Post Rock

Area 51/Split Ep #1

Giulio Magliulo — Fri, 18 Mar 2016 09:18:10 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

A.Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Post Rock

Etichetta:

Area 51

Anno:

2016

Line-Up:

RONIN
Bruno Dorella: chitarra, steel drum
Cristian Naldi: chitarra
Diego Pasini: basso
Matteo Sideri: batteria, percussioni

UYUNI
Nicola “Lompa” Lombardi: Chitarre, basso, banjo, tastiere, elettroniche, voce.
Inserirefloppino: Percussioni, Elettroniche.
Alice Berni: Pianoforte, tastiere, voce.

Tracklist:

1. Studio For A Hit – Ronin
2. On The Road To Mandalay – Ronin
3. Ashtral – Ronin
4. Shared_track#1 (Ronin/Uyuni)
5. Del colore della terra – Uyuni
6. Cardamomo – Uyuni
7. Mentre ti allontani – Uyuni

Ronin/Uyuni

Area 51/Split Ep #1

Uyuni e Ronin, insieme.
I primi, meno conosciuti, imbastiscono delicati e misteriosi rituali acustici chasnyani che ci conducono fino in medioriente (alcuni field recording registrati in Iraq) e poi offrono una traccia, cantata in italiano, dalla poetica trasparenza folk-progressive che fa un sol boccone di tutto il neocantautorato indie nostrano.

Gli altri, sicuramente più famosi, declinano in chiave Calexico-desertica il post-rock dei Tortoise aggiungendo una quota di desolazione ambientale e amarezza cinematografica che ne aumenta la qualità narrativa.

Questo bellissimo progetto è - il primo di una serie - concepito su degli split più una traccia condivisa dalle due band di turno e pubblicato in due versioni ciascuna delle quali presenterà per primi gli uni o gli altri, azzerando così ogni gerarchia di sorta. Si tratta della label Area 51 nata dall'esperienza decennale dell'omonima trasmissione radiofonica su Popolare Network.

Auguri, aspettiamo con ansia gli split futuri nella speranza che il livello sia sempre così alto.

S/T

Giulio Magliulo — Thu, 03 Sep 2015 09:58:47 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Rock

Etichetta:

Calista / Vollmer Industries / Book House ........

Anno:

2015

Line-Up:

Nicolò Tamagnone (Guitars, Looper)

Antonio Vomera (Bass, Looper, Synths, Vocoder)

Alessandro Angeleri (Drums, Percussions)

Tracklist:

1.Achille, the Turtle and Misfortune

2.Red Moquette

3.Vacuum

4.Janis Joplin's toothbrush

5.So sweet, so dead

6.Almost Human

7.Building Blocks

8.Isn't it too Dreamy?

9.Gun

Movion

S/T

Ci siamo definitivamente liberati dal post-rock melodico? No, ci sono i Movion dalla provincia di Torino con un ottimo lavoro – guarda un pò – post rock.

Non sfuggono agli standard di genere i Movion, ma quanta ispirazione, che grande esecuzione e che bei suoni.

Tra i solchi di questo full-length debut aleggiano i fantasmi dei Mogwai, dei Red Sparowes e forse anche di Spaccamonti ma quando il flusso sonoro scorre in modo così superbo è difficile parlare di emulazione e non sarebbe neanche giusto farlo.

Melodia dicevamo, ma anche tensione ben dosata e se si guarda oltre, in tracce come Vacuum, si riesce perfino ad immaginare una versione post-rock di band ben più psichedeliche come certi Colour Haze, solo che qui la propensione alla jam si sviluppa ordinata, senza slabbrature e che nella sua precisione chirurgica, nei suoi stoppati e nei suoi celestiali saliscendi emotivi tipici del post-core più dolce risulta efficacissima.

Spesso abbiamo rilevato in opere analoghe come limite l'incapacità di lasciarsi andare, di voler tenere sempre tutto sotto controllo ma nel caso Movion questo diventa il loro punto di forza: essi sanno esattamente cosa stanno facendo, dove vogliono andare e come ci vogliono arrivare. E lo trasmettono benissimo anche a noi, tenendoci lì senza mai annoiarci, senza inutili giri a vuoto.

Potendo permettersi momenti tesi come nella coda di Janis Joplin's Toothbrush o lasciandoci sospesi nel cullante vuoto di So Sweet, So Dead, i Movion anticipano possibili parentesi future di post-metal alternativo (esemplificative le contorsioni di Building Blocks).

Perchè poi tanta bellezza sia rappresentata graficamente da una cover che sembra ritrarre i marmi del bagno di David Lynch è un mistero a fronte del quale anche noi non possiamo che tacere.

Rumors

Giulio Magliulo — Fri, 12 Jun 2015 17:39:35 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Rock

Etichetta:

Santeria/Escape From Today

Anno:

2015

Line-Up:

Paolo Spaccamonti - guitars, bass, synth, farfisa, beat, fx

Dario Bruna - drums, piano

Bruno Dorella - drums

Julia Kent - cello

Stefano Fano Roman - beat, rhodes, moog

Davide Tomat - beat

Tracklist:

1 · Rumors
2 · Dead Set
3 · Gordo
4 · Bonnie & Bonnie
5 · Croci Fiamme
6 · Giorni Contati
7 · Seguiamo le api
8 · Sweet EN
9 · Navigare a vista
10 · Il delinquente va decapitato
11 · Io ti aspetto
12 · Fango

Paolo Spaccamonti

Rumors

Il terzo disco solista di Paolo Spaccamonti, chitarrista tra i più significativi nel panorama avant-rock nazionale di cui abbiamo già parlato sulle nostre pagine in occasione dello split con Stefano Pilia, è album di grande bellezza.
Le dodici tracce che compongono Rumors formano una preziosa collezione che per analogia può rievocare quella di un entomologo che decide di tirare fuori i suoi gioielli nascosti.

L'osservazione di ogni dettaglio, di colori e sfumature, analogie e similitudini rapportata al mondo degli insetti spingerebbe l'immaginazione in un microcosmo sconosciuto, in luoghi difficili da definire al di là dello spazio e del tempo e lascerebbe ampi margini di sospensioni e beatitudine da rapimento estatico.

La metafora serve anche a suggerire quella sensazione di straniante isolamento, quasi asettico, che deriva dalla mancanza di una vera narrazione che sarà quindi demandata solo al soggetto osservante (a tal proposito Paolo ci tiene a farci sapere che il disco scaturisce da sentimenti estremamente intimi quali assenza, dubbio e malattia).

Eppure l'orecchio attento coglierà in certe atmosfere solenni e tese l'indugiare in certe pieghe post-rock che per semplificazione diremmo mogwaiane ma la cui saturazione della chitarra di Paolo – come nell'opener che dà il titolo all'album – trasforma in psichedelia pura nell'accezione più dilatata del termine.

