Psychedelic Rock

Area 51/Split Ep #1

Giulio Magliulo — Fri, 18 Mar 2016 09:18:10 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

A.Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Post Rock

Etichetta:

Area 51

Anno:

2016

Line-Up:

RONIN
Bruno Dorella: chitarra, steel drum
Cristian Naldi: chitarra
Diego Pasini: basso
Matteo Sideri: batteria, percussioni

UYUNI
Nicola “Lompa” Lombardi: Chitarre, basso, banjo, tastiere, elettroniche, voce.
Inserirefloppino: Percussioni, Elettroniche.
Alice Berni: Pianoforte, tastiere, voce.

Tracklist:

1. Studio For A Hit – Ronin
2. On The Road To Mandalay – Ronin
3. Ashtral – Ronin
4. Shared_track#1 (Ronin/Uyuni)
5. Del colore della terra – Uyuni
6. Cardamomo – Uyuni
7. Mentre ti allontani – Uyuni

Ronin/Uyuni

Area 51/Split Ep #1

Uyuni e Ronin, insieme.
I primi, meno conosciuti, imbastiscono delicati e misteriosi rituali acustici chasnyani che ci conducono fino in medioriente (alcuni field recording registrati in Iraq) e poi offrono una traccia, cantata in italiano, dalla poetica trasparenza folk-progressive che fa un sol boccone di tutto il neocantautorato indie nostrano.

Gli altri, sicuramente più famosi, declinano in chiave Calexico-desertica il post-rock dei Tortoise aggiungendo una quota di desolazione ambientale e amarezza cinematografica che ne aumenta la qualità narrativa.

Questo bellissimo progetto è - il primo di una serie - concepito su degli split più una traccia condivisa dalle due band di turno e pubblicato in due versioni ciascuna delle quali presenterà per primi gli uni o gli altri, azzerando così ogni gerarchia di sorta. Si tratta della label Area 51 nata dall'esperienza decennale dell'omonima trasmissione radiofonica su Popolare Network.

Auguri, aspettiamo con ansia gli split futuri nella speranza che il livello sia sempre così alto.

The Winstons

Giulio Magliulo — Sat, 05 Mar 2016 17:13:58 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Progressive Rock

Psychedelic Rock

Etichetta:

AMS

Anno:

2016

Line-Up:

Linnon Winston (Lino Gitto) - drums, keyboards, vocals
Enro Winston (Enrico Gabrielli) - keyboards, woodwinds, vocals
Rob Winston (Roberto Dell'Era) - bass, electric 12 string guitar, vocals

GUESTS:
Xabier Iriondo Gemmi - soundmetak
Roberto D’Azzan - trumpet

Tracklist:

Nicotine Freak

カンガルー目 (Diprotodon)

Play With The Rebels

…On A Dark Cloud

She’s My Face

A Reason For Goodbye

Dancing In The Park With A Gun

Tarmac

Viaggio nel suono a tre dimensioni

番号番号 (Number Number)

The Winstons

La AMS, label italiana prog oriented pubblica il debutto del trio The Winstons, da non confondere con l'omonima formazione americana dei sixties. In effetti a debuttare è la sigla e non certo i componenti, essendo già ben noti i nomi di Roberto Dell'Era, Enrico Gabrielli e Lino Gitto.

Sono folate di malinconia e di inquietudine tratteggiate con piglio surreale quelle che ci attanagliano nell'opener Nicotine Freak; il dubbio che per errore sia partita una qualsiasi traccia con Bob Wyatt alla voce è forte, almeno fintanto che il brano non prende vigore e psichedelica consistenza barrettiana. Come fossimo entrati in una macchina del tempo che ci ha mollati nel Kent in una giornata piovosa a caso tra il 1966 e il 1973, mentre è in atto un duello (Diprotodon) tra un Fender Rhodes e una tromba molto rock in opposition (quella dell'ospite Roberto D'Azzan).

Play with the Rebels comincia come un piccolo incantesimo crimsoniano ma poi è puro zucchero beatpop alla Beau Brummels a scioglierci così come le algide tastiere di ..On a Dark Cloud a gelarci nel loro siderale spazio floydiano.
She's My Face riesuma Ray Manzarek (anche qui i Winstons deformano lo spazio tempo lasciando suonare Golden Brown ai Doors) e c'è perfino spazio per qualche episodio hard-prog sul finale ma sempre condotto con quell'estro alt-jazzy che animava le avanguardie rock di quegli anni lì.

Se per voi nomi come Soft Machine, Rare Bird, Eela Craig e Egg significano più di qualcosa, se personaggi quali Hugh Hopper e Daevid Allen rientrano nella vostra cosmogonia rock, allora comprate questo disco, restatene stupiti, commuovetevi, piangete e ringraziate.

Time to Die

Giulio Magliulo — Sun, 09 Nov 2014 20:14:58 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Doom Metal

Etichetta:

Spinefarm

Anno:

2014

Line-Up:

Jus Oborn - Guitars, Vocals

Liz Buckingham - Guitars

Mark Greening - Drums, Percussion

Clayton Burgess - Bass

Count Orlof - Bass

Tracklist:

Incense For The Damned

Time To Die

I Am Nothing

Destroy Those Who Love God

Funeral Of Your Mind

We Love The Dead

SadioWitch

Lucifer's Slaves

Saturn Dethroned

Electric Wizard

Time to Die

Il loro ultimo album, Black Masses, risale a ben quattro anni fa.

Un lasso di tempo più che adeguato – per qualcuno infinito – per farci sentire la loro mancanza e sfornare un nuovo disco carico, denso, come lo standard dei nostri narcosatanisti preferiti richiede.

Ed i leccarospi del Dorset ci hanno messo davvero l'anima per Time To Die; non deve essere stata indolore la separazione dalla storica label Rise Above, per non parlare dell'instabilità della sezione ritmica: Mark Greening alle pelli è si ritornato, ma sembra sia nuovamente andato via dalla band mentre per quanto riguarda il bassista Clayton Burgess non si capisce se in quest'album ci suoni o meno (il citato Count Orlof nella formazione dovrebbe/potrebbe essere lo stesso Oborn).

Generalmente un gruppo che non evolve e che continua a marciare/marcire sempre sullo stesso percorso che lo ha portato ad un presunto successo, artisticamente dovrebbe morire.

Nel caso degli Electric Wizard noi non ci aspettiamo altro e soprattutto non vogliamo altro: che continuino a fare esattamente quello che han sempre fatto

E se Time To Die si avvicini di più al sound di Dopethrone piuttosto che alle sonorità degli ultimi due album è un dato che può far piacere ma interessare fino ad un certo punto poiché riuscire ad annullare il pensiero e fermare la mente non con l'ambient music o con la classica, ma con qualsiasi disco degli Electric Wizard nell'esatto istante in cui si preme il play non è davvero da tutti.

Ecco perchè leggere in rete che il disco non presenta novità, è troppo lungo e ripetitivo e così via non può che far ridere.

Qualcuno si aspettava qualcosa di diverso dalla trasformazione del formato canzone in lunghe jam oscure ed acide?
Qualcuno voleva chitarre accordate di mezzo tono più in alto?
Qualcuno avrebbe rinunciato al suono più fantasticamente chiuso ed opprimente che ci sia?
Qualcuno avrebbe voluto resistere a quelle benzodiazepiniche spirali psicodark che ammorbidiscono l'encefalo?

