Progressive Metal

Heed

Stefano Pentassuglia — Fri, 04 Sep 2015 18:39:56 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Progressive Metal

Post Metal

Alternative Rock

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2015

Link correlati:

Pagina Facebook della band

Line-Up:

Alessandro Ciccolella: Voce

Giordano Bufi: Chitarra

Gabriele Terlizzi: Basso

Gilberto Bufi: Batteria

Tracklist:

1. The Second Fish Curse

2. The Elephant Walk

3. E(b)sence

4. Inverse

5. Chirals

6. Doppelganger

7. Complexion (ft. Glanko)

8. Heed

Ginkgo Dawn Shock

Heed

Sembra che la Puglia non abbia alcuna intenzione di fermarsi. Dopo aver dato i natali a un’infinità di band tra le migliori del panorama metal nostrano (Cast Thy Eyes, Nontoccatemiranda, Natron, Disguise, Dewfall… la lista è lunga) nuove formazioni continuano a nascere, senza mai cedere a compromessi a livello compositivo e dimostrando come la qualità della musica proposta sia il dogma assoluto a cui rifarsi prima di imbracciare gli strumenti.

La prima edizione del Breaking Sound Metal Fest di Mesagne è stata emblematica in tal senso. Un festival metal è sempre un’occasione per fare il punto sulla situazione, nonché un laboratorio di osservazione sulle nuove realtà musicali della regione che l’organizza. Così, forte della partecipazione dei parmensi Dark Lunacy, chi ha partecipato a quel concerto ha potuto spulciare alcuni tra i gruppi più interessanti in ogni città del tacco d’Italia: Brindisi si è data al nu metal con gli Headaxe, Lecce è restata fedele al post metal con le atmosfere sludge degli Izo, Taranto ha puntato sull’estremo con il black/death degli Alldead, mentre la proposta della provincia barese ha saputo destreggiarsi in un territorio originale come quello del progressive che sposa l’alternative rock. Molfetta non è solo Caparezza, a quanto pare: proprio dalla città del simpatico rapper riccioluto arrivano infatti i Ginkgo Dawn Shock, band dal nome impronunciabile che a una prima analisi superficiale si potrebbe definire come “la risposta italiana ai Tool”, ma che ad un ascolto più attento rivela molte altre qualità che la rendono particolarmente interessante e degna di attenzione.

“Heed” è il primo album della band e segue l’EP “3:24”. Registrato a Lecce nel “Sudestudio” di Angelo Buccolieri e forte di una produzione di alto livello, questo delizioso platter viene pubblicato nel Marzo del 2015 e inizia timidamente a farsi conoscere nei mesi successivi, grazie a una serie di concerti in giro per la Puglia; così, proprio in occasione del Breaking Sound Metal Fest, la band sembra avere finalmente un’ottima occasione per farsi conoscere dagli addetti ai lavori e per uscire da quell’anonimato che sembra star stretto a composizioni di questo calibro.

In effetti, ciò che più stupisce di questo disco è proprio il fatto che si tratti di un esordio, vista la maturità che sprigiona da tutti i pori. A dispetto del minutaggio non proprio elevato, la carne al fuoco è davvero tanta e sembra adatta a soddisfare sia i palati più avvezzi alla distorsione facile che quelli in cerca di un metal più raffinato e intellettuale, senza dimenticare i patiti della sperimentazione e delle atmosfere più ipnotiche e ammalianti.

Ma che genere suonano questi ragazzi? Loro lo definiscono “Post Progressive Rock” (o forse “Progressive Post Rock”?), e se ai più questa definizione potrà sembrare inconsistente, bisogna ammettere che ritrae in maniera coerente la valanga di note che provengono da “Heed”. I Ginkgo Dawn Shock sono infatti “post” nel modo in cui sanno rimodellare l’attitudine post metal di certe band (Russian Circles su tutti), trasportandoli su territori più propriamente rock; sono “progressive” per come piegano la tecnica al servizio della creazione artistica, in un’evoluzione continua del suono alla ricerca della costruzione più adatta, fatta di riff che si intersecano con le melodie in modo del tutto inaspettato, con buona pace della forma canzone; sono “rock” quando stuprano l’alternative più semplice (melodia) per piegarlo alle forme della sperimentazione (tutto ciò che non è melodia); sono “post rock” nel sapiente dosaggio delle atmosfere e delle sensazioni emotive che scaturiscono da certi passaggi del disco d’esordio.

Non si può descrivere la proposta dei Ginkgo in maniera efficace senza citare il nome della band che più di tutti ha ispirato la loro musica: Tool, Tool e ancora Tool (e in misura minore, anche degli A Perfect Circle). L’ombra della band di Maynard Keenan aleggia su ogni composizione del lotto e la sua influenza è palese già a partire dalla graffiante voce del cantante Alessandro Ciccolella, autore di un timbro caldo e avvolgente che tanto ricorda quello dello stesso singer californiano. Non che questo sia un demerito, anzi: Ciccolella sa il fatto suo e sembra reinterpretare alla perfezione quella straordinaria voce che ogni fan dei Tool sa riconoscere alla prima nota, modulandola e ben adattandola a quelle che sono le dinamiche compositive dei suoi Ginkgo. Allo stesso modo, il basso pulsante di Gabriele Terlizzi e la tecnicissima chitarra di Giordano Bufi riescono a creare atmosfere avvolgenti che ben si sposano con le melodie e gli intrecci progressive che le accompagnano. In tutto questo, la batteria di Gilberto Bufi si destreggia egregiamente tra cambi di tempo continui e ritmiche che fanno il bello e il cattivo tempo, senza mai perdere la concentrazione e muovendosi in un labirinto di sensazioni chiaroscurali, sempre in bilico tra riff cervellotici e refrain quasi catchy nella loro immediatezza.

L’influenza dei Tool, dicevamo. Il fatto che questo non sia un indice di scarsa originalità ma, al contrario, della voglia di uscire dagli schemi, possiamo trovarla proprio nella particolarità insita nella musica del quartetto di Los Angeles. A tal proposito potremmo scomodare le illuminanti parole di Martin Lopez, ex batterista degli Opeth; nel rispondere alle accuse che volevano la sua nuova band, i Soen, talmente simile ai Tool da ritenerli quasi dei cloni, Lopez replicò “Ci ispiriamo ai Tool, ma più che una band, noi li consideriamo come un genere musicale a sé stante.”

Se questa affermazione sembrava perfetta per rispecchiare i Soen, è anche altamente rappresentativa del sound dei molfettesi (che molto hanno in comune anche con il sound degli stessi Soen): più che cullarsi tra le braccia di una band importante come quella di Keenan, infatti, i Ginkgo Dawn Shock sembrano piuttosto voler approcciarsi a qualcosa di più “difficile” e ricercato, come impone ogni sonorità che voglia anche solo vagamente ispirarsi a quella dei Tool. Non si tratta quindi di suonare “come una band”, ma di suonare un preciso genere musicale, talmente particolare che nessun’altra band può essere usata come termine di paragone all’infuori di chi l’ha creata, o di chi ad essa si ispira.

Proprio per questo motivo è difficile trovare altre band a cui il lavoro dei molfettesi possa essersi ispirato, a eccezione degli A Perfect Circle (che altro non sono se non un prolungamento degli stessi Tool) e dei Soen (che per molti sono quasi dei "cloni" dei Tool). Possiamo tentare di cercare qualche termine di paragone in base ai richiami vari che si possono percepire nel disco. L’anima prog del combo sembra avere una sua matrice nel gusto delicato dei Porcupine Tree, mentre le atmosfere post rock hanno un incedere che qualcuno potrebbe ritrovare nell’appeal mistico dei Godspeed You! Black Emperor. Forse potremmo addirittura scomodare i Mars Volta per le meccaniche particolarmente intelligenti di certe composizioni, gli Audioslave per le parti più immediate e catchy, o magari anche i primi Russian Circles per il rincorrersi incessante dei giri di chitarra più post metal. E se poi vogliamo proprio cercare il pelo nell’uovo, potremmo dire che la band sembra in parte ammantata di una certa poetica deftoniana, per quanto si tratti più di un approccio di forma che non di sostanza (niente nu metal o suoni simili, ma solo una vaga ispirazione di intenti al mondo di Chino Moreno). Tuttavia, una volta che mettiamo da parte i Tool, ogni altro rimando ad altre band sembra superfluo, in quanto la personalità dei Ginkgo Dawn Shock emerge prepotente dal loro songwriting: qui abbiamo a che fare con una band che “suona lo stesso genere musicale dei Tool”, ma che lo fa sempre e comunque a modo suo.

Musica di qualità, prima di tutto. Se non possiamo affermare che i Ginkgo siano una band del tutto originale, è opportuno quantomeno riconoscere la grande ispirazione che pervade ogni minuto di “Heed”, in un turbinio di note che non annoiano mai ma anzi esaltano, sorprendendo l’ascoltatore sempre in modo ragionato e con cognizioni di causa, con cambi di tempo piazzati strategicamente nei punti giusti e la voce di Ciccolella che avvolge il lavoro di una profondità non indifferente.

Composizioni come Chirals e soprattutto l’iniziale The Second Fish Curse (da cui è tratto un videoclip) sono testimonianze di un particolare gusto nella ricercatezza melodica: non appena parte l’album, gli intrecci chitarristici di Bufi si rincorrono tra loro, prima di distendersi su un letto di distorsioni e di saliscendi tra note basse e note alte, su cui la voce si stende languida prima di sfociare in una squisita apertura melodica. La prima traccia è quindi già sufficiente per intuire la maturità del combo, prima che la successiva The Elephant Walk sfoghi sull’ascoltatore i suoi impulsi post metal, fatti di una chitarra mai sazia di note nuove, con l’accoppiata basso/batteria che non cede un filo di tregua all’ascoltatore.

Eb(s)ence è forse il pezzo più propriamente “post rock” del disco, per i suoi arpeggi autunnali e profondamente emotivi, sapientemente sostenuti da un Ciccolella che si stacca per un po’ dalla pesante influenza keeniana per mostrare la sua anima più malinconica e sognante. L’esplosione finale del pezzo avvolge e prepara il terreno per Chirals, una delle migliori canzoni del platter (preceduta dall’interludio Inverse), per quanto sia anche quella dove l’impronta dei Tool è più marcata: alternative rock della migliore qualità, quello colto e intelligente che può far breccia nel cuore dei metallari più raffinati, sia che lo si ascolti su disco sia dal vivo, dove può sprigionare un’energia non indifferente. Davvero un brano notevole.

Tool a palate anche su Doppelganger, pezzo forse un pochino più debole e ruffiano dei precedenti, ma che tuttavia compiace le orecchie con le sue schitarrate al limite dello stoner. Cambi di tempo, tecnicismi e melodie rockeggianti fanno il loro dovere egregiamente, sfornando un’altra traccia interessante e coinvolgente.

I fan della sperimentazione saranno felici di sapere della partecipazione del producer Glanko nel brano Complexion, dove l’elettronica più ipnotica funge da pausa ideale per rilassare le membra prima di chiudere in bellezza il trip. La title-track, posta strategicamente a conclusione del disco, rappresenta la summa ideale di quello che è il suono della band: senza scomodare per l'ennesima volta i Tool (ormai abbiamo capito quanto conti la loro influenza sul sound dei molfettesi), basti dire che Heed (la canzone) conclude l’album con un concentrato di distorsioni, ritmiche serrate e melodie sognanti, tutto al servizio di un’atmosfera profondamente emotiva e quasi catartica.

In definitiva, “Heed” è un disco maturo per una band matura, una gran bella realtà che vale la pena continuare a seguire e sostenere. Se per ora i Ginkgo Dawn Shock sembrano essere una delle band tra le più interessanti della nuova scena musicale pe(n)sante pugliase, li aspettiamo ora al varco del prossimo disco (o meglio, dei prossimi dischi): se sapranno plasmare ancora meglio la loro personalità, togliendosi un pochino di dosso la (troppo) pesante influenza dei Tool e gestendo in maniera ancora più matura la loro ispirazione, avranno tutte le carte in regola per diventare uno dei nuovi orgogli nazionali nel panorama rock e metal. Pochi dubbi su questo.