Non meno trascurabile è l'aspetto ritmico (Dead Set) che grazie a degli escamotage d'effetti conferisce dinamiche tutte nuove e interessanti a codici già conosciuti.
Altra nota di merito è relativa alla fusione - spesso inconciliabile – delle due facce opposte del post-rock: quella spigolosa alla Slint, Shipping News e June of '44 con quella più morbida e tondeggiante dei Tortoise; questo avviene in Bonnie & Bonnie.
Le cose si complicano e diventano più tortuose in Croci/Fiamme. L'irrequietezza e l'ansia trovano finalmente un canale di fuga se possono manifestarsi liberamente in una chitarra imbizzarrita ed un drumming tribale.
Giorni Contati vede i suoni dei già citati Tortoise sperimentati su terreni cari ai Calexico, come dire flavour latino e rigore kraut al contempo, mentre Sweet En è la delicata parentesi acustica disturbata da un accordo che tende al drone più che al riff.
Lo stesso tipo di interferenza la si troverà anche nella successiva Navigare a Vista e troverà poi la sua massima espressione in Il Delinquente Va Decapitato in cui il suono si fa così grosso e nevrotico da non dispiacere ai fan degli Ufomammut.
Verso la fine, in Io Ti Aspetto, si ode il violino di Julia Kent (Antony & The Johnsons) e l'atto conclusivo, Fango, riprende i toni austeri e intimisti dell'inizio, fino allo sgretolamento finale.

Altri nomi che hanno contribuito all'eccellente risultato sono Bruno Dorella (oVo, Ronin) e Teho Tehardo, ad ulteriore garanzia che Rumors è nella top Italia di questa metà anno.

Black Honey

Stefano Pentassuglia — Wed, 09 Apr 2014 10:49:13 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Post Rock

Post Metal

Sludge

Etichetta:

Hummus Records

Anno:

2014

Link correlati:

Sito web della band

Line-Up:

Michael Schindl - Voce, Chitarra

Diogo Almeida - Chitarra

Sebastien Dutruel - Basso

Mario Togni - Batteria

Tracklist:

1. The Enemy

2. Submersible Words

3. Chest

4. Grand Gendarme

5. Black Horse

6. Joseph

7. Mute

8. Uncomfortable Life

9. Courageous

10. For The Man That I Love

11. God Rules His Empire

Impure Wilhelmina

Black Honey

Sei lunghi anni: tanto hanno dovuto aspettare gli Impure Wilhelmina, prima di veder pubblicata la loro nuova fatica discografica e dare un taglio più o meno netto al passato. Quasi sconosciuti qui nel Bel Paese, nella natia Svizzera la band di Michael Schindl rappresenta un punto fermo nella cosiddetta “scena di Ginevra e dintorni”, quella che vede le sue colonne portanti in un fermento di band che hanno contribuito a creare un certo modo di intendere il post metal: dai Rorcal ai Vancouver, dagli Abraham ai When Icarus Falls, dai Khelvin agli Elizabeth, passando per band come i Knut che sono riusciti a uscire dall’anonimato svizzero per guadagnarsi una solida base di fan anche all’estero, o gruppi non propriamente ginevrini come gli Unhold (di Berna) o i Geneva (di Valence), che rispecchiano comunque quel determinato modo di sentire e concepire la scena “post”.

Un taglio con il passato, dicevamo. In effetti basterebbe notare come la band non sia più inclusa tra le fila del sito MetalArchives (dove appariva come “sludge”) e alla line up completamente stravolta per capire come il sound del nuovo disco rappresenti qualcosa di diverso e una naturale evoluzione della band. Forse anche a causa degli sfoghi post-black metal di Schindl con il suo progetto Vuyvr, un nuovo sound pervade ora le tracce dei nuovi brani, grazie soprattutto all’addio del caro vecchio Christian Valleise (già ascia nei Knut) e all’arrivo alla seconda chitarra del simpatico Diogo Almeida, già membro dei Rorcal e con una visione della musica leggermente più pesante e distruttiva. Se questo possa essere finalmente il disco della consacrazione per il quartetto di Ginevra non ci è ancora dato saperlo (sempre ammesso che loro stessi vogliano uscire dal caldo underground in cui sono inevitabilmente rinchiusi), di sicuro però si tratta di un’ulteriore maturazione e rivisitazione di un sound che già fin dagli esordi aveva in sé una fortissima dose di personalità.

Prima grande novità dell’album è la voce: per quasi la totalità del disco Schindl decide di esprimere i suoi demoni interiori con un cantato pulito e lamentoso, che mette quasi completamente da parte il lacerante screaming dei lavori precedenti. Non che questo sia un lato positivo di per sé (soprattutto se consideriamo che il leader degli Impure stona un bel po’ quando canta sul registro melodico), tuttavia è uno degli aspetti più controversi di Black Honey che possono far riflettere sul cambio di rotta intrapreso dai quattro. Se il gruppo già prima godeva nel rendere disomogenei i suoi lavori, in un’orgia di generi che si accavallavano tra di loro, ora tutto è ancora meno omogeneo e straniante, dove sludge profondo e post metal sognante si uniscono ad un’attitudine talmente rock e “romantica” da risultare quasi una forzatura del loro stile.

La personalità della band si intravede ancora tutta nei ritmi e nelle distorsioni di The Enemy, che parte con delle strofe dissonanti e si ritrova invischiata in riff pesanti ed emotivi. L'emotività, appunto: uno degli aspetti da sempre più caratteristici del combo viene ora rielaborata in modo da permeare ogni brano, sempre però in favore del continuo cambio umorale. Submersible Words è un perfetto esempio sotto questo punto di vista, con il suo incipit drammatico che tenta di fare il verso al math rock e alle sue strutture complicate, prima di sfociare in un finale che stravolge completamente quello che era il mood iniziale del brano. Stessa cosa, anche se all’inverso, succede con Joseph, che parte semplice e ruffiana, con i suoi ritmi quasi punk, per poi evolvere in atmosfere lugubri che ricordano da vicino l’operato di colonne portanti dello sludge più malsano come i Rwake e forse persino i Minsk. Del resto, la ruffianeria della band rimane solo un aspetto della loro sfaccettata personalità, se consideriamo l’eleganza di brani come Chest e Uncomfortable Life, costruiti su riff raffinati e aperture sonore viscerali ed emotive; per non parlare poi di un brano come Corageous, che cerca di mostrarsi il più epico e trascinante possibile, distaccandosi dallo stile del precedente album Prayers And Arsons, dove l’epicità era un tratto solo tentato e abbozzato ma mai raggiunto a livello di forma canzone. Lo stile sonoro della band, tuttavia, continua a far sentire la sua presenza in ogni brano (e altri brani dell’album, come Mute, mantengono ancora solido quel cordone ombelicale che lega la band allo stile dei suoi primi lavori): non ce n’è nemmeno uno che possa essere stato scritto da un’altra band e una recensione non può spiegare quello che le orecchie hanno capito dopo tanti ascolti della loro intera discografia confrontata con quella di tante altre band della stessa scena. Per essere più chiari, non esistono altre band che suonano quella particolare tipologia di riff, che concatenano in modo così genuino quell’attitudine ruffiana e caciarona con la drammaticità e l’emotività dell’alternative rock, sotto lo sfondo di pesanti riffoni post metal e lezioni prese dalla scuola sludge della Georgia. Volendo fare un paragone per tentare di chiarire meglio il concetto, gli Impure Wilhelmina potrebbero essere definiti come “i System Of A Down del post metal”, tanto la loro proposta è originale e variegata, pur senza mai tradire realmente il codice stilistico del genere da cui provengono.

