Pop

Saturns Pattern

Giulio Magliulo — Sun, 04 Oct 2015 17:50:13 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Pop

Rock

Etichetta:

Parlophone

Anno:

2015

Line-Up:

Paul Weller (Basso, Fender Rhodes, Chitarre, Tastiere, Mellotron, Moog, Hammond, Percussioni, Piano, Sintetizzatore, Vocals)

Jan Kybert (Basso, Chitarra, Tastiere, Moog, Programming)

Steve Cradock (Chitarra, Moog)

Andy Crofts (Chitarra, Basso, Tastiere, Mellotron, Moog, Piano, Backing Vocals)

Ben Gordelier (Batteria, Percussioni)

Tom Van Heel (Batteria)

Steve Pilgrim (Backing Vocals)

Steve Brookes (Chitarra Elettrica, Chitarra Slide)

Syd Arthur (Backing Vocals)

Josh Mcclorey (Chitarra Slide)

Amorphous Androgynous (Effetti, Programming)

Raven Bush (Violino)

Liam Magill (Backing Vocals)

Charles Rees (Basso, Percussioni)

Stuart Rowe (Chitarra Elettrica)

Hannah Weller (Backing Vocals)

Bill Wheeler (Chitarra)

Tracklist:

White Sky

Saturns Pattern

Going My Way

Long Time

Pick It Up

I’m Where I Should Be

Phoenix

In The Car…

These City Streets

Paul Weller

Saturns Pattern

Saturns Pattern di Paul Weller non è stato considerato una priorità di cui scrivere da parte di molti media di settore.

Vista la mole di uscite importanti del 2015, non ce la sentiamo di schierarci contro chi ha deciso di non parlarne, ma un plauso convinto va a chi lo ha trattato senza retorica perché un Paul Weller in così splendida forma – uno tra i migliori della sua generazione – con un album così organico e qualitativamente 'alto' può essere solo osannato.

Paul Weller può fare pressochè quel che vuole, e Saturns Pattern lo dimostra ampiamente.

A cominciare dall'opener White Sky, ovvero come far suonare moderno e groovey un pezzo rock sostanzialmente quadrato, riffoso, persino acido con la sua voce filtrata e i suoi assoli.
Allegramente saltellante invece la titletrack, con tanto di organo vox, piano e cori.

C'è poi Long Time, due minuti di rock'n'roll stradaiolo molto loureediano, il lieve funk souleggiante di Pick It Up, lo shuffle Phoenix e una I'm Where I Should Be, esemplare per la genìa inglese a venire.

E ancora In The Car… che annulla la distanza oceanica tra Uk e USA, tra blues 'slidato' ed eleganza british suonando al contempo classica e sperimentale.

Ma è con Going My Way e These City Streets che abbiamo i capolavori del disco: una romantica piano-ballad che si trasforma in incalzante stomp la prima, impareggiabile esempio di soul style – tra le cose più raffinate ascoltate quest'anno – la seconda.

L'unico uomo in grado di portare t-shirt attillate e scarpe bicolor a punta e risultare 'figo' rappresenta indubbiamente ancora un faro per la musica brit tutta.

At Least for Now

Emanuele Pavia — Mon, 02 Feb 2015 10:39:38 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Pop

Cantautorato

Etichetta:

Behind Records

Anno:

2015

Line-Up:

- Benjamin Clementine - Tutte le musiche

Tracklist:

1. Winston Churchill's Boy

2. Then I Heard a Bachelor's Cry

3. London

4. Adios

5. St-Clementine-on-Tea-and-Croissants

6. Nemesis

7. The People and I

8. Condolence

9. Cornerstone

10. Quiver a Little

11. Gone

Benjamin Clementine

At Least for Now

Avendo all'attivo due degli EP più chiacchierati e di successo degli ultimi anni nell'ambito pop (Cornerstone e Glorious You, pubblicati entrambi dalla Behind Records nel 2013 e nel 2014 rispettivamente), erano alte le aspettative in vista dell'esordio su full-length del giovane artista Benjamin Clementine (classe 1988).

At Least for Now viene finalmente pubblicato il 12 gennaio 2015, raccogliendo (e in alcuni casi rimaneggiando) parte del repertorio proveniente dagli EP e affiancandolo a materiale inedito, e ottiene immediatamente una (meritata) acclamazione unanime tanto dalla stampa mainstream quanto dalla critica specializzata.

Il segreto di un tale plauso sta nella sua proposta musicale, sospesa in un miracoloso equilibrio tra ere temporali differenti e zone geografiche agli antipodi, dotata di una scrittura sofisticata ma sempre al servizio di melodie avvolgenti capaci di stregare anche il pubblico più generalista. Clementine, oltre che un vocalist dotato di una personalità magnetica e di una abilità canora sorprendente, è infatti anche un fine pianista, capace di alternare acquerelli impressionisti alla maniera di Erik Satie (influenza dichiarata dallo stesso Clementine) e irruenti sfoghi jazzati, e un arrangiatore dal gusto raffinato, che si avvale in egual modo di archi dal sapore retrò che rafforzano il tema melodico dei brani quanto di pulsioni elettroniche sotterranee (che ricordano spesso il cantautorato a tinte UK garage di James Blake) che ne evidenziano la componente ritmica.

Ma ciò che più di ogni altra cosa rende At Least for Now una brillante collezione di brani pop è l'equilibrio che l'album riesce a mantenere tra stili musicali tanto distanti nel tempo e nello spazio: essendo nato da genitori ghanesi, ma cresciuto a Londra e trasferitosi a Parigi a soli diciannove anni (il titolo dello skit St-Clementine-on-Tea-and-Crossaints, metaforicamente, celebra proprio la "doppia vita" dell'autore), Clementine sfrutta per forza di cose gli strumenti della tradizione della chanson française e del jazz vocale così come del soul e del cantautorato inglese del nuovo millennio. Nella sua interpretazione vocale rivivono tanto Nina Simone quanto Édith Piaf, tanto Gil-Scott Heron quanto Antony Hegarty, tanto Leonard Cohen quanto Jacques Brel, eppure all'ascolto si rimane sorpresi dalla capacità di Clementine di sfruttare tanti illustri referenti come semplice trampolino di lancio per il compimento di una propria poetica distinta e personale.