Speriamo in bene nel futuro. Nell’attesa, continueremo a far girare “Heed” nel lettore. E a godere.

Earth Diver

Stefano Pentassuglia — Sun, 17 Aug 2014 16:06:59 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Progressive Metal

Avantgarde

Black Metal

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2014

Link correlati:

Sito bandcamp della band

Line-Up:

Markus Luscombe - Voce, Basso

Matt Solis - Voce, Chitarra

Nick Cohon - Chitarra, Tastiera

Brennan Kunkel - Voce, Batteria

Tracklist:

1. Eris

2. Daughter Of Void

3. Sold As A Crow

4. Waking Sleep

5. The Pythia

6. Broken Circle

7. Mark The Trail

8. A Sovereign Act

Cormorant

Earth Diver

Se c’è una cosa che dopo anni e anni di ascolti ancora non riesco a spiegarmi, è come mai la stampa musicale specializzata continui a ignorare e snobbare realtà affascinanti e band finalmente originali, che meriterebbero tutti gli onori di cronaca che un giornalista dedito a qualsiasi altro campo concederebbe ad uno scoop ben congeniato. È il caso dei Cormorant, band statunitense poco conosciuta nel Bel Paese, che non ha mai ricevuto dalla stampa italiana quelle attenzioni che, come spesso succede, sono state dedicate a gruppi tanto più blasonati quanto più poveri di idee.
A onor del vero, ci sarebbe da dire che i musicisti di San Francisco non si siano mai fatta troppa pubblicità e siano sempre rimasti sotto l’ala protettrice del “made it by yourself”, dell’autoproduzione e dell’indie più fiero, con la rigorosa scelta di pubblicare i propri dischi senza il supporto di alcuna casa discografica. Capitanata dal bassista/cantante Markus Luscombe e supportata dalla coppia d’asce Matt Solis e Nick Cohon, la creatura americana stupì il mondo del metal sotterraneo già nel 2011 con il precedente Dwellings per la sua capacità di mescolare le carte in modo certosino e di far risaltare influenze che andavano dai primi Opeth fino agli ultimi Mastodon, passando per band come Isis e addirittura i Sepultura.
Da questo punto di vista, il nuovo Earth Diver rappresenta sicuramente una naturale evoluzione nonché, come ogni buon terzo disco che si rispetti, l’impronta dell’ormai avvenuta maturazione dei nostri. Non che si tratti di un capolavoro, sia chiaro: manca ancora, nei cormorani, quella capacità di andare oltre, di potare le sonorità più ostiche e di premere l’acceleratore sulle idee più riuscite e originali. Ma in fondo non è di un capolavoro che c’è bisogno, quando qui c’è un album che riesce a far dimenticare ogni sua pecca con una virulenza tale da annientare ogni band che cerchi di osare altrettanto.

Si parlava di originalità, e in effetti era dai tempi dei primi Bokor che non mi capitava di ascoltare una tale ispirazione unita ad un’invidiabile conoscenza dei propri mezzi espressivi: progressive rock, black metal, death metal melodico, folk metal, sludge e post metal sono solo alcuni dei generi che i Cormorant riescono a mescolare sapientemente in un mix di esplosivo metal estremo, complesso, articolato ma anche immensamente piacevole all’ascolto, che comunque rimane non facile. Pochissime le band che riescono a reggere il paragone in termini di idee, forse i già citati Bokor e magari anche i Lo-Ruhamah di The Glory Of God. In ogni caso, si tratta di un album (e di una band) dalle infinite possibilità espressive e dalla carica compositiva di un toro infuriato. La sensibilità romantica dei primi Opeth qui si sposa con la raffinata attitudine compositiva dei Cynic (per quanto sia grande la distanza a livello musicale), in un saliscendi emotivo che deve tanto allo sludge sporco e progressivo di Rwake e Minsk quanto alla scuola black metal atmosferica dei Wolves In The Throne Room, senza dimenticare quella svedese di Watain e Naglfar; il tutto condito con uno spirito prog che non può non rimandare alle squisitezze soniche dei Green Carnation.

Eris è solo l’inizio di un lungo viaggio e di un trip mentale che inizia già accarezzando i sensi con le sue chitarre melodiche e dal sapore latino, prima che le distorsioni di Daughter Of Void arrivino a spazzare via tutto.
Daughter Of Void. Una canzone che, da sola, varrebbe l’intero album. Non tanto perché si tratta probabilmente del miglior brano nel platter, quanto perché potrebbe candidarsi ad essere una delle canzoni di metal estremo più ispirate di questo 2014. Il suo unico difetto è quello di durare troppo poco, se si pensa che i suoi 6 minuti e mezzo, per quanto sembrino abbondanti, potevano durare anche il doppio, il triplo e forse anche il quadruplo, per la quantità di idee in essi presenti. Fin troppi i riff e i cambi di tempo che si respirano nel pezzo, dalle atmosferiche chitarre iniziali che si trasformano in attacchi a metà tra lo sludge e il viking, in un’epica cavalcata che ricorda da vicino l’espressività melodica di certi Opeth. Ma l’idillio dura poco, spezzato dalla virulenza del black metal che si spegne in riffoni schiacciasassi che evolvono ancora, in un crescendo progressive di metal estremo che termina in un magniloquente riff finale.
Ma sono le chitarre liquide di Sold As A Crow a introdurre l’anima più black metal dei Cormorant, intrisa di emotività folk nella sua delicata progressività. Potrebbero persino essere scambiati per un gruppo folk-black, se solo non insistessero con le loro elaborate strutture chitarristiche, che a momenti ricordano persino i richiami mediorientali dei blackster israeliani Melechesh, senza contare un’anima doom che fa volentieri capolino nei momenti di stacco tra una sfuriata e l’altra.
Waking Sleep parte lenta e pacata, avvolgendo in cori vicini al prog/gothic dei primi Dark Suns per poi adagiarsi su territori di metal estremo sempre più variegati, quasi come se i Green Carnation e i Cynic ultima maniera si fossero improvvisamente messi in testa di suonare viking/black. E ancora ritorna lo spettro degli Opeth nei cori, che si dissolve nello sludge e anche in un certo modo di intendere il death metal, quello dei Morbid Angel in primis.

Diventa ormai chiaro che definire in modo più o meno lineare quale sia il genere musicale suonato dai Cormorant sia compito alquanto arduo, per non dire impossibile. Tanto più che nella successiva The Pythia viene sviluppato ancora di più quello sludge tipico di band come Rwake e Eyes of Fire (per non dire EyeHateGod), ma solo per cedere volentieri alle tentazioni del melodic death tecnico, prima di sfociare in un finale melodico dal retrogusto che sa persino di alternative rock.
Broken Circle inganna con la sua voglia di fare atmosfera a suon di riff progressive rock un po’ settantiani, che in realtà sono solo un pretesto per introdurre una nuova sfuriata in doppia cassa. Degno di nota è poi il cantato, che se da un lato si concede al tipico scream black metal, dall’altro strizza l’occhio all’inconfondibile latrato di Jacob Bannon dei Converge. E continua così l’alternanza infinita tra quiete e tempesta, tra melodie avvolgenti, basso pulsante e riffoni distruttivi.
Anche Mark The Trail si muove su coordinate simili, sempre in bilico tra death, sludge e gusto progressive, prima di chiudersi in un finale epico e molto bathoriano che ricorda certe band più vicine al viking/folk che non alle altre influenze normalmente messe in moto dal combo. Forse è proprio questa la caratteristica più straordinaria di Earth Diver, ovvero quella di mettere quintali di carne al fuoco, cucinarli ben bene e poi servirli con una competenza tale che non si nota più la differenza tra le diverse influenze, ma tutto sembra frutto di un’unica, solida e compatta proposta musicale, figlia solo dell’ispirazione e non del condizionamento dato da tanti generi diversi e da decenni di metal estremo.

A completare il quadro, giunge l’austera melodia di A Sovereign Act, che si costruisce su un post metal oscuro come solo i primi Neurosis sapevano essere, per destreggiarsi anch’essa su territori esattamente a metà strada tra lo sludge e il black metal, che è quasi come se i Rwake, i Minsk e i Watain abbiano deciso di mettersi d’accordo e comporre un pezzo tutti insieme.
Difficile quindi riassumere a parole una valanga così vasta di influenze come quella che travolge lo stile dei Cormorant. Ma che si tratti di prog, death, black, gothic, sludge, post o qualsivoglia altro sottogenere, la band di San Francisco è innanzitutto una grandiosa creatura di metal estremo finalmente originale e autentico, che dona nuova freschezza a una scena ormai stantia e da troppo tempo legata alla sua vecchia gloria. Che poi Earth Diver non sia un capolavoro, su questo siamo tutti d’accordo, tuttavia potremmo anche azzardare che ci è andato vicino. Se in futuro i nostri saranno in grado di spiccare il volo, liberarsi dalla zavorra dei riff più ripetitivi e concentrarsi su quelli vincenti, magari allungandoli in canzoni potate a dovere, le probabilità che venga servito il nuovo chef-d’oeuvre del metallo pe(n)sante sono davvero molto alte. Per adesso, accontentatevi di chiudere gli occhi e di lasciarvi abbandonare sulle ali del Cormorano. Non ve ne pentirete.

Blood Maker

Matthias Stepancich — Sun, 25 May 2014 09:56:45 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Progressive Metal

Metalcore

Emo

Etichetta:

Brutal Panda

Anno:

2014

Link correlati:

Website

Line-Up:

Josh Holland - guitar/vocals
Noah Burns - drums
Jeff Johnson - bass

Tracklist:

1. The Wrecking Ball Unchained (06:19)
2. Shadow Deserts (04:44)
3. Blood Maker (05:15)

Wild Throne

Blood Maker

Il trio dei Wild Throne è composto da ferrati musicisti di Bellingham (Washington, USA) con alle spalle un decennio a testa di attività in varie band solidamente affermate a livello locale.
Le varie esperienze hanno portato ad un certo punto Josh Holland (chitarra e voce), Noah Burns (batteria) e Jeff Johnson (basso) alla decisione di unirsi in un progetto che superasse in originalità e impatto ogni cosa da essi fin lì fatta.

Possiamo dire che l’obiettivo per il momento pare raggiunto: l’EP Blood Maker (che può essere considerato il loro vero esordio, dopo due release underground introvabili nei due anni precedenti), uscito per la Brutal Panda (nome di label migliore di sempre), può indubbiamente già essere collocato tra i migliori EP metal del 2014.

I tre pezzi di cui è costituito sono farciti d’idee brillanti e convoglianti stili diversi, ma soprattutto hanno ben chiara la necessità di darsi una misura per mantenere una struttura coerente ed esteticamente appagante: tra i punti musicali di riferimento del trio vi sono infatti, a orecchio, sicuramente The Mars Volta e Protest the Hero, ma le influenze che da loro prendono arrivano in dose controllata, e si ritrovano ad essere sostenute e ben bilanciate da un impianto hardcore massiccio, caldo e quasi sludge, strizzante l’occhio ai Mastodon.

Un altro punto che i Wild Throne segnano decisamente a loro favore sta nell’efficacia melodica, derivante da una ormai mutata geneticamente tradizione emocore (che si riconosce nell’intensità drammatica dei vocalizzi e nelle dissonanze metalliche dei riff), ed espressa magistralmente grazie alla notevolissima capacità vocale di Holland: il memorabile chorus di Shadow Deserts ne è l’esempio più immediato, ma ancor di meglio si trova nella più complessa title-track.

La tecnica strumentale dei tre, assolutamente degna di nota, poteva finire per farli strafare ed esagerare (sia nella struttura dei pezzi, sia nei giochetti virtuosistici di facile impressione), ma viene usata in maniera nobile e pragmatica per trovarsi un proprio stile, che prende dal prog metal come dallo sludge, dal thrash come dal post-hardcore, e mettere sempre in primo piano passionalità e schiettezza.