Se tutto sembra così ispirato al rock e al post metal più emotivo e più vicino alla forma canzone, la granitica God Rules His Empire viene emblematicamente posta alla fine del disco, quasi a confermare quali sono le vere origini del gruppo. Questa canzone, dalla durata di ben 11 minuti, per quanto possa risultare un po’ troppo di maniera e sembri fare direttamente il verso ai Neurosis più accessibili, rappresenta in qualche modo quanto di meglio ha saputo offrire la scena sludge negli ultimi anni, almeno simbolicamente: con il suo concatenarsi di riff, di voci spezzate e di melodia malsana che avvolge l’ascoltatore in un distruttivo turbine di autodenigrazione (“We are weaklings and cowards, just ordinary men”), questo brano potrebbe davvero essere l’esempio perfetto da far ascoltare a chiunque voglia capire quali siano gli stilemi stilistici di un genere come lo sludge metal.

Dopo l’ascolto attento di “Black Honey”, di una cosa divento sempre più convinto: gli Impure Wilhelmina sono una di quelle band che è riuscita a crearsi uno stile estremamente personale che rende riconoscibili le loro canzoni in mezzo a miliardi di altre composizioni dello stesso genere. Solitamente le band che appartengono a questa categoria, sempre più rare in verità, o si amano o si odiano; tutto dipende da un indiscutibile de gustibus ma, al di là del fatto che uno possa preferire voce lamentosa e drammaticità rock a pesanti riffoni figli della scuola di Scott Kelly, di sicuro la band svizzera ha dato vita a qualcosa di diverso, di unico ed inimitabile, che oltre a rappresentare un punto di riferimento per la scena “post” di Ginevra, potrebbe in futuro rivelarsi fondamentale per lo sviluppo di un genere che già dallo scioglimento degli Isis sembra procedere sempre di più verso la sua naturale decadenza.

Affermazioni esagerate? Forse, e solo i posteri potranno dirci se questo sound avrà fatto proseliti e dato alla vita nuove band nella scena. Per ora poco ce ne importa, se possiamo infilarci le cuffie e godere ancora delle insane composizioni di una band genuina e veramente di talento. Che questo sia il disco della consacrazione o meno.

Tunnel Blanket

Gioele Nasi — Tue, 12 Apr 2011 20:33:39 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Ambient

Post Rock

Etichetta:

Suicide Squeeze Records

Anno:

2011

Line-Up:

- Chris King - guitar
- Donovan Jones - bass guitar, keyboard
- Jeremy Galindo - guitar
- Alex Bhore - drums

Tracklist:

1. Little Smoke
2. Glass Realms
3. Communal Blood
4. Reprise
5. Killed the Lord, Left for the New World
6. Osario
7. Black Dunes
8. Hand Powdered

This Will Destroy You

Tunnel Blanket

Nell'ultimo decennio il post rock è piombato in una condizione di stallo, preso in due differenti maniere: da chi lo ritiene ormai stereotipato, manierista e abusato, soprattutto da tanti gruppi di "emuli" che non fanno altro che riciclare gli stilemi di importanti punti di riferimenti; e chi lo ritiene una forma musicale che ha raggiunto la propria condizione ideale e prosegue naturalmente in questa direzione.
Ormai è chiaro che i This Will Destroy You lo sanno bene e, consci delle limitazioni a cui possono andare incontro permanendo negli ambiti di una minestra ormai riscaldata innumerevoli volte da troppi gruppi che non fanno altro che dire la stessa cosa, decidono di cambiare.

In Tunnel Blanket non troverete molto della formula preconfezionata consistente nella ripetizione del solito stereotipo in crescendo con arpeggi malinconici di contorno e climax emotivi distorti, gli americani invece fondono il loro retaggio di base con forti influenze derivanti dal drone-ambient e un pizzico di oniricità introspettiva che ricollega idealmente la lezione (spesso dimenticata negli anni) che fu dei Bark Psychosis e gli Anoice - spogliati però della parte orchestrata.

Intendiamoci, di base continuiamo a incontrare lo schema soft/loud tipico, come appare nella lunga iniziale Little Smoke; ma i tenui giri di note malinconiche e dolcemente cullanti, come da colonna sonora in una giornata piovigginosa, lasciano poi spazio ad un continuo stratificarsi di chitarroni distorti brucianti in modalità in reverse, opprimenti, angoscianti. La lunghezza del brano non è tanto per ripetitività, quanto per dilatazione degli strumenti, prolungati di modo da intensificare l'effetto da tappeto sonoro continuo di sottofondo.
Così, su questa filosofia, prosegue Glass Realms, un ambient etereo e spettrale, che ha nella coda finale il momento di maggior tensione, dove l'angoscia della società post-industriale viene filtrata dal senso di smarrimento che può incutere il fantastico, o l'ignoto.
Communal Blood inizia con riverberi sonori malinconici accompagnati da leggeri tocchi di piatti jazzy. L'atmosfera si mantiene soffusa prima di un improvviso crescendo emotivo di chitarre distorte in lontananza, che fondono la tradizione degli Explosions in the Sky a cupi droni chitarristici. Le percussioni si fanno lentamente più lente, fino a quando non c'è un'esplosione noisy, come da consuetudine. Infine, la coda di chiusura, con melodie arpeggiate e riverberate accompagnate da una batteria via via più frenetica.
Reprise è un altro brano ambient, abbastanza monotono; ma più che altro la situazione fino ad ora sembra indicare un crocevia fra il passato del gruppo e la strada esplorata cpm l'ultimo EP Moving on the Edge of Things.
Killed the Lord, Left for the New World prosegue fino a metà traccia come una placida nenia ambient con qualche spunto acustico, salvo poi lasciar maggior spazio a percussioni marziali e chitarre classiche alle quali segue poi un muro sonoro onirico, che poi sfocia nella breve (e tutto sommato trascurabile se non per qualche campionamento industrialoide) Ontario.
Ancora Black Dunes inizia in maniera leggerissima, quasi impercettibile, con un velato riverbero chitarristico accompagnato da una batteria minimalista. D'improvviso una cupa e profonda esplosione distorta urla il suo feedback quasi a la Sunn O))).
Infine abbiamo Hand Powdered, lenta e progressiva conclusione ambientale, sulla quale non c'è altro da aggiungere.

L'album si mantiene fedele a determinati dettami stilistici di base presentandone un'interpretazione formalmente perfetta, ma cambia il linguaggio con cui li si esprime, diretta conseguenza del differente scopo ricercato nelle composizioni (una musica ancora più intimista, a suo modo "impressionista" e più pensante).
Il risultato è un misto fra soundscapes ambientali e un rock strumentale fortemente atmosferico e cinematico, dalle tinte a tratti piacevolmente noir, che ricrea scenari suggestivi in cui convivono brucianti droni chitarristici noisy e la delicatezza tipica dei gruppi più evocativi ed eterei.

