Reggae

Primitivi Del Futuro

admin — Sat, 08 May 2010 22:00:00 +0000

Voto:

5.5 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Reggae

Etichetta:

La Tempesta

Anno:

2010

Link correlati:

Tre Allegri Ragazzi Morti Official Website

Line-Up:

:
- Davide Toffolo – voce, chitarra
- Entico Molteni – basso
- Luca Masseroni – batteria

Tracklist:

:
01. La ballata delle ossa
02. Mina
03. Puoi dirlo a tutti
04. So che presto finirà
05. L'ultima rivolta nel quartiere Villanova non ha fatto feriti
06. La Cattedrale di Palermo
07. La faccia della luna
08. Questo è il ritorno di Gianni boy
09. Codalunga
10. Rifare
11. Primitivi del futuro

Tre Allegri Ragazzi Morti

Primitivi Del Futuro

“La memoria non è quello che ricordi della storia passata,
è qualcosa di più profondo che ha a che fare con la memoria del mondo”

Cosa può spingere una delle più interessanti ed acute formazioni del panorama punk/alternativo italiano a proporre così, all’improvviso, un disco roots/reggae? Inutile chiederselo se i soggetti in questione sono i Tre Allegri Ragazzi Morti: un viaggio liberatorio, una meta suggestiva (Cuba), un’ispirazione improvvisa. Primitivi Del Futuro, questo il titolo del loro nuovo capitolo discografico, costituisce un unicum assoluto nella loro ultradecennale carriera e certamente non mancherà di far discutere, sia la fan base più irriducibile, sia quanti apprezzano quel certo tipo di sonorità afro-caraibica, che certamente non gode più dell’appeal mediatico di cui poteva disporre in passato. Al di là delle più ovvie premesse, il risultato finale della sperimentazione condotta dalla band friulana è alquanto deludente: nonostante l’indubbia originalità e la solita potenza enigmatica delle liriche, Primitivi Dal Futuro sembra aver smarrito la spontaneità melodica e interpretativa che contraddistingueva i suoi predecessori, sembra rincorrere a tutti costi sfumature e ricami che evidentemente non appartengono ancora al dna musicale del trio tricolore, sembra soprattutto rinunciare consapevolmente (e, per questo, forse, persino colpevolmente) all’immediatezza irriverente e sfrontata della combinazione costituita da musica e parole.

Per la verità, da quanto appena detto si potrebbero dedurre i connotati di un vero e proprio tracollo, ma così non è: la verità che traspare è, piuttosto, un profondo senso di delusione che nasce non dalla scelta, tanto ardita quando stuzzicante, di volgersi a canoni stilistici inediti, quanto dal risultato finale, ampiamente al di sotto delle indubbie potenzialità della band; anzi, proprio il coraggio manifestato in una svolta così radicale è semmai motivo di merito, e quindi attenuante, e non, affatto, di ulteriore asprezza o condanna. Proprio questa considerazione è forse il punto focale della nostra opinione, in quanto non vorremmo assolutamente che Tre Allegri Ragazzi Morti abbandonassero immediatamente questo suggestivo percorso per fare ritorno ai sentieri già battuti; al contrario, proprio la frustrazione che si accompagna ad un’uscita ahinoi noiosa come Primitivi Del Futuro è proprio frutto della nostra profonda fiducia nelle potenzialità della band friulana, della convinzione che quest’ultima avrebbe potuto dare alle stampe un album nettamente migliore, ed è proprio questo il nostro principale augurio. Del resto, la prova tangibile che le possibilità effettivamente ci sarebbero, sono pezzi quali la grintosa Puoi dirlo a tutti, dal chorus semplicemente memorabile (“Puoi dirlo a tutti che sono stato io a farti un occhio nero con la matita blu”), la violenta So che presto finirà, anch’essa di grandissimo impatto emotivo (“Di che cosa mi stai parlando? Di che cosa mi parli ancora? E’ una vita danneggiata la vita che facciamo ora! …e non è il destino, sei tu il tuo nemico! Accendiamo una festa, facciamo una festa: che non c’è lavoro, che non c’è fatica e non c’è lavoro e non c’è fatica!”), o la semplicemente meravigliosa La faccia della luna, in assoluto e di gran lunga il miglior episodio dell’album.

Alla fine, è evidente che Primitivi Del Futuro paga soprattutto il fatto di presentare arrangiamenti similari e piuttosto monocordi fra le differenti canzoni, trasformandosi così in una sorta di volume unico a tratti davvero soporifero, risollevato (in parte) soltanto da quell’innata capacità di manipolare le liriche in maniera così ermetica (“Il corpo risponde poco più di metà: troppo spazio al cervello, alla sua crudeltà!”) eppure visivamente impressionante (la macabra La Ballata delle Ossa, Mina) che pone i Tre Allegri Ragazzi Morti, ancora una volta, nonostante tutto, un passo avanti a molti.

“Morire per la vita fa la morte un po’ più debole,
il viaggio sarà lungo e ancora ne avremo da vivere”

LINK PER L'APPROFONDIMENTO: i testi

Deliver Me From My Enemies

admin — Fri, 06 Apr 2007 22:00:00 +0000

Voto:

8.2 / 10

Autore:

Elena Fava

Genere:

Reggae

Etichetta:

Blood And Fire

Anno:

2006

Link correlati:

Blood And Fire Official Site

Line-Up:

- Vivian “Yabby You” Jackson – voce
- Earl "Chinna" Smith - chitarra
- Clinton Fearon - chitarra
- Albert Griffiths - chitarra
- Alrick Forbes - chitarra
- Robbie Shakespeare - basso
- Bernard “Touter” Harvey – pianoforte
- Ansel Collins – organo
- Noel “Scully” Simms – percussioni
- Tommy McCook – sassofono, flauto
- Bobby Ellis – tromba
- Vin Gordon – trombone
- Sly Dunbar - batteria

Tracklist:

1. Deliver Me From My Enemies (02:42)
2. Deliver Me From My Enemies – Version (02:59)
3. Judgement Time (03:09)
4. Blood A Go Run Down King Street (02:27)
5. Love In Zimba (03:20)
6. Zion Gate (03:06)
7. Lonely Me (03:21)
8. Stranger In Love (03:46)
9. Pound Get A Blow (02:22)
10. Pick The Beam (03:04)
11. And Amlak (One God) (02:05)

BONUS TRACKS:
12. Jah Vengeance (05:36)
13. Free Africa (06:23)
14. Babylon A Fall (05:56)
15. Falling Babylon (05:56)
16. Pick The Beam (03:36)
17. Pick The Beam (03:36

Yabby You

Deliver Me From My Enemies

Vivian Jackson, in arte Yabby You: un nome che sembra ormai essere caduto nell’oblio, è stato invece al centro dell’incredibile scena musicale giamaicana nei lontani anni ’70. Personaggio bizzarro, con una forte tendenza al misticismo ed una fede dalle radici profonde, che, sia in veste di produttore, sia come cantante, ha occupato un ruolo fondamentale negli anni d’oro del Roots Reggae. La Blood And Fire decide di rendere onore a questa grande figura con un’ottima ristampa intitolata Deliver Me From My Enemies, che include, oltre ai brani originali, numerose bonus track e inedite Dub versions.