Gli Electric Wizard, nel concetto di reiterazione nel rock, sono ad uno stadio molto elevato. Qualcuno dovrebbe proporre dei test neurologici capaci di evidenziare le differenze e le analogie che si riscontrano in soggetti che hanno assunto stupefacenti ed altri che non lo hanno fatto ma hanno ascoltato lo 'stregone elettrico'.

Per quanto riguarda invece i contenuti, i consueti surrogati di nichilismo stavolta sono mutuati dalla cronaca nera passata laddove nei precedenti dischi si attingeva di più a letteratura o a film horror di serie B. In ogni caso si perviene sempre a quella strana sorta di fiction da trip andati a male.

E se i nostri ci credano davvero o se si calano soltanto in questo ruolo fumettistico, non ci interessa proprio per niente.

Quel che ci interessa è quel wah-wah che si solleva e brucia l'aria intorno al quarto minuto e mezzo di Time To Die, il riff slabbrato e crudo che sostiene I'Am Nothing, l'approccio garage rivolto al doom di Funeral Of Your Mind, il ponte con l'hard-blues di Lucifer's Slave, l'aria di perversione generale che si respira in We Love The Dead e quell'organo che fa capolino qua e là come se fosse suonato dagli Atomic Rooster.. dieci metri sotto terra.

Primitive and Deadly

Giulio Magliulo — Sun, 12 Oct 2014 16:55:11 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Doom Metal

Etichetta:

Southern Lord

Anno:

2014

Line-Up:

Dylan Carlson - guitar

Adrienne Davis - drums, percussion

guests:

Randall Dunn - moog synthesizer

Brett Netson - guitar

Rabia Shabeen Qazi - vocals

Mark Lanegan - vocals

Tracklist:

Torn By The Fox Of The Crescent Moon

There Is A Serpent Coming

From The Zodiacal Light

Even Hell Has Its Heroes

Rooks Across The Gate

Earth

Primitive and Deadly

Ancora ipnotizzati dagli angeli zen degli ultimi atti, con Primitive and Deadly gli Earth piegano anche il rock al loro verbo.

Nel corso di un'intera carriera Dylan Carlson è riuscito a trascendere i luoghi comuni dei generi musicali arrivando ad una sorta di minimalismo anche quando la fisicità dei suoni ne rappresentava il suo opposto.

Reiterazione e magnetismo le parole chiave, formula osata da molti e spesso con noiosi esiti.

Torn By The Fox Of The Crescent Moon a ben guardare potrebbe essere il solito lento vortice superdoom drammaticamente neurosisiano e perfino di fronte a cotanta forza di gravità gli Earth riescono ad essere ieratici e a costringere l'epica metal in una zona di sospensione.

Quanto poi siano sempre stati parchi nell'utilizzo delle voci nella loro storia, lo si sa.

Ora addirittura due. La prima è quella di Mark Lanegan e sebbene la sua onnipresenza cominci a diventar fastidiosa, grazie agli Earth il dark cowboy che declama in There Is A Serpent Coming si eleva a profeta che dà voce a visioni mistiche in un paesaggio oscuro e desertico, del colore del cinabro.

L'altra voce è quella di Rabia Shaheen Qazi dei Rose Windows, formazione acid-folk di Seattle, che officia in From The Zodiacal Light, brano che lascia comprendere, ancor meglio rispetto all'opener, come anche nel più convenzionale heavy-psych il marchio Earth lasci più di un distinguibile segno.

Even Hell Has Its Heroes cupa e dal passo funereo è la Calvary del nostro tempo. Quasi dieci minuti in cui un Carlson mai così classico paga pegno ai padri della psichedelia elettrica, da consapevole discendente in quel ruolo.

Rooks Across The Gate è l'ultima traccia che non cambia nulla nella pasta sonora del disco e aggiungendo solo qualche bagliore, illuminando appena un po' il sentiero, lascia scorgere nuovamente Lanegan, e se la sua voce fa ricordare gli Screaming Trees, immaginiamo pure questo brano come una loro traccia sotto eroina.

Disco controverso per gente controversa questo degli Earth, ma in un certo senso coraggioso per la sua capacità di mostrarsi senza ambizioni, che lascia interdetti all'inizio fintanto che non ci si entra dentro e che va comunque assunto a piccole dosi, senza esagerare, per continuare ad apprezzarlo anche successivamente all'interno di una discografia nel quale si configura indubbiamente come l'anello debole.

Forestelevision

Emanuele Pavia — Sun, 24 Nov 2013 00:59:41 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Progressive Metal

Psychedelic Rock

Etichetta:

Translation Loss Records

Anno:

2013

Line-Up:

- Dorando Peter Hodous - Voce, basso
- Daniel Joseph La Rochelle - Chitarre
- Arran Emory McInnis - Chitarre, tastiere
- Benjamin Paul Thomas-Kennedy - Batteria, percussioni

Guests:
- B.R.A.D. Mowen - Voce
- Timba Harris - Archi

Tracklist:

1. Forestelevision

Lesbian

Forestelevision

Impegnati fin dal 2007 (anno del promettente, ma ancora acerbo, Power Hor) in un personale ibrido di classicità heavy metal, strutture cervellotiche progressive e cadenze funebri doom/sludge, il quartetto statunitense dei Lesbian pubblica a giugno, tramite la Translation Loss Records, il terzo full-length Forestelevision, che si può definire senza alcun indugio come uno dei dischi più intriganti (e colpevolmente snobbati) del 2013.

Da sempre alle prese con composizioni arzigogolate, dilatate ed estremamente cervellotiche (entrambi gli album precedenti superavano infatti l'ora di durata per pochi, camaleontici brani dal minutaggio mediamente compreso tra i dieci e i venti minuti), i Lesbian affinano la mira sul loro terzo lavoro, sfoderando un'unica, monolitica suite di quasi tre quarti d'ora che - sorprendentemente - risolve molti dei problemi che minavano l'organicità e l'esecuzione dei primi due dischi, valorizzandone di contro le numerose idee (mai realizzate così efficacemente come su Forestelevision).

Dove Power Hor si trovava spesso ad avanzare a fatica in composizioni ingenue e non all'altezza delle ambizioni del quartetto, ancora insicuro nel momento in cui tentava di superare i confini del doom metal; dove anche il superiore Stratospheria Cubensis si arenava talvolta in esperimenti ancora non perfettamente calibrati e in eccessive lungaggini, Forestelevision svetta invece per una maturità che non ha pari nei precedenti della (pur breve) discografia dei Lesbian.
Ripartendo dalle promesse fatte con il sound visionario e proteiforme di Stratospheria Cubensis, Forestelevision è una chimera che tributa le caratteristiche e gli umori del passato della musica rock, iniettandoli nel sound classico dei Lesbian (un metal vorticoso, che contiene tracce di sludge, black e progressive eppure non può essere ricondotto totalmente a nessuno di questi generi): le atmosfere rarefatte ed esotiche sono quelle della psichedelia West Coast, ma minate dalle propulsioni cosmiche dello space rock e del krautrock e dotate della sofisticatezza austera del progressive rock inglese, mentre il riffing e la solistica serrata riprendono chiaramente l'hard & heavy di fine Settanta.