Purtroppo, non tutte le tracce funzionano alla perfezione e rendono giustizia alle doti dell'artista. Per esempio, la London che appare su At Least for Now si avvale di kick elettronici e di un arrangiamento d'archi alquanto kitsch, che non apparivano nella versione originale di Cornerstone, con l'intento di ribadire la profondità della performance vocale ma che finiscono semplicemente per appesantire il pezzo; altri brani (come The People and I o Gone), semplicemente, mostrano un'ispirazione meno ardente rispetto ai (molto buoni) standard del lavoro.

Ma quando Clementine centra pienamente il bersaglio, partorisce alcuni dei pezzi più intensi che la musica pop abbia visto negli ultimi anni: Cornerstone, singolo estratto già ai tempi dell'EP eponimo, è una ballata per solo piano e voce, giocata in un continuo alternarsi tra le strofe dominate dall'ostinato motivo di pianoforte e il chorus, catartico e liberatorio, dove Clementine si erge in una delle prove più toccanti di tutto il lavoro; la ancora più esaltante Condolence, già presente su Glorious You ma estratta solo nel 2015 come singolo per At Least for Now, è introdotta da percussioni elettroniche e perturbazioni minimaliste del pianoforte che, culminando in un trillo, aprono all'eccezionale esibizione vocale di Clementine, vera protagonista del brano fino alla sua conclusione in fade out, condotta nuovamente dal pianoforte.

Ancora, Nemesis (altro singolo, questa volta inedito) è un arioso brano pop in tre quarti dove Clementine sfrutta al meglio le possibilità offerte dall'orchestra d'archi, che non si limita più a sottolineare i momenti più ricolmi di pathos, assumendo piuttosto un ruolo di primo piano duettando e facendo il controcanto alla melodia vocale. Adios (da Glorious You), forse l'assoluto vertice del full-length, vede invece una delle prove più dinamiche e vicine alla grandezza di Nina Simone, con Clementine che si destreggia per tutta la durata del brano tra vocalizzi black, soliloqui deliranti e falsetti angelici, supportato dal pianoforte che ora segue la sconnessa interpretazione vocale in schizzati ritmi jazzati, ora la sostiene con toni più romantici, e con elaborati interventi degli archi a conferire ulteriore drammaticità al pezzo.

Se si può discutere sull'omogeneità qualitativa del disco, troppo sbilanciata in favore dei singoli, e sulla scelta della tracklist (che poteva essere migliorata, magari, inserendo la bellissima I Won't Complain da Cornerstone al posto della nuova London), è innegabile invece che ciò che Benjamin Clementine è riuscito a realizzare su At Least for Now sia un risultato notevole per un album di debutto, che si rivela capace di mettere d'accordo continenti, tempi e finanche pubblici diversi, senza dover rinunciare all'originalità dello stile del suo autore.

Vista inoltre la scrittura dei brani, matura e appassionante, che Clementine ha esibito nei momenti migliori del disco, è lecito aspettarsi un proseguimento di carriera che faccia ancora più giustizia al suo indiscutibile talento come performer.

Singles

Giulio Magliulo — Thu, 14 Aug 2014 10:02:23 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Pop

Synth Pop

Etichetta:

4AD

Anno:

2014

Line-Up:

Samuel T. Herring - voce

Gerrit Welmers - tastiere e programmazione

William Cashion - basso, chitarre

Tracklist:

Seasons (Waiting On You)

Spirit

Sun In The Morning

Doves

Back In The Tall Grass

A Song For Our Grandfathers

Light House

Like The Moon

Fall From Grace

A Dream Of You & Me

Future Islands

Singles

D'accordo che il ripercorrere in tutti i modi possibili il passato – anzi no, non giriamoci intorno e diciamolo pure: gli anni ottanta – ha anche - e già da un bel po' – stancato, ma come la mettiamo con tutti quei magnifici visionari che pur prendendone alcuni elementi, molto caratteristici e riconoscibili, son capaci di farne qualcosa di completamente nuovo o almeno decisamente rinnovato?

Fanno parte di questa categoria i Future Islands da Baltimora, che senza alcuna vergogna per i sintetizzatori e consapevoli dell'ugola 'maschia' e fortemente espressiva del cantante Samuel T.Herring vicina per certi versi ai graffiati di Joe Cocker, Rod Stewart e Colin Hay (Men At Work) passano sotto 4AD dopo tre albums due dei quali con Thrill Jockey (ambedue le labels esempi di attenzione alla qualità, al di là delle ovvie necessità commerciali).

E se le iniziali Seasons e Spirit già non fanno prigionieri, svelando da subito tutto il potenziale di Singles ed immortalando l'epica eighties proprio grazie a questa intensità sconosciuta agli artigiani del ripescaggio, è nelle pagine 'minori' come Back In The Tall Grass o Like The Moon che si allunga la vita alla new-wave, che la si scongela e le si dona nuova linfa, dimostrando che ne esistevano pieghe ancora poco esplorate. Per non dire di Fall From Grace, nella cui atmosfera noir si fa strada un incredibile growling, assolutamente coerente nel contesto quasi cinematografico della traccia.

Che vi piaccia o meno, tra i dischi dell'anno.

The Hunting Party

Matthias Stepancich — Wed, 11 Jun 2014 18:22:29 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Giuseppe Dalicante

Genere:

Punk Rock

Pop

Crossover

Etichetta:

Machine Shop/Warner Bros.