L’album, originariamente pubblicato nel 1977, si profila come la conclusione di una trilogia iniziata nel ’75 con Conquering Lion e continuata nel ’76 con Walls Of Jerusalem. Sebbene tratti forse tematiche meno spirituali rispetto ai lavori precedenti, Deliver Me From My Enemies abbraccia stili assai dissimili tra loro in un prodotto vario e convincente. Yabby spazia dalle note intense ed espressive di pezzi come Judgement Time e Zion Gate alle melodie dirette e ai testi romantici di Lonely Me e Stranger In Love, quest’ultima presa in prestito dal repertorio del grande John Holt, professionista in ambito Lovers Reggae. La strumentale Love In Zimba costituisce la reincisione di una vecchia hit Ska, Shang Kai Shek dei Baba Brooks, mentre And Amlak (One God) evoca i canti delle celebrazioni Nyabinghi. La title track, profonda e prorompente nella sua contemplativa semplicità, rivela il caratteristico, inconfondibile stile di Yabby; essa viene qui proposta anche nella versione incisa sulla b-side del 45 giri originale.

Tra le bonus track, da segnalare Jah Vengeance e Free Africa - entrambe eseguite da Yabby in collaborazione con l’amico dj Junior “Trinity” Brammer - e le due versioni di Pick The Beam estratte dal dubplate realizzato da Dave Hendley e Chris Lane. Eccellenti sono anche gli assoli dei fiati nella seconda parte del singolo Babylon A Fall, mentre Falling Babylon, originariamente inciso sulla b-side dello stesso singolo, è animata dal “singjay style” di Tony Tuff.

L’abilità che la Blood And Fire dimostra nel recuperare rarità e brani inediti è ancora una volta eccellente e questa fondamentale ristampa va ad arricchire la gran mole di pubblicazioni con le quali la label inglese tiene viva la tradizione del Reggae delle origini.

Love And Revolution

admin — Sat, 30 Dec 2006 23:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Elena Fava

Genere:

Reggae

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2006

Link correlati:

Line-Up:

- Stefano Bannò - voce, chitarra
- Enrico Avancini - chitarra, armonica, voce
- Davide Malandrino - basso
- Stefano Neri - batteria

Guest:
- Giovanni Formilan - tastiera

Tracklist:

1. Love Is Revolution (03:48)
2. Burning For You (04:02)
3. Mr. Long Tongue (03:23)
4. King Of Kings (03:03)
5. No Racism (03:45)
6. You Are My Brother (04:30)
7. Exodus (04:17)

Buffalo Soldiers

Love And Revolution

Finalmente anche in una terra apparentemente povera dal punto di vista musicale qualcosa si muove. Sono infatti di Trento i Buffalo Soldiers, combo formato da ragazzi che, nonostante la loro giovane età, possono già vantare diverse esperienze all’attivo; si sono fatti notare durante vari show, nei quali hanno preceduto band del calibro dei Persiana Jones. Il primo demo del complesso si intitola Love And Revolution e viene registrato al Centro Musica di Trento a cavallo tra giugno e luglio 2006. E’ il Reggae il genere nel quale i Buffalo Soldiers hanno deciso di cimentarsi, senza però precludersi la possibilità di variare e spingersi in direzioni diverse. Il loro lavoro, infatti, sarà gradito agli amanti del ritmo in levare così come da coloro che preferiscono spaziare senza ancorarsi a schemi fissi.

Il disco si apre con Love Is Revolution, che fin dai primi accordi sprigiona vibrazioni positive e presenta all’ascoltatore un’opera Roots di tutto rispetto. Le parole di Marley introducono un brano calmo e spontaneo, caratterizzato da una coinvolgente interpretazione del singer Stefano, la cui voce si addice perfettamente al genere trattato. Burning For You guida l’ascoltatore lungo i sentieri del Blues in una melodia cadenzata, in cui le tastiere, tendenti addirittura a sfumature Progressive, creano un’atmosfera suggestiva. Mr. Long Tongue, uno dei più coinvolgenti pezzi dell’intero disco, si sposta in direzione Raggamuffin; le due chitarre disegnano trame avvincenti, arricchite da inserti elettronici che apportano un tocco particolare alla melodia. Il gruppo dimostra un’originalità compositiva ben superiore a quella di gran parte delle formazioni Reggae attualmente sulla scena. Una chitarra spumeggiante introduce King Of Kings, il cui profondo testo è abbinato a melodie positive ed immediate. Al centro della scena vi è qui la tradizione rastafariana, discorso affrontato da Stefano molto seriamente. L’armonica di Enrico interviene verso la fine del pezzo a completare l’aspetto strumentale, eliminando così ogni tendenza alla monotonia. E’ il momento dell’impegnata No Racism, inno all’uguaglianza ed al rispetto reciproco. Diversi fattori contribuiscono a rendere pregevole il brano, primi fra tutti l’introduzione e l’assolo di chitarra ed il timbro corposo del basso. L’acustica You Are My Brother richiama i commoventi accordi della Redemption Song di Marley; la chitarra calma ma ritmata è ancora una volta accompagnata dagli elegiaci suoni d’armonica che, come una nuova voce, sembrano ribadire la dichiarazione di pace e fratellanza della lirica. Quale modo migliore per terminare una simile opera se non con un omaggio al leggendario Bob? E’una versione live della cover Exodus, registrata durante uno dei numerosi appuntamenti live, a concludere questo primo capitolo della storia della giovane band.

Giunge così a termine un disco che ha saputo sorprendere tutti coloro che non si aspettavano nulla di particolare da parte dei Buffalo Soldiers. Non si può pretendere che essi abbiano già raggiunto la perfezione, è ovvio. La tecnica verrà affinata col tempo e la grande intesa che lega i membri del gruppo favorirà di certo questo progresso, ma i giovani musicisti appaiono molto promettenti e determinati e, se continueranno su questa strada, faranno sicuramente parlare ancora di sé.

E’ Già L’Alba

admin — Mon, 18 Sep 2006 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Elena Fava

Genere:

Reggae

Etichetta:

Alternative Produzioni/Venus

Anno:

2005

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Ganjamama Official Site

Line-Up:

- Vincio - voce
- Gange - pianoforte, rhodes, tastiere e voce
- Fabouluss - chitarra e voce
- Fabrizio - basso, contrabbasso e chitarra
- Big - batteria, percussioni e voce
- Lotus - chitarra
- Fafo - percussioni

Guests
- T-Bone - trombone
- Riccardo "Jeeba" Gilbertini - tromba
- Marco Zaghi - sax tenore
- Bunna - voce in La Misura In Cui
- Madaski - voce in Nessuna Resa e Il Muro
- Sister E - cori

Tracklist:

1. Intro (01:13)
2. Semino (03:59)
3. E' Già L'Alba (03:41)
4. La Misura In Cui (03:59)
5. Il Muro (03:22)
6. Nevica (03:33)
7. Come Mai (00:41)
8. Nessuna Resa (03:02)
9. Ormai (04:43)
10. Shattered Days (04:32)
11. Endless Fire (03:49)
12. Dem Fool You (03:33)
13. Pianeti Lontani (15:23)

Ganjamama

E’ Già L’Alba

È il 1999 quando sei ragazzi lombardi legati dalla passione per la musica di Bob Marley decidono di unire le forze in quella che nascerà come una tribute band all'insegna di vecchi brani Ska e Reggae giamaicani. I membri del gruppo hanno alle spalle esperienze differenti, dal Funk al Crossover, e la voglia di creare qualcosa di originale è grande. Non passa molto tempo prima che i Ganjamama abbandonino lo stato di cover band per dedicarsi alla produzione di brani propri. Il disco d'esordio, Fino A Domani, viene pubblicato nel 2003, anno in cui si completa anche l'attuale line-up grazie all'arrivo del chitarrista Fabio Forni. A distanza di due anni i Ganjamama tornano sulla scena con E' Già l'Alba, lavoro atteso e pieno di sorprese. La registrazione avviene a Torino ad opera di Madaski e Mauro Tavella e coinvolge non solo i sette membri della formazione, ma anche diversi ospiti nella sezione fiati. Un'ulteriore novità consiste nella presenza, ai cori, di Sister E, voce dei fiorentini Michelangelo Buonarroti.