Tunnel Blanket è la risposta a tutti quei gruppi che non fanno altro che riciclare il sound tipico di EitS e Mogwai, quest'album è, concettualmente, ciò che il post rock dovrebbe essere.

I Cormorani

Giulio Magliulo — Fri, 05 May 2017 05:53:44 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Rock

Ambient

Etichetta:

Dunque - Superbudda

Anno:

2016

Line-Up:

Paolo Spaccamonti: electric guitar, mandocaster, fx
Ramon Moro: trumpet, flugelhorn, fx
Gup Alcaro: live electronics

Tracklist:

So Far
Il ritorno
Guerra di bande
Matteo
Passage
Malesia
Sotterranei
Sam
I cormorani
End

Paolo Spaccamonti & Ramon Moro

I Cormorani

Paolo Spaccamonti è uno di quei musicisti che attraverso una narrazione per immagini travalica i generi pur adattandosi ai contesti in cui si cala, in questo caso la colonna sonora del film I Cormorani di Fabio Bobbio del dicembre del 2016, vincitore di diversi ed importanti premi.
La soundtrack vede protagonista insieme a Spaccamonti anche Ramon Moro, trombettista di confine, membro di 3quietmen e collaboratore con tanti nomi dalle diverse scene underground.

I Cormorani presenta un set di sonorità desertiche e dilatate, oniriche, talvolta tese, affini a certi lavori di Woody Jackson, degli Earth e vicine alla drone music più ambientale così come ai paesaggi alla Jon Hassel; musica che pur realizzata assecondando un concept ben preciso, lo trascende e se ne libera per andare ad arricchire il patrimonio dell'immaginario individuale di chiunque voglia fruirne.

Parabolas

Giulio Magliulo — Fri, 11 Nov 2016 05:16:49 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Rock

Elettronica

Etichetta:

Irma Records

Anno:

2016

Line-Up:

Diego Galeri
Alessandro Deidda
Giovanni Calella
Silvia Ottanà
Edoardo “Double T” Barbosa

Tracklist:

Obsessed with Casting
Still Still
Let's Try to Clean My Board
Pragmatic Children
Pantone 18-2021
Neet
Just in Case of Wanting to Be Famous
TV Nerd

Adam Carpet

Parabolas

Le parabole degli Adam Carpet si riattivano dopo tre anni per captare i segnali musicali che si diffondono confusi nell'aere e dopo averli attentamente selezionati ne restituiscono una sintesi che nell'opener Obsessed with Casting così come nell'epica Just In Case of Wanting to Be Famous non è affatto scevra da una certa malinconia post-rock, secondo prassi già consolidata in numerosi ambiti anche nazionali.

Il quintetto milanese preferisce però andare oltre alla mera descrizione ambientale e grazie all'utilizzo massiccio dell'elettronica si immerge completamente nel nostro contemporaneo, aderendo però solo parzialmente alle estetiche glo-fi e wave e ben delineando il campo d'azione sonoro (e di riflesso esistenziale) della generazione 'vorrei ma non posso' che con le macchine ha raggiunto possibilità infinite ma ciò nonostante non riesce a distaccarsi dalle manopole delle radio degli anni '80, quasi a volerne replicare i fasti.

Esemplari in tal senso il future-funk alla Talking Heads (o Chk Chk Chk se preferite termini di paragone più moderni) di Let's Try To Clean My Board o l'innocenza ottantiana M83 di Pragmatic Children.
Disco molto interessante dunque questo Parabolas, che da un lato spiazza per i tanti files che riesce ad aprire ma che dall'altro cattura proprio per la sua molteplicità di linguaggi.

Per Aspera Ad Astra

Giulio Magliulo — Tue, 30 Aug 2016 17:45:29 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Rock

Etichetta:

Factum Est

Anno:

2016

Line-Up:

Niccolò Friz – batteria, maracas, voce

Mattia Frattari – philicorda, synth, effetti

Andrea Di Stefano – basso

Jack Serri – chitarra

Tracklist:

Cosmogonadi

Friz Van Botto

Pluto

Challenger 51-L

Interlude I

Punk Di Stelle

Interlude II

Madonnas Airlines

Panic Boy

Interlude III

The Flying Madonnas

Per Aspera Ad Astra

Ritornano The Flying Madonnas sulla lunga distanza dopo l'e.p. del 2012 di cui abbiamo già scritto su queste pagine e confermiamo quanto già detto allora in merito alla capacità di rendere la loro musica strumentale qualcosa di più vario e fantasioso rispetto a chi – in quel non genere che è il post rock – persegue imperterrito coordinate rigide e anguste.

Potremmo forse addirittura parlare di space post-rock se è vero che certi passaggi di synth non son poi troppo lontani da quanto fatto – sebbene con attitudine ed estetiche diverse – in storici ambiti progressive. Questi viaggi interstellari prevedono infinite svolte, paesaggi che cambiano repentinamente e divertito stupore.

E persiste anche più velatamente quell'attitudine da band indie-pop dei novanta, ma di quelle più sperimentali, come certe cose buttate lì un pò Stereolab che ad un orecchio attento non sfuggiranno. Così come allo stesso modo non dovrebbero sfuggirne altre di dominio della fusion, magari quella più lontana dal jazz ed anche un po' virtuosa (l'Al Di Meola di Electric Rendez-Vous ad esempio) ma andare a centellinare gli infiniti frammenti che formano Per Aspera Ad Astra forse significa anche un pò mortificarlo.

Del resto se si fossero voluti limitare al post, bastava in certi frangenti cambiare i suoni ed alzare i volumi, questo lo abbiamo capito, mentre è chiaro che ai ragazzi non interessa questo discorso quanto, piuttosto, quello di andare a porre le basi per una loro neo-psichedelia.
Solo che per fare 'quella cosa lì' bisognerebbe veramente lasciarsi destabilizzare e farsi prendere dalle correnti, così come è successo nel kraut rock o nella scuola di Canterbury, per fare degli esempi chiari, mentre una musica alla fine così controllata e a tratti compiaciuta difficilmente riesce a rapire del tutto.

Settings_1

Giulio Magliulo — Tue, 28 Jun 2016 18:25:19 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Rock

Etichetta:

Autoprod.

Anno:

2016

Line-Up:

Micciola: synth, chitarra, voce
Calandrino: basso, synth, voce
Zanardi: batteria

Tracklist:

1. Background

2. Mechanical liars

3. Cracks in the ice

Pin Cushion Queen

Settings_1

Il post-rock 'Louisville old school' è solo un pretesto per introdurci in un mondo più caro ai Blonde Redhead e ai Sonic Youth, fatto di drumming frastagliato, chitarre che anelano alla decadenza urbana e voce trascinata. In Background il colore dominante è il grigio, come quello di un parcheggio di un centro commerciale nel quale però si intravedono le prime luci della sera, le insegne e gli uffici illuminati dei palazzoni di fronte.