Anno:

2014

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Chester Bennington – vocals
Rob Bourdon – drums, percussion
Brad Delson – lead guitar
Dave "Phoenix" Farrell – bass guitar
Joe Hahn – turntables, sampling, programming
Mike Shinoda – vocals, rhythm guitar, keyboards

Guests:
Page Hamilton - vocals (on "All for Nothing")
Daron Malakian - guitar (on "Rebellion")
Tom Morello - guitar (on "Drawbar")
Rakim - vocals (on "Guilty All the Same")

Tracklist:

1. Keys to the Kingdom – 3:38
2. All for Nothing (feat. Page Hamilton) – 3:33
3. Guilty All the Same (feat. Rakim) – 5:55
4. The Summoning – 1:00
5. War – 2:11
6. Wastelands – 3:15
7. Until It's Gone – 3:53
8. Rebellion (feat. Daron Malakian) – 3:44
9. Mark the Graves – 5:05
10. Drawbar (feat. Tom Morello) – 2:46
11. Final Masquerade – 3:37
12. A Line in the Sand – 6:35

Linkin Park

The Hunting Party

“Oh m***a, le radio rock non passeranno più le nostre canzoni, non è vero?”. È questa una delle domande che Mike Shinoda, la mente dei Linkin Park, ha rivolto al suo manager prima di rivolgerle a se stesso. “Sono pronto comunque ad una sfida e credo nella musica”, la risposta dello stesso Shinoda rilasciata in un’intervista al Rolling Stone.
Al contrario di quanto ci si potesse aspettare però i “nuovi” Linkin Park non hanno continuato a seguire quel sound elettro-pop melodico che aveva contraddistinto i loro ultimi lavori. In particolare A Thousand Suns, l’apice del loro cambio più repentino di stile e dunque di maggiore distanza da ciò che li ha portati ad essere i Linkin Park: l’energia, l’intensità emozionale dei loro pezzi, quel misto di rabbia e malinconia fatta di riff accattivanti, di chitarre, di strofe ritmate e melodiche.

Era quella la direzione in cui stavano andando, conferma Shinoda nella medesima intervista, ma ad un certo punto c’è stato un cambio di rotta. Non erano più sicuri che fosse quella la vera direzione da prendere, e The Hunting Party è il primogenito di quel pensiero insicuro, di quei dubbi che si sono trasformati in certezza: i Linkin Park sono tornati. Non dobbiamo però aspettarci un nuovo Hybrid Theory o un nuovo Meteora, bensì un gran miscuglio di tutto e niente; un sound che non è di certo tornato quello del miglior nu-metal di quella generazione, ma che da quel nu-metal recupera parte dell’energia delle chitarre, lasciando evolvere le batterie, amplificando le urla, incattivendo i ritmi. Influenze fortemente punk rock e dall’hardcore melodico fanno prepotentemente il loro ingresso in quest’opera, alzando notevolmente l’indice tecnico di ciò che vien suonato, rendendo la vita più complicata a Brad Delson ma soprattutto al batterista Rob Bourdon, forse la star emergente di questo album.

“Keys to the Kingdom” mette subito le cose in chiaro, grazie a urla strozzate di Chester Bennington e all’aiuto di Joe Hahn che aggiunge un tocco di elettronica ed effetti, più tardi anche a Shinoda, al suo rap e alla sua performance melodica. Un pugno nello stomaco per coloro i quali si aspettavano i dolci pop di A Thousand Suns. Veloci i ritmi della batteria che varieranno durante la stessa canzone (doppio pedale, esatto, qualcosa che non ci si aspettava di certo, considerando gli ultimi lavori del gruppo a stelle e strisce), chitarre terribilmente aggressive che raschiano il sound incattivendolo più che mai. Il caos esplosivo, probabilmente la canzone più energica che i Linkin Park abbiano mai suonato, qualcosa di assolutamente straordinario.

Dopo essere stati lasciati piacevolmente introdotti al sound del nuovo album grazie a Keys to the Kingdom, Page Hamilton (frontman degli Helmet) mostra subito la sua influenza nelle tonalità di “All for Nothing” intervenendo poco dopo le prime strofe rap di Shinoda. Il pezzo sembra quasi suonare come uno dei brani dei Limp Bizkit (primi album), e il trio Hamilton-Shinoda-Bennington sembra funzionare alla grande. Ancora assoli di chitarra, magistralmente accompagnati dai cambi di ritmo di Rob Bourdon, e il refrain “All for nothing” tipicamente punk rock mostra chiaramente quanto Bennington sia in grado di aggiungere del proprio nella sua interpretazione helmettiana.

È poi il turno di “Guilty All the Same”, il primo vero singolo presentato dalla band statunitense, in collaborazione con il leggendario Rakim, uno dei migliori MC di sempre. Tuttavia, prima di far la sua comparsa nel brano, la band mostra palesi influenze dall’hardcore melodico se non dal metalcore, dunque più lavoro del solito per Bourdon e Delson, che ancora una volta giocano bene mantenendo il ritmo delle chitarre e delle batterie piuttosto alto. È da poco più della metà della canzone che The God MC Rakim fa la sua comparsa, ricordando a tutti chi ha influenzato gente come Shinoda, ad esempio. La canzone termina con uno shredding, uno dei tanti che potranno essere apprezzati lungo il corso dell’album.

Piccolo momento di pausa con “The Summoning”, una sequenza di intermezzo dove dei carillon distorti ed un crescendo d’effetti elettronici tipici dei momenti di tensione di un qualsiasi blockbuster ci introducono al prossimo pezzo: “War”. Qui siamo solo ed esclusivamente sul punk rock, non vi sono altre influenze. Non ci sono effetti di sorta, una totale assenza del DJ Joe Hanh e di Shinoda, spazio per Bourdon ancora una volta, ma soprattutto per lo shredding caotico-punk di Brad Delson, e per aggressività pura nelle urla di Chester verso il finale della canzone. Tuttavia il pezzo non pare incantare, violenza gratuita ma che non sembra lasciare il segno.

Cambio radicale avviene con “Wastelands”, che sembra abbracciare la classica formula rap shinodiano + melodia alla Chester. L’influenza punk è qui minima, un lavoro abbastanza in linea con lo stile dell’ultimo album Living Things, un ritmo piuttosto costante con un momento di esplosione prolungato nei tempi verso i tre quarti del pezzo. Poi un lieve momento di calma, dove Chester pian piano riprende il ritornello, che termina con un ponte-intro per la track successiva.

“Until It’s Gone”, è sicuramente la canzone che rappresenta i Linkin Park melodici modello Minutes to Midnight. Shinoda assente nella canzone, ma enfasi sull’energia delle chitarre, un ritmo lento e gustosamente pop-rock, Joe Hahn che utilizza effetti sintetizzati tipici delle soundboards modello 8-bit, sebbene non prepotenti. Il ritmo della canzone potrebbe essere paragonato a quello di What I’ve Done dell’album Minutes to Midnight, ma più deciso, più energetico, più in stile Linkin Park originali. Per non dimenticare, Chester ci ricorda di essere in grado di urlare rendendo la canzone quasi rabbiosa ma ancora di appeal pop, alla fine del pezzo.