Il disco ci presenta una band musicalmente più matura rispetto a quella del primo studio album, la quale segue il destino che sembra ormai riservato alla maggior parte dei complessi Reggae, ovvero quello di allontanarsi dalle frequenze più Roots per cercare un sound contaminato e rinnovato da continue sperimentazioni. Dopo un'Intro rilassante e graduale si può immediatamente riconoscere quello che la band ama chiamare Ganjamama Style. Semino racchiude infatti caratteristiche dettate dal background dei diversi membri della band. Si possono facilmente riconoscere elementi Blues e Funk, che non vanno però a scontrarsi con le sonorità fondamentali del pezzo. Basso e fiati procedono di pari passo scandendo il ritmo in contrapposizione alla chitarra ed alla batteria. E' Già L'Alba: quello che ci si immagina sorgere ascoltando la canzone è un sole pallido e velato dopo una notte di pioggia. Il ritornello è decisamente più allegro rispetto al resto del pezzo e crea un contrasto non del tutto convincente. È ora il momento di La Misura In Cui, unico singolo estratto da questo E' Già L'Alba. Esso vede l'intervento del mitico Bunna che, insieme al cantante Vincio, dà voce ad un brano assai originale. Caratterizzato da un potente giro di basso e da una chitarra intraprendente, il pezzo potrebbe benissimo essere stato scritto dagli Africa Unite.

Lo zampino di Madaski è evidente ne Il Muro così come in Nessuna Resa: il suo contributo consiste nell'inconfondibile voce baritonale che accompagna le parole del vocalist e nelle contaminazioni elettroniche, le quali si sposano alla perfezione con il Reggae dei Ganjamama così come lo fanno, ormai da anni, con quello degli Africa Unite. E' forse eccessiva la somiglianza che accomuna le due band: le diverse collaborazioni contribuiscono senz'altro ad accentuare quest' affinità, mentre dal giovane combo ci si aspetterebbe qualcosa di diverso. Le note di un Tango introducono le sonorità limpide ed effusive di Nevica, ma Come Mai, brevissimo intermezzo Ska inadeguato e banale fa svanire la magica atmosfera generata dal ritmo ipnotico e dal suono melodioso della track appena conclusasi. Endless Fire riprende la melodia dell'Intro per sfociare poi in un Roots fresco e frizzante, mentre Dem Fool You propone del sano Rocksteady inframmezzato da un coinvolgente stacco Dancehall. L'esperienza e la fantasia di Mada danno vita ad un ultimo, ottimo capitolo Dub: impossibile resistere ai suoni visionari e psichedelici in grado di avvolgere l'ascoltatore in un delirio confuso nel quale sogno e realtà divengono un'unica cosa.

E' Già L'Alba si può considerare un buon disco sotto innumerevoli punti di vista e i Ganjamama sono senza dubbio una promessa nel panorama Reggae italiano. Resta la speranza che la band possa dare pieno sfogo alla propria originalità sviluppando idee sempre nuove e svincolandosi il più possibile dai rigidi canoni del genere, senza abbandonare nonostante ciò la passione che da sempre dà un tocco in più alla musica del gruppo.

Na Bruta Banda

admin — Sun, 04 Jun 2006 22:00:00 +0000

Voto:

9.0 / 10

Autore:

Jacopo Prada

Genere:

Reggae

Etichetta:

Psycho Records/BMG

Anno:

1991

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Pitura Freska Official Site

Line-Up:

- Sir Oliver Skardy - voce
- Cristiano Verardo - chitarra
- Francesco Duse - chitarra
- Marco "Furio" Forieri - sassofono e voce
- Valerio Silvestri - tromba e cori

Guests:
- Francesco "Ciuke" Casucci - basso
- Toni "Cachanga" Costantini - trombone
- Graziano Guerriero - batteria
- "Tastie" Rino Zinno - tastiere
- Roberto "Cinese" Cafiero - sassofono
- Naco - percussioni
- Paola Folli - cori
- Patrizia Di Malta - cori

Tracklist:

1. Na Bruta Banda (04:27)
2. The Boss (04:40)
3. Doc (05:43)
4. Pin Floi (05:39)
5. Marghera (05:34)
6. Bateo (04:16)
7. Bea Fia (04:55)
8. Bienal (05:13)
9. Suca Caruca (04:53)
10. So Mato Par La Mona (03:42)

Pitura Freska

Na Bruta Banda

Spesso ricordati ingiustamente come la barzelletta veneta, i Pitura Freska hanno invece rivestito un ruolo primario nella scena musicale alternativa italiana nel corso degli anni novanta e non solo. Indiscussa mente ed anima della band era un certo Oliver Skardy, cantante e compositore con alle spalle un passato nei Puff Bong, prima formazione Reggae italiana. Ritmo in levare e testi rigorosamente in dialetto veneziano: questo il biglietto da visita dei Pitura Freska, cui esordio risale al 1989, quando il quarantacinque giri Star/Na Bruta Banda viene allegato alla rivista Soul Makossa. L’anno seguente vede la partecipazione di Skardy e compagni a diverse compilation, nonché l’uscita di Ossigeno, musicassetta che permette al complesso veneto di farsi conoscere in tutta l’Italia settentrionale. Arriva quindi il 1991 con il passaggio su Psycho Records e la successiva pubblicazione di Na Bruta Banda, primo stupefacente album della band di Marghera.

Apre il disco una melodia che poi diverrà inconfondibile: è Na Bruta Banda, con la sua sezione di fiati composta da ben quattro elementi. La mitica voce di Sir Oliver Skardy pronuncia parole a molti incomprensibili, divertenti, ma in piena sintonia con la proposta musicale dei Pitura Freska. Il sound appare sempre compatto e le capacità tecniche dei musicisti piuttosto buone, visto anche l’ottimo ed incisivo assolo della titletrack. I testi, pur mantenendo una forte dose di spirito, esprimono disagio e muovono spesso critiche nei confronti di società, moralisti vari e politici. Nel caso di Na Bruta Banda ad essere attaccati sono i potenti, capaci soltanto di sfruttare ed imbrogliare la povera gente. In The Boss invece, Skardy si rivolge ad un onorevole tutt’altro che onesto e lo ringrazia ironicamente. Musicalmente, il brano segue quelle che erano le caratteristiche della titletrack: incedere lento, linee di basso portanti, fiati in primo piano ed un largo uso di percussioni. Buono anche l’assolo, meno tirato ed aggressivo rispetto al precedente. Decisamente più energica Doc, traccia la cui durata è la maggiore di tutto l’album. Grazie specialmente alle tastiere il ritmo si fa incalzante, mentre il breve ritornello, per via dei suoi cori femminili, coinvolge l’ascoltatore in modo irrefrenabile. I Pitura Freska non hanno certo peli sulla lingua e lo dimostrano anche nelle liriche di Doc. Fra i brani di maggiore successo del gruppo c’è Pin Floi, ispirata al concerto che i leggendari Pink Floyd tennero a Venezia sul finire degli anni ottanta. Skardy descrive quegli attimi di grande confusione e tumulto con gli occhi del tipico ragazzo di periferia:

“Fin poco tenpo prima viagiando su
cuel saterone prevolante in vagone ristorante
e veder sul ponte sti fioi
a piè che va veder i Pin Floi
ridevimo e disevimo
ma dove voi ndar
sti cua se propio sciopai, oi?”

