere sulla band di Baltimora. L’altra fondamentale – altrettanto evidente ma che il bamboccione ignora bellamente è quella massa radiofonica popolare – sempre di derivazione passatista - in cui gli Arbouretum affondano i loro denti. Basterebbe esaminare le cover eseguite dalla formazione nel tempo per giungere a questa conclusione. Ma allora di questo quinto album degli Arbouretum non resta null’altro da dire? Niente affatto! Il risultato raggiunto alle orecchie di chi scrive è anzi proprio da ricercare in quell’immedesimazione totale in quella ‘massa’ di cui si diceva poc’anzi e dalla quale act fondamentali del moderno suono americano hanno tratto la loro forza creativa. Due nomi su tutti: Bonnie Prince Billy e Wilco.

Ora che abbiamo delineato l’ieri e l’oggi ponendolo su un continuum temporale assolutamente circolare, cosa resta fuori? Si certo, i discorsi sull’hard, sullo psych, sullo stoner e sul folk. Ma vogliamo rassicurare i bamboccioni ribadendo che nell’economia dell’Arbouretum-sound non è cambiato nulla, anzi, il loro punto deboluccio, quello legato allo spazio jam dilatabile è decisamente migliorato, contenendo quelle code e cromandole a puntino, tutto con ineffabile gusto e senso della misura. Vengono fuori dalle nebbie ancora lindi e pinti gli Arbouretum e ascoltandoli ci sentiamo un po’ tutti bamboccioni rock.

Psychedelic Pill

Giulio Magliulo — Thu, 08 Nov 2012 10:42:10 +0000

Voto:

7.7 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Etichetta:

Reprise

Anno:

2012

Line-Up:

Neil Young: Guitar, Strings, Vocals, Whistle

Ralph Molina: drums, vocals

Frank "Poncho" Sampedro: guitar, vocals

Billy Talbot: bass, vocals

Tracklist:

Disc 1
Driftin' Back
Psychedelic Pill
Ramada Inn
Born In Ontario

Disc 2
Twisted Road
She's Always Dancing
For The Love Of Man
Walk Like A Giant
Psychedelic Pill (alt mix)

Neil Young & Crazy Horse

Psychedelic Pill

E’ quasi impossibile contare le generazioni ‘rock’ in qualche modo influenzate da Neil Young. A parte quelle più dichiaratamente ispirate al ‘maestro’ come quella grunge ‘Pearl Jam oriented’ (che tra l’altro è stata anche quella più distaccata dai formalismi younghiani) o quella ‘paisley’, in quest’ultimo album si sente forte come siano stati in qualche modo plasmati personaggi anche noi più vicini come Jason Molina sia nelle sue malinconie Songs:Ohia che in pieno tiro Magnolia Electric Co.

Questo solo per dire quanto questa ingombrante e mitica figura nei nostri impianti stereo in qualche modo sia sempre stata presente ed in questo Neil Young – ed ancor di più quando è insieme ai Crazy Horse – rappresenta un vero paradosso temporale.

Psychedelic Pill in sé non presenta assolutamente nulla di nuovo o di inesplorato nella grammatica younghiana e lo slancio epico è quello di sempre: stando a questi meri dati, nessuno dovrebbe strapparsi i capelli per questa release.

Ma dire ‘..come se il tempo non contasse nulla..’ significa soltanto che quello che piace o che si ama, piacerà e si amerà per sempre. Vero (forse), ma nel caso di Neil Young c’è una chiave di lettura più profonda. Nell’era facebookiana il ‘mi piace’ diventa solo un’ indistinta e superficiale manifestazione di adesione a qualcuno o qualcosa e la componente irrazionale ed emotiva che muove verso questo ‘piacere’ non viene analizzata.

Il fatto è che dopo l’analisi logica o la somma delle parti, si arriva ad una conclusione scoraggiante per gli uomini di scienza ma esaltante per quelli di fede: quella voce e quelle chitarre lamentose agiscono ad un livello psichico che va ben oltre valutazioni di natura estetica, del gusto per quello stile e per quelle infatuazioni epidermiche che nel corso del tempo si sono trasformate in passione.