Alla riuscita del “pacchetto” concorrono due nomi ben noti come Ross Robinson (la riuscita produzione, in bilico tra hardcore e metal senza abbaracciare né l’uno né l’altro) e Orion Landau (il gran bell’artwork).

Non resta che attendere con curiosità e buone aspettative il debutto su full-length.

Forestelevision

Emanuele Pavia — Sun, 24 Nov 2013 00:59:41 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Progressive Metal

Psychedelic Rock

Etichetta:

Translation Loss Records

Anno:

2013

Line-Up:

- Dorando Peter Hodous - Voce, basso
- Daniel Joseph La Rochelle - Chitarre
- Arran Emory McInnis - Chitarre, tastiere
- Benjamin Paul Thomas-Kennedy - Batteria, percussioni

Guests:
- B.R.A.D. Mowen - Voce
- Timba Harris - Archi

Tracklist:

1. Forestelevision

Lesbian

Forestelevision

Impegnati fin dal 2007 (anno del promettente, ma ancora acerbo, Power Hor) in un personale ibrido di classicità heavy metal, strutture cervellotiche progressive e cadenze funebri doom/sludge, il quartetto statunitense dei Lesbian pubblica a giugno, tramite la Translation Loss Records, il terzo full-length Forestelevision, che si può definire senza alcun indugio come uno dei dischi più intriganti (e colpevolmente snobbati) del 2013.

Da sempre alle prese con composizioni arzigogolate, dilatate ed estremamente cervellotiche (entrambi gli album precedenti superavano infatti l'ora di durata per pochi, camaleontici brani dal minutaggio mediamente compreso tra i dieci e i venti minuti), i Lesbian affinano la mira sul loro terzo lavoro, sfoderando un'unica, monolitica suite di quasi tre quarti d'ora che - sorprendentemente - risolve molti dei problemi che minavano l'organicità e l'esecuzione dei primi due dischi, valorizzandone di contro le numerose idee (mai realizzate così efficacemente come su Forestelevision).

Dove Power Hor si trovava spesso ad avanzare a fatica in composizioni ingenue e non all'altezza delle ambizioni del quartetto, ancora insicuro nel momento in cui tentava di superare i confini del doom metal; dove anche il superiore Stratospheria Cubensis si arenava talvolta in esperimenti ancora non perfettamente calibrati e in eccessive lungaggini, Forestelevision svetta invece per una maturità che non ha pari nei precedenti della (pur breve) discografia dei Lesbian.
Ripartendo dalle promesse fatte con il sound visionario e proteiforme di Stratospheria Cubensis, Forestelevision è una chimera che tributa le caratteristiche e gli umori del passato della musica rock, iniettandoli nel sound classico dei Lesbian (un metal vorticoso, che contiene tracce di sludge, black e progressive eppure non può essere ricondotto totalmente a nessuno di questi generi): le atmosfere rarefatte ed esotiche sono quelle della psichedelia West Coast, ma minate dalle propulsioni cosmiche dello space rock e del krautrock e dotate della sofisticatezza austera del progressive rock inglese, mentre il riffing e la solistica serrata riprendono chiaramente l'hard & heavy di fine Settanta.

Mentre i primi due full-length dei Lesbian si limitavano perlopiù a ricamare, intorno al loro sludge intellettuale, arrangiamenti che strizzavano l'occhio ora alla psichedelia, ora al post-rock, ora al progressive rock, Forestelevision ne compromette irrimediabilmente l'identità, rendendo indistinguibile la componente estrema da quella spaziale - una maturità concettuale riscontrabile fin dall'apertura dell'album, psichedelica e apocalittica insieme, con ariose melodie di tastiera progressive, allucinazioni space rock e battiti motorik a colorare l'exploit neurosisiano (periodo Through Silver in Blood) della chitarra.
Anche i (numerosi) cambi di registro tra una sezione e l'altra della suite, che conducono il brano su coordinate più liquide e apertamente progressive di chiara influenza Mastodon (e in particolare del capolavoro Hearts Alive), per poi virare su lidi black metal dall'impronta metafisica degne dei Nachtmystium e Oranssi Pazuzu, vengono eseguiti con una naturalezza e una classe che fanno impallidire molti degli esperimenti analoghi (ma ben più artificiosi) tentati nei primi due lavori.
Forestelevision si muove in un gioco di rimandi e citazioni, stravolto dalle acrobatiche distorsioni di chitarra e tastiera che celebrano ora le esplorazioni spaziali dell'hard rock degli Hawkwind, ora le divagazioni ipnotiche dell'organo di Ray Manzarek: le cadenze thrash dei Metallica e le melodie chitarristiche degli Iron Maiden si alternano ad assoli allucinogeni di chitarra sospesi in un miracoloso equilibrio tra Voivod, High Tide e Deep Purple, per poi approdare a una versione stralunata e distorta dei romantici acquerelli acustici degli Opeth. I Lesbian indulgono anche in una parentesi quasi sinfonica, grazie alla partecipazione degli archi dell'illustre ospite Timba Harris, che conferisce al sound dei Lesbian una compostezza che ricorda la tragicità dei primi King Crimson, prima che il tessuto progressive rock venga assaltato dall'aspro scream di Hodous e dalle chitarre black metal, in una sorta di balletto che ammicca agli algidi esperimenti degli Arcturus.

Flirtando momentaneamente anche con la ferocia del thrash e death metal, i Lesbian arrivano anche ad abbandonarsi ad alcuni dei numeri più violenti di tutta la loro opera, in fughe torrenziali che trovano i propri precedenti tanto nelle progressioni pirotecniche e visionarie dei Mastodon e degli Atheist, quanto nella nevrosi monolitica dei Gorguts di Obscura, ma sempre sabotate da pulsioni noise sotterranee degne di Chrome e Comets on Fire (come sperimentato negli ultimi anni - ma mai con risultati altrettanto calibrati - dai floridiani Gigan). Ma la devastazione del quartetto implode ben presto in derive cosmiche faustiane, che scoprono i Lesbian anche come notevoli artigiani melodici: dalle intermittenze dell'organo sorge una lunga parentesi intimista, ideale punto di incontro tra i momenti più distesi dei Metallica di Master of Puppets e la straziante Into the Dead Sky degli At the Gates, ma suonata con il piglio dei Grails.
Gli epici dieci minuti finali celebrano infine i principali esponenti dell'heavy metal classico di inizio anni Ottanta: la galoppata ritmica è quella degli Iron Maiden e dei Judas Priest storici, la voce - del secondo ospite B.R.A.D. Mowen - è di chiara ascendenza King Diamond; perfino l'assolo climatico conclusivo (con risate naif dal sapore tipicamente ottantiano) proviene direttamente dai solchi di The Number of the Beast.
Non si tratta di una mera operazione di crossover tra i più disparati stili della musica metal: tutto Forestelevision è un potentissimo esempio di capacità di declinare le sonorità del passato sotto la lente dei più importanti trend attuali dell'ambito estremo. E, soprattutto, la lucidità e competenza con cui i Lesbian portano a compimento il loro progetto sono rare nel panorama metal contemporaneo.

Kindly Bent to Free Us

Emanuele Pavia — Sat, 01 Mar 2014 21:32:24 +0000

Voto:

4.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Progressive Metal

Etichetta:

Season of Mist

Anno:

2014

Line-Up:

- Paul Masvidal - Voce, chitarra
- Sean Malone - Basso, chapman stick
- Sean Reinert - Batteria, tastiere

Tracklist:

1. True Hallucination Speak
2. The Lion's Roar
3. Kindly Bent to Free Us
4. Infinite Shapes
5. Moon Heart Sun Head
6. Gitanjali
7. Holy Fallout
8. Endless Bountiful

Cynic

Kindly Bent to Free Us

L'atteso terzo full-length dei Cynic (ormai ridotti definitivamente a trio: Paul Masvidal alla voce e chitarra, Sean Malone al basso e chapman stick, Sean Reinert alla batteria e tastiere) viene pubblicato dalla Season of Mist a oltre cinque anni dall'ultimo Traced in Air, con il titolo di Kindly Bent to Free Us (in onore degli insegnamenti buddhisti di Longchenpa e della sua opera Kindly Bent to Ease Us).

Decidendo di non proseguire nel sentiero tracciato con il men che mediocre Carbon-Based Anatomy del 2011 (che anzi lo stesso Masvidal ha definito come uno sfogo a sé stante dovuto alle difficoltà che il gruppo stava incontrando al tempo), i Cynic - pur non rinunciando alle aperture più ariose tipiche del progetto Æon Spoke mostrate nell'EP - reintegrano nel proprio sound la componente metal, avvicinandosi stilisticamente a una versione ulteriormente delicata e introversa di Traced in Air (non è esagerato ipotizzare un'ascendenza indie e post-rock nel suono dei Cynic del 2014).
Ciononostante, Kindly Bent to Free Us riesce comunque nella difficile impresa di risultare ancora meno valido di Carbon-Based Anatomy, ponendosi con prepotenza come la release peggiore mai partorita dai Cynic.
Una semplice minor creatività in fase di composizione non basta però a giustificare un tale disastro: è infatti Masvidal che, quasi autonomamente, condanna l'album, a causa del suo spiritualismo che finisce per permeare indelebilmente la musica dei Cynic, sia nei testi (un imbarazzante accumulo di riferimenti a filosofie orientali e misticismi vari, con alcuni dei versi più patetici mai pensati da una band) sia soprattutto nella musica, che grazie anche alla complicità delle tastiere di Reinert spesso è ridotta a una versione progressive metal della più innocua e annacquata new age da ascensore. A delle sonorità tanto melense, Masvidal aggiunge la prova vocale peggiore di tutta la sua carriera, accantonando gli effetti elettronici con cui ha filtrato la propria voce in passato ed esibendosi perlopiù in pulito, in tal modo scoprendo tutti i suoi limiti (sia a livello melodico che timbrico) come vocalist.
Nemmeno i pochi pregi del disco (ovvero l'esecuzione strumentale del trio, che per quanto non ai livelli di eccellenza di Focus - specialmente per quanto concerne la solistica di Masvidal - ancora dà prova di un'enorme competenza tecnica) vengono valorizzati abbastanza, a causa di una produzione ovattata e non all'altezza.

I primi tre pezzi di Kindly Bent to Free Us sono stati anche quelli che, a partire da metà dicembre 2013, sono stati pubblicati dalla Season of Mist per pubblicizzare l'uscita dell'album.
Di questi, la title-track è forse il migliore, e non a caso quello più vicino come sensibilità a Focus (come dimostrano le complesse ritmiche serrate, la composizione dei riff, ma soprattutto i diversi umori che colorano il brano, tra aperture melodiche jazzate e strofe progressive metal), per quanto assolutamente non paragonabile per ispirazione e qualità; d'altra parte, True Hallucination Speak cita Focus con simile convinzione (l'intro in particolare sembra un rimaneggiamento della storica Veil of Maya, se non fosse per le linee vocali sciroppose e totalmente inadatte di Masvidal), ma dove Kindly Bent to Free Us era solo una mediocre composizione per gli standard passati dei Cynic, questa sfodera momenti (come la sezione centrale giocata su coretti sdolcinati e languidi arpeggi di chitarra) di rara bruttezza.
È solo il primo singolo, The Lion's Roar, a superare di varie spanne il limite della decenza, con le sue strofe dall'atmosfera pseudo-misticheggiante e un riffing sconclusionato, coronato infine da uno dei testi più patetici che storia ricordi, ispirato agli insegnamenti di Chögyam Trungpa, ma che non rifiuta aperte citazioni alle teorie pseudoscientifiche di Terence McKenna (con climax di orrore in «Animals / Are something invented by plants / To move seeds around / An extremely yang solution / To a peculiar problem / Which they faced»). Talvolta, assale il dubbio che The Lion's Roar non sfigurerebbe su uno degli ultimi album dei Muse.