Visto anche il suo ossessivo ritornello, Pin Floi sarà uno di quei brani, fra cui rientra sicuramente pure Papa Nero del 1997, per i quali i Pitura Freska verranno ricordati fra la gente comune come un semplice complesso demenziale. Divertentissimo rimane però il momento nel quale Sir Oliver si rivolge ad alcune turiste giunte nella laguna esclusivamente per l’evento:

“Vien vanti do cocone, dai che ndemo dee bone
due tissie con passo semistrascinato
due tissie semibuone, semiscic, semivip,
semifrick che gridano:
«Io Venezia la odio!»
Domanda: «Perché odi Venessia?»
«Perché fa schifo!»
Domanda: «Perché non te ne sei stata a casa tua?»”

Altro grandissimo successo diverrà la quinta track di Na Bruta Banda, Marghera, introdotta da una breve narrazione a dir poco memorabile:

“Ogni anno in Italia mor trentamila persone de alcol
ogni anno in Italia mor ventimila persone de tabaco
ogni anno mor mille persone de eroina
ricordeve: de marijuana non se mai morto nissuni!”

A fabbriche, ciminiere ed inquinamento i Pitura Freska rispondono con erba, birra alla spina e buona musica Reggae. I due sassofoni, la tromba ed il trombone si lanciano in stacchi brevi e repentini, mentre basso, chitarra e batteria forniscono un ottima base ritmica sulla quale sviluppare le varie melodie. I cori femminili prendono il sopravvento nella parte finale del pezzo, aprendo inconsapevolmente la successiva Bateo, canzone dedicata alla più interessante attrazione nella zona periferica veneziana. I fiati si rivelano, ancora una volta, l’arma vincente dei Pitura Freska, ma notevole merito va dato anche alle percussioni, capaci di rendere l’atmosfera suggestiva ed allo stesso tempo solare. In Bea Fia il ritmo si fa più lento e, con lui, pure gli stacchi strumentali. La canzone d’amore permette a Skardy di esprimersi in un contesto piuttosto diverso da quello classico e bisogna dire che il frontman della band veneta acquista un fascino notevole nel ruolo di loverman, come sottolineano, nel caso ce ne fosse il bisogno, pezzi come Primo Incontro e Baby Fragola, contenuti rispettivamente in Yeah (1995) e Gran Calma (1997). Bienal, con il suo incedere cadenzato e flemmatico, rischia alla lunga di annoiare l’ascoltatore, al contrario della splendida Suca Baruca, a tratti quasi una marcia nuziale in stile Reggae. Molto peculiari i suoni di tastiera, grazie ai quali la canzone si rende semplicemente unica, oltre a differenziarsi dalle altre tracce per via del suo ritmo incalzante nonché estremamente coinvolgente. Ottima la prova di Sir Oliver dietro al microfono ed indovinati pure i vari cambi di ritmo del pezzo. Le campane finali introducono So Mato Par La Mona, ultima track del disco e cover di La Mia Moto, celebre brano di Jovanotti. Per coloro che non hanno la minima idea di cosa significhi la parola mona può essere particolarmente utile parte del testo:

“So mato par la mona
più mato dei cavai
no spendo schei in goldoni
creme, pirole, spirai.”

Ma quali motociclette, fast food e discoteche, i Pitura Freska vogliono Ramba, Cicciolina, Moana e tutte le loro colleghe. Il sound creativo di So Mato Par La Mona ben si adatta allo spirito del brano, il quale raggiunge il suo apice durante il ritornello, esplosivo come pochi altri, e l’assolo di sassofono. Non poteva proprio esserci modo migliore per chiudere un’opera del genere, storica ed insieme favolosa.

Na Bruta Banda è un album che ogni appassionato di Reggae dovrebbe imparare a memoria. Musicalmente si tratta di una proposta classica, sempre attuale e piacevole, ma sono le parti cantante a rendere i Pitura Freska veramente magici. Non mancano i grandi classici, Pin Floi e Marghera in primis, e neppure capitoli davvero appassionanti, come ad esempio la titletrack, Suca Baruca e So Mato Par La Mona. La band di Sir Oliver Skardy non si fermerà qui ed inciderà una serie di ottimi album fino al 2004, anno del definitivo scioglimento. Come se non bastasse, i Pitura Freska hanno dato vita, nel corso della propria lunga carriera, ad alcuni interessantissimi progetti, fra cui vale la pena citare lo spettacolo teatrale Il Campiello (Carlo Goldoni) ed il Sound System Piatti Roventi. Una classe non indifferente. Giamaica? No, Venezia!

Controlli

admin — Thu, 25 May 2006 22:00:00 +0000

Voto:

7.4 / 10

Autore:

Elena Fava

Genere:

Reggae

Etichetta:

Autoproduzione/Venus

Anno:

2006

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Africa Unite Official Site

Line-Up:

- Bunna - voce
- Madaski - voce, tastiere e programmazione
- Patrick Benifei - tastiere
- Ru Catania - chitarra
- Paolo Baldini - basso
- Davide Graziano - batteria
- Papa Nico - percussioni

Guests:
- Natasja - voce nella seconda traccia
- Michela Grena - voce nella nona traccia
- Raiz - voce nella decima traccia

Tracklist:

1. The Cage (04:26)
2. Amantide (03:21)
3. In Nomine (03:57)
4. Bit Crash (06:35)
5. Play Another Game (04:32)
6. Sotto Pelle (04:29)
7. Il Segreto Del Numero Scomparso (05:16)
8. Beatkilla (03:01)
9. Watch Out (06:54)
10. Vertigine (03:39)
11. Once In A Lifetime (04:46)
12. Vultures (03:15)

Africa Unite

Controlli

Il panorama Reggae italiano offre, da alcuni anni a questa parte, numerose band interessanti, la più longeva e conosciuta delle quali è sicuramente quella degli Africa Unite: essa ha infatti scritto la storia delle Good Vibrations nella nostra penisola. Alla morte di Bob Marley, nel 1981, due giovani fan decidono di fondare un gruppo ispirato all’artista giamaicano ed il cui nome richiami uno dei successi di quest’ultimo: nascono gli Africa United, frutto dell’incontro tra due ragazzi di Pinerolo, Vitale Bonino (Bunna) e Franco Caudullo (Madaski). I due leader, insieme alla neonata band, esordiscono nel 1987 con un EP, Mjekrari, che, pur costituendo il prodotto di artisti alle prime armi, anticipa ciò che il complesso diverrà negli anni futuri. Dopo tre album Reggae ed una parentesi Posse, il gruppo pubblica, sotto il nuovo nome di Africa Unite, Babilonia E Poesia (1993), l’album che lo porterà al successo internazionale. Tra il ’95 ed il 2003 il complesso piemontese sforna quattro interessanti full lenght e svolge un’intesa attività on stage, della quale due notevoli live, registrati rispettivamente nel 1996 e nel 2004, costituiscono una rilevante testimonianza. A distanza di tre anni dalla pubblicazione dell’ultimo studio album, gli Africa Unite tornano a far parlare di sé con un nuovo disco, che attira tanta attenzione quante critiche. Bunna e compagni si sono più volte avvalsi delle sonorità Dub, le quali sono divenute uno dei loro cavalli di battaglia, e gli elementi elettronici hanno da sempre caratterizzato il sound del complesso. Questa volta, però, la band si è davvero sbizzarrita con gli effetti, tanto da rendere a tratti quasi irriconoscibili gli autori di Mentre Fuori Piove (2003). Controlli conserva ben poco del Reggae degli esordi, ed il Roots è ormai solo un lontano ricordo. Un evidente cambiamento riguarda la line up: si notano con dispiacere l’assenza dei fiati di Paolo Parpaglione e Gigi “T-Bone” De Gaspari e la presenza, al posto del vecchio bassista Gianluca “Cato” Senatore, di Paolo Baldini, fondatore dei B.R.Stylers, complesso Dub di Pordenone.