“Rebellion”, una delle track più attese, è in collaborazione con Daron Malakian (chitarrista dei System of a Down nonché Scars on Broadway). Esattamente come con Page Hamilton, l’influenza di Malakian è chiara come il sole, con il sound delle chitarre arabeggianti del maestro armeno-americano. Senza esser troppo scontati, il pezzo suona esattamente come uno dei System of a Down, e Mike Shinoda accompagna perfettamente Chester durante l’intera canzone. Essendo in stile SoaD, la canzone si innesca verso i tre quarti con una dose violenta di “We fall apart”, urlata magistralmente da Bennington.

“Mark the Graves” inizia con il duo Delson-Bourdon, che ancora una volta dimostra di saper alternare ritmi davvero interessanti, ora repentini, ora lenti. Una canzone denotante un Chester melodico che prosegue attraverso i ritmi, spesso cangianti, dettati da una batteria mai così presente come in questo pezzo. Mike accompagna Chester senza mai sovrastare la voce di quest’ultimo, in quello che sembra un festival di cambio di ritmi parecchio amalgamati, sulla (bella) copia di una track in stile A Thousand Suns in quanto a varietà di ritmi, ma con una massiccia presenza di quelle chitarre che in quell’album sembravano quasi assenti.

La nota dolente dell’album è la collaborazione con Tom Morello (celebre chitarrista dei Rage Against the Machine) in “Drawbar”. Un pezzo interessante in teoria, ma che in pratica non mette a frutto alcun potenziale. Dura poco, non esplode, il pianoforte dolce è bello nelle sue note, ma la chitarra pizzicata e distorta da Joe Hanh non rende sfortunatamente giustizia all’immenso groove che avrebbe potuto offrire questa collaborazione. Di Chester e Mike non c’è traccia, non c’è cantato. Concettualmente con parecchio potenziale, sfortunatamente lascia l’amaro in bocca. Una buonissima sequenza d’intermezzo, certo, un po’ come dire di guidare una Ferrari su una pista ciclabile: uno spreco.

“Final Masquerade” continua la scia di dolcezza iniziata da Drawbar portandola ad un livello sicuramente più vicino allo stile melodico del gruppo a cui siamo stati abituati da Minutes to Midnight in poi, ma anche qui con delle chitarre che le rendono giustizia, restituendo quel suono emotivamente intenso firmato Linkin Park che si era perso per strada via via con gli anni. Una ballad di tutto rispetto, la classica track da inserire in un nuovo Transformers. Una canzone che attraverso i dolci e malinconici versi di Chester sembra esprimere alla perfezione concetti come delusione e rimpianto. L’assolo tenue di Delson ad un certo punto connette la canzone in modo esemplare. Un pezzo che, seppur non brillante di originalità, risulta forse uno dei più riusciti nel suo intento: trasmettere emotività, come ai vecchi tempi.

L’album si chiude con la sorprendente “Line in the Sand”, che rafforza il concetto di sorpresa, di piacevole sorpresa che rappresenta l’intera opera. Si apre melodicamente bene, con Mike che sembra introdurre una nuova ballad, ma invece cambia di ritmo in maniera impressionante, spiazzando l’ascoltatore, che si ritrova assalito da una delle oramai classiche alternanze Delson-Bourdon; chitarre veloci, batterie pesanti. Poi ancora la calma, ritmi che cambiano ancora, e Shinoda che pian piano si lascia supportare da Bennington, che prende possesso della track parallelamente a un’iniezione di ritmi chiaramente punk rock. In questa canzone c’è tutto: il canto melodico di Mike e Chester con urla e versi rap dei rispettivi esponenti, l’elettronica di Hahn, le influenze pop-rock, i bassi di Phoenix Farrell, gli assoli di Delson, le esplosioni di batteria di Bourdon. La degna conclusione che meglio rappresenta l’intero spirito dell’album: il vecchio misto al nuovo, il tutto con un unico minimo comune denominatore chiamato “energia”.

I Linkin Park sono tornati? Si.
Sono quelli di un tempo? In parte.
Dopo i primi accenni di un risveglio degno di nota nell’ultimo Living Things, il gruppo dimostra di essere in grado di fare cose straordinarie, e The Hunting Party esprime un lavoro certosino che eleva ogni singolo membro del gruppo.
A parte qualche lieve incertezza in War e la deludente Drawbar, The Hunting Party si piazza di diritto negli album top in uscita quest’anno (e non solo).

Siamo davanti al nuovo Hybrid Theory? No, siamo tecnicamente su di un livello superiore.

Bentornati Linkin Park.

A Monument

Matthias Stepancich — Mon, 24 Dec 2012 18:24:25 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Pop

Indie Rock

Gothic Rock

Etichetta:

City Slang

Anno:

2012

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Joe Haege - voce, chitarra, piano, samples, batteria, percussioni
Corrina Repp - voce, chitarra, batteria, piano, percussioni
Liza Rietz - piano, violino, cori, percussioni
Toussaint Perrault - tromba, trombone, cori, percussioni

Tracklist:

1. Anchor
2. Blood Stains
3. Wager
4. A Pose For No One
5. Build A Great Cliff
6. Skin and Bone
7. In The Center Of Powder White
8. To Break Into
9. Bones

Tu Fawning

A Monument

Il quartetto dei Tu Fawning ritorna due anni dopo il full-length d'esordio Hearts on Hold (uno degli album migliori del 2010, e allo stesso tempo uno dei più incomprensibilmente ignorati dalla critica: potere del non preoccuparsi di pompare hype ma solo della qualità) con il secondo A Monument (City Slang, 2012), disco che mantiene tutte le promesse e gli standard del primo.
Le atmosfere sono addirittura più intense e gotiche, e anche se ciò ha comportato il sacrificio di parte del loro spirito giocoso (che si traduceva anche nella mitraglia di arrangiamenti e bizzarrie ritmico-sonore di pezzi come I Know You Now), allo stesso tempo equivale ad un evidenziare stavolta inequivocabilmente il legame della band con il mondo della musica d'avanguardia, il cui spirito impregna da inizio a fine il loro caleidoscopio pop inclassificabile.
Ancora una volta, vi sono idee prese dai territori più vasti di pop, indie rock, elettronica, folk, classico, e stavolta anche darkwave e post-punk, conviventi perfettamente in impasti sonori coerenti, melodici e sempre orecchiabili.