Il resto dell'album non mostra una creatività tanto maggiore di quanto esibito nei primi tre pezzi. In particolare, Infinite Shapes è se possibile ancora più imbarazzante di The Lion's Roar, questa volta per meriti squisitamente musicali, grazie a uno degli arrangiamenti più di cattivo gusto di tutto l'album (merito delle tastiere di Reinert e delle parti di chitarra di Masvidal, che culminano negli ululati involontariamente esilaranti del solo).
A fronte di questo disastro, perfino dei numeri di progressive metal anonimo e insignificante come Moon Heart Sun Head, Gitanjali e Holy Fallout non sembrano tanto terribili; anzi, nonostante sample di discorsi del filosofo Alan Watts, assoli poco ispirati e armonie vocali eunuche, la prima e l'ultima di queste vanno forse annoverate come i momenti più "riusciti" del disco.
Il mantra conclusivo di Endless Bountiful, per tastiere, chitarra e voce, torna però sulle sonorità meditabonde della prima metà dell'album, e non basta una timida incursione jazz rock nel finale per redimere un brano tanto narcolettico.

Raramente un ritorno tanto atteso si è rivelato così pessimo, pretenzioso e poco ispirato. Non si può (e non si deve) nemmeno applaudire al fantomatico coraggio necessario per attuare un cambio di rotta stilistico del genere: il suono di Kindly Bent to Free Us è il prevedibile punto di arrivo per un gruppo che sembra ormai sempre più guidato dalle ideologie di Masvidal piuttosto che da un qualche tipo di interesse musicale.
Un album del genere sarebbe un pessimo ascolto anche senza un passato glorioso alle spalle.

One One One

Emanuele Pavia — Wed, 01 May 2013 22:53:50 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Progressive Metal

Industrial

Etichetta:

Prosthetic Records

Anno:

2013

Line-Up:

- Jørgen Munkeby - Voce, chitarra, sassofono
- Håkon Sagen – Chitarra
- Tor Egil Kreken - Basso
- Torstein Lofthus - Batteria
- Bernt Moen - Tastiere, sintetizzatori

Tracklist:

1. I Won't Forget
2. The One Inside
3. My Dying Drive
4. Off the Hook
5. Blackjazz Rebels
6. How Your Story Ends
7. The Hurting Game
8. Walk Away
9. Paint the Sky Black

Shining [NOR]

One One One

A tre anni dalla pubblicazione di uno dei dischi più particolari e notevoli di tutto il panorama metal contemporaneo, vale a dire il grandioso Blackjazz che nel 2010 aveva scombussolato la scena estrema più sperimentale con uno schizoide mix di free jazz, black metal, harsh noise e futurismo industriale, gli Shining norvegesi firmano il loro sesto capitolo discografico con One One One, rilasciato dalla Prosthetic Records l'8 aprile 2013.

Per quanto superficialmente l'album sembri muoversi con una certa continuità rispetto alle coordinate del precedente Blackjazz, gli Shining di One One One sono un gruppo più fiacco nel dispiego dei mezzi e più prevedibile negli sviluppi delle composizioni. Gli arrangiamenti cervellotici e le strutture non lineari che avevano fatto la fortuna di Blackjazz, per quanto forse eccessivamente autoindulgenti in certi momenti, fornivano alla musica degli Shining una dimensione monolitica, oltre che una personalità indiscutibile: al contrario, One One One compie numerosi passi indietro, riducendo l'impatto distruttivo del loro muro sonoro e banalizzandone la formula. È così che il sassofono del leader Jørgen Munkeby viene relegato a ruoli di secondaria importanza, giusto a guidare le linee melodiche come fosse una terza chitarra, ergendosi su un impianto musicale che, lontano dalla devastazione dei dischi precedenti, devolve ora a connubio di certo industrial metal (memore un po' dei momenti più cibernetici dei Meshuggah, un po' dei momenti più violenti di Nine Inch Nails e Ministry) e di una versione edulcorata del mathcore degli ultimi, sterili, Dillinger Escape Plan.

Ma alla fine la sensazione che rimane è quella di star ascoltando un disco che si sta sforzando di ripercorrere una strada ormai fuori dalla portata del complesso: ciò che si avverte, sotto ai poliritmi della batteria triggerata e agli assoli dissonanti della chitarra, è un gruppo stanco che cela attraverso queste finezze tecniche una mancanza di idee preoccupante, oltre che una linearità e vacuità musicali ben più pronunciata di quanto gli Shining stessi vorrebbero far credere.
In effetti, spogliando i brani dei vari orpelli elettronici e degli assoli di sassofono, ne rimane una struttura annacquata che ricalca ora i clichè dell'hard rock, ora quelli dell'ala più vicina alle classifiche dell'alternative rock (in certi momenti, addirittura, il termine di paragone più vicino sembra essere la musica dei Muse), e anche il minutaggio (ridotto drasticamente rispetto a quanto mostrato su Blackjazz) tradisce la banalizzazione delle strutture dei brani e l'allontanamento dal free jazz in favore di un approccio ben più accessibile.
Non mancano comunque occasionali lampi di creatività che testimoniano come, nonostante tutto, quelli di One One One siano gli stessi Shining di Blackjazz: in particolare nella seconda metà del disco (con picchi in How Your Story Ends, che introdotta da un solo di sax si evolve in uno schizofrenico brano metal a metà strada tra le disarmonie dei Voivod e l'epilessia degli Strapping Young Lad, e dall'esplosione industriale di The Hurting Game, stravolta da delle strazianti partiture di sassofono - forse le uniche che mostrino effettivamente l'esperienza maturata dagli Shining come complesso free jazz durante la fase embrionale della loro carriera -), gli Shining sembrano risollevarsi dalla mediocrità che generalmente domina i pezzi di One One One; ma all'ascolto di brani come I Won't Forget, The One Inside oppure Off the Hook è difficile non avvertire l'idea che la band non stia facendo altro che tentare di spacciare brani in certi momenti quasi radiofonici per composizioni ambiziose e cervellotiche.

In tutto questo, c'è spazio perfino per una citazione diretta a Blackjazz in Blackjazz Rebels, giusto per confermare un'ultima volta come One One One ne sia una diretta emanazione pensata per coloro che non hanno intenzione di farsi venire il mal di testa ascoltando pezzi come Omen o Blackjazz Deathtrance. Blackjazz trovava il suo limite in un oltranzismo spietato, che alle volte dava l'idea di un gruppo alle prese con un esperimento di cui non conosceva ancora i possibili risultati; in One One One il gruppo risolve infelicemente calando quel suono futuristico e moderno su uno scheletro di rock scontato e prevedibile, mantenendo quindi i passaggi a vuoto del capitolo precedente e al contempo cassando ciò che più di ogni cosa ne rendeva stimolante l'ascolto: la sua indecifrabilità.

Target Earth

Emanuele Pavia — Sat, 23 Feb 2013 08:33:18 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Progressive Metal

Thrash Metal

Etichetta:

Century Media

Anno:

2013

Line-Up:

- Denis Bélanger (Snake) – Voce
- Daniel Mongrain (Chewy) – Chitarra
- Jean-Yves Thériault (Blacky) – Basso
- Michel Langevin (Away) – Batteria

Tracklist:

1. Target Earth
2. Kluskap O'Kom
3. Empathy for the Enemy
4. Mechanical Mind
5. Warchaic
6. Resistance
7. Kaleidos
8. Corps Étranger
9. Artefact
10. Defiance

Voivod

Target Earth

In ambito metal, il nuovo lavoro dei Voivod rappresenta uno dei dischi più chiacchierati di tutto il 2013.
Fin dal 2010, quando il batterista storico della band, Michel "Away" Langevin, aveva dichiarato che la storica formazione thrash era impegnata nella scrittura di nuovo materiale (seppur solo nell'estate 2012 le varie voci di corridoio si siano concretizzate definitivamente nell'annuncio di un imminente nuovo full-length firmato Voivod), il pubblico metal si era immediatamente (per quanto comprensibilmente) scagliato contro l'operazione. Con la morte di Denis "Piggy" D'Amour nel 2005, il gruppo ha perso uno dei massimi talenti della storia del genere, nonché il più genuino genio dietro le partiture cibernetiche che hanno reso i Voivod leggendari, e mentre i due dischi immediatamente successivi alla tragedia (vale a dire i non esaltanti Katorz del 2006 e Infini del 2009) sfoderavano ancora costruzioni e composizioni partorite dalla sua mente, un nuovo album del gruppo avrebbe significato il primo lavoro in trent'anni di carriera della band senza la presenza del suo indiscusso mastermind.

Quando infine il 22 gennaio 2013 la Century Media ha pubblicato il full-length (intitolato Target Earth), si è rivelato compiuto il miracolo.
La nuova line-up - che non comprende solo il nuovo Daniel "Chewy" Mongrain (già leader dei Martyr) come chitarrista, ma soprattutto il ritrovato Jean-Yves "Blacky" Thériault, bassista storico dei Voivod che aveva abbandonato la band nel 2002 per essere sostituito dall'ex-Metallica Jason Newsted - non solo è riuscita a sfoggiare un'efficace prova esecutiva riuscendo a evitare tanto facili autocitazionismi quanto la banalizzazione della musica cervellotica per cui i Voivod si sono sempre contraddistinti, ma nelle dieci tracce di Target Earth dà anche prova di aver trovato un'insperata affinità creativa, superando qualitativamente i suoi mediocri predecessori.
I pezzi di questo Target Earth si riallacciano stilisticamente non tanto agli ultimi full-length Katorz e Infini quanto al periodo maggiore della carriera del gruppo, quello in cui i Voivod si evolsero da band speed/thrash dalle tematiche belligeranti a sofisticata e futurista progressive/thrash band sul finire degli anni Ottanta. In effetti, la maggior parte delle composizioni dell'album potrebbero essere state concepite nel periodo di transizione tra Killing Technology e Dimension Hatröss: la componente thrash è ben radicata nel sound di questi Voivod, come dimostrato dai riff duri e rocciosi di chitarra così come dalle accelerazioni tipicamente speed metal (ricordando, in certi momenti, anche i Mekong Delta di inizio anni Novanta), ma su queste partiture si riversano dissonanze e armonie inusuali di chitarra (con un Mongrain degno erede del D'Amour più cervellotico dei tempi d'oro), oltre a liquidi arrangiamenti fantascientifici e vagamente psichedelici, secondo la migliore tradizione dei Voivod più progressivi.

Alla luce di queste considerazioni si potrebbe bollare Target Earth come un'operazione piuttosto anacronistica e, in effetti, questo nuovo album non aggiunge granché alla discografia essenziale dei Voivod.
Eppure, è difficile non rimanere impressionati dalla efficace prova del quartetto, estremamente competente a livello tecnico e, per quanto sicuramente con l'occhio rivolto al periodo anni Ottanta del gruppo, ribollente di idee da far impallidire tutti i nuovi gruppetti della scena revival thrash che pure ai Voivod devono molto, i sopravvalutatissimi Vektor in testa.
Complice anche un talento melodico invidiabile, che riesce a calare in queste strutture cervellotiche momenti più orecchiabili (merito soprattutto delle prove vocali di Denis "Snake" Bélanger, che con il suo timbro androide riesce a donare un indiscutibile appeal ai vari pezzi dell'album), i brani di Target Earth risultano almeno godibili anche nei momenti meno incisivi, che solitamente coincidono proprio con i momenti in cui a dominare sulla musica dei Voivod è il mestiere.
È ciò che accade per esempio nella title-track, che apre il lavoro con la solita commistione di speed metal propellente (dovuto in particolar modo al basso di Blacky, pivot ritmico del sound dei Voivod per tutto l'album, che talvolta deve sopperire pure alla mancanza di consistenza della batteria di Away, troppo spesso messa in secondo piano dalla produzione dell'album) su cui Chewy ricama fraseggi chitarristici spaziali e progressivi, in uno stile che, per quanto improntato al tributo alla peculiare tecnica di Piggy, si rivela fin da subito più tecnico nella fase solistica, più tipicamente metal nel riffing, ma meno alieno nelle atmosfere rispetto al suo illustre predecessore.
La successiva Kluskap O'Kom procede quindi in un esercizio stilistico sulla scia del pezzo precedente, prima di arrivare all'inusuale Empathy for the Enemy (aperta da un'interessante overture folkloristica orientaleggiante cui segue un pezzo progressive metal molto più disteso e onirico) e quindi ai primi vertici di Mechanical Mind, in cui i Voivod si cimentano in una prova d'eccezione, a partire dall'introduzione cibernetica fino ad arrivare al climax nella seconda metà del brano che concilia le disarmonie liquide della chitarra di Chewy con le possenti strutture thrash della base ritmica, e di Warchaic, che si mostra meno legata al thrash metal preferendo invece un approccio progressive metal più dissonante e geometrico.
In Resistance emergono perfino riferimenti al metal dei Neurosis e dei Mastodon, nell'impatto monolitico e nel riffing rispettivamente, mentre Kaleidos si cimenta in un prog/thrash più disarmonico e sghembo (con tanto di citazione alle ripartenze epilettiche del classico Inner Combustion da Nothingface) ma al contempo meno notevole rispetto ai brani immediatamente precedenti; si rivelano migliori invece la più violenta Corps Etranger, che si distingue più che per meriti musicali per un utilizzo esotico e inaspettatamente ammaliante della lingua francese nel brano, e soprattutto Artefact, terzo apice del full-length che ritorna agli episodi più sperimentali di Dimension Hatröss.
Defiance chiude quindi il disco con un inquietante minuto e mezzo di metal spaziale e dissonante, quasi lasciando l'amaro in bocca per come, in pochissimo tempo, questo pezzo riesca a sfoggiare una classe ben superiore a quella mostrata da episodi più sottotono del full-length di oltre cinque o sei minuti.