Il compito di aprire Controlli è assegnato a The Cage, i cui iniziali suoni di chitarra e percussioni ricordano in un primo momento le sonorità passate degli Africa Unite. I ritmi cadenzati sono accompagnati da interessanti linee di basso. Colpisce subito il fatto che il testo sia scritto in inglese, lingua che il complesso aveva abbandonato da parecchi anni. A seguire la discreta opener è Amantide, introdotta dalla voce decisa dell’ospite Natasja, ragga-rapper danese. Il sound appare lontano dalla vecchia attitudine dello storico complesso e bisogna essere bendisposti verso la novità per apprezzare appieno il modo in cui la voce di Bunna, da sempre perfetta per il Reggae, interpreta questo brano, decisamente più vicino alla Dance Hall. Se in un primo momento Amantide lascia leggermente perplessi, dopo alcuni ascolti essa è in grado di coinvolgere con il suo entusiasmo anche la persona più imperturbabile. È In Nomine ad attirare l’attenzione dell’ascoltatore, portato a seguire attentamente il tono profondo di Madaski, grande protagonista di quest’album, che come al solito tratta in modo critico e combattivo diversi aspetti della realtà sociale e politica. Questo brano, in particolare, attacca con fare deciso il moralismo cattolico e l’ipocrisia che nei secoli ha accompagnato la Chiesa. Una voce in preghiera seguita da intriganti suoni che richiamano alla mente lo stile degli Asian Dub Foundation introducono il brano, caratterizzato poi da un interessante alternarsi tra i suoni elettronici e le percussioni di Papa Nico.

Bit Crash è scandita da un ritmo in levare molto evidente, come a ricordare che coloro con i quali si ha a che fare non hanno dimenticato le origini, bensì conservano il controtempo nel loro DNA. Se la prima parte del pezzo, con Bunna protagonista, suona decisamente familiare, dalla metà in poi a regnare sovrano è Mada, che sfoggia la sua abilità proponendo puro Dub, effetti Hall, suoni prolungati ed echi. Segue Another Game, composta dagli Africa Unite per Play Up, la raccolta di canzoni dedicate ai prossimi campionati mondiali di calcio, che verrà presto pubblicata dalla Juno/Kontext Records. Pur non arrivando ad annoiare l’ascoltatore, Another Game non offre molti spunti originali e risulta a tratti quasi monotona. La linea vocale di Madaski si contrappone a quella piuttosto acuta di Bunna, così come le risonanze si fanno intercalare dei ritmi frammentati e pulsanti del brano. Sotto Pelle sarà probabilmente una delle canzoni più apprezzate dai Reggae lovers più conservatori: essa non presenta sostanziali novità rispetto al vecchio sound, ma risulta, forse proprio per questo motivo, sempre piacevole. Nonostante lo scandire regolare del tempo e le melodie poco ardite, Sotto Pelle non si può considerare tediosa né scontata. È ora il momento di Il Segreto Del Numero Scomparso. Con la metafora del calcolo matematico il cui risultato è differente a seconda di chi lo svolge, gli Africa Unite propongono una lirica degna d’attenzione attinente alla verità ed alla corruzione. Lasciati i conti che non tornano, si cambia musica con Beatkilla. Il solista è ancora una volta un aggressivo Mada, che osteggia la falsità e la depravazione di questo mondo: tre minuti di parole fittissime che si susseguono ad una velocità impressionante, la quale, talvolta, rende addirittura difficile la comprensione del testo. L’espressione profonda del singer è accompagnata da sinistri accordi dissonanti di tastiera, che trasmettono un senso di ansia, nonché di tensione.

Watch Out è aperta da una voce femminile, quella di Grena, vocalist dei B.R.Stylers. Ciò davanti a cui ci si trova in un primo momento non sembra certo un pezzo Reggae, ma piuttosto un brano Techno. La traccia si rivela molto originale e riesce ad amalgamare abilmente i generi più disparati. È Raiz, ex-leader degli Almamegretta, protagonista indiscusso di Vertigine. Quest’ultima concentra l’attenzione sulla voce, trascurando forse troppo l’aspetto strumentale-melodico. Nota stonata, seppur trascurabile, del brano, il brevissimo frammento di Waiting In Vain di Bob Marley, che poco si addice ad una composizione del genere. In Controlli trova posto anche una cover: parliamo di Once In A Lifetime dei Talking Heads. L’effetto non è certo lo stesso prodotto da David Byrne: il suono è più crudo nel tratto introduttivo e nelle parti parlate, elaborate con effetti che sembrano sfumare convenevolmente alle parole. A chiudere quest’originale album è Vultures, Rub A Dub in piena regola, che si dissolve lentamente mentre i cursori del mixer vengono abbassati.

Il cammino intrapreso dagli Africa Unite non è certo stabilito dalle aspettative dei fan, bensì dall’intraprendenza e dalla voglia di rinnovamento del gruppo. Controlli equivale ad un notevole cambiamento e la nuova direzione presa dal complesso piemontese è senza dubbio destinata a dividere nettamente il grande pubblico.

Fisherman Style

admin — Wed, 03 May 2006 22:00:00 +0000

Voto:

8.7 / 10

Autore:

Elena Fava

Genere:

Reggae

Etichetta:

Blood And Fire

Anno:

2006

Link correlati:

Blood And Fire Official Site

Tracklist:

CD 1
1. CONGOS - Fisherman (04:09)
2. BIG YOUTH - Feed A Nation (03:48)
3. HORACE ANDY - Love Love Love (03:30)
4. MAX ROMEO - Give Praises (03:36)
5. TONY TUFF - Master Builder ( 03:30)
6. PRINCE JAZZBO - Live Good Today (03:30)
7. FREDDIE McGREGOR - Man Should Know (03:30)
8. DEAN FRASER - Fisherman’s Anthem (03:48)
9. U ROY - Fisherman Style (04:27)
10. SUGAR MINOTT - Captain Of The Ship ( 03:48)
11. DILLINGER - Row Fast ( 03:19)
12. MYKAL ROSE - Let Your Love (03:30)

CD 2
1. LUCIANO - Going Home (03:48)
2. LUTAN FYAH - Whitewash Walls ( 03:42)
3. PAUL St HILAIRE - Carthage (03:30)
4. COUNTRY CULTURE - Make Poverty History (03:25)
5. EARLY ONE - Jig Jig Jig (03:42)
6. MacLAW - Nuh Worry Your Mind (03:36)
7. Mr RAGGAMONICA - Fisherman Melody (02:56)
8. GREGORY ISAACS - Spot And Beat The Bank (03:42)
9. RICKY CHAPLIN - Behold Jah Live (03:42)
10. LUCAN I - Nine To Five (03:30)
11. AL PANCHO - Enjoy Your Blessings (03:08)
12. UPSETTERS - Bring The Mackaback (04:05)

Congos, The and Friends

Fisherman Style

Un assiduo frequentatore di dance hall e sound system nella Giamaica di metà anni ’70 avrebbe sicuramente riconosciuto, durante una serata all’insegna della musica, diversi brani già noti interpretati da nuove voci e caratterizzati da svariate sperimentazioni: in quegli anni era infatti abitudine dei dj giamaicani riproporre numerose versioni di un classico, nelle quali fosse mantenuta la base musicale, ma cambiasse l’idea vocale quanto a melodia e a testo. Questo fenomeno fu immortalato per la prima volta da Rupie Edwards, che nel 1974 pubblicò un album contenente dodici brani basati sul pezzo rocksteady My Conversation di Slim Smith And The Uniques. Fu proprio questo disco, secondo molti, a segnare la nascita del concetto di remix, tecnica che si sarebbe diffusa sempre più col passare degli anni.
La label inglese Blood And Fire, che già vanta esperienza in questo campo (The Abyssinians And Friends - Tree Of Satta, 2004) dà il via, nella primavera del 2005, alle session di The Congos & Friends - Fisherman Style, lavoro che vuole proporre su due cd ventiquattro brani ad opera di diverse band, sulla base di una vecchia hit dei Congos, Fisherman.