Il battito percussivo sordo e cupo che apre il disco, con Anchor, funge da metronomo per vellutati synth e un sognante chorus in falsetto che sbucano direttamente dal miglior dream-pop (Cocteau Twins) e synth-pop dei 1980s, finché l'orizzonte si espande con il canto di Corrina Repp nelle strofe, che danno l'inizio ad una coda di polifonie, e all'ingresso di batteria e percussioni caotiche nello stile perfezionato con Hearts on Hold.
Secca, minimale e più ritmata la base di Blood Stains, che parte ancora una volta in sordina (ossessivo ritmo alla batteria, basso elettronico pulsante, sommessi cori filtrati e poi languida voce cantata in stile lounge-jazz, ma distorta), per poi aprirsi ad un mesmerizzante amalgamarsi di frasi pianistiche grevi e acute, comparsate di fiati, avvolgenti stratificazioni vocali. Un pezzo come questo prende tanto dalla tradizione del jazz vocale dei 1950s quanto da quella del dark cabaret dei 1970s, al solito fondendoli, senza che sia percepibile una linea di separazione tra gli elementi dell'uno e dell'altro: ecco cosa significa avere vero talento.
Wager inizia con percussioni e lamenti vocali sbucati da una colonna sonora di Ennio Morricone, mentre la chitarra elettrica segue giri molto più vicini alla tradizione indie rock dei passati 10 anni; la voce cerca una dimensione più intimista e introversa delle prime due tracce nelle strofe, per poi tornare ad un intenso chorus; dopo un altro momento di quiete, con in primo piano solo i fraseggi rock della chitarra, si torna ad una stratificazione che traghetta nuovamente verso il chorus: la chitarra prende il sopravvento, e sembra di stare ascoltando una versione più noise, distorta e controllata dei tipici momenti corali ed "epici" degli Arcade Fire.
Molto più facilmente identificabili sono le radici di un pezzo come A Pose for No One: si tratta di una vibrante e decadente confessione intrisa di droni gotici, penetranti violini e intensità vocali, con contrappunto di percussioni e leggeri strimpelli di chitarra, che rimanda agli albori del gothic-rock e dell'avant-pop, Nico e John Cale, e ad alcuni dei suoi figli diretti, in primis Nick Cave.
L'influenza di Morricone pervade anche Build a Great Cliff, che, sebbene inizi come al solito in maniera più quieta e minimale, esplode in due chorus strumentalmente usciti direttamente dalle colonne sonore di Sergio Leone, su cui gorgheggia la Repp, inframezzandoli con un breakdown più rockeggiante.
L'anima dura e post-punk di percussioni e piano in Skin and Bone riesce a fondersi magicamente ai campionamenti vocali morbidi e ipnotici in stile shoegaze, e si apre a metà in una sezione di grandiose polifonie vocali a metà tra il gospel e il rarefatto celestiale dell'ultima Julianna Barwick, sfociando poi in una breve serie di fraseggi post-rock in stile Explosions in the Sky alla chitarra, prima della chiusura più calma.
Il momento più riflessivo e malinconico arriva con In the Center of Powder White, che prende in piccole dosi idee dal post-rock, dall'indietronica, dal gothic-rock e dal folk intimista per costruire un lento minimale di rara bellezza: avvolgente, struggente; questo è forse l'esempio più chiaro della nuova dimensione aggiuntasi allo stile del quartetto rispetto al primo disco, in cui un pezzo del genere sarebbe risultato fuori posto, e invece qui suona come il culmine delle tensioni gotiche presenti in tutte le tracce precedenti.
Il folk minimale e intimista torna anche nella seguente depressa To Break Into, in cui le percussioni quasi svaniscono (pochi battiti lontani, ma soprattutto note al piano tengono il ritmo); è dapprima la voce di Joe Hage a cantare, in strofe che ricordano gli Eels, per poi passare il microfono alla Repp, e tornare in un chorus condotto assieme.
Il pezzo più lungo (7 minuti e mezzo), Bones, funge da chiusura, e ancora una volta non fa calare l'elevata qualità sorprendentemente costante lungo tutto il lavoro: un pattern percussivo agitato e continuo, tendente all'ipnotico (come si è sentito spesso nel filone indie-rock), trafitto da potenti colpi sul pianoforte e da un fraseggio quasi orientaleggiante ripetuto alla chitarra elettrica, domina per circa 3 minuti, per poi calmarsi, far entrare la voce e le melodie, e riprendere accompagnandole in maniera morbida; il risultato è un tramutarsi in una ballad d'atmosfera dicembrina, che chiude su una nota sentimentale, leggermente malinconica ma positiva e speranzosa, la carovana sonora dell'album.

Singles 2007 - 2010

Gabriele Bartolini — Tue, 22 Nov 2011 09:22:03 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Pop

Indie Rock

Etichetta:

Goner

Anno:

2011

Line-Up:

- Ty Segall - Compositore musiche, testi

Tracklist:

LP 1
1. Where We Go
2. It
3. Sweets
4. Son of Sam (Chain Gang)
5. Skin
6. Booksmarts
7. Ms. White
8. ... And then Judy Walked In
9. Cents
10. No No
11. Standing at the Station
12. My Sunshine
13. Fuzzy Cat
14. Maria Stacks (Thee Oh Sees)

LP 2
15. Caesar
16. Bullet Proof Nothing (Simply Saucer)
17. Lovely One (Demo)
18. Happy Creeps
19. Hey Big Mouth
20. Dating (Demo)
21. So Alone (Demo)
22. Shoot You in the Head (Demo)
23. The Drag (Demo)
24. Standing at the Station (demo)
25. I Think I've Had It (Gories)