E cosa resta ad ‘agire’ oltre la razionalità? Beh, ci sono tanti elementi quali il culto, l’ipnosi, gli effetti neurologici delle droghe, cose i cui collegamenti tra di esse non sono sempre ben evidenti, ma di certo alcune conseguenze agli ascolti di un ‘classico’ di Neil Young (perché Psichedelic Pill in futuro rientrerà tra i classici del canadese e non tutti i dischi di Neil Young sono così poiché lui – a volte anche con grande ironia - si è lanciato pure in operazioni sperimentali discutibili) rientrano in categorie affini. Per questi motivi un disco così non si può spiegare e come dicono tutti i grandi teologi, ‘affidatevi al mistero’ senza cercare a tutti i costi risposte (anche perché alla fine dell’ascolto scompariranno anche le eventuali domande).

E’ probabile e giusto che a questo punto siate ancora scettici, però intanto i ventisette minuti e passa di Driftin’ Back sono scivolati via senza dolore (e di questi tempi già un brano di sei minuti fa soffrire non poco) mentre passavate in rassegna le vostre vite passate, screziandole di flashback west coast, di acustiche che muoiono in tramonti rosso fuoco, di gentili distorsioni dorate, dei ricordi infiniti dei mille viaggi e di tutta quella roba lì che vanno dall’ ‘on the road’ al ‘sogno americano’ (dire quello canadese sarebbe stato piuttosto ridicolo, converrete), basata sempre sugli stessi miti archetipici poiché valgono sia che siate di Winnipeg che di Liscia di Vacca.

La Psychedelic Pill a ben vedere è anche poco psichedelica, cioè l’aggettivo resta valido poichè intrinseco in quanto detto finora, non certo per le qualità formali che il termine oggi suggerirebbe. Insomma non è l’uso esagerato del flanger che ci farà vedere i dragoni (ma una certa ironia bislacca del nostro forse si).

Ramada Inn (come Driftin’ Back, 16 minuti) è solo un’ulteriore dimostrazione di come la fabbrica dei sogni sia sempre stata aperta come le frontiere (del rock e mentali) di Born In Ontario (per le future elezioni federali canadesi il primo ministro potrebbe usarla come fa Obama con il ‘boss’ anche se presumo lassù siano più seri).

Comunque non tutti i brani sono lunghissimi ed anche nel breve spazio alt-country (termine qui più che legittimato) di Twisted Road e nell’elegiaca For The Love Of Man si ritrovano intatte materia e rigeneratrice ‘sostanza’ younghiana, tanto ci sarà poi Walk Like A Giant a chiudere il cerchio infinito con quell’idea di jam dilatata, di calore riverberato, con quel fischio dolce ed ossessivo che ci accompagnerà per giorni e giorni in un ‘discorso del rock e sul rock’, in un ‘continuum’ che con le produzioni odierne a volte sembra interrotto.

Later

Giulio Magliulo — Mon, 10 Oct 2011 19:08:29 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Cantautorato

Folk Rock

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2011

Line-Up:

Guy Littell (Gaetano Di Sarno) - chitarra acustica, voce

Ferdinando Farro - chitarra elettrica, basso,synth, piano

Antonio Marino - batteria

Flora Faglia - violino

Tracklist:

1. TIRED OF TELLIN'

2. WITHIN

3. THE NIGHTMARE CAME

4. NEEDED THAT CALL

5. KILL THE WINTER

6. BLACK WATER

7. SMALL AMERICAN TOWN

8. A GIFTED SUMMER

9. WHAT A WAR (FOR MY SOUL)

10. BEST THING EVER

Guy Littell

Later

Dopo l'e.p. The Low Light And The Kitchen del 2009 ritorna Guy Littell con questo primo album, Later, anch'esso rigorosamente autoprodotto in collaborazione con Ferdinando Farro (mente del progetto alt-blues Maybe I'm).

Later, bisogna precisarlo, nonostante le premesse necessariamente 'underground' in cui nasce e si sviluppa, non è figlio di una generica estetica lo-fi come si potrebbe facilmente immaginare: il concept del songwriting di stampo americano che Guy Littell trasmette è di ben ampio respiro.

Se nel precedente e.p. il nostro celebrava le sue influenze 'di base' con delicati bozzetti che attingevano ad un cantautorato maturo ma contaminato da nobili screziature di pop britannico, ora i riferimenti che si scorgono sono ancora più importanti sebbene nascosti nelle memorie collettive del rock. E sembra che non sia lui a cercarli ma che essi si presentino spontaneamente e miracolosamente visto il modo in cui egli li accoglie e li fa suoi, vista la apparente semplicità della sua scrittura e la fluidità delle composizioni.