Quello che infatti rappresenta il maggior difetto di Target Earth non è tanto l'eccessiva influenza del periodo anni Ottanta della band che permea tutto il lavoro, ma l'eccessivo minutaggio che sacrifica molte delle buone idee in formati troppo diluiti, che finiscono per rendere stucchevoli alcuni pezzi del disco (come ad esempio avviene in Target Earth o Resistance). Ma ciononostante, questo album rimane un felicissimo aggiornamento delle sonorità dei classici Voivod suonato con le tecnologie e l'esperienza del nuovo millennio, e già questo rappresenta una gradita sorpresa, per un gruppo con oltre trent'anni di carriera alle spalle.

Complex Shapes

Corrado Penasso — Thu, 19 Apr 2012 15:36:51 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Progressive Metal

Death Metal

Etichetta:

Punishment 18 Records

Anno:

2012

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Manta Bass

Raffaele Benvegnù Keyboards

Picio Guitars (lead)

Krom Vocals

Revenant Guitars

Matless Drums

Tracklist:

1. Your Lies

2. Fragments Of Me

3. Still In My Eyes, Burning

4. Gorgon

5. Subvert

6. Dreams/Demise

7. Complex Shapes

8. Whiteout

9. Empire Of The Sands

10. Hate Serenades

11. N.O.F.T.

Algol

Complex Shapes

I Padovani Algol non sono affatto dei novelli. La loro formazione risale al 1995, tuttavia la band si sciolse nel 1996 senza aver mai pubblicato nulla. Il destino a volte restituisce la forza e le possibilità di ricominciare ed ecco che i Nostri si riformarono nel 2000 e da allora un demo del 2004 (Through Time and Space) e il primo album (The Wisdom Loss) vennero dati alle stampe. Queste due pubblicazioni fecero sì che la Punishment 18 Records venisse a sapere anche di loro, facendo loro firmare un contratto per un nuovo album: Complex Shapes.

Stilisticamente parlando, la musica degli Algol è difficilmente classificabile. Trattasi di un death metal melodico non convenzionale, il quale ingloba varie influenze progressive e dal taglio moderno. Un primo, chiaro, esempio di ciò che dico lo si può avere con Your Lies: la voce di Krom si rifà in qualche modo allo corrente del metalcore, sovente le tastiere intervengono per donare un tocco barocco alla composizione mentre e le aperture melodiche da parte delle chitarre non rispecchiano esattamente i canoni del genere. L’atmosfera riesce ad essere in egual modo molto evocativa mentre proseguiamo l’ascolto con la successiva Fragments Of Me, canzone che fa nuovamente sfoggio delle influenze progressive dal taglio epico in un crescendo di intensità. Alcuni tempi maggiormente veloci sostengono riffs sempre variegati e difficilmente inquadrabili, tra venature eleganti da parte delle tastiere e numerosi stop and go. La proposta risulta molto interessante anche se necessita dell’apertura mentale giusta e della giusta predisposizione.

L’impatto di Still In My Eyes, Burning é degno di nota anche se il lato maggiormente sinfonico sopravvive di sottofondo, donando un tocco epico molto forte che raggiunge il suo apice durante il ritornello in voce pulita. Questa canzone, in particolare, mostra un’ottima combinazione di extreme metal e heavy/power metal. Un assolo pregevole con tanto di duetto con le tastiere arricchisce un’altra composizione molto personale, con tanto di partecipazione di Dan Swanö al microfono. La voce potente e suadente di Arianna Tinello porta un forte carico gothic nella struttura di una dinamica, abbastanza veloce Gorgon. Ancora una volta le melodie sono bene presenti e non svaniscono facilmente, come anche prontamente confermato nella velocità di Subvert. Il taglio thrash delle chitarre, la velocità power, le tastiere gotiche e il growl sono tutti elementi che messi insieme potrebbero spiazzare e confondere ad un primo ascolto ma che alla lunga distanza portano emozioni.

I tempi ritornano ad essere meno tirati con Dreams/Demise, traccia nella quale la band ha le possibilità per mostrare il suo lato progressivo e melodico grazie a numerosi cambi di tempo e l’uso della voce pulita in grande quantità. Complex Shapes scopre il lato più dark del gruppo da opporre ad una delle tracce più violente del disco: Whiteout. La presenza di un certo Paul Speckmann (Master, Death Strike, Abomination etc.) come ospite dietro al microfono accresce la sensazione di ruvidezza di una canzone che si ferma solo in un break sinfonico a metà delle sua durata. Un titolo misterioso come Empire of the Sands non può che essere accompagnato da una struttura fatta di chiaroscuri e melodie appena accennate. Avvicinandoci alla fine del disco troviamo le sfuriate bilanciate con tanta melodia di Hate Seranades e la brutalità della conclusiva N.O.F.T., notevole anche per le trame oscure da parte della chitarra.

Giunti alla conclusione posso dire di essere stato positivamente sorpreso da questo nuovo lavoro degli Algol. La maturità espressa dal gruppo in questo Complex Shapes è notevole e sono sicuro che la proposta del gruppo verrà parecchio apprezzata dagli ascoltatori di metal estremo dalle ampie vedute e non solo.

Koloss

Emanuele Pavia — Mon, 02 Apr 2012 22:04:30 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Progressive Metal

Thrash Metal

Etichetta:

Nuclear Blast

Anno:

2012

Line-Up:

- Jens Kidman - Voce
- Fredrik Thordendal - Chitarra
- Mårten Hagström - Chitarra
- Dick Lövgren - Basso
- Thomas Haake - Batteria

Tracklist:

1. I Am Colossus
2. The Demon's Name Is Surveillance
3. Do Not Look Down
4. Behind the Sun
5. The Hurt That Finds You First
6. Marrow
7. Break Those Bones Whose Sinews Gave It Motion
8. Swarm
9. Demiurge
10. The Last Vigil

Meshuggah

Koloss

Dopo quattro anni di silenzio dall'ultimo obZen (interrotti solo nel 2010 dal sorvolabile Alive), i Meshuggah ritornano sulle scene musicali con il loro settimo full-length Koloss, pubblicato dalla Nuclear Blast il 23 marzo 2012, album che riconferma il quintetto svedese come una delle punte di diamante del metal più estremo e cervellotico degli ultimi vent'anni, nonché l'ottimo stato di ispirazione della band anche nel nuovo decennio.
obZen, la prima consistente battuta d'arresto nel percorso di un gruppo in costante evoluzione fin dal primo Contradictions Collapse, aveva fatto temere a molti fan che i Meshuggah avessero incontrato una stasi creativa a causa dell'abbandono di gran parte delle istanze più futuriste e robotiche degli album immediatamente precedenti e al recupero di sonorità (oltre che molto più melodiche) più propriamente thrash e progressive; Koloss invece riparte proprio da dove i Meshuggah si erano fermati in Catch-33, rappresentando probabilmente ciò che obZen non era riuscito ad essere: una definitiva e compiuta commistione del sound "classico" della band con quello più cibernetico esibito nel nuovo millennio.

Il nuovo lavoro dei Meshuggah riprende infatti la caotica opera di destrutturazione del thrash metal cominciata propriamente in Chaosphere e poi proseguita nei due full-length successivi (nonché, e soprattutto, nell'EP I), riportando in auge i tessuti dissonanti, le strutture cacofoniche quanto profondamente cerebrali e gli assalti poliritmici, ma ordinando questo miasma metal alienante e distruttivo in progressioni armoniche e in riff che mantengono il groove tipico del thrash metal più tecnico cui Contradictions Collapse e Destroy Erase Improve si ispiravano nella prima metà degli anni Novanta. In questo granitico baccanale di fraseggi chitarristici sincopati, brutali ruggiti vocali e ritmiche forsennate, vengono infine iniettate dosi di jazz-fusion (dovute perlopiù agli arrangiamenti e agli assoli holdsworthiani di Fredrik Thordendal), secondo una regola mai violata dal complesso fin dai tempi dell'EP None del 1994, per quanto qui applicata in maniera molto più sottile e meno imponente rispetto ai classici della band.
Koloss riesce quindi nel difficile compito di mostrare il classico sound dei Meshuggah senza però dover apparire per forza datato, scontato o semplicemente manieristico: i massicci accordi chitarristici che scandiscono il ritmo sincopato di I Am Colossus si ricollegano alle impenetrabili e assordanti mura sonore erette da Nothing e Catch-33, ma la produzione secca si distanzia dal sapore freddamente cibernetico di quei due album per ritornare alle atmosfere evocate da Destroy Erase Improve, mentre il roccioso thrash metal di The Demon's Name Is Surveillance, con il suo intercedere impetuoso e martellante, appare come una versione meno aliena del metal industriale di Chaosphere.
E se Do Not Look Down reinterpreta il groove metal degli anni '90 nell'ottica disumanizzante tipicamente meshugghiana, mentre Behind the Sun riprende le cadenze panzer e le distorsioni inquietanti di Nothing (ponendosi come uno dei vertici di tutto Koloss), la sfuriata nevrotica post-thrash di The Hurt That Finds You First appare perfino un parto di Devin Townsend per i suoi Strapping Young Lad, con le sue accelerazioni brutali e le esplosioni dissonanti delle chitarre, prima di assopirsi lentamente in una coda fusion venata di subdoli groove in sottofondo.
Ma è forse nella seconda metà dell'album che Koloss giunge al picco di ferocia esecutiva: dapprima Marrow, con le sue evoluzioni solistiche cerebrali e il suo ritmo claudicante, continuamente abbozzato e interrotto nel proseguire del brano, quindi l'intercedere scomposto di Break Those Bones Whose Sinews Gave It Motion e soprattutto il brutale capolavoro Swarm (le cui cadenze death-metal e le ripartenze futuristiche si pongono come una sorta di appendice all'opera di destrutturazione della musica metal intrapresa egregiamente in I) sfoderano gli episodi migliori di tutto il lavoro, ad ennesima conferma dello stato di ispirazione creativa della band.
Dopo le apocalittiche deflagrazioni di Demiurge, infine, l'album si spegne lentamente con la dimessa coda ambientale di quattro minuti di The Last Vigil, l'unico momento in cui si allenta la tensione esplosiva che permea tutto il disco.