Mentre i primi due full-length dei Lesbian si limitavano perlopiù a ricamare, intorno al loro sludge intellettuale, arrangiamenti che strizzavano l'occhio ora alla psichedelia, ora al post-rock, ora al progressive rock, Forestelevision ne compromette irrimediabilmente l'identità, rendendo indistinguibile la componente estrema da quella spaziale - una maturità concettuale riscontrabile fin dall'apertura dell'album, psichedelica e apocalittica insieme, con ariose melodie di tastiera progressive, allucinazioni space rock e battiti motorik a colorare l'exploit neurosisiano (periodo Through Silver in Blood) della chitarra.
Anche i (numerosi) cambi di registro tra una sezione e l'altra della suite, che conducono il brano su coordinate più liquide e apertamente progressive di chiara influenza Mastodon (e in particolare del capolavoro Hearts Alive), per poi virare su lidi black metal dall'impronta metafisica degne dei Nachtmystium e Oranssi Pazuzu, vengono eseguiti con una naturalezza e una classe che fanno impallidire molti degli esperimenti analoghi (ma ben più artificiosi) tentati nei primi due lavori.
Forestelevision si muove in un gioco di rimandi e citazioni, stravolto dalle acrobatiche distorsioni di chitarra e tastiera che celebrano ora le esplorazioni spaziali dell'hard rock degli Hawkwind, ora le divagazioni ipnotiche dell'organo di Ray Manzarek: le cadenze thrash dei Metallica e le melodie chitarristiche degli Iron Maiden si alternano ad assoli allucinogeni di chitarra sospesi in un miracoloso equilibrio tra Voivod, High Tide e Deep Purple, per poi approdare a una versione stralunata e distorta dei romantici acquerelli acustici degli Opeth. I Lesbian indulgono anche in una parentesi quasi sinfonica, grazie alla partecipazione degli archi dell'illustre ospite Timba Harris, che conferisce al sound dei Lesbian una compostezza che ricorda la tragicità dei primi King Crimson, prima che il tessuto progressive rock venga assaltato dall'aspro scream di Hodous e dalle chitarre black metal, in una sorta di balletto che ammicca agli algidi esperimenti degli Arcturus.

Flirtando momentaneamente anche con la ferocia del thrash e death metal, i Lesbian arrivano anche ad abbandonarsi ad alcuni dei numeri più violenti di tutta la loro opera, in fughe torrenziali che trovano i propri precedenti tanto nelle progressioni pirotecniche e visionarie dei Mastodon e degli Atheist, quanto nella nevrosi monolitica dei Gorguts di Obscura, ma sempre sabotate da pulsioni noise sotterranee degne di Chrome e Comets on Fire (come sperimentato negli ultimi anni - ma mai con risultati altrettanto calibrati - dai floridiani Gigan). Ma la devastazione del quartetto implode ben presto in derive cosmiche faustiane, che scoprono i Lesbian anche come notevoli artigiani melodici: dalle intermittenze dell'organo sorge una lunga parentesi intimista, ideale punto di incontro tra i momenti più distesi dei Metallica di Master of Puppets e la straziante Into the Dead Sky degli At the Gates, ma suonata con il piglio dei Grails.
Gli epici dieci minuti finali celebrano infine i principali esponenti dell'heavy metal classico di inizio anni Ottanta: la galoppata ritmica è quella degli Iron Maiden e dei Judas Priest storici, la voce - del secondo ospite B.R.A.D. Mowen - è di chiara ascendenza King Diamond; perfino l'assolo climatico conclusivo (con risate naif dal sapore tipicamente ottantiano) proviene direttamente dai solchi di The Number of the Beast.
Non si tratta di una mera operazione di crossover tra i più disparati stili della musica metal: tutto Forestelevision è un potentissimo esempio di capacità di declinare le sonorità del passato sotto la lente dei più importanti trend attuali dell'ambito estremo. E, soprattutto, la lucidità e competenza con cui i Lesbian portano a compimento il loro progetto sono rare nel panorama metal contemporaneo.

The Terror

Giulio Magliulo — Sun, 30 Jun 2013 15:41:57 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Etichetta:

Bella Union

Anno:

2013

Line-Up:

Wayne Coyne - lead vocals, guitar, keyboards

Michael Ivins - bass, keyboards, backing vocals

Steven Drozd - lead vocals, drums, guitar, keyboards, backing vocals

Kliph Scurlock - drums, percussion

Derek Brown - guitar, keyboards, percussion, backing vocals

Tracklist:

1. Look…The Sun Is Rising
2. Be Free, a Way
3. Try to Explain
4. You Lust
5. The Terror
6. You Are Alone
7. Butterfly, How Long It Takes to Die
8. Turning Violent
9. Always There…In Our Hearts

Flaming Lips, The

The Terror

Il tredicesimo album dei Flaming Lips, cosa aspettarsi dunque?
Sarebbe buona norma non immaginarselo neanche un disco della band di Oklahoma City che – ricordiamolo – è stata una delle poche che in quasi trent’anni di storia è stata in grado di portare avanti un discorso sempre legato alla psichedelia senza mai imbalsamarla o cristallizzarla in stilemi datati, arcaici o morti.

Con questi lucidi folli quel verbo stesso è diventato qualcos’altro, così legato al rock e al pop ma allo stesso tempo – data la sua natura visionaria – così libero di assumere forme e colori ogni volta sempre nuovi.

Quando mai ci si è annoiati con un disco dei Flaming Lips? Quando mai un disco dei Flaming Lips è stato così uguale ad un altro disco dei Flaming Lips? E chi ha avuto il piacere di assistere ad uno show dei Flaming Lips – soprattutto gli ultimi - cosa può raccontare delle meraviglie e delle magie cui ha assistito?
Domande retoriche di cui conosciamo le risposte ma che non annullano quel carico di trepidazione con cui ci si appresta ad ascoltare The Terror, magari con quel paio di mesi di ritardo che spesso aiutano a spegnere quel chiacchiericcio di fondo troppo alto che rischia di disturbare, in barba alle fottutissime leggi dei media per le quali dopo due mesi un disco è ‘old’ o ‘out’.

Seguendo quindi le mie primitive ed assolutamente arbitrarie tecniche di ‘decantazione’ posso affermare che The Terror è un gran disco.
Look …The Sun Is Rising, primo brano dell’album chiarisce subito intenzioni ed atmosfera. Il senso di solitudine e di isolamento ricorda quello di un disco come Ghost In The Machine dei Police depurato da ogni tentazione commerciale ed aggiornato all’evo dei Mars Volta, con qualche disturbo intermittente vagamente industriale ad amplificare la componente di alienazione.

I precursori di tali stati d’animo però restano sempre i Pink Floyd più liturgici come quelli di A Saucerful of Secrets e Cirrus Minor e Be Free, A Way non fa altro che rinnovarne la pasta con sostanze chimiche segrete, probabilmente le stesse che nella successiva Try To Explain dimostrano che quando vogliono, i Lips in termini di bucolicità pop non son secondi a nessuno, proprio come i loro fratelli/figliocci di sangue Mercury Rev.