La sua voce poi sceglie spesso l'unico tono in cui è possibile raccontare le cose dell'anima, quelle che escono graffiate e sabbiose dopo esser state trattenute a forza in gola; quello basso quindi,fatto di colori scuri anche se - rispetto al passato - ora sembra sapersi anche distendere verso la luce. Resta comunque a sorreggerla un'emotività fragile che si rispecchia anche nei testi, pensieri incompiuti, circolari, spesso solo parole che affiorano e alludono ad un mondo interiore che potrebbe essere stato, o che forse potrebbe ancora essere.

La bellezza che informa questo lavoro è tutta in questi stati d'animo.

L’iniziale Tired of Tellin' procede su un impianto voce/chitarra acustica che era già fondamenta dell'e.p. precedente e che si arricchisce man mano del prezioso supporto degli altri componenti dei Maybe I'm al piano e alla batteria; tutti gli strumenti suonati nell'album provengono da elementi di quella formazione che si è adeguata al songwriting di Guy Littell regalandogli preziosi arrangiamenti (per i quali non si finirà mai di ringraziare Ferdinando Farro) come quelli relativi alle volute di chitarra elettrica urbane e aspre che si avvicinano ad una sensibilità 'moderna' alla Kurt Vile.

Within suggerisce che sarebbe sbagliato pensare solo a Mark Lanegan ascoltando la voce di Guy Littell poichè nel solco profondo in cui affonda la passione del nostro, si diramano rivoli di storia musicale statunitense in cui è possibile incontrare l'intimismo dei Lambchop come l'Eddie Vedder solista più ‘incontaminato’. E’ uno dei punti più alti del disco, impensabile per un primo full-length, allo stesso modo della dolcemente ondivaga The Nightmare Came.

La quarta traccia, Needed That Call ci presenta un Guy Littell tutto in elettrico e questa è una novità che stravolge la struttura delle sue composizioni. Oltre ai Replacements di Paul Westerberg (spesso citato quando si scrive di Guy Littell) qui c'è tutta l'energia grezza, selvatica e insofferente dei Wipers ma al contempo anche l’urgenza pop degli Urge Overkill di Saturation di cui il brano sembra un outtrack: archetipo inconsapevole di inno ‘indie’, di college rock.

E proprio come in quel grande album degli anni novanta che a grandi apertura elettriche seguivano semi-ballads barocchissime, qui segue Kill The Winter, altri due minuti e mezzo in cui si dimostra come la linea di demarcazione tra ciò che potrebbe essere mainstream e ciò che non lo è, resti solo una questione per analisti di mercato.

In Black Water sì che c’è qualcosa di laneganiano, ma il passo sofferto è quello dei Sophia di Ben Sheperd. E’ un funerale in un giorno di sole e la cadenza dettata dalle percussioni non distoglie dal percorso di speranza indicato dalle code di elettrica.

Small American Town è la poesia della grande provincia; immagini sgranate in bianco e nero di teenagers seduti su scalini che pensano ad Alex Chilton e Big Star mentre fuori impazza il punk; le loro canzoni in un universo parallelo avrebbero dovuto incendiare gli stadi mentre non è avvenuto niente di tutto questo; sarebbero stati titani rispetto al piattume indie degli attuali ‘giovani’ e questo Guy Littell lo sa e rende giustizia a tutta una generazione di beautiful losers. Epica!

E’ invece una stramba intro giocattolo di pop-psichedelico a introdurre A Gifted Summer e ci ricorda i Beatles e Robyn Hitchcok. Le antiche passioni british del nostro affiorano e la voce sembra sul punto di spezzarsi. Ma non si spezza e in What a War For My Soul diventa ancora più potente ed oscura come nei migliori Editors.

Best Thing Ever che rispetto a tutto l’album può sembrare più leggera, vuole in realtà proprio diffondere un senso di positività grazie al suo essere corale: qual miglior chiusa con dei violini asciutti a mettere qui il punto?

Contemplare decadi diverse di rock nella musica di Guy Littell non è una forzatura, è una necessità. Come avvenga questo processo è un segreto che solo lui conosce, a noi è concesso solo di ascoltare le sue rivelazioni.