Ty Segall

Singles 2007 - 2010

Tempo fa, trovandomi a curare la recensione di Goodbye Bread del buon Ty Segall, spesi più di una parola a scopo introduttivo per parlare ( magari anche consigliare) delle sue precedenti uscite da solista o con altri gruppi. Tanti, troppi dischi di cui occuparsi - addirittura più di quaranta! - e infatti per larga parte si parlò solo dei suoi full-lenght più recenti, senza dar più di tanto credito, anche perché l' argomento non era quello. Anche il Cobain di San Francisco si deve essere, per forza di cose, accorto che tale dispersione di ingente materiale oltre che essere un peccato in sè e per sè rappresenta un vero e proprio limite, un suicidio in piena regola se pensiamo agli standard di vendita odierni. Ecco infatti che, insieme alla strabiliante Goner records, il nostro decide proprio in questi giorni di mettere sul mercato una raccolta più o meno ordinata di tutti gli EP ed i singoli persi per strada durante l' arco di soli tre anni, intitolata appunto Singles 2007 - 2010 ( Goner records, 2011). In un momento, aggiungiamo noi, alquanto propizio, se pensiamo infatti che l' ultimo album inciso ( il Goodbye Bread citato prima) ha fatto conoscere la sua musica anche fuori dei ristretti confini locali, fin da subito amata sia dalla critica che dal pubblico. Un' idea di far musica per niente complicata quella di Segall, che senza troppi fronzoli unisce il sound pop, senza sperimentalismi vari, dei Sic Alps e le sue liriche irriverenti per farci immergere in un' atmosfera da Beatles stralunati, nel bel mezzo di un garage beat che non ha avuto mai realmente nulla a che fare con loro.

Prima di trovare la ricetta della felicità però le sue composizioni non si affidavano su un prodotto così catchy, ma bensì andavano a configurarsi con il garage-punk nudo e crudo dei gruppi lo-fi anni '90, come ad esempio gli Oblivians o i Detroit Cobras, non senza far mancare citazionismi nei confronti del genio di Reatard. Singles 2007 - 2010 fotografa molto bene la sua precedente attitudine raccogliendo in ben venticinque tracce i tre EP risalenti al relativo periodo ( It, Skin, Cents) ed aggiungendo altri brani, andati perduti col tempo o semplicemente mai editi. Possiamo in tal modo evidenziare l' evoluzione progressiva della musica di Segall dal garage deviato da attacchi noise, ancora in perfetto parallelo con gruppi come i Thee Oh Sees, verso una forma maggiormente tendente a brani pop-rock meno coinvolti dal beat psichedelico. Ecco allora fuoriuscire dalla mitragliatrice del fuzz inizialmente brani scheletrici animati solamente da una grinta irrefrenabile ( Sweets, Son Of Sam) successivamente tramutati, addirittura nello stesso anno, in pezzi già legati ad una primordiale idea di punk-rock, dotati però di riff ipnotici capaci persino di far impallidire gli Arctic Monkeys degli esordi ( Booksmarts, Ms. White). Proseguendo con l' anno successivo prenderanno sempre più quota i ritornelli power-pop effettati da sapienti riverberi ( Standing At The Station, Cents), ma fino al duemiladieci non riscontreremo ancora appieno quegli elementi che lo hanno portato a firmare un contratto con la prestigiosa Drag City. Sarà infatti l' uscita in contemporanea di una serie di tre singoli, ancor prima del canonico Lemons, terzo disco uscito qualche mese prima, a segnare un primo passo verso la tipica struttura delle sue canzoni, composta essenzialmente dal verso, da un ritornello e da un finale sguaitato all' insegna dell' improvvisazione. Concentratevi quindi bene su My Sunshine, Fuzzy Cat e Maria Stacks, impeccabile tripletta cardine per Ty Segall, che consentirà ad inizio del nuovo anno di riscuotere un buon successo con i successivi singoli Caesar e Bullet Proof Nothing, in cui si percepiscono meno follie con la strumentazione elettrica e molto più lavoro cerebrale ( se così si può dire per un personaggio a dir poco coriaceo) con le acustiche, oltre che con il piano, come conferma il lato A del 7" in questione. Gli altri brani che seguono sono messi alla rinfusa ed appartengono evidentemente a diversi periodi compositivi. Di conseguenza, vicino a momenti di pura e frizzante energia ( Happy Creeps azzera in meno di due minuti i revival di gente come Bosco Del Rey) troveremo puri ritmi garage-punk ( la stupenda Hey Big Mouth) oppure condensati di rock 'n' roll albionico ( So Alone), ma a dirla tutta prevale molto di più la sporiciza, tanto che almeno tre o quattro dei brani finali potevano essere benissimo evitati. Menzione speciale per la versione demo di Standing At The Station, che senza tanti filtri svela il lato disumano del Ty Segall esordiente.

In definitiva, Singles 2007 - 2010 è il perfetto riassunto del Ty Segall pre Goodbye Bread, una risposta dovuta ai fan, in particolar modo quelli non americani, che fino ad ora non avevano la possibilità di esplorare a fondo la sua folta discografia, dovendosi limitare agli ultimi due-tre album. Questi singoli rappresentano in tutto e per tutto, forse ancora meglio dei primi full-lenght, il suo primo modo di fare musica, totalmente devoto al punk-rock, con relativa evoluzione ad una forma decisamente più abile nel confrontare elementi pop e garage tra di loro. Fin tanto che con solo questa uscita e l' ultimo album potreste comodamente dire di conoscere ogni angolo della ( vastissima) produzione di questo personaggio fuori dai generis.

NewVillager

Vincenzo Ticli — Tue, 18 Oct 2011 10:30:28 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Vincenzo Ticli

Genere:

Pop

Indie Pop

Etichetta:

IAMSOUND

Anno:

2011

Tracklist:

1. Cocoon House
2. Black Rain
3. Rich Doors
4. Say the Code
5. Shot Big Horizon
6. Upholder
7. How To Get Back
8. Lighthouse
9. Bad Past Gone Away
10. Overpass

NewVillager

Immaginate di avere un pennello in mano e di intingerlo in una tavolozza in cui ad ogni colore corrisponde uno strumento musicale. Mettetevi di fronte ad una tela e date sfogo alla fantasia: se avrete le capacità di Ben Bromley e Ross Simonini, ovvero gli statunitensi NewVillager, uscirà fuori un sorprendente e originalissimo quadro naïf, ovvero l'omonimo debutto.