Poi arriva la quarta traccia, You Lust, che dura tredici minuti ed è tutto uno stratificarsi di keys, synth e drones, psichedelia da terzo mondo con una linea melodica in minore che fa venir voglia di intonarci su No Quarter dei Led Zeppelin e che non si perde mai fino al decimo minuto, allorquando una sospensione di elettronica vintage subentrerà e durerà fino al termine del brano.
La titletrack alquanto innocua sino alla metà diventa poi più incombente ed apre la porta a You Are Alone in cui si percorrono oscuri corridoi che conducono in stanze vuote; siamo sul pianeta più lontano ed irraggiungibile: siamo dentro noi stessi.
La seguente Butterfly, How Long It Takes To Die non è affatto meno cupa solo perchè è più dilatata ed ha accenti ritmici più marcati.

La solita elettronica aliena che ormai da quarantacinque minuti ci ricorda che siamo in una capsula apre Turning Violet che sembra quasi voler reagire e fornire una chiave di volta a questa depressione dominante ma non sarà così perché siamo alla fine e la conclusiva Always There .. In Our Hearts è somma e sublime riassunto di The Terror tutto. Le chitarre affilate tagliano, la ritmica è quasi crudele, Wayne Coine inanella un’innocente e terribile filastrocca nella quale ci racconta alcune cose che albergano nel nostro tremebondo muscolo cardiaco. Thom Yorke potrebbe pensarci ad una possibile cover.

The Terror è un album che piega le leggi dello spazio-tempo; mai un disco composto di tracce così lunghe è volato via così in fretta. Non c’è nessuna gioia qui dentro, deve essere un momento molto cupo per i Flaming Lips ma a me hanno regalato uno dei dischi dell’anno.

Occult Rock

Emanuele Pavia — Sat, 15 Dec 2012 23:06:56 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Psychedelic Rock

Noise

Drone

Etichetta:

Norma Evangelium Diaboli

Anno:

2012

Line-Up:

- Shantidas Riedacker - Chitarra
- Matthieu Canaguier - Basso
- Antoine Hadjioannou - Batteria

Tracklist:

1. I
2. II
3. III
4. IV
5. V
6. VI
7. VII
8. VIII

Aluk Todolo

Occult Rock

Il terzo full-length del trio francese Aluk Todolo rappresenta probabilmente la definitiva consacrazione di un sound che nei primi due album (vale a dire l'interessante Descension del 2007 e il ben meno notevole Finsternis del 2009) aveva solo rivelato le proprie potenzialità esplosive e distruttive, dispiegando apertamente un numeroso stuolo di riferimenti musicali (dal post-punk al krautrock, dalla psichedelia al noise rock, fino alla drone music e alla musica industriale) ancora non conciliati a dovere in una formula totalmente convincente.
Pubblicato come doppio LP il 21 settembre 2012 dalla Norma Evangelium Diaboli, Occult Rock rilegge la religious psychedelic trance (questa la locuzione - piuttosto pretenziosa - con cui gli Aluk Todolo hanno descritto la propria musica fin dai tempi del primo 7" eponimo) sotto un'ottica ben più oscura e con un dispiego di mezzi ben più distruttivo. Pur senza rifiutare l'impianto ipnotico e asfissiante della loro musica (come ben dimostrato da una sezione ritmica che, tra battiti motorik e pattern ripetitivi degni di Jaki Liebezeit, fa della reiterazione il proprio punto cruciale), gli Aluk Todolo propongono ora un sound estremamente più curato e variegato, che lungo le otto tracce senza titolo dell'album sfoggia ora riff black metal ora cadenze da cingolato sludge e doom, ora torrenziali distorsioni cosmico/psichedeliche ora cacofonie abrasive nella vena del post-punk industriale dei Chrome. Le numerose trame musicali che costituiscono la base per il sound degli Aluk Todulo vengono eseguite impeccabilmente, riuscendo finalmente nell'obiettivo di creare un rituale evocativo e trascendentale.

Il primo movimento si apre fin da subito con il fragore di un blast-beat su cui si ergono riff metal in tremolo picking (i riferimenti sono visibilmente le correnti più atmosferiche del black metal, dal Burzum di Hvis Lyset Tar Oss fino alle propaggini sperimentali americane del nuovo millennio), ma quel che potrebbe essere l'introduzione a un disco di metal estremo diventa, con il passare dei minuti, un mantra cosmico che, senza mai rifiutare le tecniche metal, si tinge sempre più di sonorità space-rock e psichedeliche, tra giochi di dissonanze e feedback, fischi e rumori, fino a impennate chitarristiche che cannibalizzano Hawkwind, Pink Floyd e Chrome.
La metamorfosi del pezzo giunge con II, che tronca definitivamente le ingerenze black metal per approfondire quelle astrali. Sostituito il blast beat con un pattern ritmico (non meno martellante) rubato a Can e a This Heat, la chitarra improvvisa ora su un ossessivo riff di basso, cimentandosi in spastici arpeggi post-rock dal sapore spaziale, fino a deflagrazioni metal che conducono il brano in un sentiero psichedelico dai toni vagamente desertici, per poi confluire infine in un'impennata mistica che si disperde nel vuoto siderale interrotto solo dal colpo di piatti che inaugura III. Ormai lontani dalle jam rock dei primi due movimenti, gli Aluk Todulo giocano con distorsioni claustrofobiche, inflessioni stoner e derive drone che lasciano la musica a languire in un limbo oscuro e magmatico su cui la batteria, implacabile, continua a battere il tempo senza quasi alcuna variazione. Solo una breve parentesi di post-punk rumorista e ronzante interrompe i dieci, insistenti minuti di marcia del brano, prima che gli Aluk Todolo procedano con il quarto atto del disco, che bombarda con stridii, distorsioni e detonazioni di chitarra un geometrico schema ritmico slintiano.
Il secondo LP dell'album si mostra invece più improntato all'atmosfera e alla dilatazione del brano post-punk, sfoderando dapprima visioni deviate della musica cosmica (V) e quindi mostrando la personale interpretazione del noise rock degli Aluk Todolo (VI), fino a giungere al settimo movimento di Occult Rock che accelera il passo dei Neu! di Für Immer aggiornandolo alle rivoluzioni delle correnti del post-hardcore con muri sonori celestiali shoegaze e scariche chitarristiche adrenaliniche, fino a improbabili manipolazioni chitarristiche che sposano la musique concrète dei Faust con la tecnica atonale di Robert Fripp e le sperimentazioni della scena di Canterbury (Gong e Soft Machine in particolare). Infine, VIII conclude il viaggio spirituale degli Aluk Todulo con un sound monolitico e agonizzante, che raggiunge vertici di pesantezza sludge metal per poi rallentare sempre di più la pulsione ritmica e lanciando gli ultimi urli agonizzanti della chitarra al cielo, mentre l'album si appresta a concludersi con un feedback interrotto bruscamente dallo spegnimento dell'amplificatore.
Forse non tutti i quasi ottantacinque minuti di questo mastodontico doppio sono necessari alla riuscita finale dell'album, ma i problemi di prolissità di Occult Rock non sono così importanti viste la qualità delle composizioni, la maturità del crossover stilistico e la portata emotiva di questo viaggio nell'occulto.