CD 1
Il primo disco è interamente riservato ai veterani del Reggae, a tutti quegli artisti la cui fama è già consolidata ed i cui nomi sono conosciuti nel mondo intero. Molti dei grandi cantanti che spiccano tra i protagonisti di questo primo capitolo dedicano la propria lirica alla lode di Jah Ras Tafari, mentre i deejay mantengono perlopiù la tematica propria del brano dei Congos. Quest’ultimo costituisce chiaramente l’opener del disco, mentre la sua versione Dub chiuderà il secondo cd. La qualità delle registrazioni è impeccabile e la scelta degli artisti decisamente azzeccata.

Fisherman / CONGOS
Il brano, prodotto dal geniale Lee Perry, risale al 1977, anno di pubblicazione di Heart Of The Congos, capolavoro della versatile band capitanata da Cedric Myton. È proprio il carismatico leader del gruppo a proporre l’idea di questo one-rhythm album alla Blood And Fire. In effetti il riddim della canzone si presta particolarmente alla creazione di nuove version: esso presenta infatti una struttura molto semplice. La batteria di Paul Douglas dà il via ad un breve preludio tendente al Dub, accompagnato da voci, le più acute delle quali creano un netto contrasto con le più profonde. La melodia è ripetitiva e facilmente memorizzabile, mentre interessanti restano le polifonie vocali e le linee di basso, che andranno poi a caratterizzare tutte le track seguenti. I Congos narrano della loro vita in povertà in un piccolo villaggio sul mare, dove i bambini affamati aspettano con ansia il ritorno del pescatore: nonostante siano trascorsi quasi trent’anni dall’uscita di Fisherman, i sentimenti che la canzone riusciva a trasmettere sono ancora vivi.

Feed A Nation / BIG YOUTH
Il Deejay Style di Big Youth è riconoscibile fin dalle prime parole: il grande artista del ghetto sfoggia l’enorme creatività che gli ha permesso di cambiare un intero genere. La base del pezzo rimane praticamente invariata rispetto e quella originale, eccezion fatta per brevi frammenti in cui il ruvido suono della chitarra scompare conferendo maggior importanza alle note del basso. Per ciò che concerne il testo, all’iniziale idea dei Congos, Big Youth aggiunge dei riferimenti a Rastafari, suo massimo ispiratore.

Love Love Love / HORACE ANDY
Andy è certamente uno dei più celebri artisti Reggae di sempre. Dal 1969, anno in cui entra a far parte della prestigiosa cerchia di Studio One, Horace pubblica una quantità impressionante di album, riscuotendo enorme successo non solo in Giamaica ma in tutto il mondo, grazie anche alle numerose collaborazioni con gli inglesi Massive Attack. La sua voce è davvero particolare, difficilmente se ne trovano di simili. Ancora una volta Andy dà prova delle proprie qualità in quest’inno all’amore, riuscendo a creare un pezzo del tutto nuovo, nonostante l’utilizzo del riddim.

Give Praises / MAX ROMEO
È ancora l’Onnipotente l’oggetto di questa lirica piena di passione: dopo lo scandalo nonché il successo di Wet Dream, brano che nel 1969 scala le classifiche inglesi, Max, abbracciato il Rastafarianesimo, dedica buona parte delle canzoni al proprio Dio e si conferma come voce di spicco nella scena Roots mondiale. La struttura di Give Praises è piuttosto simile a quella della precedente Love Love Love: i vocalismi iniziali richiamano l’idea proposta da Andy e le melodie scelte non si allontanano troppo da quelle già proposte. Da notare la presenza, oltre al coro della base, di altre voci che accompagnano abilmente quella di Max nel ritornello.

Master Builder / TONY TUFF
Tra i veterani del Reggae non può certo mancare Tony Tuff: dopo aver militato nel trio vocale The African Brothers e più tardi nella band Soul Syndacate, l’intraprendente Tuff si dedica alla carriera solista, che lo ripaga con un successo notevole. Master Builder prosegue sulla stessa via seguita dalle due track precedenti. La voce nasale di Tony è tuttavia in grado di trasmettere purezza melodica e non annoiare l’ascoltatore.

Live Good Today / PRINCE JAZZBO
Tutt’altro che trascurabile il grande Prince dei sound system: da ragazzo debutta al Killer Whip di
Spanish Town, Giamaica, sfidando dj del calibro di I Roy ed impressiona il boss Coxsone Dodd che subito lo chiama in sala di registrazione per un album di riddim, Choice Of Version (1973). In questo progetto Jazzbo trova pane per i suoi denti: la sua performance è impeccabile. La tendenza al Raggamuffin è la caratteristica fondamentale di questo brano, il quale non può fare a meno di spingere l’ascoltatore a ballare dimenticando ogni preoccupazione.

Man Should Know / FREDDIE McGREGOR
Freddy è sicuramente uno dei più precoci talenti giamaicani: la sua carriera inizia infatti all’età di sette anni. Egli è influenzato non solo dalle grandi stelle del Reggae quali Alton Allis e John Holt, ma anche da cantanti come Stevie Wonder o Marvin Gaye. Creatore del Big Ship Recording Studio, cantante, musicista e produttore, Freddie propone anche questa volta una brano nel quale le contaminazioni Soul sono evidenti. La melodia scelta risulta interessante e il timbro vocale di McGregor non può che considerarsi assai piacevole. Originale l’inserimento della sezione fiati, che contribuisce a rinnovare la vecchia base e a variare lo schema melodico.

Fisherman’s Anthem / DEAN FRASER
Musicista di gran classe, è presente in quasi mille dischi in veste di sassofonista. L’abilità di Fraser nell’improvvisare pezzi sul suo inseparabile sax è ormai rinomata nel mondo intero. Come ci si poteva aspettare, il celebre artista giamaicano propone un brano interamente strumentale, caso isolato nel cd 1. Dean si lancia in una serie di variazioni sulla melodia vocale iniziale e, nonostante il suono del sassofono non sia accompagnato da altri strumenti supplementari alla base iniziale, la voce corposa dello strumento riempie ogni spazio ed incanta l’ascoltatore, creando un’atmosfera assai suggestiva.

Fisherman Style / U ROY
Considerato dai più colui che ha posto le basi per la nascita dell’Hip Hop e del Rap americano, U Roy è uno dei maggiori toaster della storia. Il suo stile viene imitato da moltissimi giovani artisti e le sue parole si distinguono da quelle di numerosi dj giamaicani odierni, basate spesso sulla rabbia verso omosessuali e donne e sulla passione per armi e violenza. Fisherman Style non solo utilizza la base della canzone dei Congos, ma mantiene addirittura frammenti delle parti cantate da Cedric Myton e Watty Burnett, lasciando che U Roy si concentri unicamente sul talk-over. Quella cantata da Daddy U è una lirica disimpegnata e serena, incentrata sulle specialità alimentari a base di pesce. Pur trattandosi di un testo piuttosto banale, il mitico deejay non tradisce il proprio stile né le aspettative dei fan.

Captain Of The Ship / SUGAR MINOTT
Dio è ovunque, potete trovarlo quindi nella veste di taxista, pilota, guardiano della città o capitano di una nave: questo il divertente messaggio di Sugar Minott, nominato “Godfather of Dancehall”, compagno di Tony Tuff nei vecchi African Brothers. Per Minott suonare non significa limitarsi ad eseguire un determinato tipo di musica: questo grande pioniere del Reggae si destreggia abilmente nel ruolo di deejay, così come è capace di grandi prestazioni in ambito Roots o Lovers. La sua voce è dolce, piena di passione, in grado di trasmettere l’amore non solo per Dio, ma anche per la musica. Gli interventi di Sugar si alternano al ritornello dei Congos e i lunghi intervalli che intercorrono tra le parti cantate accrescono l’attenzione dell’ascoltatore.