Se obZen lasciava preoccupantemente presagire che lo stile dei Meshuggah si stesse standardizzando e arenando in una proposta estremamente avvincente ma molto più classica di thrash metal tecnico e progressivo, Koloss fuga ogni dubbio dando alla luce un nuovo esaltante capitolo che si pone come degno successore dei lavori della band dei primi Noughties, aggiungendo al terrorismo sonoro una certa dose di umanità in più mutuata dal lavoro precedente che, seppur probabilmente possa essere motivo di delusione per qualche fan del materiale più sperimentale del gruppo, rimane una delle esperienze più suggestive del panorama estremo degli ultimi anni.
In una scena come quella djent, che a pochi anni dal suo riconoscimento ufficiale è già satura di cloni superficiali ed emulatori mediocri, i Meshuggah si distinguono ora come negli anni Novanta, scansando il rischio di presentare un nuovo lavoro di stereotipi autocitazionistici e dimostrando di essere, ancora una volta, una delle band più uniche di tutta la scena heavy metal.

The Hunter

Matthias Stepancich — Sat, 30 Jul 2011 16:22:01 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Progressive Metal

Hard Rock

Etichetta:

Reprise/Roadrunner/Warner Bros.

Anno:

2011

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Troy Sanders – lead vocals, bass
Brent Hinds – lead vocals, guitars
Brann Dailor – lead vocals, drums, percussion
Bill Kelliher – guitars, backing vocals

Mike Elizondo – production, mixing
Scott Kelly – lead vocals on "Spectrelight"

Tracklist:

1. Black Tongue - 3:27
2. Curl of the Burl - 3:40
3. Blasteroid - 2:35
4. Stargasm - 4:39
5. Octopus Has No Friends - 3:48
6. All the Heavy Lifting - 4:31
7. The Hunter - 5:17
8. Dry Bone Valley - 3:59
9. Thickening - 4:30
10. Creature Lives - 4:41
11. Spectrelight - 3:09
12. Bedazzled Fingernails - 3:08
13. The Sparrow - 5:30

Limited Edition:
14. The Ruiner - 3:11
15. Deathbound - 2:48

Mastodon

The Hunter

I Mastodon tornano con il nuovo full-length The Hunter (Reprise/Roadrunner/Warner Bros., 2011) a due anni dal precedente Crack the Skye, e ancora una volta riescono a stupire il proprio pubblico con un'ulteriore svolta stilistica.
Se difatti Crack the Skye aveva visto la band entrare nel territorio del concept prog-rock, con pezzi dalla durata allungata, dalla struttura complessa e in ben due casi sviluppati in suite superanti i 10 minuti a testa, con The Hunter i quattro non solo tornano ad un maggior numero di tracce, tutte dal minutaggio breve, ma utilizzano strutture più classiche e vicine alla forma-canzone, eliminano molti degli eccessi prog e molta della pesantezza metal, e addirittura si concedono alcuni pezzi in chiave maggiore.
Il songwriting di Crack the Skye, per quanto elaborato e per quanto di buon successo presso critica e pubblico, è stato un esperimento ambizioso ma troppo claudicante: se la formula era riuscita in The Czar, non si poteva dire lo stesso per l'infinita The Last Baron, caricata eccessivamente di barocchismi alla The Mars Volta, Rush e Genesis, o per i contrasti melodici troppo stridenti e sgraziati che sbucavano qui e là nei pezzi più brevi, ad esempio nel pre-chorus di Oblivion.
I Mastodon hanno evidentemente deciso di minimizzare gli elementi barocchi e più ambiziosamente prog, e di prestare una maggior cura al flusso melodico, scrivendo pezzi molto più coesi e scorrevoli. Le tracce di The Hunter sono ognuna una sintesi basilare di varie caratteristiche tipiche della band, con in più un'incrementata attenzione per l'orecchiabilità e gli hook melodici.
La base su cui i Mastodon hanno deciso di costruire il disco non è il prog-rock, e nemmeno lo sludge, ma ancor più indietro nel tempo il classico hard rock dalle tinte calde, blueseggianti e southern alla 1970s; tale fondamento viene poi trasformato completamente grazie ai vari innesti di prog-rock, hardcore-sludge e thrash metal, e fatto suonare bizzarro dal solito drumming densissimo di Brann Dailor e dalle parti vocali di Brent Hinds, ma resta comunque riconoscibile come tale.

Il fatto che rende l'album un esperimento, sebbene meno ambizioso, a conti fatti più riuscito di Crack the Skye, è che ognuna delle 13 tracce di cui è composto sfoggia un grandioso talento nel costruire brani fluidi, coesi, fulminanti grazie a delle melodie memorabili, e allo stesso tempo di volta in volta assumenti un'identità stilistica differente.
C'è difatti il pezzo più pesante e simile ai primi dischi, ovvero la cavalcata metal di Spectrelight (con ospite alla voce Scott Kelly dei Neurosis, ormai guest fisso su ogni loro release); c'è l'heavy-sludge cantato in pulito di All the Heavy Lifting, con batteria roboante e chorus che si leva epicamente nel proclama "Just close your eyes"; c'è l'heavy rock a tinte futuriste di Octopus Has No Friends (il cui chorus "I'm on my way back home" tinge di malinconia i possenti riff delle strofe) e Bedazzled Fingernails (il cui epilettico giro d'apertura sembra un bluegrass in versione metal), entrambe con parti vocali effettate alla Cynic; c'è il rock trascinante e orecchiabile di Curl of the Burl, con riff portante e chorus infettivi, capaci quasi di coniare una nuova formula musicale sludge-pop; c'è il thrash magicamente catchy di Black Tongue (con chitarre che incrociano i Metallica di Ride the Lighting e i riff di Iron Tusk, drumming forsennato, melodie vocali eccelse); c'è il lento heavy-psych quasi stoner di Thickening (con fraseggi di chitarra tra hard rock e blues, e cori vocali alla Josh Homme), l'altro pezzo che avrebbe potuto tranquillamente figurare su Blood Mountain o Leviathan assieme a Spectrelight; c'è il travolgente mix di stoner e hardcore Dry Bone Valley, cantato ottimamente dal drummer Dailor nella vena dei migliori Queens of the Stone Age, con uno dei chorus più indimenticabili dell'album; ci sono Blasteroid e Creature Lives, due dei tre pezzi in chiave maggiore (il terzo è Octopus Has No Friends), con il primo un veloce e inarrestabile mix di hard rock southern e hardcore-punk, e il secondo (cantato ancora una volta da Dailor) un lento crescendo vicino ai prog/soft-rock dei Pink Floyd, influenza che caratterizza anche l'emozionante chorus di Stargasm, pezzo che riesce a condensare in meno di 5 minuti tutto ciò che di più riuscito c'era in Crack the Skye, dalle stratificazioni chitarristiche barocche agli effetti di post-produzione, dalle influenze prog-metal alle melodie avvolgenti e quasi psichedeliche.
Ma il picco autoriale e adulto dell'album si tocca con i due pezzi restanti, ovvero la suggestiva title-track (dedicata, come l'intero disco, al fratello di Brent Hinds, morto durante una battuta di caccia), innalzata dalle vellutate parti vocali di Troy Sanders e dalle straordinarie chitarre di Hinds e Kelliher, e la magnifica conclusiva The Sparrow, entrambi due onirici lenti a metà strada tra la power-ballad e la ballad pura, capaci non solo di assorbire le migliori caratteristiche del soft-prog pinkfloydiano per aggiornarle e rivitalizzarle con innesti di hard rock moderno, ma anche di portare l'intera formula del disco verso lidi poetici, come forse solo con Hearts Alive di Leviathan la band era riuscita a fare in passato.

Nella Limited Edition sono presenti due ulteriori tracce, le brevi e furibonde The Ruiner e Deathbound, massicce e angolari come nello stile di Leviathan, ma che comunque sarebbero state B-side anche su quel disco, e che in prospettiva rovinano la chiusura perfetta rappresentata da The Sparrow; forse sono state composte e inserite solo per accontentare i nostalgici delle sonorità più pesanti della band.

The Hunter rischia infatti di essere rifiutato dai loro fan del primo periodo perché privo della pesantezza metal e delle schizofrenie strumentali più violente, ma è essenziale comprendere come i Mastodon non si siano prestati a stili musicali modaioli o trendy per rendersi appetibili: la loro è una decisione di puntare tutto sulla concisione e sul proprio talento melodico, restando al contempo ben attenti a variare approccio da traccia a traccia, senza mai ripetersi. La svolta di The Hunter è per tanto da classificarsi non come una svendita, ma come una genuina evoluzione verso territori differenti. Per il momento, il quartetto si dimostra ancora capace di inanellare sfoggi di versatilità tecnica (meno appariscenti del passato, ma comunque costantemente presenti) in misura proporzionale ad un impressionante numero di riusciti hook melodici, e finché ispirazione, equilibrio e voglia di cambiamento ad ogni nuova uscita continueranno a contraddistinguerne la carriera, sarà dura scalzarli dal dominio schiacciante sulla scena rock-metal della loro generazione.

A Sailor Lost Around the Earth

Emanuele Pavia — Wed, 25 May 2011 14:55:37 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Progressive Metal

Post Rock

Jazz Rock

Etichetta:

Magic Bullet Records

Anno:

2011

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Valerian Swing @Myspace.com

Line-Up:

- Stefano Villani - Chitarre, Loop, Voce
- Alan Ferioli - Basso, Tastiere
- David Ferretti - Batteria

Guest:
- Gianluca Petrella - Trombone

Tracklist:

1. Dr. Pengl Is There
2. Le Roi Cremeux
3. A Sea in Your Divine Fast
4. Since Last Century
5. The Decent Man
6. Pleng
7. Hypnagogic Hallucination? Sound in the Void
8. How Far?
9. Nothing but a Sailor Lost Around the Heart
10. It Shines

Valerian Swing

A Sailor Lost Around the Earth

In un panorama sempre più soffocato dalla presenza di cloni dei grandi capiscuola del mathcore americano, è una ventata d'aria fresca l'opera dei Valerian Swing, trio di Correggio che fin dal 2007 si è distinto per il suo lavoro nell'ambiente metal più tecnico e sofisticato.

Dopo il primo full-length Draining Planning for Ears Reflectors, infatti, la band è tornata a marzo con il nuovo A Sailor Lost Around the Earth, registrato sotto l'egida di Matt Bayles (nome non nuovo nel panorama metal, che negli ultimi anni si è distinto come produttore di band quali Mastodon, Isis e Botch) e che ha raccolto immediatamente grandi consensi tra gli afecionados di certe sonorità estreme e intellettuali al contempo, grazie a una proposta decisamente più personale della media.

Mentre, infatti, vari gruppi mathcore rivolgono le proprie energie principalmente all'emulazione dei complessi storici della scena (Dillinger Escape Plan, Converge e Botch su tutti), i Valerian Swing preferiscono invece adottare uno stile che si rifà direttamente alle influenze dei capisaldi del genere, in modo da arricchire il sound frenetico tipico dell'hardcore attuale con interessanti riferimenti all'ondata post-rock e math rock dei primi anni '90.
Così, oltre che a distinguersi da molte altre band, il trio riesce anche nel difficile compito di rinfrescare la musica cervellotica del mathcore più recente con aperture atmosferiche e intuizioni più particolari degne dei June of 44, che aggiungono molto alla godibilità dell'intero disco.

Nonostante i primi minuti di Dr Pengle Is There possano far pensare a un altro gruppo mathcore tecnicamente dotato che costruisce fraseggi e ritmiche ultra-complesse e intricate, le inflessioni oniriche (rese da arpeggi puliti e dalla voce soffusa) e soprattutto gli interventi del trombone del jazzista Gianluca Petrella aggiungono fascino al pezzo, che ora appoggia le sfuriate metal in stile Zu e Shining, ora rende ancora più fumosa l'atmosfera con interventi degni dei King Crimson e del Robert Wyatt di Rock Bottom. I brani successivi, quindi, approfondiscono proprio queste due componenti opposte ma complementari del sound di A Sailor Lost Around the Earth: se con Le Roi Cremeux (in cui l'influenza di acts come i Mastodon è predominante) e Hypnagogic Allucination? Sound in the Void (forse il pezzo più violento dell'album) si preferisce un approccio più estremo e cervellotico, con A Sea in Your Divine Fast e Nothing But a Sailor Lost Around the Heart si cancella invece ogni elemento math, dando spazio alle ingerenze post-rock più atmosferiche à la Bark Psychosis. Talvolta, invece, la band decide di conciliare queste due diverse tendenze, come in Since Last Century, che si muove elegantemente tra riproposizioni in chiave metal dei Don Caballero e aperture à la Isis, o in Pleng, in cui si aggiungono giocose melodie à la Battles. Il lavoro termina con It Shines, il pezzo più lungo dell'album, che riassume tutte i vari umori di A Sailor Lost Around the Earth ricorrendo di nuovo al trombone di Petrella.