Yellow & Green

Stefano Pentassuglia — Thu, 25 Oct 2012 21:09:35 +0000

Voto:

9.0 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Psychedelic Rock

Post Metal

Alternative Rock

Etichetta:

Relapse

Anno:

2012

Line-Up:

John Dyer Baizley: voce, chitarra

Peter Adams: chitarra

Summer Welch: basso

Allen Blickle: batteria

Tracklist:

Disc 1
1. Yellow Theme
2. Take My Bones Away
3. March to the Sea
4. Little Things
5. Twinkler
6. Cocainium
7. Back Where I Belong
8. Sea Lungs
9. Eula

Disc 2
1 Green Theme
2 Board Up the House
3 Mtns. (The Crown & Anchor)
4 Foolsong
5 Collapse
6 Psalms Alive
7 Stretchmarker
8 The Line Between
9 If I Forget Thee, Lowcountry

Baroness

Yellow & Green

Tanti, forse troppi, hanno scritto la loro opinione sul nuovo disco dei Baroness. Ci sarebbe da chiedersi come mai, dal momento che la band di Savannah (ma originaria di Lexington, in Virginia) è una realtà ancora relativamente giovane, con soli 2 album e sue Ep all’attivo prima di questa uscita, nonché una band considerata fin troppo debitrice alla scuola dei maestri Mastodon e, più in generale, all’intera scena georgiana. In realtà, un così vivo interesse nei confronti del loro nuovo album è del tutto giustificato, ed è presto detto il motivo.

Innanzitutto, abbiamo a che fare con album diviso in due parti, o meglio, un vero e proprio doppio album. Chi conosce bene i Baroness sarà sicuramente già avvezzo ai loro titoli cromatici, che legano indissolubilmente una loro creatura ad uno specifico colore. Come ben sappiamo, se il rosso porpora del Red Album sguinzagliava uno sludge metal di matrice rigorosamente georgiana (ma non privo di una certa fantasia), il successivo blu acceso del Blue Record si muoveva invece su lidi maggiormente creativi, forse più heavy metal ma non per questo meno sporchi.

Bene, se ora i nostri hanno deciso di abbandonare la violenza di quei colori così forti e vividi, per abbandonarsi alla rilassata pacatezza del giallo e del verde (“Yellow & Green”), che guarda caso sono proprio i colori base per la formazione del blu, non è affatto una scelta casuale dettata dalla mancanza di colori in repertorio, ma una vera e propria scelta stilistica, fortemente legata alla nuova musica incisa in questo platter .

I Baroness, in una parola, sono cambiati, per quanto le fumettose copertine del leader John Baizley non abbiano subito mutazioni di sorta. Ora di sludge ce n’è poco e, a dire il vero, lo stesso si potrebbe dire per il metal in senso stretto. I suoni del nuovo album, infatti, sembrano avvicinarsi molto di più ad un certo alternative rock d’autore, legato a doppio filo sia al grunge robusto degli indimenticabili Alice in Chians o Pearl Jam, sia al post/alternative metal più melodico di band come City of Ships o, perché no, Oceansize. Queste considerazioni, tuttavia, si limitano al “disco giallo”; il suo “fratello verde”, infatti, sembra infinitamente più debitore all’intera scena psychedelic rock degli anni ’70, quella che dai Pink Floyd in avanti, ha fatto proseliti un po’ ovunque con le sue atmosfere liquide e lisergiche.

Era prevedibile, quindi, che un disco del genere abbia diviso completamente i fan. Da un lato, vediamo i vecchi ammiratori “duri a morire”, indissolubilmente legati allo sludge più viscerale, che proprio non riescono ad accettare un tale cambiamento di rotta. Le critiche più comuni? Nuovi Baroness venduti, commercializzati, senza idee, lagnosi, intellettualoidi, pallosi e così via.

Dall’altra, abbiamo non solo una nuova fetta di fan, che sicuramente si avvicinerà alla band grazie alla loro rinfrescata presa commerciale (più all’estero che in Italia, a dire il vero), ma anche una rinnovata selezione di vecchi fan che hanno compreso fino in fondo la nuova scelta stilistica della band e che hanno apprezzato e rispettato la loro evoluzione musicale, promuovendo quest’album a pieni voti. Personalmente, non posso far altro che aderire a quest’ultima visione del quartetto di Savannah e bandire ogni pregiudizio nei confronti di questo splendido doppio disco, mettendo subito in chiaro una cosa: “Yellow & Green” è un grande album, creativo, maestoso e coinvolgente, e se non è un capolavoro, poco ci manca.

Qualcuno potrà dire: ma non parliamo forse della stessa situazione vissuta dai Mastodon con “The Hunter”? Assolutamente no, rispondo io: se l’ultimo lavoro del combo di Brent Hinds dimostrava una vera e propria mancanza di creatività e inventiva, oltre che ad una commercializzazione dei suoni tutto sommato criticabile, lo stesso non accade per i Baroness, che al contrario sfoggiano un’ispirazione fuori dal comune proprio attraverso il cambiamento e “l’ammorbidimento” delle loro composizioni.

In ogni caso, se c’è qualcosa che la maggior parte dei detrattori e dei sostenitori del nuovo album ha dimenticato di sottolineare, se mai l’avesse notata, è proprio il fatto che l’evoluzione e il nuovo volto dei Baroness non costituisce affatto un cambiamento stilistico tout-court, ma rappresenta piuttosto una vera e propria continuazione con l’immagine che hanno saputo ritagliarsi in passato. Infatti, una volta superata l’introduzione del “Yellow Theme”, l’energia di “Take My Bones Away“ (non a caso estratto come primo singolo dell’album) non può non ricordarci quella di Blue Record e di Red Album. L’attitudine è diversa, certamente: la band è più melodica, più morbida, più orecchiabile e più “live” di quanto non fosse prima; eppure, è sempre lei, perfettamente riconoscibile, e la sua nuova musicalità sembra essere molto più un’evoluzione ragionata e coscienziosa, che non piuttosto una svolta assennata dettata dal successo e dalla voglia di conquistare nuovi fan. I riff circolari conquistano e gli assoli ammaliano, mentre le tastiere offrono un tappeto ideale per l’energia del combo. Lo stesso si può dire per la successiva “March To The Sea”, forte di un hard rock nervoso e di un accento bluegrass tipicamente Baronessiano, mentre la splendida “Little Things” è semplicemente ammaliante, nelle sue tinte chiaroscure, supportate da riff eleganti e psichedelici, ma che cedono volentieri anche all’insegnamento post-hardcore dei Fugazi. La delicata e soffusa “Twinkler”, perlopiù acustica, è l’introduzione migliore per la corale psichedelica punk di “Cocainum”, brano semplicemente travolgente. “Back Where I Belong” mi ha convinto un po’ meno, forse perché mi ha ricordato troppo alcuni riff di “Silent Waters” (Waeving the Incantation?) degli Amorphis, ma del resto il suo incedere melodrammatico ha sicuramente la sua presa sull’ascoltatore, soprattutto nella parte finale. I riff rockeggianti “alla Thin Lizzy” di “Sea Lungs” mettono la carica, sebbene siano più manieristici, ma la vera e propria sorpresa arriva con “Eula”, forse il brano migliore del lotto: una canzone lenta, malinconica e avvolgente, che si insinua lentamente nel cervello e lo ammalia senza via di scampo, fino ad un emozionante e sostenuto finale. Una chiusura con i fiocchi.