In Mechanical Liars è l'istinto tribale del post-punk a dettare regole e ritmo, c'è una tregua apparente che dura poco, permettendo alla traccia di riprendere il rituale swansiano esattamente dove era stato lasciato e portandolo fino alle estreme conseguenze.

Cracks In The Ice, ultimo brano dell'e.p. nella sua dimensione onirica finisce per spingersi in territori vocali non distanti da quelli di un Robert Wyatt costretto alla lontananza dalle sue finestre sul blu mediterraneo.

Interessantissimi spunti dunque da parte del trio bolognese che con questo e.p. ne inaugura una serie di tre e che anticipa spiazzamenti di genere e di stile, come a cercare ancora un po' la propria anima.

S/T

Giulio Magliulo — Wed, 17 Feb 2016 19:12:44 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Rock

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2015

Line-Up:

Eolo Taffi – Basso

Andrea Massetti – Basso, Chitarra

Dario Fradeani – Batteria

Tracklist:

1. Wicked Grandpa

2. Baba Yaga

3. Gammabeat

4. Studio#4

5. Tura Satana

6. Discesa Dal Conero

7. Eight – God

8. War Track

9. Electric Funeral

10. Circle Funk

11. Inferno XXXIII

12. Psycholab

13. Tabula Rasa

Deltabeat

S/T

Eolo, Andea e Dario, due bassi e una batteria, sono i Deltabeat, trio il cui scopo è quello di irrorare di nuova linfa l'angusto universo math rock ormai inaridito e il post-rock strumentale più serioso.
Tra le armi di cui dispongono ci sono la metallica ironia dei Melvins, l'atteggiamento artistico dei Primus, una versione molto alternativa di Electric Funeral dei Sabbath, un inserto di sax, tanti sketch alt-funk e dei versi di Carmelo Bene.

Il rigore zappiano richiesto al fine di divertirsi e non certo per masturbazioni intellettuali fini a sé stesse incontrerà i favori di tutti coloro che stanchi di decadi di geometrie ossessive non vogliono rinunciare ad una certa idea iconoclasta di rock.
Proggers del futuro saturi di moog e mellotron, jazzisti troppo anarchici per sottostare alle regole dell'accademia e amanti delle musica strumentale più affini a certe strane creature del nord ovest americano che non alla propria fidanzata siete avvisati, però i Deltabeat devono fare molta attenzione perché sebbene il loro intento è chiaro e molto apprezzato, le sonorità che utilizzano hanno un range molto limitato e per appesantire ulteriormente quello scaffale lì con un ulteriore futuro cd non basterà solo un atto di fiducia.

Uno

Giulio Magliulo — Sat, 23 May 2015 17:28:20 +0000

Voto:

5.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Rock

Indie Rock

Etichetta:

New Sonic Record

Anno:

2015

Line-Up:

Francesco Mauro voce e chitarre

Marco Dardanelli sintetizzatori e tastiere

Alessio Mazzeo basso

Luca Calabrò batteria

Tracklist:

tokyo

i non luoghi

spuma

elaborando

presente

Il Mare Verticale

Uno

I ragazzi de Il Mare Verticale si sono reclusi in quella decade che dai primi anni ’00 va indietro finò a metà nineties.

Prendendo del post-rock il lato più morbido, come nell’apertura vaporosa di Tokyo, delicata e sognante come certi Sigur Ros o come nella più dinamica Elaborando, con le sonorità iniziali simil Tortoise periodo TNT, essi non rinunciano però a mutuare anche le caratteristiche di alcune pagine di rock indipendente italiano minore, ormai datato, da cui vorremmo definitivamente liberarci.

Liriche eccessivamente intimiste la cui natura introspettiva sottolineata da un cantato anemico che francamente sfianca, annoiando anche sulla breve distanza trattandosi di un e.p. di sole cinque tracce, precludono al momento la possibilità di lasciarsi andare e di enfatizzare i punti forti che sono sicuramente una sensibilità ritmica affine al jazz ed un uso alquanto disinvolto di sintetizzatori e tastiere.

Immagino allora un Mare Verticale intravisto da una finestra aperta che permetta di cambiare un pò l’aria e allora si che la sua Spuma e la sua salsedine potrebbero inebriarci.
Siam certi che con la supervisione della poliedrica New Sonic Records le cose miglioreranno.

Secret Youth

Stefano Pentassuglia — Mon, 02 Feb 2015 21:36:00 +0000

Voto:

7.6 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Post Rock

Post Metal

Etichetta:

Svart records

Anno:

2015

Link correlati:

Sito ufficiale dei Callisto

Line-Up:

Jani Ala-Hukkala - voce
Ariel Björklund - batteria
Tero Holopainen - chitarra
Arto Karvonen - tastiere
Markus Myllykangas - voce, chitarra
Juho Niemelä - basso
Jani Rättyä - percussioni (live)

Tracklist:

1. Pale Pretender
2. Backbone
3. Acts
4. The Dead Layer
5. Lost Prayer
6. Breasts of Mothers
7. Grey Light
8. Ghostwritten
9. Old souls
10. Dam’s Lair Road

Callisto

Secret Youth

“Providence” si è rifatto il look. E si è involuto (o evoluto?).
Uscito nel lontano 2009, quel lavoro rappresentò un vero e proprio spartiacque per la band di Turku, Finlandia, che aveva esordito nel 2004 con la viscerale emotività dell’ottimo debutto “True Nature Unfolds”, per poi proseguire con le tinte post-rock e vagamente gotiche dello splendido “Noir” nel 2006. Il motivo di tale separazione fu dettato dal radicale cambiamento di rotta della band, che sembrava aver abbandonato per strada i retaggi post metal del passato per dedicarsi un approccio musicale totalmente nuovo, che prediligeva un tappeto psichedelico di melodie oscure e ipnotiche, su cui far svettare la suadente voce del nuovo singer Jani Ala-Hukkala.
Dopodiché, il vuoto cosmico. La band è rimasta impantanata nel silenzio più assoluto per ben 6 anni, fino a stupire tutti con la notizia che in fondo speravamo, ovvero che un nuovo disco fosse in preparazione per il 2015. E quindi eccolo qui, nuovo di zecca.

Come anticipato in precedenza, questo nuovo “Secret Youth” potrebbe essere visto da alcuni come una sorta di “involuzione” del precedente “Providence”, mentre altri al contrario potranno piuttosto intenderlo come una “evoluzione” nelle sonorità del combo finlandese. Questione di punti di vista: se da un lato è innegabile che il nuovo gioiello di casa Callisto risulti meno sperimentale e azzardato del disco precedente, in quanto recupera parzialmente alcune sonorità degli esordi da cui sembrava che il gruppo si fosse ormai allontanato, è anche vero che, semplificando le strutture e utilizzando schemi compositivi più freschi e coinvolgenti, i nostri siano riusciti a sfornare un lavoro ispirato che fa un deciso passo in avanti rispetto al cammino un po’ troppo incerto di “Providence”.
Già con Pale Pretender il ritorno a certe sonorità post metal appare evidente, grazie a un riff iniziale coinvolgente al punto giusto che prepara verso un cammino in territori più melodici e atmosferici. Il singolo Backbone appare poi come uno dei brani decisamente più ispirati del lotto, grazie al suo clima oscuro che cresce pian piano, per poi immergersi in uno dei giri armonici migliori che la band abbia mai composto, su cui svetta la voce di Jani a rimarcarne ancora di più la melodia.