Rojo

Gabriele Bartolini — Mon, 12 Sep 2011 15:06:34 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Rock

Cantautorato

Etichetta:

La Tempesta

Anno:

2011

Line-Up:

-Giorgio Canali - voce e chitarra
-Marco Greco - chitarra
-Luca Martelli - batteria
-Giovanni Fanelli - basso
-Steve Dal Col - chitarra

Tracklist:

01. Regola #1
02. Ci sarà
03. La tempesta (feat. Angela Baraldi)
04. Carmagnola #3
05. Controvento
06. Morire di noja
07. Treno di mezzanotte
08. Sai dove
09. Un crepuscolo qualunque
10. Risoluzione strategica #6
11. Orfani dei cieli

Giorgio Canali & Rossofuoco

Rojo

Un Giorgio Canali esagerato. Ma anche incazzato, stufato, poetico e romantico. Apocalittico. Lasciata a casa l' ira che per quattro anni l' aveva inibito ( "Che posso farci se mi guardo intorno e l'unica cosa che mi viene da scrivere è "porcodìo"?", aveva recentemente dichiarato) e costretto a "rallentare" il proprio percorso con Nostra Signora della Dinamite, l' uscita più introspettiva ed intimista del Nostro, riesce abilmente a ripercorrere il solco di Tutti Contro Tutti con Rojo, tornando a suonare rock 'n' roll ed amplificando le sue gesta con quello che è il suo miglior lavoro inciso con i Rossofuoco. Da segnalare nuovi cambiamenti nella band che ormai ha supportato tutta la sua carriera solista, con il nuovo innesto di Steve Dal Col ( ex chitarrista dei Frigidaire Tango) e l' uscita forse temporanea di Claude Saut a favore di Giovanni Fanelli al basso, ma la novità decisiva rispetto al precedente capitolo è il ritorno della viscerale inquietudine e della rabbia vomitevole di Giorgio Canali che senza bisogno di conferme lo avrà accompagnato in questi tempi bui riducendolo sull' orlo di una crisi di nervi.

Parole che qui scorrono incredibilmente naturali, mai banali e non per forza ricercate ma soprattutto accese da un sentimento umano che arde ancora, sebbene nascosto dai falsi valori di cui oggi ci cibiamo. Una copertina sfuocata, quasi oscurata anch' essa dai fumogeni: Giorgio Canali vede rosso, ed incita alla rivoluzione, consapevole che non si torna più indietro ma anche che l' affare italiano è, al momento, insostenibile. Non si tratta, sebbene i colori possano ingannare, però di una rivolta faziosa per difendere i propri interessi, ma bensì dell' ultimo irresistibile tentativo di rispedire a casa questa realtà di fantasia fatta dei soliti miliardari al potere, dei fantocci che provvedono ad aggradarli e delle mille altre maschere che negli ultimi anni hanno avuto il merito di far smarrire quell' etica comportamentale capace di distinguerci dalle bestie. Un attacco in piena regola alla Versailles del nostro Luigi XVI con in testa la democrazia incarnata nella carmagnola per dimostrare che si può ancora amare, ridere, scherzare, odiare, divertire, annoiare... Insomma, chiarire per l' ennesima volta che nessuno, qua sotto, vuole sopperire con un senso di apatia ai falsi insegnamenti che da lassù ci stanno fornendo. In particolare, Giorgio Canali rispolvera il termine libertà per usarlo sapientemente sulla popolazione media, abbindolata dai giornali e dalle televisioni, questi ultimi giudicati colpevoli a tutti gli effetti delle vergognose pratiche di ipnosi effettuate con reality e surrogati vari.

E se per quanto riguarda i contenuti Rojo si antepone come un' opera di denuncia irrinunciabile se pensiamo a quanto sta accadendo oggi in Italia, altresì dal punto di vista della musica il lavoro ha il pregio di non ibernarsi in quei precisi stilemi degli ultimi dischi, che prevedevano l' alternarsi di mood talvolta aggressivi talvolta tediosi e narcolettici, ma, semmai, è proprio per la caratura delle melodie che va senza alcun limite considerato come il migliore dei Giorgio Canali & Rossofuoco. Mai come adesso infatti le sonorità si dimostrano incendiarie, vive e taglienti: per le sue trame intrise di nervosismo, Rojo è più vicino di quanto si possa credere all' esordio Che Fine Ha Fatto Lazlotòz, sebbene questo contenesse i compendi tipici del post-rock collegabili alle due personalità di spicco che il panorama degli anni '90 ci riservava, ovvero Emidio Clementi ed Umberto Palazzo. Proprio come i Massimo Volume di Cattive Abitudifni, i Giorgio Canali & Rossofuoco si vedono costretti ad affrontare il problema di collaudare elementi vecchi con elementi nuovi, ed anche questa volta l' alternanza paga eccome: il suono, letteralmente, scorre fluido e denso, perfetto nei cambi armonici quanto tagliente nelle staffilate polemiche. Oltre a questo, c'è una nuova forma di perfezionismo in fase di produzione e mixaggio che invade un pò tutte le tracce da cui ne escono rinforzate il basso e la chitarra, tanto da far pregustare con vere e proprie scariche sonore quella che si prospetta essere un' eccitante dimensione live.