Arrivati a questo punto, abbiamo solo analizzato “Yellow”. Ma il platter non finisce qui: cosa dire del suo fratello gemello “Green”? Affamati di nuovi riff, lo adagiamo nel lettore ed ecco che il “Green Theme” ci sommerge con la sue atmosfere psichedeliche, mentre il riff iniziale di “Board Up The House” ci risveglia dall’incanto, catapultandoci nuovamente nelle sonorità più tipiche dei Baroness, che però diventano ora più melodiche e orecchiabili, stampandosi immediatamente in testa. La splendida “MTNS” avvolge con il suo ritmo sostenuto e “Foolsong” non è da meno, pacata, ondeggiante, nostalgica e così squisitamente retrò. Le divagazioni acustiche di “Collapse” sono una piacevolissima pausa per la psiche, nonché la preparazione migliore per la strana “Psalm Alive”, dai ritmi bizzarri e da un’insolito uso dell’elettronica. Infine, i ritornelli hard rock di “The Line Between”, orecchiabilissimi e ipermelodici, tengono per mano, conducendo l’ascoltatore fuori da questo incredibile e lunghissimo viaggio, che si risolve nella purificazione catartica di “If I Forget Thee, Lowcountry” (usata anche come colonna sonora per il teaser dell’album).

Baroness, quindi: band talentuosa e, soprattutto, band coraggiosa. Hanno saputo prendersi i loro rischi e creare alcuni tra i pezzi sicuramente più belli e coinvolgenti della loro discografia, cambiando il loro modo di pensare e di comporre e spingendosi molto più oltre di quanto i loro “colleghi” Mastodon non abbiano saputo fare. Il tutto messo in risalto dalla produzione cristallina di John Congleton (Explosions In The Sky).

Un disco meraviglioso e coinvolgente, che ho ascoltato fino allo sfinimento come una vera e propria droga, imparando a memoria ogni sua singola traccia. Era da tanto, troppo tempo, che non succedeva una cosa del genere, e spero che la raffinata ispirazione di Yellow & Green sappia conquistare voi come ha saputo fare con me.

Per quanto mi riguarda, tra i top album del 2012.

Attention Please

Paolo Bellipanni — Tue, 07 Jun 2011 15:29:28 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Psychedelic Rock

Noise

Elettronica

Etichetta:

Sargent House

Anno:

2011

Line-Up:

- Takeshi - chitarra, programming, basso
- Wata - voce, programming
- Atsuo - batteria, percussioni

Tracklist:

1. Attention Please
2. Hope
3. Party Boy
4. See You Next Week
5. Tokyo Wonder Land
6. You
7. Aileron
8. Les Paul Custom '86
9. Spoon
10. Hand In Hand

Boris

Attention Please

New Album, Heavy Rocks e, finalmente, anche Attention Please. L’altro tassello della trilogia dei Boris completa il quadro stilistico del progetto nipponico, dando ancora una diversa interpretazione di questo immaginario psichedelico/onirico divenuto in breve tempo una sorta di mito underground. Uscito a ridosso di Heavy Rocks (sebbene la data di messa in commercio sarebbe dovuta essere il 26 Aprile), Attention Please esplora il lato più criptico e, per certi versi, inquietante della trilogia, filtrando alcuni episodi dei due album precedenti in una nuova ricerca strumentale e atmosferica.

Attention Please è innanzitutto il lavoro maggiormente composto da rivisitazioni e rielaborazioni passate, essendo infatti il suo esoscheletro formato da ben 5 brani ripresi da New Album (Hope, Party Boy, Les Paul Custom ’86, Spoon) ed Heavy Rocks (Aileron), ovvero una metà esatta dell’opera. Per il resto, i nuovi Boris si muovono lungo percorsi rock estremamente astratti, fumosi e colmi di una bizzarra carica onirica. Lo stoner scompare un’altra volta lasciando spazio e leggere impronte noise pop, la psichedelia si riduce ad atmosfere nebbiose ed ipnotiche, mentre l’elettronica assume un ruolo di primaria importanza nella distensione dei brani, rendendo l’intero lavoro decisamente più freddo.

Un’ipnosi sotterranea che l’omonima Attention Please scioglie attraverso un silenzioso intrecciarsi di basso, beat costante, ululati chitarristici e una voce, quella di Wata, suadente e sognante. Elementi che Tokyo Wonder Land riprende e traduce in una danza ancor più misteriosa e rituale, anticipando quello che è il capolavoro dell’album: You, episodio molto più elaborato e intelligente dei restanti, obliquo esperimento ambientale in cui si incontrano lievi percussioni in sottofondo, voci fiabesche e graffianti apparizioni elettroniche. La sfera più ambientale e d’avanguardia del disco trova poi in See You Next Week un’altra affascinante espressione, avvalendosi di suoni e atmosfere ancora più alienanti: il brano (che si snoda splendidamente lungo un contrasto di riverberi, sottili accompagnamenti di chitarra e un loop ritmico industriale e pulsante) fa toccare ad Attention Please le proprie vette sensoriali più profonde e dilatate, lasciando infine spazio a quello che è il cuore più noise-psych pop del disco, riscontrabile principalmente nelle reinterpretazioni dei pezzi di New Album. Tra queste, brillano fortemente Party Boy e Les Paul Custom ’86, filtrate in un sound ancora più distorto e alienante (è soprattutto la seconda a migliorarsi incredibilmente), mentre – al contrario – da una parte Hope non aggiunge né toglie nulla all’originale e, dall’altra, Spoon perde moltissimo in termini di vigore atmosferico e carica psichedelica. L’altra “auto-cover” Aileron riassume invece i dodici, rocciosi minuti dell’originale di Heavy Rocks in un mesto scorrere chitarristico. A chiudere il sipario vi è infine Hand In Hand, lento flusso di coscienza noise ancora una volta sopraffatto dalla voce cauta e sensuale di Wata, vera e propria sciamana dell’album.

Chiuso Attention Please, chiude la trilogia e chiudono (per ora) anche i Boris. Ciò non toglie che prima della fine del 2011 il folle progetto nipponico possa tornare a prendersi gioco del pubblico, della critica e del Rock stesso. Ma poi, è ancora giusto parlare di Rock con un gruppo come questo? Di parole, ahimè, ce ne sono troppe per poter spiegare al mondo cosa vuol dire Boris: l'unica cosa da fare è smettere immediatamente di leggere questa recensione, comprare la maledetta trilogia e divorarsela. La recensione è finita. Andate.
Forza.

The Man With One Ear

Giulio Magliulo — Sun, 19 Mar 2017 12:14:39 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giuiio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Etichetta:

Autoprod..

Anno:

2016

Line-Up:

Nino Colaianni - chitarre, basso, voce, percussioni e samples

Vito Rucci - batteria

Tracklist:

The Man With One Ear
Searching For The Blues
For My Dandelion
What's My Name
That's All Folks Is Dead
SunChild

Crampo Eighteen

The Man With One Ear

Esisteva una cult band pugliese che si chiamava That's All Folks. Ho avuto la fortuna di ascoltarli dal vivo in un piccolo locale di provincia nei primi anni novanta. Non li ho più dimenticati, una formazione nostrana che si avvicinasse così tanto ai gruppi heavy-psych che allora più amavo mi sembrava impossibile. Il termine stoner in Italia ancora non era arrivato ed i modelli di riferimento per i cultori dei suoni hard garage erano ancora le band dell'ondata neopsichedelica degli anni '80.

Il riconoscimento dell'ottimo lavoro portato avanti dai TAF avvenne con la realizzazione di uno split su vinile con i californiani Nebula (ex Fu Manchu).