Vale la pena soffermarsi un attimo sulla voce di Ala-Hukkala e spenderci su due parole. La sua comparsa su “Providence” fu forse l’aspetto più rivoluzionario nel suono dei finlandesi: se da un lato la sua voce è carismatica e talentuosa, il suo timbro nasale e arcigno c’entra con il post metal quanto i cavoletti di Bruxelles in una colazione all’italiana, motivo per cui non si può fare a meno di riflettere se l’assunzione di questo nuovo cantante sia stato un bene o un male per i Callisto. L’opinione di chi scrive è: dipende dal brano. Quando le soluzioni adottate sono quelle tipiche del post rock più atmosferico o del post metal più aggressivo, è innegabile che la costante presenza delle linee vocali di Jani possano risultare addirittura fastidiose, in quanto spezzano la tensione emotiva che gli strumenti riuscivano a creare così bene. Tuttavia, non si può fare a meno di render merito a un timbro vocale che arricchisce di sensazioni i brani più sperimentali, melodici e influenzati da generi più lontani come il dark, lo stoner o il rock psichedelico.
Quindi la questione rimane aperta: Ala-Hukkala è un singer talentuoso e la sua voce è piacevole, peccato che purtroppo non si adatti a molte delle soluzioni usate dai Callisto e che la sua presenza risulti troppo costante e incisiva. Sarebbe stato meglio affidare più parti urlate al chitarrista Markus Myllykangas, il cui growl, per quanto di maniera, risulta perfettamente godibile su ogni riff post metal che si rispetti.

A volte la scelta delle voci risulta perfettamente azzeccata anche all’interno dello stesso brano. Ghostwritten ha dei ritmi ricchi di groove, che grazie alla voce di Ala-Hukkala ricordano addirittura una band lontana chilometri come i Sahg, mentre la sua notevole conclusione rende al massimo proprio grazie alla voce di Myllykangas, le cui urla si ergono su un sublime tappeto sinfonico di tastiere e chitarre viscerali. Un brano come Grey Light, invece, ammalia con il suo basso pulsante che si arricchisce di sensazioni chiaroscurali e di un’anima melodica darkeggiante e dall’attitudine fortemente rock.
Uno dei picchi compositivi del disco è poi rappresentato da Breasts of Mothers, brano dall’attitudine squisitamente Cult of Luna, dall’inizio magari non originale ma senz'altro emozionale e coinvolgente come pochi. Acts mette invece la forma canzone al primo posto, grazie a una melodia riuscita e convincente, mentre Lost Prayer sembra un brano dallo spirito quasi indie rock, per non dire pop, dove linee di chitarra dolci e tentacolari si immergono in un mare di bassi post metal, connubio che seduce e spinge così a sognare a occhi aperti.
Ma in tutto questo i Callisto non si fanno mancare nemmeno due begli interludi strumentali, prima con la soffusa e sospirata The Dead Layer e poi con la malinconica Old Souls, fatta di arpeggi appena accennati che cullano spezzati dalle rabbiose urla di Myllykangas, in una spirale tenebrosa e molto suggestiva. E a chiudere il tutto c’è infine la bella e ispirata Dam’s Lair Road, le cui melodie imbastardite riassumono alla perfezione quanto detto in precedenza e pongono la parola fine con intriganti arpeggi che si accavallano in un oceano di distorsioni.

In definitiva, a soluzioni ispirate e viscerali si collegano scelte non proprio azzeccate che rischiano di spezzare la tensione emotiva, cosa che rende “Secret Youth” un disco delizioso ma comunque non privo di difetti, che bene o male potrà piacere sia a chi ha già apprezzato il precedente “Providence”, sia a chi segue il gruppo fin dai suoi esordi. La speranza è che, sia con questo piccolo riavvicinamento alle origini che con queste nuove strutture più fresche e coinvolgenti, il nuovo nato in casa Callisto possa far riavvicinare alla band coloro che non avevano digerito la novità di “Providence”, storcendo il naso alle soluzioni psichedeliche che sembravano non appartenere più di tanto all’identità post metal della band.

Ultima nota di merito va poi alla bella (doppia) copertina, in un elegante bianco e nero che riporta alla mente le terre innevate in cui è nata la band, sfondo ideale per la loro musica avvolgente come una coperta calda d'inverno.
Un gradito ritorno.

Yersinia

Giulio Magliulo — Mon, 12 Jan 2015 10:18:38 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Rock

Elettronica

Etichetta:

Sinusite Rec. / Fridge

Anno:

2015

Line-Up:

Valerio Ragusa (voce/basso)

Fabrizio Fortunato (synth/tastiera)

Daniele Schillaci (chitarra)

Daniele Lo Coco (batteria)

Tracklist:

01. Yersinia

02. Felix

03. The Silence of Mrs. Rogiak

04. Intro-ito

05. Lungi da Me

06. The tour of Damascous

07. Two Minutes

08. Miles

09. 28 Days Later

10. Felix (Remix by Shiva)

Cum Moenia

Yersinia

Provenire da esperienze musicali differenti per i membri di una band significa evitare soluzioni banali e scontate.
E' questo che permette ai palermitani Cum Moenia - formatisi nel 2011 e con un e.p. all'attivo – di virare su scenari inaspettati, di far seguire a introduzioni post-rock schiettamente mogwaiane, invece delle consuete esplosioni ascensionali, la liquefazione in calmi mari indietronici senza però diluirne la portata epica e di stemperarle in calde visioni più vicine a quelli di musicisti quali Craig Armstrong o Cinematic Orchestra.

Spingere sull'elettronica per i Cum Moenia non è un rischio, i loro suoni non offenderanno mai il vostro udito. Essi lo hanno preso in carico per questo viaggio di dieci tracce che visiterà anche ambienti oscuri e freddi come quelli degli Aucan più siderali.

Ancora una volta parliamo di musica per immagini, di quella che non stanca mai a differenza dei generi che prima o poi stancano tutti.
Il linguaggio filmico è quello loro più congeniale (non serve a ribadirlo la traccia n.9, cover del brano 28 Days Later di Murphy) e così come è già stato per l'italiano Teho Tehardo ci auguriamo possa esserlo anche per Cum Moenia che possono ben occupare un posto tra gli importanti nomi citati in questa recensione a condizione che i singoli brani manifestino una maggiore volontà di affermazione e si possano ricordare singolarmente, come succede per quelli cantati (Two Minutes ad esempio, con una particolare impostazione vocale new wave).