Nonostante qualche lieve caduta in alcuni pezzi meno interessanti (The Decent Man, How Far? e la già citata Nothing But a Sailor Lost Around the Earth), il risultato globale è sicuramente encomiabile: i Valerian Swing riescono a creare un disco compatto e godibile per tutta la sua durata, slegandosi dai soliti cliché hardcore in favore di spunti più intimisti e intriganti. Se da un lato il disco può sicuramente rappresentare un buco nell'acqua per gli ascoltatori che esigono una musica facilmente assimilabile e priva di fronzoli, gli amanti del metal più tecnico e influenzato (che sia dal jazz, dal post-rock o dal math rock poco importa) non possono certamente disdegnare la proposta.

A Social Grace

Emanuele Pavia — Wed, 04 May 2011 21:36:29 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Progressive Metal

Thrash Metal

Etichetta:

Rising Sun Records

Anno:

1990

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Psychotic Waltz Official Site

Line-Up:

- Buddy Lackey - Voce, Flauto, Pianoforte, Tastiera, Chitarra acustica

- Dan Rock - Chitarra elettrica e acustica, Vibraslap

- Brian McAlpin - Chitarra elettrica e acustica

- Ward Evans - Basso, Tamburello

- Norm Leggio - Batteria

Tracklist:

1. ...And the Devil Cried

2. Halo of Thorns

3. Another Prophet Song

4. Successor

5. In This Place

6. I Remember

7. Sleeping Dogs

8. I of the Storm

9. A Psychotic Waltz

10. Only in a Dream

11. Spiral Tower

12. Strange

13. Nothing

Psychotic Waltz

A Social Grace

I Psychotic Waltz sono stati uno dei gruppi più importanti per l'evoluzione della musica heavy metal da genere primordiale e selvaggio a genere più sofisticato tecnicamente e più intelligente nelle composizioni.
La loro opera si è infatti rivelata, per la nascita del progressive metal, non meno importante dei dischi di band più blasonate come Queensrÿche, Dream Theater o Fates Warning, e il complesso è risultato fra i primi act che, rifacendosi al debut dei Watchtower (quell'Energetic Disassembly del 1985 che impose un nuovo standard tecnico all'interno della musica heavy metal), hanno implementato una sempre maggiore raffinatezza nelle proprie composizioni, senza in ogni caso seguire pedissequamente le orme tracciate da tale gruppo, al contrario di altre band della prima ondata progressive metal come i Sieges Even. Sfortunatamente, la loro musica non è stata inizialmente riconosciuta adeguatamente dalla critica e dal pubblico, anche a causa di una lunga serie di disgrazie che ha distrutto la carriera della band dopo soli quattro album, ma a seguito della ristampa da parte della Metal Blade Records di tutta la loro discografia nel 2004, il complesso è riuscito ad acquisire lo stato di band cult, che ha riportato l'attenzione del pubblico progressive su di loro (come dimostrato ampiamente dagli ultimi lavori degli Obscura e dei Protest the Hero, visibilmente influenzati dai Psychotic Waltz)

Il complesso affonda le proprie radici nel 1982, anno in cui un giovanissimo e inesperto chitarrista, Dan Rock, si trasferisce a San Diego e incontra alle scuole superiori Buddy Lackey, con cui stringe subito amicizia grazie a una comune passione per la musica heavy metal. Nel 1983 conosce Norm Leggio, batterista con cui Dan Rock si diverte a suonare cover di classici metal, tra Black Sabbath e Judas Priest, senza alcuna pretesa di comporre qualcosa di nuovo, ma, ciononostante, i due sono presto annoiati dalle jam session e si allontanano, prendendo due strade differenti.
L'anno successivo avviene l'incontro tra Dan Rock e Brian McAlpin, anch'egli chitarrista, incontro che segnerà definitivamente la storia del gruppo: i due diventano presto amici fidati e suonano insieme, scoprendo un'ottima interazione fra i loro stili chitarristici. Nemmeno quando McAlpin subisce un incidente stradale i due si separano, e anzi compongono i primi, immaturi pezzi insieme durante la sua convalescenza all'ospedale.

Quando McAlpin si riprende, i due chitarristi decidono di formare una band: recuperano il batterista Norm Leggio e chiamano il bassista Ward Evans, compagno di scuola di McAlpin, mentre alla voce arriva Mike Hall, amico di Leggio; il sodalizio con Hall però non dura a lungo, e a lui viene preferito Buddy Lackey, che nel frattempo aveva preso lezioni di canto. Il nucleo così formato adotta il monicker Aslan, dal nome di un personaggio di C.S. Lewis. Registrano così una primitiva demo eponima nel 1986 (i cui quattro brani verranno poi raccolti nel secondo disco del Live & Archives del 1996), e un'altra nel 1988, intitolata Psychotic Waltz: poco prima di questa release, infatti, il gruppo s'era visto costretto a cambiare monicker per questioni di omonimia, scegliendo come nuovo nome Psychotic Waltz su un'idea di un amico che, ascoltando le composizioni della seconda demo, aveva descritto i brani come somiglianti a "valzer psicotici", formula che fece subito colpo sul gruppo. Questo secondo Psychotic Waltz permette alla band di acquisire una certa notorietà presso la stampa (specie quella tedesca), consentendogli quindi di esordire su full-length.

Il vero e proprio debutto, quindi, si ha con A Social Grace, registrato tra l'89 e il '90 (sfruttando un fondocassa guadagnato attraverso concerti e vendite di gadget vari) e pubblicato sotto l'egida della Rising Sun Records. Il sound del quintetto approfondisce ciò che era stato abbozzato nella precedente demo (e non per nulla tutti e quattro i pezzi di Psychotic Waltz sono stati inseriti nell'album), cimentandosi in un personalissimo thrash metal di matrice progressiva, ben lontano dalle sfuriate estreme della vena più hardcore della scena, ma al contempo quasi totalmente slegata dall'eredità dei Watchtower, di cui condividono solo l'obiettivo di elevare tecnicamente un genere per definizione tutt'altro che sofisticato. Pertanto, più che al panorama metal i Psychotic Waltz si rifanno direttamente al progressive rock settantiano, tra Van Der Graaf Generator (di cui riprendono l'atmosfera oscura e decadente), Rush (per l'impianto fortemente tecnico del complesso) e Jethro Tull (nelle aperture acustiche), dando vita a uno stile riconducibile a quello dei Sanctuary (che contemporaneamente stavano registrando e pubblicando il loro secondo disco Into the Mirror Black), seppur ricorrendo maggiormente a espedienti acustici e propriamente "progressive".
L'apertura di ...And the Devil Cried mostra pienamente l'ambizione dei Psychotic Waltz, che si cimentano in un brano vorticoso che sfida il formato canzone tipico del metal, ricco di numerosi cambi di tempo e caratterizzato da una prestazione strumentale indubbiamente eccezionale (considerati gli standard del tempo): si notano in particolare le prove di Rock e di McAlpin - che dimostrano appieno la loro intesa musicale in eccezionali assoli all'unisono dal gusto inedito per un gruppo thrash -, del batterista Leggio (che, dietro le pelli, dona impeccabilmente vitalità e varietà al pezzo) e del vocalist Lackey, la cui voce - di impostazione power/heavy anni '80, ma lontana dalla pomposità di altri vocalist simili - si destreggia attraverso continui cambi di registro e intensità. La ballata Halo of Thorns mostra invece un volto diverso del gruppo, più melodrammatico, progressive (si può coglioere un'eco delle ballate anni '70 di gruppi come Rush) e soprattutto decadente (sia nei fraseggi di Lackey, molto più teatrali, sia nei riff di chitarra più struggenti), seppur sia intervallato da sezioni thrash più violente; con la successiva Another Prophet Song (uno dei picchi qualitativi dell'album) viene conciliata l'anima melodrammatica e progressive con quella metal e vorticosamente tecnica, tra la complessità dei riff heavy, la componente onirica degli arpeggi acustici e la teatralità dei fraseggi vocali di Lackey (che giunge al suo apice nell'acuto precedente l'ottimo assolo di chitarra). Una più sottotono Successor (eccessivamente enfatica nella prova vocale e poco incisiva nelle sezioni strumentali) prelude alla più violenta In This Place (caratterizzata dal riffing serrato tipicamente thrash nonché da uno dei drumming più straripanti del disco) e soprattutto a I Remember, struggente ballata in cui - eccezion fatta per alcuni accordi di chitarra amplificati - si perde ogni connotato metal in favore di un sentito omaggio al progressive rock, tra chitarre acustiche e un assolo di flauto traverso (suonato da Buddy Lackey) che celebrano le influenze di Jethro Tull (a cui è dedicata la ballata: Lackey stesso parla di Ian Anderson come "my teacher") e del rock anni '70. Una breve strumentale Sleeping Dogs (sospesa tra effetti elettronici e synth alla Rush) riconduce momentaneamente le coordinate di A Social Grace verso lo straripante thrash tecnico di I of the Storm, altro concentrato di riff accattivanti quanto tecnici e cambi di tempo inusuali, mentre A Psychotic Waltz è un'altra ballata progressive metal sospesa tra arpeggi acustici e fraseggi vocali melodrammatici, sostituiti nel finale dalle chitarre distorte e dal pianoforte che riprende il tema principale, che conducono alla meno interessante Only in a Dream. La sezione conclusiva del disco contiene invece alcuni pezzi decisamente più thrash, nonché fra i più ispirati di tutta la discografia del gruppo, a partire da Spiral Tower: il pezzo, seppur più tradizionale nell'intercedere (sono assenti infatti cambi di tempo o tempi inusuali, mentre ricompare il canonico formato-canzone di strofe e ritornelli), presenta una band al massimo della forma, a partire da una gustosa e fantasiosa base ritmica fino a una convincente prova vocale, mentre le due chitarre si alternano tra sincopati thrash, distorsioni apocalittiche e assoli intricati all'unisono. A Spiral Tower segue quindi un altro capolavoro (se non il capolavoro di tutto A Social Grace): Strange, il brano dall'atmosfera più oscura dell'album, aperto da un malinconico arpeggio acustico che lascia presto il posto ad un up-tempo frenetico e violento, dominato da graffianti tremolo picking di chitarra distorti e da eccezionali controtempi batteristici, mentre Lackey dipinge scenari apocalittici sostenuto dall'inarrestabile tessuto thrash strumentale dei quattro musicisti. A chiudere l'album vi è Nothing, un altro fulgido esempio di decadente progressive metal di classe, anch'esso aperto da un arpeggio acustico che si evolve in un brano metal più distorto e oscuro, ma questa volta penalizzato da fraseggi vocali eccessivamente pomposi che stonano con i riff e gli assoli alienanti di chitarra.

Le prestazioni pirotecniche dei quattro strumentisti e le composizioni che sfidano apertamente ogni formato prestabilito, unite a una grandissima inventiva dei musicisti nel condire i pezzi di A Social Grace, rendono questo lavoro uno dei dischi di progressive metal più interessanti e particolari degli anni '90. Ma proprio per l'ambizione mostrata dal gruppo in questo esordio (si tratta di 13 brani per un totale di oltre un'ora di musica cerebrale e sofisticata, piuttosto inusuale per un debutto metal del tempo), A Social Grace si rivela un flop commerciale negli Stati Uniti, passando inosservato presso ascoltatori e critici, anche se in Europa riscuote un discreto quanto meritato successo, ottenendo riconoscimenti importanti da vari magazine del settore (Rock Hard e Metal Hammer lo incoronano addirittura come "Album del mese di Novembre") e influenzando silenziosamente un'intera generazione di musicisti metal, diventando un piccolo cult del genere.
I dischi successivi perderanno la verve thrash che mitigava la cerebralità delle composizioni di A Social Grace, ma questo album rimane tuttora, a distanza di oltre 20 anni dalla sua pubblicazione, una pietra miliare per tutti gli amanti della musica metal.