Fin dalla prima traccia, impossibile prendere una posizione a metà: da dentro o fuori, così potremo riassumere la musica di Giorgio Canali. Regola #1 è un input terrificante: tanta verità condensata in un solo brano mi era attualmente ignota, ma questa sorta di talking-over serrato e teso può già considerarsi come un vero e proprio tentativo di purificazione da troppa ipocrisia accumulata. Carmagnola #3 è molto probabilmente la canzone che ha dato il via alla stesura delle altre tracce, un inno cattivo ed acido dai toni febbricitanti per cercare di tramutare in realtà LA rivoluzione che fino ad adesso abbiamo solo sognato: in definitva, il vero pezzo di Giorgio Canali. E se Morire di Noja macina riff a profusione inseguendo a mille all' ora la voglia irrefrenabile di riottenere la libertà di scelta ( curioso poi osservare come le parole "crolla", "brucia", "balla" fortifichino il senso figurativo tra uomo ed inferno), Sai Dove azzera in un sol colpo i tanto decantati esordi di Vasco ( Rossi) con un testo abbacinante sensibilmente e sfacciatamente romantico nelle sue volgarità sparate in particolare alla Chiesa, un punto fisso del Canali pensiero. Si chiude il ciclo di brani a tema politico con Risoluzione Strategica #6, lucida critica al singolo cittadino colpevole di essersi prima schiavizzato da solo provocando il ritorno del medioevo, per poi aver cercato una sorta di timida guerra civile ( "Dovevate scegliarvi quando era ora [...] Dovevate svegliarvi quando il fuoco era acceso"), il tutto su una base musicale hard-rock che ricorda i Litfiba, con cui lo stesso Giorgio ha collaborato successivamente all' esperienza CCCP e precedentemente ai CSI, oppure somigliante anche all' ardore Noir Désir. Per ultimo, ma non per questo meno importante, arriva il lato sentimentale della faccenda, una serie di brani che, interrompendo i ritmi ossessivi, si prodigano in una serie di evoluzioni poetiche tutte da seguire. Ci Sarà viene cosparsa da armoniche dylaniane per dare espressione ad un ritmo infernale che intende evocare uno sfrenato messaggio di speranza, mentre La Solita Tempesa, cantata insieme ad Angela Baraldi - Già presente con lui nel tour di tributo ai Joy Division - Rivela un lato cantautoriale di spessa fattura, con quest' ultima ben adagiata nel ruolo da Paola Turci affidatogli. Controvento e Treno di Mezzanotte, più di dieci minuti in totale, tra distorsioni - la prima - e scariche subito sopite - la seconda - aprono la scena alle vite comuni, velate da un retrogusto metropolitano fumoso ed inquieto. A chiudere la sequenza di undici brani arrivano Un Crepuscolo Qualunque, suonata con un tiro da wavers incalliti, e Orfani dei Cieli, che ricorda al suo figlioccio Vasco ( Brondi) quanta esperienza ancora debba acquisire per provare a stregare con un outro del genere.

Nuove melodie, nuovi testi. Giorgio Canali si ripresenta al pubblico visibilmente ringiovanito e forte. Più che il suo aspetto, Rojo ne è la dimostrazione: un disco che rispecchia in sè e per sè le tematiche già affrontate, ma che a differenza degli altri episodi risulta incontrollabile nella musica, capace di inondare con scheggie sonore la vostra stanza. Una evoluzione a tutto tondo per un artista che sembrava già aver trovato dei precisi canoni per i propri brani, ma che adesso si ritrova incredibilmente l' unico interprete a parlare dei valori per cui dovremo combattere e di altri per cui dovremo, semplicemente, indignarci. Indispensabile.