Row Fast / DILLINGER
Noto esponente del Dj Style, Dillinger riscontra grande successo a cavallo tra fine anni ’70 e inizio ’80 e, dopo un periodo di inattività, torna sulla scena negli anni ’90 per infiammare ancora una volta l’animo del popolo della dance hall. In Row Fast, Dillinger sembra dare al pescatore il ritmo giusto per la remata: a caratterizzare questa track -la più breve del primo disco- non sono certo incredibili qualità canore di Dillinger, ma proprio il ritmo coinvolgente, che il deejay scandisce in maniera impeccabile.

Let Your Love / MYKAL ROSE
Voce dei Black Uhuru fino a metà anni ’80, Mykal Rose, con i suoi lunghi dreadlocks, è ancora oggi un’icona del Reggae ribelle, un portatore del messaggio Rasta. Let Your Love è, non a caso, una canzone impregnata di sentimento religioso e d’amore, un climax di emozioni che crescono insieme alla voce di Mykal. Rose non teme confronti e non ha paura di rischiare: egli è dotato di una buona estensione vocale e non risparmia certo il fiato in quest’inno al “Leone Conquistatore Della Tribù Di Giuda”.

CD 2
Se i nomi presenti nella tracklist del primo disco sono conosciuti a livello internazionale, lo stesso non si può dire di quelli che compaiono nel secondo cd. Esso è infatti dedicato ai nuovi talenti del panorama Reggae giamaicano (eccezion fatta per Gregory Isaacs), alcuni dei quali si stanno già creando grande fama anche all’estero.

Going Home / LUCIANO
Quella di Luciano è una delle più belle voci della scena Reggae mondiale ed il suo entusiasmo gli ha procurato il successo in Giamaica fin dal 1993, anno del suo debutto. Going Home ha un suono malinconico, ma riesce in ogni caso a trasmettere ottimismo e gioia di vivere.

Whitewash Walls / LUTAN FYAH
Due album alle spalle ed una promettente carriera di calciatore abbandonata per dedicarsi alla musica con tutto se stesso. Raggamuffin e protesta sociale: questa la formula di Lutan Fyah, autore di questo entusiasmante pezzo che lascia ben sperare per il futuro.

Carthage / PAUL St HILAIRE
Conosciuto precedentemente con il nome di Tikiman, Paul St Hilaire mescola Dub, Elettronica, Roots, Raggamuffin e Pop ottenendo un risultato assai originale. Per la prima volta nella storia del Reggae una canzone celebra Cartagine, l’antica città africana.

Make Poverty History / COUNTRY CULTURE
Anthony Martin dimostra il meglio di sè nel tratto finale della canzone, nel quale può dare sfogo all’indole portata al Ragga più che al Roots, nel quale la sua voce matura risulta invece strascicata e non troppo piacevole.

Jig Jig Jig / EARLY ONE
Il deejaying è la strada prediletta dai nuovi talenti giamaicani: anche Early One si dedica a questo genere ed ottiene fortunatamente buoni risultati. Jig Jig Jig è una dettagliata descrizione della vita e del lavoro di un pescatore giamaicano al giorno d’oggi.

Nuh Worry Your Mind / MacLAW
Simile a quello di Early One, lo stile di MacLaw segue la stessa direzione della track precedente, peccando forse di scarsa melodicità: la voce è a tratti ruvida, le parole quasi urlate. Jah viene nominato più volte: Dio rimane al centro delle liriche dei nuovi Rasta giamaicani.

Fisherman Melody / Mr RAGGAMONICA
Unico brano strumentale del secondo disco, Fisherman Melody è davvero notevole per l’effetto che essa produce sull’ascoltatore: il suono della melodica di Mr Raggamonica è ipnotico, quasi mistico.
Alla fine di ogni frase le note sfumano in sonorità Dub, cancellando i contorni ed estendendo il suono nel tempo.

Spot And Beat The Bank / GREGORY ISAACS
Gregory costituisce l’unica eccezione nel secondo disco: egli non appartiene infatti al gruppo delle nuove voci emergenti, ma è al contrario un artista già largamente conosciuto, il quale ha pubblicato il suo primo singolo nel 1968. La parte vocale di Spot And Beat The Bank è armoniosa, nonostante il cantato suoni un po’meno vellutato del solito.

Behold Jah Live / RICKY CHAPLIN
Tra successi e delusioni, Ricky Chaplin, pur essendosi dato al deejaying fin dagli anni ’80, non ha mai varcato i confini giamaicani sfondando all’estero. La scarsità dei riconoscimenti è ingiustificata: la voce di Ricky, accompagnata in Behold Jah Live da un secondo singer, è coinvolgente ed ispirata, mentre il ritmo non ha nulla da invidiare ad artisti come Early One.

Nine To Five / LUCAN I
L’influenza di Luciano è riscontrabile in modo chiaro in questa Nine To Five: lo stile è dettato da un Roots profondo con sfumature Lovers, quasi Soul. Le linee vocali seguite da Lucan I non sono dissimili da quelle di Luciano, nonostante il timbro del primo sia più profondo e meno facilitato a raggiungere le note acute familiari al secondo.

Enjoy Your Blessings / AL PANCHO
Emule del successo di Buju Banton e Pan Head, Al Pancho cerca il successo dal 1991, ma riesce a raggiungerlo soltanto nel 2003 con il suo Righteous Man. Melodia quasi canzonatoria e voce a tratti grossolana per quest’artista pieno di voglia di far sentire le proprie parole al mondo intero.

Bring The Mackaback / UPSETTERS
A chiudere l’intera opera è Bring The Mackaback, originale versione Dub della hit dei Congos, prodotta anch’essa dal mitico Lee Perry ed emersa già negli anni ’70. La prima strofa rimane praticamente invariata rispetto a Fisherman, mentre segue un lungo intervallo strumentale rimaneggiato in base agli stilemi del Dub. Il basso diviene protagonista, ma modifiche ed effetti rimangono comunque marginali, mantenendo la natura ed il feeling che caratterizzavano il pezzo.

Il fatto che tutte le track siano registrate sulla stessa identica base può risultare penalizzante per Fisherman Style: la tendenza è infatti quella di cercare di tanto in tanto singole tracce e non certo quella di ascoltare dalla prima all’ultima canzone l’intero disco, che risulta nel suo complesso piuttosto pesante. Fisherman Style non è consigliato ad ascoltatori occasionali, ma costituisce una chicca per gli appassionati di Reggae, che potranno, scorrendo i vari brani, rivivere la storia di un intero genere.