Per dipingere un pop scoppiettante e pieno di energia, i New Villager usano tutte le gamme cromatiche possibili: spigolose chitarre rock si affiancano a sinuose tastiere, sprazzi di orchestra si accoppiano a discontinui ritmi che vanno dall'r&b a quelli più convenzionalmente pop e che si compenetrano senza limiti. Lighthouse, scelta come singolo, è festosa nel suo ritmo deciso e nelle sue melodie elettroniche che si colorano di sfumature orchestrali, Black Rain si basa invece su suoni densi e dinamici che procedono in un sommesso singhiozzo, quasi un avveniristico salterello dominato da acuti falsetti che si alternano a grugniti ruvidi da rapper, per poi distendersi in una conclusione da ariosa e malinconica ballata elettronica. Cocoon House, tra voci distorte e luminosi trilli che giocherellano in un'atmosfera piuttosto cupa, si avvicina maggiormente all'indie con i suoi decisi riff di chitarra e i cori vagamente 60's, mentre Shot Big Horizon si installa subito in testa con il suo ritornello cantato a voce piena e i beats che si snocciolano uno dopo l'altro in un intarsio bizzarro e coinvolgente.
Alcuni brani sono marcatamente r&b, risultando quasi fuoriluogo in un album in cui la musica è tutt'altro che solita e classificabile: è questo il caso di Rich Doors e di Bad Past Gone Away, ma la prima sfoggia un alienante e quasi orientaleggiante intreccio di voci e tastiere e la seconda, grazie all'insolito arrangiamento vocale e ad un'accattivante stranezza, si salva appena dall'essere una delle solite canzonette con tanta commerciabilità e poca sostanza.
A chiudere l'opera sopraggiunge Overpass, un breve strumentale che si dipana tra rumori, strumenti in reverse e melodie di organo e cori gregoriani che creano un finale semplice e solenne.

I NewVIllager compaiono in un'era in cui alla moda di quanti si infarciscono le orecchie di musica di massa prodotta in maniera quasi industriale, si oppone un altro tipo di moda a cui appartengono, pur non ammettendolo, tutti coloro che sono votati alla musica cosiddetta alternativa, indipendente, ma di fatto di produzione ugualmente "seriale". Arrivano, quindi, al momento giusto per fare la gioia di tutti gli hipster dei nostri giorni, ma è assolutamente riduttivo limitarsi ad etichettare in questo modo la loro musica: in realtà, al nome NewVillager si fa sì corrispondere uno stile assolutamente alternativo, ma è proprio in un'originalità e in una bizzarria non esasperate ma, semmai, applicate ad una forma canzone del tutto tradizionali e senza eccessive pretese che risiede la vera qualità di questo stile, che fa presagire un buon futuro per i NewVIllager.

The Whole Love

Gabriele Bartolini — Sun, 25 Sep 2011 15:10:23 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Pop

Folk Rock

Etichetta:

dBpm

Anno:

2011

Line-Up:

- Jeff Tweedy
- John Stirratt
- Nels Cline
- Glenn Kotche
- Pat Sansone
- Mikael Jorgensen

Tracklist:

1. Art of Almost
2. I Might
3. Sunloathe
4. Dawned On Me
5. Black Moon
6. Born Alone
7. Open Mind
8. Capitol City
9. Standing O
10. Rising Red Lung
11. Whole Love
12. One Sunday Morning (Song For Jane Smiley's Boyfriend)

Wilco

The Whole Love

Parto gemellare in casa Wilco, che oltre all' importantissima release del nono album ( ottavo contando solamente quelli realizzati in studio) celebrano la nascita di una propria label, la Decibels per Minute, ragionevolmente abbreviata a dBpm. Una chiara salvaguardia della propria musica, quella del gruppo capitanato da Jeff Tweedy, ben comprensibile andando a ritroso nel tempo. Dove potremo scoprire, o semplicemente ricordarci, che Yankee Hotel Foxtrot, il masterpiece dell' avanguardia rock per eccellenza, rischio di non vedere mai la luce per il volere della Warner records, che dopo aver rotto ogni contatto con la band la costrinse a pagare un ingente somma di denaro per riottenerli in dote. Quell' esorcismo orrorifico memore del disastro americano ma anche di una condizione psicologica del proprio leader non proprio al top ha cambiato per sempre la carriera degli Wilco, e forse anche la concezione stessa di un certo tipo di musica.

Per iniziare a parlare del nuovo disco, intitolato The Whole Love, partiamo da un must del gruppo di Chicago, una delle tante cifre stilistiche capaci di amplificare la propria unicità, ovvero l' artwork. Da sempre, infatti, il fulcro di ogni loro lavoro è stato degnamente immortalato nelle stesse copertine ( o addirittura sulla confezione intera contenente il CD), delle quali sorti si sono occupati, alternandosi, Lawrence Azerrad e Peter Buchanan-Smith, oltre che lo stesso Tweedy. Vero e proprio omaggio all' arte moderna, l' immagine realizzata da Joanne Greenbaum scelta per il suddetto lavoro ricalca in tutto e per tutto il processo di "crescita" attuato, qualcosa di estremamente ed attentamente coerente nel cercare di far evolvere un prodotto di cui ancora non si conoscono gli effettivi risultati, partendo dalle fondamentali radici ( come vedremo, non ci sarà alcuna analogia con il roots-rock delle origini, o almeno non in questa parte) ed arrivando alla chioma, che si costituirà in modo del tutto casuale. I colori scelti, tuttavia, potranno apparire fuorvianti se contrapposti alla svolta ottimistica cui si vuole dare all' album; la combinazione di grigio e nero, rimandante tra l' altro sempre alla tristezza di Yankee Hotel Foxtrot, sarà comunque annullata dai colori vivaci dati alle tre lettere O, rappresentanti la vera cartina tornasole del mood di The Whole Love. Da chiamare in causa il tema riguardante la natura, con gli alberi in particolare, da sempre pallino ideologico dell' ensemble, che già in occasione di Wilco ≤ a ghost is born e Sky Blue Sky aveva scelto come artwork, rispettivamente, un uovo ed un nido per l' alquanto creativo primo album ed uno stormo di uccelli creanti un illusione ottica per il secondo lavoro, coincidente con il ritorno al classicismo rock per i Wilco.