Alonetogether

Giulio Magliulo — Wed, 23 Nov 2016 05:13:28 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Cantautorato

Folk Rock

Etichetta:

Dotto

Anno:

2016

Line-Up:

Michele Sarda: voice, guitars, bass
Enrico Viarengo: guitars on #1 and #5, vocals on #1, #3, #4, #10, synth on #3
Ulisse Moretti: drums on #6, melodica on #5
Loris Spanu: self-built Theremin on #8
Roberto Necco: banjo on #10

Tracklist:

	1.	Ask the stars 04:05
	2.	Better than yesterday, worse than tomorrow 04:10
	3.	November 04:06
	4.	Stranded 02:45
	5.	Christmas eve lonesome bitterness blues 05:41
	6.	Outcast manifesto 01:49
	7.	You & I 03:09
	8.	Girl interrupted 02:00
	9.	One for the missing 03:08
	10.	Scenes from a wedding 03:11
	11.	Winterlight 01:37

Neverwhere

Alonetogether

Capita che a cantare in inglese in Italia - al di là dell'ovvia barriera linguistica - si rischia di essere poco credibili quando è una sensazione di debolezza del progetto artistico a prevalere.
Questo è meno evidente nelle formazioni rock o elettroniche, ma quando ci si mette a nudo come nel cantautorato acustico è più facile che possa succedere.
Insieme a Guy Littell e ai Pristine Moods ora c'è anche Neverwehere ad ambire alle sedie di quelli che invece lo fanno bene.
Neverwhere, nome d'arte di Michele Sarda (bassista dei New Adventures in Lo-Fi e chitarrista degli American Splendor) in questo debutto solista contempla davvero tutte le migliori influenze di 'genere' degli ultimi trent'anni, riuscendo a prendere perfino quel poco di buono che c'era nel New Acoustic Movement di metà anni novanta, unendolo alla levità di certo cantautorato folk di matrice nordeuropea anni zero e andando ancora più indietro, a ripescare la scena intimista di personaggi e formazioni mitiche quali Mark Eitzel o Spain.
Qualche scossa elettrica è mutuata invece dai Replacements che insieme ai riverberi dei R.E.M.chiudono il cerchio.
November e Ask The Stars le tracce che rappresentano al meglio il talento di Neverwhere e le gioie nascoste di un disco come Alonetogether, ascolto ideale per la stagione che stiamo vivendo e per quella che verrà.

Voodoo Songs

Giulio Magliulo — Tue, 03 May 2016 20:02:43 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Etichetta:

Blackhousexp

Anno:

2016

Line-Up:

Sabo/drum
Nico/bass
Qut/guitar-voice

Tracklist:

Flashin' Light
Bomb The Hill
I'm The King
Pretty Thing

Babyscreamers

Voodoo Songs

Copertina e titoli non ingannano, questo è rock and roll.

Vizioso alla Iggy and The Stooges periodo Search and Destroy filtrato dal boogie sensuale degli Stones rintanati in Costa Azzurra, arrogante come quello garage eighties di Cramps e Fuzztones e come quello delle contorsioni della John Spencer Blues Explosion che rilegge i Lone Wolves.
Ma anche quello delle chitarre tremolanti di Link Protrudi che ci butta dentro delle manciate di paisley underground.

Indubbiamente tutto molto bello, ma se ci fosse quel pizzico di sporcizia in più suonerebbe ancora più vero, e la cosa per il trio anconetano non dovrebbe risultare difficile poiché i suoni marci e più appropriati del debut album omonimo sono lì a testimoniarlo.

Skeleton Tree

Giulio Magliulo — Sat, 10 Oct 2015 17:34:42 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Cantautorato

Etichetta:

Bad Seeds ltd

Anno:

2016

Line-Up:

Nick Cave - Voce, Piano, Piano Elettrico, Sintetizzatore, Vibrafono, Cori

Warren Ellis - Sintetizzatore, Loops, Piano Elettrico, Piano, Chitarra,Violino, Viola, Batteria, Loops, Cori

Thomas Wydler - Batteria

Martyn P. Casey - Basso

Jim Sclavunos - Percussioni, Vibrafono, Campane Tubolari, Cori

George Vjestica - Chitarra acustica, Cori

Else Torp - Voce in Distant Sky

Joe Giddey - Violoncello

Charlotte Glasson - Viola

Ellie Wyatt - Violino

Tracklist:

Jesus Alone
Rings Of Saturn
Girl In Amber
Magneto
Anthrocene
I Need You
Distant Sky
Skeleton Tree

Nick Cave and The Bad Seeds

Skeleton Tree

Grandi aspettative per il nuovo disco di Nick Cave & The Bad Seeds ma anche sentimenti contrastanti che albergano nel cuore degli ascoltatori consapevoli della tragedia che ha vissuto l'artista durante la sua lavorazione.
Chi segue e ama Nick Cave è avvezzo ad ascoltare sia storie nere e scabre, sia preghiere luminose e angeliche, in ogni caso sempre ben costruite grazie al rapporto speciale che il cantante australiano ha sempre avuto con le parole.
Le parole raccontano i fatti del mondo, li ricordano, li circoscrivono. Ma delle parole bisogna anche aver paura perchè possono essere rivelatrici e Nick Cave ha sempre saputo tenerle a bada e ammaestrarle, piegarle e renderle funzionali al suo universo sonoro e letterario.

Con Skeleton Tree assistiamo forse per la prima volta ad una liberazione totale della parola. Nick Cave non si trattiene più semplicemente perchè non può più farlo, deve andare oltre l'esercizio. Certi traumi possono così cambiare la vita al punto da far rinunciare all'idea che una storia possa racchiudere una verità. Non c'è più nessuna storia da raccontare, sarebbe un inganno il provare a farlo. Nick Cave non cerca più di tirarle fuori dalla penna quelle parole, ma dal cuore addolorato e dalle immagini che esso gli propone.

Ecco perché qui dentro riecheggiano frasi come“..voglia di lasciarsi andare..”, “..che il mondo continui pure a girare..”, “..tutte le cose che amiamo le perdiamo..” e “..torna a casa..”.
Ecco perché questo disco è mesmerico, sembra avanzare tra una coltre di fumo, tortura la memoria ma a tratti l'annulla, è apparentemente immobile ma colmo di una tensione sempre trattenuta e – forse superfluo dirlo – tra i più strazianti e visionari dell'intera discografia dell'australiano e dei suoi semi cattivi, empatici nell'assecondare gli umori dell'opera e nel coglierne i tratti salienti, con il barbuto capitano Warren Ellis che è ormai un alter-ego di Cave nella produzione.

Skeleton Tree è l'ultimo album di Nick Cave & The Bad Seeds ed il primo dopo la morte di Arthur Cave, quello che brutalmente rivela che nulla potrà essere più come prima; è lo stesso che però suggerisce anche di essere felici e continuare ad amare chi resta, foss'anche solo per vendetta nei confronti delle divinità bugiarde e del tempo crudele che come un elastico ci scaglia sempre indietro inchiodando ciascuno alla propria croce.

Demo

Giulio Magliulo — Wed, 24 Jun 2015 08:44:24 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Alternative Rock

Etichetta:

(Autoprod.)

Anno:

2015

Line-Up:

Gianfranco Maselli
Giorgio Cuscito
Antonio Jacovazzi

Tracklist:

Don't Care

Trees

From Above

Flow!

Demo

Son solo tre i brani che i Flow! presentano nel loro primo demo autoprodotto.
Tre ventenni dalla provincia di Bari che per essere al debutto denotano un notevole approccio melodico post-grunge, un attento ascolto di Jeff Buckley e la capacità di aggiungere delicati ghirigori post-rock in una cornice che ambisce però ad essere appesa nei saloni più splendenti di quell'ossimoro ormai realtà dell'alternative mainstream.

Don't Care, situata a metà tra gli Audioslave e My Sweetheart The Drunk (non è poco..); Trees, noiosetta nel suo garbato languore adolescenziale; From Above, rapita da seduzioni wave con retrogusto Editors o limitrofi, cantato e basso molto espressivi, sicuramente la più interessante.

Un pizzico di incoscienza ed emotività in più forse non avrebbe guastato, ma queste poche canzoni dicono molto dei Flow!, abbastanza da lasciarci incuriositi dai possibili sviluppi sulla lunga distanza.