Catch a Fire

admin — Fri, 21 Apr 2006 22:00:00 +0000

Voto:

9.5 / 10

Autore:

Elena Fava

Genere:

Reggae

Etichetta:

Island Records

Anno:

1973

Link correlati:

Bob Marley Official Site

Line-Up:

- Bob Marley - voce e chitarra acustica
- Peter McIntosh - pianoforte, organo, chitarra e voce
- Bunny Livingston - congas, bongos e voce
- Aston (Family Man) Barrett - basso
- Carlton (Carly) Barrett - batteria

Tracklist:

1. Concrete Jungle (04:13)
2. Slave Driver (02:54)
3. 400 Years (02:45)
4. Stop That Train (03:54)
5. Baby We’ve Got A Date (Rock It Baby) (03:55)
6. Stir It Up (05:32)
7. Kinky Reggae (03:37)
8. No More Trouble (03:58)
9. Midnight Ravers (05:08)
10. High Tide Or Low Tide (Bonus Track) (04:40)
11. All Day All Night (Bonus Track) (03:26)

Bob Marley and The Wailers

Catch a Fire

I primi anni di attività dei Wailers somigliano alle storie di tanti coetanei alla ricerca del successo nella Kingston dei primi anni ’60. Robert Nesta Marley è un diciassettenne con qualche trascurabile session alle spalle quando Dekker, già divenuto una celebrità nell’isola, lo spedisce da Lesile Kong, con il quale il ragazzo inciderà le sue prime canzoni. È Joe Higgs, figura fondamentale nella storia del Reggae, a notare Bob e gli amici Peter Tosh e Bunny Livingston e ad educarli alla musica. Nascono i Wailing Wailers, che con il singolo Ska Simmer Down vendono 80.000 copie in Giamaica e che con Rude Boy divengono portabandiera dei rudies giamaicani. Cambiato il nome in The Wailing Rude Boys, divenuto poi The Wailers a partire dal 1965, la band passa, dopo un momento di crisi, dallo Ska al Rocksteady. In seguito a svariate esperienze con diverse case discografiche e dopo l’entrata dei fratelli Barrett nel gruppo, i Wailers incontrano finalmente Chris Blackwell, fondatore della Island Records, che accoglie la band nella sua scuderia e investe su di essa quattromila sterline, affinché incida un disco con mezzi tecnici di qualità dignitosa.

È il 1973 quando Catch A Fire porta i Wailers al tanto atteso salto di qualità: con quest’album non solo la band giamaicana, ma il Reggae stesso si fa conoscere nel mondo. Esso non costituisce più un semplice fenomeno di intrattenimento, ma è per la prima volta un genere in grado di produrre un album di alto profilo. Le registrazioni del disco avvengono a Kingston, in Giamaica, ma vengono poi rielaborate a Londra sotto la supervisione di Bob e l’attenta guida di Chris Blackwell: le sovraincisioni di chitarra mirano ad imprimere al disco un suono più Rock, che lo renda cosmopolita pur mantenendone le caratteristiche caraibiche. Catch A Fire attira l’attenzione degli ascoltatori inglesi e viene subito apprezzato dalla critica. La foto riportata in copertina scatena numerose polemiche, che contribuiscono a porre in primo piano il lavoro discografico della band giamaicana. Già il titolo dell’album (Catch A Fire, ovvero “stai in guardia”) ha in sé il sentore del tono militante delle canzoni e dei testi critici verso la realtà sociale.

Ad aprire il disco è Concrete Jungle, canzone ispirata alla giungla di cemento che venne edificata dopo aver raso al suolo Newland Town ed i confinanti Arnett Gardens, due importanti zone di Kingston. Il testo tuttavia si riferisce in questo caso alla giungla nella quale ogni giorno migliaia di uomini, donne e bambini devono sopravvivere come bestie: si tratta di Trench Town, prototipo di ogni ghetto e quartiere povero del mondo. La responsabilità che i Wailers si assumono è grande: per la prima volta è la realtà della Giamaica ad essere cantata. Il brano è introdotto dal suono della chitarra e della batteria, che per mezzo minuto preludono l’atteso ritmo in levare, dal quale l’ascoltatore verrà accompagnato durante l’intero disco. Concrete Jungle è dominata da un’atmosfera terribilmente triste ed i toni malinconici sono sottolineati dalle voci di Peter Tosh e Bunny Livingston. Questa prima track vanta numerose collaborazioni: il musicista americano Wayne Perkins alla chitarra, Robbie Shakespeare al basso ed il geniale tastierista Tyrone Downie all’organo. Sono Tosh e Livingston ad introdurre Slave Driver, vera e propria frustata contro la società: la canzone lancia un’accusa allo schiavismo, piaga che ancora sanguina nella civiltà contemporanea e che il popolo africano, di cui Bob si fa portavoce, non potrà mai dimenticare. Dal suono ritmico della chitarra scaturisce un clima ruvido, che esalta il tono ribelle della voce del cantante. 400 Years, capolavoro cantato da Peter Tosh, costituisce un altro deciso attacco ai quattro secoli di schiavitù del popolo nero e contiene un monito a coloro che si ostinano a condannare la gioventù, senza rendersi conto che essa rappresenta il futuro. 400 Years era stata originariamente registrata durante gli ultimi anni ’60, quando i Wailers lavoravano con il leggendario produttore Lee Perry.

È’ ancora la profonda voce di Peter, miglior timbro vocale basso nella storia del Reggae, ad intonare Stop That Train. La versione presente in Catch A Fire è quasi irriconoscibile se paragonata all’originale (registrata come singolo intorno al 1967 e prodotta da Lesile Kong): la prima versione era veloce ed aggressiva, niente a che vedere con quella lenta e flemmatica presente nella tracklist di quest’album. Il testo di Stop That Train descrive un senso di impotenza e dispiacere, che ben si accosta alla melodia dolce ma rassegnata. E’ ora il momento di Baby We’ve Got A Date (Rock It Baby), che cambia decisamente il mood del disco con il suo ritmo allegro e movimentato e la sua melodia, che ricorda una canzone per bambini. Le liriche non trattano alcun tema politico o sociale, bensì si rivolgono ad una donna. Lo stesso discorso vale per Stir It Up, il cui semplice riff di basso infonde il buon umore nell’ascoltatore, il quale dopo averlo sentito non riuscirà a dimenticarlo facilmente. Come backing vocals troviamo Rita Marley e Marcia Griffiths, che andranno in futuro a formare, insieme a Judy Mowatt, le I-Threes. Stir It Up, con il suo suono ipnotico, è sicuramente la canzone più conosciuta di Catch A Fire.

Segue Kinky Reggae, pezzo davvero assurdo per quando riguarda il testo: il titolo gli si addice perfettamente. La track contribuisce comunque a rendere l’album più interessante. La bizzarra Kinky Reggae si conclude per lasciare spazio a No More Trouble, invito alla pace e all’amore. Piuttosto ripetitivo, ma di conseguenza molto efficace, questo brano può considerarsi sempre attuale ed insieme a War (1976) diverrà un inno per il terzo mondo e per tutti i diseredati del pianeta. Midnight Ravers, secondo pezzo dopo Stir It Up per quanto riguarda la durata, costituisce l’ultimo brano presente nell’Lp originale. Si narra che Bob abbia scritto questa canzone dopo la notte in cui conobbe Patricia Williams, dalla quale ebbe anche un figlio.

Le ultime due canzoni sono state registrate durante la session di Catch A Fire, ma aggiunte come bonus track solo nella ristampa definitiva uscita nel 2001, sei mesi dopo la pubblicazione della Deluxe Edition, lavoro interessante per gli appassionati, che possono grazie a quest’ultimo godersi anche la Jamaican Version di Catch A Fire, ovvero quella priva della rielaborazione inglese. High Tide Or Low Tide, pezzo lento e commovente, con il suo retrogusto R'nB accompagna dolcemente l’ascoltatore verso la conclusione di questo straordinario lavoro discografico e dimostra come Bob Marley e i Wailers, invece di sbiadire con il passare degli anni, siano in grado di emozionare sempre più. A chiudere in modo dignitoso Catch A Fire ci pensa All Day All Night, originale canzone d’amore, che si trova in perfetta armonia con l’atmosfera del disco.

Questo rivoluzionario debutto fa sì che i Wailers varchino gli oceani sull’onda dei ritmi in levare: Catch A Fire può considerarsi una colonna portante del Roots Reggae e contribuirà a stabilire le sorti della musica giamaicana. Il vero successo è ancora lontano, ma i dreadlocks con i quali Bob scuoterà il mondo hanno appena cominciato a crescere.