Nino Colaianni che di quel progetto fu membro fondatore ritorna oggi con questo bizzarro nome, Crampo Eighteen, ed eccetto la batteria suonata da Vito Rucci, suona tutto da solo (chitarre, basso, voce, percussioni e samples).

Cosa aspettarci da The Man With One Ear già lo immaginiamo: detriti space rock, suoni ottusamente chiusi, chitarre drogatissime e circolari alla Sun Dial, acide e colorate fantasmagorie alla Baby Woodrose e psichedelia blues di risulta.

Un vero paradiso per tutti coloro che a The Filipinos, Thee Hypnotics e Walking Seeds associano momenti bellissimi e perduti.

Violet Art Of Improvisation

Giulio Magliulo — Sat, 23 Apr 2016 07:03:41 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Doom Metal

Etichetta:

Minotauro/Markuee

Anno:

2015

Line-Up:

Paul Chain - voce, chitarra e organo

Claud Galley - basso

Thomas Hand Chaste - batteria

Tracklist:

Disco I
Tetri Teschi in Luce Viola

Emarginante Viaggio

X-Ray

Disco II
Old Way

Hypnosis

Casual Two your Mister

Celtic Rain

Dedicated to Jesus

End by End

Paul Chain

Violet Art Of Improvisation

Violet Art Of Improvisation è la ristampa del doppio omonimo di Paul Chain del 1989, suddiviso tra primo disco le cui tre tracce sono sperimentali ed improvvisate mentre sul secondo prendono posto brani di forma più compiuta.

E cominciamo a parlare proprio della seconda parte, registrata nel 1986, quella in cui tutta la vasta gamma di interessi musicali del pesarese Paolo Catena troverà poi sviluppi futuri meglio definiti.

La prima traccia, Old Way, può risultare paradossalmente attuale visto il rinnovato interesse per le derive esoteriche della neopsichedelia; segue Hypnosis, pitching esagerato e più di un ricordo dei corrieri cosmici tedeschi dei settanta e Casual Two You Mister dalla voce lontana e loopata e dagli effetti disturbanti alla Throbbing Gristle in chiave horror.
Poi ancora Celtic Rain, peculiare visione del folk secondo Paul Chain, Dedicated To Jesus, austera, dal crooning sgraziato e dai chitarrismi floydiani e End By End in cui il protagonista assoluto è il mortifero organo da cripta.

Meno felice il primo disco che apre con Tetri Teschi In Luce Viola, psicotica mezz'ora di estenuante e insistita masturbazione chitarristica se si eccettua l'organo e le preci, seguita da Emarginante Viaggio e X Ray, ambedue con Thomas Hand Chaste alla batteria e Claud Galley al basso e più interessanti nella loro proposta hard psichedelica free-form.

Un lavoro Violet Art Of Improvisation a tratti ingenuo, in altri eccessivo, ma estremamente coraggioso se si considera come il tentativo di una mente fervida e labirintica che dalla provincia italiana dei primissimi anni ottanta cerca di oltrepassare gli angusti steccati del metal più tradizionale, riuscendoci pienamenente come ben sa chi ha approfondito le diverse espressioni artistiche – dal debutto metal alle evoluzioni successive - di questa figura di culto.

Alien Peyote

Giulio Magliulo — Sat, 23 May 2015 19:10:39 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Punk Rock

Etichetta:

Bloody Sound Fucktory

Anno:

2014

Line-Up:

Alessandro Fiordelmondo
Michele Prosperi
Andrea Refi
Andrea Carbonari

Tracklist:

1.Alien luftwaffe (part 1)

2.Alien luftwaffe (part 2)

3.El Coyote

4.Call to arms for psychedelic punks …

5.Be Bop A Loser

6.Halleluja

7.Mezcal

8.Chief Doonga

9.Young Men’s Guru

Jesus Franco & The Drogas

Alien Peyote

Alien Peyote è un concentrato letale di tutte le sottoculture rock and roll.

Già dal monicker (che cela gente proveniente da Guinea Pig, Butcher Mind Collapse, Laundrette ecc.) si può intuire quale sorta di tossica miscela si sprigioni da Alien Peyote: garage rock, punk, JD e horror b-movie, droga, brandelli di psichedelia pesante e lercia, comics proibiti e tutto ciò che a questo immaginario riusciate ad associare.

Ci spieghiamo meglio? Feedback e chitarre dronanti alla Chrome, i Cramps dopo mutazione licantropa, i Radio Birdman o i New Christs con seri problemi neurologici e di corde vocali, i Dwarves se avessero suonato tra i settanta e gli ottanta, i Fuzztones se fossero arrivati dopo lo stoner rock, i Bauhaus in fregola rockabilly, i Lone Wolves nell'ultimo loro giorno di vita.

Musica che non sposta di una virgola l'assetto della nostra discografia adolescenziale - figurarsi se riesce a incidere su quella contemporanea – ma significativa nei suoi intenti e nelle funzioni che assolve quali quella di memoria storica di come si suonava il rock and roll, di rappresentazione di una reazione ormonale di una gioventù musicalmente non ancora sedata, di un approccio alla materia rock and roll mai svincolata dal fattore divertimento e per questo capace di prendersi in giro e ridere di sé stessa.

Il tutto, trasposto in chiave simbolica, assumerebbe connotati sociologicamente molto più seri e indurrebbe altre riflessioni ben più profonde ma inadeguate a questo spazio; neanche Jesus Franco & The Drogas forse le vorrebbero.

Failing

Giulio Magliulo — Wed, 19 Nov 2014 19:46:03 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Stoner

Hard Rock

Etichetta:

Autoprod.

Anno:

2014

Line-Up:

Ferdinando 'Nando' Puocci: voce, chitarra

Bartolomeo 'Oreste' D'Angelo: synths

Luciano Corvino: basso

Costantino Oliva: batteria

Tracklist:

1. Failing

2. Raise Your Hands

3. Down From A Mountain

4. We Wanna Know

5. Don't Anyone

Miriam in Siberia

Failing

Per non farci fuorviare dai nomi diciamo subito che i Miriam In Siberia non fanno new-wave e vengono da quella parte di provincia casertana che è già Napoli.

Benchè questo Failing sia il loro terzo album, il loro nome ci era del tutto sconosciuto.

Mettendoci sulle loro tracce per capire com'è che una band dal nome così freddo, proveniente da una zona così calda suoni un rock così bollente, scopriamo che questo prodotto è il frutto di una sicura evoluzione e non avendo modo di sapere com'erano prima, al di là delle descrizioni che si possono leggere, ci siamo affidati a Spotify ed abbiamo trovato due brani all'interno di compilation relative ad un paio di edizioni dell'Atellana Festival.

Ci esimiamo dal giudizio su quei lavori poiché non è questa la sede deputata ed anche perché un eventuale opinione non potrebbe che essere ingiustamente e superficialmente parziale ma vi abbiamo raccontato tutto questo perché se dovesse venirvi la curiosità, dovete sapere che oggi i Miriam In Siberia sono tutt'altra cosa.

A cominciare dal cantato in inglese, funzionale a sonorità proprie della moderna scena psych-rock nord americana.