Essere catalogati sotto la voce 'background music' di per sé non è un peccato, ma non sembra questa l'intenzione dei Cum Moenia; con la complicità di una produzione un po' più scintillante questa eventualità non accadrà.

To Be Kind

Emanuele Pavia — Wed, 21 May 2014 20:54:21 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Post Rock

Avantgarde

Etichetta:

Young God / Mute

Anno:

2014

Line-Up:

- Michael Gira - Voce, chitarra elettrica e acustica
- Norman Westberg - Chitarra elettrica e acustica, voce
- Christoph Hahn - Lap steel, chitarra elettrica, voce
- Christopher Pravdica - Basso, chitarra acustica, voce
- Thor Harris - Batteria, percussioni, vibrafono e campane, fiati, viola, voce
- Phil Puleo - Batteria, percussioni, salterio, piano, tastiere, voce

Guests:
- Bill Rieflin - Batteria, percussioni, synth, piano, chitarra elettrica, basso, tastiere
- Al Spx - Voce (Bring the Sun)
- Little Annie - Voce (Some Things We Do)
- Julia Kent - Archi (Some Things We Do)
- St. Vincent – Voce (Nathalie Neal, Bring the Sun, Screen Shot, Kirsten Supine)
- Jennifer Church - Voce (She Loves Us!, A Little God in My Hands)
- Daniel Hart – Violino
- Rex Emerson – Mandolino
- David Pierce – Trombone
- Evan Weiss – Tromba
- Sean Kirkpatrick – Piano, clavicembalo, synth
- John Congleton – Piano

Tracklist:

Disco 1:
1. Screen Shot
2. Just a Little Boy (for Chester Burnett)
3. A Little God in My Hands
4. Bring the Sun / Toussaint L'Ouverture
5. Some Things We Do

Disco 2:
1. She Loves Us!
2. Kirsten Supine
3. Oxygen
4. Nathalie Neal
5. To Be Kind

Swans

To Be Kind

Dopo l'immancabile doppio live di routine (questa volta intitolato Not Here / Not Now e pubblicato sul finire del 2013), la nuova formazione degli Swans torna a maggio 2014 con il terzo album in studio, intitolato To Be Kind e pubblicato nuovamente dalla Young God Records.
Come il precedente The Seer, anche To Be Kind è un doppio disco dall'estenuante durata di due ore, che questa volta però non solo sembra vedere la band adagiarsi sullo stile ampiamente dissezionato con l'ultimo full-length, ma anzi sottolinea tutte le molteplici limitazioni della nuova incarnazione degli Swans (perlomeno, per quanto riguarda il loro lavoro in studio) e che si pone, subito dopo a My Father Will Guide Me Up a Rope to the Sky, come il lavoro meno creativo e interessante di tutta la sterminata discografia del gruppo.

Il materiale di To Be Kind è infatti perlopiù una collezione di brani pensata per la dimensione live incastrata malamente su supporto fisico, dove la dimensione metafisica e ultraterrena delle eccellenti esibizioni del gruppo perde gran parte della sua magia. I trucchi che in concerto rendevano pittoresca la prestazione degli Swans (ripetizione ossessiva delle stesse frasi, interminabili crescendo verso l'esplosione catartica finale presenti in praticamente ogni traccia, marce di oltre un'ora che finivano ben presto per assomigliare a rituali sciamanici piuttosto che a esecuzioni di pezzi veri e propri) qua risultano prevedibili, monotoni, e inadatti per un doppio full-length.
Emblematica di questo fatto è la monolitica Bring the Sun / Toussaint L'Overture, colosso di trentaquattro minuti (ricoprendo su To Be Kind il ruolo che su The Seer era stato della title-track) che non solo indulge in una durata superiore di almeno una ventina di minuti rispetto a quanto le idee alla base del pezzo potrebbero permettersi (si tratta, essenzialmente, del solito crescendo di post-rock simil-apocalittico, ora vagamente psichedelicheggiante, ora più massimalista sulla scia di Glenn Branca, inframezzato da digressioni rumoristiche), ma sfodera oltretutto un arsenale di espedienti che nei live venivano proposti in coda a The Seer (come le deflagrazioni corali che lambiscono il puro caos, o l'utilizzo di fischietti a pieni polmoni dopo aver raggiunto il climax del crescendo) perdendo però tutto il valore estatico che avevano nella dimensione concertistica.

Non va molto meglio per il resto dei brani più lunghi di To Be Kind. Just a Little Boy è una desertica marcia che nel suo procedere psichedelico e vagamente indianeggiante sembra rispolverare gli Om di Advaitic Songs, e in cui solo la viola di Thor Harris, accartocciata e distorta elettronicamente, offre qualche spunto creativo; d'altro canto She Loves Us!, sul secondo disco, è una lunga jam collettiva costruita su un semplice pattern di basso e batteria (basata sull'idea che nel primo disco veniva sviluppata in maniera più creativa con l'opener Screen Shot) che naviga tra i territori della new wave e droni misticheggianti, fino a un improbabile finale dove Michael Gira si abbandona a una sorta di parodia delle predicazioni del passato. Il senso di Nathalie Neal si può riassumere invece nei primi due minuti di voci a cappella e sfarfallii dal sapore minimalista, poiché il resto del pezzo è una delle tante variazioni sul tema illustrato da Screen Shot che il disco presenta.
Più interessante è invece la languida ballata di Kirsten Supine (che talvolta rievoca la grandezza espressiva degli Swans più folk, epoca 1987-1991), seppur si chiuda nel solito, stereotipato vortice di esplosioni rumoristiche.

Sono però i pezzi dal minutaggio più contenuto quelli che si discostano, nel bene e nel male, dalla generale mediocrità mostrata dall'album nei brani di oltre dieci minuti.
Tra quelli più riusciti, oltre al già citato manifesto di Screen Shot, vanno annoverati almeno Oxygen, dominata da sghembe figure geometriche di ritmica e chitarra che fanno quasi pensare ai King Crimson di Discipline, e soprattutto la title-track, indiscusso apice dell'album, dove Gira esibisce una delle sue prestazioni vocali più notevoli sopra un nervoso e instabile tappeto di drone prima di lasciare spazio a una nuova (ma per una volta effettivamente efficace) esplosiva conclusione corale. D'altra parte, A Little God in My Hands, il primo singolo estratto, e Some Things We Do sono tra i momenti più imbarazzanti del disco: la prima per via di un songwriting semplicemente privo di direzione, la seconda a causa della ridondante quanto ridicola scelta di costituire tutto il proprio testo con una declamazione delle varie attività che un essere umano compie nella sua vita (giungendo a un melenso finale costituito dalla ripetizione di «We love»), solo vagamente redenta dall'ammaliante arrangiamento di archi.