Scurrilous

admin — Thu, 14 Apr 2011 22:00:00 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Progressive Metal

Etichetta:

Underground Operations

Anno:

2011

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Protest the Hero Official Site

Line-Up:

- Rody Walker - Voce
- Luke Hoskin - Chitarra
- Tim Millar - Chitarra
- Arif Mirabdolbaghi - Basso
- Moe Carlson - Batteria

Guests:
- Jadea Kelly - Voce (traccia 2)
- Chris Hannah - Voce (traccia 10)

Tracklist:

1. C'est la vie
2. Hair-Trigger
3. Tandem
4. Moonlight
5. Tapestry
6. Dunsel
7. The Reign of Unending Terror
8. Termites
9. Tongue-Splitter
10. Sex Tapes

Protest the Hero

Scurrilous

I Protest the Hero sono una band canadese (proveniente dall'Ontario), attiva dal 1999, che ha riscosso un certo successo tra gli afecionados del panorama metal nello scorso decennio: con i primi due full-length (Kezia del 2005 e Fortress del 2008), infatti, hanno suscitato un certo interesse tra un pubblico abbastanza eterogeneo, grazie a un personale metalcore ultratecnico (simile a quello dei Between the Buried and Me, seppur privo di gran parte delle influenze esterne all'ambito metal) che è stato capace di affascinare sia i fan del recente panorama estremo, sempre tecnicamente più sofisticato, sia i fan del metalcore e del post-hardcore più emotivo.
Dopo la pubblicazione di un CD/DVD live nel 2009, intitolato Gallop Meets the Earth, i Protest the Hero ritornano sulla scena con il loro terzo album in studio: Scurrilous.

Lo stile del gruppo rimane sempre quello dinamico, veloce e adrenalinico che ha fatto la fortuna dei primi due dischi, seppur alcune delle componenti più hardcore siano molto meno presenti, in favore di un'interpretazione più propriamente progressive, aspetto ben riscontrabile non solo nelle scelte strumentali - che perdono molto delle influenze di Dillinger Escape Plan in favore delle raffinatezze pompose di Dream Theater e Psychotic Waltz -, ma anche nelle scelte vocali del cantante Rody Walker, molto meno melodrammatiche e più "heavy metal" in senso stretto (a conferma di ciò si può notare la quasi totale assenza di growl e scream, sostituiti da vocalizzi e acuti più tradizionali). Questo però non significa solo una proposta maggiormente vicina ai gusti della componente più "progressiva" del loro fanbase, ma nella fattispecie indica anche un inaridimento dei contenuti della loro musica, a causa dell'eccessiva autoindulgenza presente negli arrangiamenti di tutto Scurrilous.

L'opener C'est la vie mostra subito un progressive metal diretto quanto elaborato dal punto di vista tecnico: la sezione strumentale è fortemente debitrice degli Psychotic Waltz, mentre Walker si destreggia tra fraseggi ora alla Buddy Lackey e ora alla Freddie Mercury, esibendo alcune delle scelte vocali più azzardate dagli esordi dei Protest the Hero; la successiva Hair-Trigger si rivela invece meno frenetica, e sottolinea maggiormente il dinamismo versatile del gruppo, alternando sfuriate dirette a breakdown più melodici, vedendo anche la partecipazione della cantautrice folk Jadea Kelly, collaboratrice dei Protest the Hero già dai tempi di Kezia. Tandem e Moonlight non proseguono su binari molto diversi (seppur il secondo presenti alcuni dei riff più interessanti di Scurrilous), mentre in Tapestry si ha un vero e proprio punto d'incontro tra la violenza hardcore delle precedenti release (con tanto di scream e growl) e il nuovo sentiero progressivo. Purtroppo, ciò che di interessante avevano da dire i Protest the Hero in questo Scurrilous è già concluso, perché la successiva Dunsel è un capitolo all'insegna dell'autoindulgenza tecnica (quasi 5 indigesti minuti di continui cambi di tempo e melodie), mentre The Reign of Unending Terror risulta ulteriormente meno ispirata sempre per via di eccessivi barocchismi, e Termites ostenta una pomposità degli arrangiamenti tale da riportare alla mente anche certi gruppi power/progressive quali Symphony X. A chiudere l'album sono poste quindi Tongue-Splitter (che recupera alcune delle soluzioni più aggressive di C'est la vie, ma sempre proseguendo sulla scia dei pezzi immediatamente precedenti) e Sex Tapes (che si distingue per uno dei più eclatanti scimmiottamenti dei Queen presenti nel disco, sia in ambito vocale che nel tessuto sonoro), che confermano definitivamente l'allontanamento dei Protest the Hero dallo stile, sicuramente più interessante, di Fortress e Kezia.

Scurrilous è in sostanza un netto passo indietro rispetto agli standard qualitativi dei primi due album, che riduce decisamente l'originalità precedente e accentua i già molto presenti difetti, primo fra tutti l'eccessiva ridondanza tecnica che rende gran parte della musica di questo album inutilmente arzigogolata e fine a se stessa (difetto che risalta ulteriormente all'ascolto appunto per via dell'epurazione degli elementi hardcore dalla proposta dei Protest the Hero). Questo lavoro si inserisce perciò a pieno titolo nel mare di dischi metal (non solo estremo) che basano tutto il proprio appeal su cambi di tempo improponibili e capacità strumentali fuori dal comune, senza badare ad alcun tipo di contenuto; ma probabilmente, visto il fanbase che si ritrova tale scena ultimamente, potrà comunque essere facilmente apprezzato da gran parte degli estimatori del genere, che spesso risultano (purtroppo) disinteressati a ogni tipo di carica innovativa.

Ciò che l'anima non dice

admin — Thu, 10 Mar 2011 23:00:00 +0000

Voto:

8.2 / 10

Autore:

Marcello Zinno

Genere:

Progressive Metal

Etichetta:

Autoprodotto

Anno:

2010

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Furyu@MySpace

Line-Up:

- G. Capitelli – guitars
- F. Melandri – guitars
- M. Zappoli – bass
- R. Grechi – drums
- D. Storelli – effects
- G. Notarangelo - voce

Tracklist:

1. Illusione Dei Miei Giorni
2. …E Poi La Luce
3. Un Momento: Vado A Fuoco
4. Finalmente Io Sono
5. La Vastità Del Mio Tempo

Furyu

Ciò che l'anima non dice

Finalmente. Erano mesi se non anni che attendevo un album così ben fatto e curato. Una band all’esordio ma non esordiente, con un bagaglio di dieci anni e più di live alle spalle, un biglietto da vista semplice con su un’etichetta, quella di “rock-metal band” ed un concept che gira intorno al significato del termine giapponese “Furyu” (“elegante” o più letteralmente “vento e acqua che scorre”).

Ma all’ondeggio del sipario ciò che iniziamo ad assorbire è qualcosa di molto diverso: un prog metal di incantevole fattura, mai imprigionato nella tecnica seppur prevalentemente strumentale; la presa è ottima e la produzione ineccepibile. Anche il progetto grafico non è a caso: si riprende il concept giapponese tramite uno stile “cartoon” e dei colori pastello tipicamente di stile nipponico usati per esaltare i protagonisti delle singole tracce, per rafforzare la liaison dei brani come fosse una storia unica.
Non c’è singolo passaggio che può dirsi piatto ma ciascuno di questi cinque pezzi rappresenta un mosaico che ci regala una rappresentazione senza sbavature, sia se lo osservassimo da vicino che se ci spostassimo a metri di distanza studiandolo nel suo insieme.

Il trademark della band è forte, poche sono le incursioni in altri mondi sonori (funk e fusion per lo più) ed i brani pur non essendo molto lunghi sono ricchi di sfumature diverse, complici l’elevato tasso di varietà ed i tempi veloci. Una prova di individualismo come si legge dai testi contrari a qualunque forma di materialismo ma che al tempo stesso è una conferma della forza del gruppo operante all’unisono, senza che nessuno strumento prevalichi l’altro.

È grazie a band come i Furyu che il prog metal resta in vita e riesce ancora ad appassionare: noi come ascoltatori ed appassionati non possiamo far altro che augurarci un prossimo full-lenght se possibile ancora più coraggioso.

ASCOLTA L'ALBUM
Il disco è attualmente scaricabile gratuitamente sul sito ufficiale del gruppo: http://www.furyu.it/

Analog

admin — Mon, 14 Feb 2011 23:00:00 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Stefano Puccio

Genere:

Progressive Metal

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2011

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Ascolto dei brani

Line-Up:

- Sam James McCabe - tutti gli strumenti

Tracklist:

1. Tom Waits’ Briefcase
2. Michael Keaton Was the Best Batman and Was Way Better Than That Keith Ledger
3. A CPU Error Has Occurred
4. 1992
5. Knock on Wood
6. North Korea Is Best Korea
7. The Tongue of the Cosmos

Cloudyhead

Analog

Cloudyhead è il nome del progetto solista dello sconosciuto Sam James McCabe, uno studente di St.Louis (Missouri) che direttamente dalla sua camera è riuscito a dar forma con una demo intitolata Analog, ad uno dei più genuini e incisivi prodotti sperimetanli di quest'ultimo periodo.

La proposta musicale di Analog (totalmente strumentale) è la sintesi di diverse influenze rintracciabili principalmente nell'ambito metal, e più in particolare in alcuni lavori degli svedesi Meshuggah (il cui Destroy, Erase, Improve è forse l'influenza primaria) e di band del panorama djent, ma con interessanti variazioni sul tema: le tipiche ritmiche "matematiche" costruite attraverso l'uso di una drum-machine sono sviluppate in modo da incorporare in molti frangenti la componente jazz, specie laddove - risultando così molto più personali di quelle messe in pratica da act quali Animals as Leaders - è anche la chitarra a staccarsi da uno stile che richiama da un lato i soundscapes cosmici dei Cloudkicker e dall'altro le geometrie spigolose dei Periphery. A spiccare è anche un massiccio uso di campionamenti elettronici che vanno ad amalgamarsi al tessuto strumentale rendendo più morbido il mood complessivo e a dar vita in certi casi, come ad esempio in The Tongue of the Cosmos (probabilmente il brano meglio costruito) a singolari sipari con un sampler suonato a mo' di sax.

Tuttavia i brani di un certo spessore non sono molti: archiviati Tom Waits’ Briefcase (romori ambientali) e 1992 (gag elettronica) poiché due semplici intermezzi; Knock On Wood (che fa perno sulla chitarra solista), North Korea is Best Korea (che sviluppa maggiormente la componente ritmica) e Michael Keaton Was The Best Batman and Was Way Better Than That Keith Ledger (probabilmente il più canonico del lotto) seppur siano contraddistinti dalle sopracitate peculiari caratteristiche e non ostentino un abuso della tecnica, mostrano in linea di massima progressioni djent spezzate da intermezzi jazz, risultando in definitiva delle appena sufficienti derivazioni; questi difetti - che rappresentano il tallone d'achille della quasi totalità delle band che si sono cimentate in tale tipo di connubio - sono però ampiamente colmati da brani come A CPU Error Has Occurred (in cui il sampler funge da piano jazz) o come la già citata The Tongue of the Cosmos nelle quali la componente fusion, funk e quella metal sono invece perfettamente incastrate l'una sull'altra in un unico tessuto arricchito da divagazioni elettroniche.

Analog offre pochi minuti di reale ispirazione, ma questa attitudine - il vero punto di forza del progetto Cloudyhead - se ben ampliata in un futuro full-length potrà portare di certo a piacevoli sorprese.