#1

Giulio Magliulo — Sat, 16 Aug 2014 06:20:09 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Grunge

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2014

Line-Up:

Antonio Capra - Voce e chitarra

Paolo Russo - Chitarra

Giacomo Ferrari - Piano e tastiere

Alberto Casartelli - Basso

Riccardo Monzeglio - Batteria

Tracklist:

1. Wake Up

2. City Lights

3. New Order

4. Are You Ready

5. Silence

6. When You'll Be Gone

7. It's Winter

8. Falling Skies

9. Collapse

10. Fast Food

11. I Can't Wait

12. Turn On The Sun

13. With You Tonight

Stereocut

#1

Anche Above dei Mad Season cominciava con un brano dal titolo Wake Up.

E come i Mad Season anche i milanesi Stereocut affondano le loro radici musicali nei novanta del post grunge, anche se nel 2014 questo comporta dei rischi.

Il più evidente è nella percezione immediata dell'ascoltatore ignaro che dopo il primo play viene investito da questa pioggia di suono nineties. Se è un motivato amante del rock, del grunge e dei novanta tutti, ne sarà conquistato; diversamente, non ha ragioni per proseguire perché il suo intuito gli suggerirà che Stereocut questo è ed altro non ci troverà. L'inizio dell'album è quindi una dichiarazione di intenti ed in questo gli Stereocut sono molto chiari ed onesti.

Poi si sa che a 'ciclare' troppo sulle proprie passioni musicali, per quanto si possa essere bravi ed appassionati, rende difficile evitare l'effetto gabbia e venirne fuori.

Può succedere che tra un brano e l'altro prenda il sopravvento una sensazione di deja vù quando lo schema, l'impianto generale utilizzato nelle tracce è un pò troppo simile.

L'ultima – e forse più importante – controindicazione, non è tecnica, ma di senso.

Se quel filone musicale nasceva per dare una forma all'angst giovanile dell'epoca, oggi la necessità di fuga, la fragilità delle relazioni, la difficoltà di comunicazione ed il disagio esistenziale han trovato altri contesti sonori per manifestarsi. L'urgenza di graffiare e far sanguinare era insomma una prerogativa.

Eppure questo bel compitino, preciso e ben fatto dice molto degli Stereocut, soprattutto che son bravi ed ostinati. Nel loro mondo, nel loro 'schema', non sono secondi a nessuno.

La tripletta iniziale Wake Up, City Lights e New Order è perfetta nel suo equilibrio di potenza e melodia e dopo tanta 'forza' arriva incredibilmente una Are You Ready? che dispensa ancora più adrenalina.

Non c'è una sola canzone brutta, la qualità è davvero alta ed il controllo totale. Forse troppo. Un esempio? La linea di piano, così classica, in It's Winter. Non si poteva sporcarla in qualche modo? Un effetto? Una nota in meno?

Di contro, laddove c'è la 'variabile umana', più difficile da gestire - in questo caso la voce di Antonio Capra -, quando si sa che non si è e non si può essere perfetti, ecco che viene fuori il meglio; fregandosene delle asperità che pur incontra, essa assume colori diversi che possono ricordare ora Chris Cornell, ora Maynard James Keenan. E questo merito è giusto riversarlo su tutta la band, poiché gli Stereocut non si rifanno direttamente a nessun grande nome ed è solo in un modo molto personale che nel loro stile rientrano gli ascolti che hanno sicuramente perpetuato, i gruppi che probabilmente hanno amato, dai Soundgarden agli Alice In Chains, dai Tool ai Perfect Circle. O almeno così ci sembra.

Forse solo Collapse è stilisticamente po' diversa e tradisce ascolti più mainstream che guardano indietro, all'hard rock da classifica anni ottanta, poi, perfino una traccia all'apparenza diversa come Silence, che sembra più riflessiva, alla fine dispensa ceffoni (per quanto graditi) con i suoi serrati incastri ritmici.

Sperando sia chiaro che queste considerazioni non inficiano affatto sul godimento ultimo di chi cerca un buon album rock da spararsi in auto a tutto volume con quella sacra e beata ignoranza che permette di godere pienamente di certo rock and roll al di fuori di qualsiasi retropensiero sociologico o pseudo tale, possiamo augurare agli Stereocut solo di perdersi un po', di smarrire la via di casa, perché solo tradendo una certa idea di se stessi come musicisti potrebbero scoprire che ci sono belle cose fuori ad attenderli, e che le meritano tutte. Ma bisogna un pò sanguinare.