Disco più noioso e inutile che brutto, To Be Kind rimette in discussione l'interpretazione degli ultimi anni di carriera dello storico gruppo new yorkese. Alla fine dell'ascolto, è più che mai evidente che The Seer non è stato l'inizio di una nuova fase nella vita degli Swans quanto il definitivo canto del cigno di una leggenda che ormai ha perso (perlomeno su full-length) tutta la sua capacità di impressionare. Sia Gira (che ormai, per quanto evidentemente cerchi di nasconderlo, non ha più la presenza magnetica del passato) sia il resto della band (gli unici a portare avanti un discorso minimamente interessante, per quanto piuttosto standard, sono Christopher Pravidca e Phil Puleo, grazie alle loro ritmiche trascinanti che ovviano all'assenza di direzione del chitarrismo desertico dell'irriconoscibile Norman Westberg) testimoniano la fiacchezza di un gruppo che senza la potenza del passato è pertanto costretta a ripiegare su artifici massimalisti che favoriscono l'impatto scenico all'ispirazione musicale.
È difficile perfino considerare che gli Swans di questo disco possano essere quelli che si erano sciolti con Swans Are Dead, vista ormai la loro lontananza da tutto ciò che aveva reso grandi gli Swans negli anni Ottanta e Novanta (che invece ancora riaffioravano su My Father Will Guide Me Up a Rope to the Sky e The Seer): sembra infatti che, alla luce dell'audience presso cui i dischi post-reunion hanno fatto colpo, Michael Gira e compagni abbiano deciso di adagiarsi sullo stile costituito da doppi album e inutili esperienze di mezz'ora che il nuovo pubblico si aspetta da loro, quasi rinnegando i capolavori del passato (che, in effetti, sono considerati spesso e volentieri quasi dischi minori proprio da coloro che hanno imparato ad acclamare gli Swans con The Seer).
Anche l'immancabile stuolo di ospiti (tra gli altri, figurano Bill Rieflin, Little Annie, St. Vincent, Al Spx e Julia Kent) tradisce la decisione di strizzare l'occhio all'audience statunitense nutrita dalle recensioni di Pitchfork. Alla scarsa creatività mostrata nel lavoro in studio, si aggiunge quindi l'amarezza nel constatare come un complesso che si è distinto per vent'anni grazie al suo percorso ostinatamente contrario alle mode (anzi, più volte anticipandole di qualche anno) abbia finalmente cominciato a ricevere gli onori che si merita proprio con i dischi più modaioli e innocui della sua carriera pluridecennale.

Aspettando i Barbari

Giulio Magliulo — Fri, 08 Nov 2013 10:32:59 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Rock

Indie Rock

Etichetta:

La Tempesta

Anno:

2013

Line-Up:

Emidio Clementi - Basso Voce Synth

Egle Sommacal - Chitarre Voce

Stefano Pilia - Chitarre Basso Synth

Vittoria Burattini - Batteria Percussioni Voce

Tracklist:

1. Dio delle zecche

2. La cena

3. Aspettando i barbari

4. Vic Chesnutt

5. Dimaxyon song

6. La notte

7. Compound

8. Silvia Camagni

9. Il nemico avanza

10. Da dove sono stato

Massimo Volume

Aspettando i Barbari

Non è la musica dei Massimo Volume a spiazzarci, non sono i testi di Emidio Clementi a farlo ma sono i fatti inaspettati che accadono intorno e su di loro. In primis l'idea che potessero continuare ad esistere. Io non lo avrei mai dato per scontato, forse perchè appartengo alla categoria di persone che ritiene che non si può sempre mantenere un certo livello qualitatitivo nell'arte e nella vita in generale e per questo le reunion le guarda sempre con occhio disincantato. Ma per fortuna non sono prevenuto. E quindi i Massimo Volume con le Cattive Abitudini evidentemente ci hanno preso gusto. Poi l'entrata al ventiseiesimo posto della classifica F.I.M.I., in mezzo a due brani dei One Direction. Allora capisci che nella vita calcoli e congetture devi lasciarli ai ragionieri, anche perchè ascoltare un disco dei Massimo Volume a scopo recensione, davvero ti fa sentire un piccolo miserabile ragioniere della musica ed ogni parola che esce dalla tua penna risulta inutile, ridondante.

Non sto esagerando, è semplicemente dire che i Massimo Volume sono un affare privato, tutt'al più ne parli con gli amici di sempre ma poiché non ho sentito nessuno che ne parlasse ho pensato che – qualunque siano i motivi – c'è una sorta di rimozione collettiva perfino nei più affezionati o forse hanno dato per scontato che i Massimo Volume siano ritornati a tempo pieno nelle loro vite al punto di permettersi di poterli snobbare. Mai dare per scontato nulla, mai!

Meglio essere inutili e ridondanti allora ma rinnovare quell'antico patto di fiducia con quella cascata di parole e nomi e storie che vere o romanzate, comprese quando troppo chiare o assolutamente ermetiche in altri casi ci accompagnano nelle notti insonni, nelle notti inquiete, nelle notti senza sogni. E' allora che i Massimo Volume e che la voce di Mimì acquisiscono un valore effettivo. Che agiscono sulla nostra psiche come sorta di panacea, anche se non foss'altro che per la qualità ipnotica del flusso di quella voce e di quelle chitarre.

Dieci nuove canzoni. Non le migliori dei Massimo Volume che migliori non vuol dir nulla, di certo non quelle che reciteremo come litanie ai loro prossimi concerti, ma meno male che c'è qualcuno che non segue i copioni e si mette in gioco. Che per i Massimo Volume significa contenere certe esplosioni umorali che pur hanno caratterizzato certi loro trascorsi. Aspettando i Barbari per certi versi può ricordare la deviazione di Club Privè a favore di una voglia di sperimentazione. Questo è di sicuro l'album più scarno dei Massimo Volume, il più introspettivo ed in ombra. Si concederà meno facilmente degli altri. E' il loro album più post-rock. E' il loro album più lividamente new-wave. I suoni sono densi più che mai ma non assecondano alcuna pulsione velatamente anthemica, a parte forse Dymaxion Song che propone strutture già note.

Aspettando i Barbari sembra glorificare i perdenti o quelli che in Dio Delle Zecche se non sono proprio perdenti, restano almeno comuni mortali, comuni coglioni. Quelli come noi che dentro a quelle canzoni si caricano di un'epica e di un pathos che fa di Mimì Clementi un neo-crepuscolare, continuando nel solco della tradizione letteraria italiana di coloro che furon capaci di celebrare le piccole cose.

Una prova è data dalla personale galleria di personaggi che si affacciano dalle canzoni dei Massimo Volume: questa volta tocca a Vic Chesnutt tra quelli importanti e a tutti i nuovi amici de La Notte come 'Luca ormai preso dal denaro', 'Laura che serve ai tavoli di un ristorante di Torino', 'Andrea che prende una droga che fa dimenticare' e 'Mimmo che è morto'.

Compound poi presenta tutti i colori scuri tipici dei Massimo Volume: il grigio, il blu, il metallo. Intensissima. Come lo sono tutte le citazioni colte ed i riferimenti che emergono dalle altre tracce (Il Nemico Avanza, Da Dove Sono Stato).

I Massimo Volume sono ancora tra di noi, felicitatevene e giovani bands italiane indie-rock continueranno a copiare compiti in classe e prendere brutti voti.