Questo già indica che la nostra Miriam non inventa nulla di nuovo, ma le riconosciamo il merito di un nobile ispirarsi rispetto alla maggior parte delle formazioni nostrane inclini a suoni hard di matrice stoner/doom-rock troppo spesso limitate ai soli panorami desertici mid-nineties.

E' dal triangolo Arbouretum/Black Mountain/Dead Meadow che il quartetto campano trae linfa e lo fa anche molto bene, abusando finalmente dell'hammond oltre che del fuzz, pestando sulle pelli con il vigore necessario e correndo liberi negli ariosi e grandi spazi dell'odierna psichedelia hard.

Dai primi mutuano il tiro pachidermico mentre quelle pause, quelle sospensioni sono tipiche del gruppo di Dave Heumann, di cui hanno imparato fin troppo bene la lezione. Dei Dead Meadow è invece il passo pesante, la coltre densa e fumosa entro cui si muovono. Questo vale per 4/5 del disco e tutto scorre bene, molto bene, fin troppo. E' solo la terza traccia, Down From A Mountain a non convincere e non perché sia un pezzo brutto, affatto, ma solo perché i nostri cadono esattamente nel paradigma – finora abilmente scongiurato – delle altre bands che richiamano quelle sonorità a cavallo tra grunge e stoner, un po' come gli Abdullah per chi li ricorda o gli Acrimony meno misticheggianti. E questo cambio d'atmosfera messo proprio lì al centro rovina un po' la festa, ma non bisogna farne un dramma visto che i Miriam In Siberia per essere una band in transizione son stati fin troppo bravi e nel finale di Don't Anyone ci regalano perfino una cavalcata space hawkindiana che chiedere di più è da irriconoscenti.

Failing è stato registrato a Napoli e masterizzato in analogico a New York, è in edizione limitata in vinile 12” e lascia presagire belle cose a venire.

s/t

Giulio Magliulo — Sat, 15 Mar 2014 19:19:01 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Ambient

Etichetta:

Brigadisco

Anno:

2014

Line-Up:

Stefano Isaia - clarinetto, bidoni, batteria, percussioni, piano, chitarre acustiche

Cristina - synth

Tracklist:

Angkor Wat

Agua Ardiente

Coronaria

Rame Triangolo Rosso

XI Comandamento

Gianni Giublena Rosacroce / Maria Violenza

s/t

Quando parliamo di psichedelia pensiamo essenzialmente alle variazioni artificiose apportate al rock and roll occidentale fin dalla metà degli anni sessanta.

Esiste però un'altra psichedelia, che forse della precedente ne è padre e madre. Mi riferisco a quel complesso insieme di musiche di estrazione etnica che sulla componente rituale costruiscono il loro edificio ed ambiscono a raggiungere o almeno a disegnare quel concetto di trascendenza.

Esse sono avulse dall'intellettualismo che ha permeato le prime ondate del rock psichedelico comunemente inteso ed ancor di più da quel generico ribellismo peace, love and drugs.

Da queste premesse nasce il lavoro di Stefano Isaia (già La Piramide Di Sangue e Movie Star Junkies) nel suo solo project Gianni Giublena Rosacroce.

Angkor Wat e Agua Ardiente sono due brani profondamente rituali e metafisici, slegati, scollegati da qualsiasi attualità. In essi si incontrano i Butthole Surfers di Kuntz, Ennio Morricone e mille pastori erranti dell'Asia che sbucano fuori come da un fotogramma del Vangelo Secondo Matteo di pasoliniana memoria. Desertica desolazione che porta a rivelazioni o a fughe dall'immanente.

Compagna d'avventura in questo split/e.p. è Maria Violenza (già Capputtini I Lignu per chi ricorda quel magnifico album collettivo noise-situazionista che era Borgata Boredom). La palermitana Cristina compie egualmente un percorso obliquo sebbene i riferimenti siano qui più facilmente riconoscibili per quell'andamento funereo che certo post-punk ha dettato. Penso a Simona Gretchen, penso all'etnobeat dei Dissidenten o a certe contaminazioni tra esotismo vintage e sperimentazione snowdoniana.

Poco più di 10 minuti per 5 brani che una volta tanto fanno la differenza quando si dice 'ascoltare qualcosa di diverso'.

The Invisible Mountain

Giulio Magliulo — Mon, 27 Jan 2014 14:34:41 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Drone

Ambient

Etichetta:

(Utech/Relapse)

Anno:

2009

Line-Up:

Jenks Miller

Tracklist:

Invokation

Tyrant Symmetry

The Invisible Mountain

Hatecloud Dissolving Into Nothing

Horseback

The Invisible Mountain

Nella scena sperimentale compresa tra drone, psichedelia e metal degli ultimi anni, uno dei nomi più interessanti è senza dubbio Horseback, progetto solista di Jenks Miller.

La sua prima emissione, The Invisible Mountain, è del 2009 ed esce per Utech Records ma già l'anno seguente il titolo entrerà nel catalogo Relapse (per i completisti ne esiste anche una versione in vinile - sempre 2010 – in edizione limitata per Aurora Borealis).

Sebbene le realizzazioni successive sotto questo monicker siano considerate dalla critica discontinue, il parere su The Invisible Mountain appare innegabilmente favorevole. Successivamente Jenks collaborerà anche con altri nomi di spicco quali Pyramids e Locrian.

Invokation che apre l'album si struttura intorno all'idea di un riff molto slow che in modo generico si potrebbe anche definire stoner; uno stoner dall'accordatura molto ribassata però, a cui non interessa l'accelerazione adrenalinica e che riverbera tutt'intorno psichedelia desertica e trascendentale e che troverebbe largo consenso tra i fans degli Earth.

La voce è un rantolo funzionale alle bestemmie del black metal, ma anch'essa appare depotenziata del naturale corredo di malvagità cui esso naturalmente si associa; un black metal sotto sedativi dunque, sgranato e depresso come potrebbero esserlo alcuni fotogrammi estratti dal film Gummo. Forse l'America che circonda Jenks Miller non è molto dissimile.

Più doom l'incipit di Tyrant Symmetry, anche se il calore analogico dei suoni che la avvolgono fanno ben comprendere che la musica di Horseback ha un intento più descrittivo, vuole narrare anzichè punire (nell'utilizzo di un certo tipo di strumentazione i Bohren Und Der Club Of Gore anche virando più verso il noir esplicito, jazzy e metropolitano, sono maestri).

E' un racconto questo che sembra voler esprimere una desolazione grande quanto i grandi spazi in cui si esprime.

The invisible Mountain, terza traccia di quattro, si carica del solito finto canovaccio metal per poi inseguire le ormai acquisite coordinate lisergiche memori perfino dei Grails, ma laddove la psichedelia rituale del combo di Portland tende in qualche modo ad una gamma cromatica più ampia dovuta al fattore sperimentazione, qui c'è il solo tramonto color ruggine ad occupare l'orizzonte e la solitudine della bestia umana consapevole dell'indifferenza della natura di fronte al suo dolore.

Chiude questo lancinante affresco Hatecloud Dissolving Into Nothing, sedici minuti e mezzo di cullante e malinconica psichedelia ambientale che unisce alle carezze della chitarra le sospensioni aeree di certi corrieri della Kosmische Musik '70 .

Se l'apocalisse di cui vuol 'cantare' Jenks fosse così, non è affatto detto che sarebbe una brutta cosa: sembra qualcosa di simile ad una dolce eutanasia.