Dal punto di vista musicale, The Whole Love si dimostra un disco assai solido, non proprio eccessivamente visionario però credibilmente capace di interporsi tra il vecchio e nuovo corso. Approfittando infatti di un numero di consensi man mano sempre più basso per l' occasione degli ultimi due album, in cui soprattutto nell' ultimo omonimo si faceva ritorno sempre più prepotentemente nelle lande del roots-rock e dell' americana in generale, in The Whole Love paradossalmente il gruppo - Mai così in sintonia, a detta nostra e dello stesso Jeff - intraprende un vero e proprio slalom tra la loro discografia dal duemila ad oggi, esternandosi molto più difficilmente di quanto la loro musica possa lasciare intendere in un folk-rock reso vellutato e pop da una produzione, a carico di Tweedy e Sansone, a dir poco superba. Facendo riferimento ancora una volta alle due pietre miliari da sempre diretta influenza per ogni uscita del gruppo - Stò parlando ovviamente di Tonight's the Night di Neil Young e 1919 di John Cale - i Nostri infatti trovano in ogni episodio di The Whole Love le dosi giuste per rispettare questa nuova ricetta, che prevede il trattamento in chiave melodica di certe solite uscite richiamanti la musica country e in misura minore la bluegrass più schietta. Osservando poi la struttura data al disco stesso, possiamo benissimo accorgerci che l' immediata lettura relativa all' artwork si è rivelata giusta: a parte le radici e la chioma, rappresentate da due pezzi alquanto particolari lunghi più di cinque minuti, la restante parte del lavoro solo in un' occasione riesce a superare i quattro minuti, rinchiusa com'è al caldo del dolce suono di una chitarra acustica che domina in tutto e per tutto sugli altri elementi. I Wilco, poi, ci devono aver preso gusto, man mano che l' opera si costruiva da sola, riuscendo persino a donare una faccia alt-pop mediante sotterfugi provenienti dalla ambient, arrivando a plasmare il disco, in maniera analoga a quanto fatto dal Beck di Sea Change e dal Thurston Moore di Demolished Thoughts, a loro immagine e somiglianza.

Le fondamenta ed il massimo picco espressivo.

Come annunciato in precedenza, la logica del gruppo americano in The Whole Love è degna di coincidere con la massima ascesa intellettuale risalente agli inizi del nuovo millennio, ricca di spunti riflessivi qual'è. Trattiamo in prima istanza degli estremi dell' album, che costituiscono l' inizio e la fine di questa opera da noi configurata e pensata come un albero, due suite che secondo il percorso introdotto dagli Wilco dovrebbero costituire in ordine le radici da cui muoversi per la realizzazione degli altri episodi e la chioma, massimo punto compositivo e tappa fatidica di non ritorno. L' iniziale Art of Almost svela però solo in parte il contenuto di The Whole Love, dispiegandosi lungo i sette minuti di cui è composta in un volo fatto di leggeri rintocchi elettronici vagamente Radioheadiani ed un andamento essenzialmente pop prima, per poi contraddistinguersi grazie all' assolo di chitarra, accompagnata unicamente dai synth e dalla batteria a scandirne il tempo. Questa opener, più che introdurre il lavoro dal punto di vista dello stile adottato, rispecchia in pieno quel mood facilone ma altrettanto sperimentale e per certi versi ostico di cui si appropierà praticamente ogni traccia. La perla conclusiva One Sunday Morning ( Song for Jane Smiley's Boyfriend) invece persegue tutt' altra direzione, sebbene i toni siano ancora una volta piuttosto dimessi, come sommersi in un' oasi di pace: difficile non pensare agli Yo La Tengo, ma bisogna comunque notare che, nonostante ci sia in comune l' ossessione nell' introdurre ogni strumento possibile all' interno del brano, oltre che la stessa ammiccante tendenza alla bellezza, la versione proposta dagli Wilco risente meno di certe precise geometrie derivanti dal post-rock, risultando molto più godibile in ogni suo verso cantato. Cosa aggiungere, i due momenti cruciali di The Whole Love non risentono affatto della staticità di cui erano stati accusati di fronte agli ultimi lavori, ma anzi nel possibile cercano in tutti i modi, seppur mantenendosi su livelli di qualità medio-alti, di raggiungere una punta di autenticità ed assolutezza forse nemmeno raggiungibili. Ma nonostante ciò, lodevole è il tentativo di Tweedy e soci, che hanno provato a toccare gli astri senza però snaturare la pista intrapresa nell' opera in questione.

La corteccia.

Il secondo indispensabile fattore è costituito dalla corteccia, riguardante ovvero la stesura vera e propria dell' album a cui verrà imposta una tendenza che, almeno per minutaggio, è molto simile a quella dei dischi più immediati. L' architrave composta da un soft-rock robusto fatto filtrare attraverso cunicoli di soffice pop-rock assumerà qui innumerevoli espressioni, tramutandosi per lo più in pezzi inaspettatamente melodici oppure in momenti meno ambiziosi dove si farà avanti il suono degli strumenti principali. Altrimenti, tutto potrà sembrare come un perfetto mix tra le due cose. Questo è il caso ad esempio di brani come I Might - Non a caso primo singolo estratto - o The Whole Love, dove a rallentare le arrangiature tipicamente Byrdsiane si mettono di mezzo graziosi strumenti quali il glockenspiel, oltre a languide tastiere elettroniche. Fondamentale è pure il senso di inerme leggerezza provocata da canzoni come Sunloathe e Black Moon, quest' ultima senz' altro più ricca per la buona sezione di archi finali, a cui in contemporanea si aggiungono Dawned on Me e Born Alone, le più efficaci per il buon tiro power-pop. A far da corredo ci sono infine la beatlesiana Capitol City e le svolte folk di Rising Red Lung accompagnata da Open Mind, ma l' impressione è che i Wilco abbiano dedicato in modo particolarmente pignolo maggiore attenzione a non rompere gli equilibri di quest' opera, sagace nel perseguire con ardore un' alternanza convincente tra pop e rock, per quanto gli interventi alla fine possano risultare meno personali.

La verità, anche secondo i Wilco, stà ancora una volta a metà, e The Whole Love rappresenta in questo senso i due modi di agire di Tweedy e soci, bravi nel destreggiarsi sia con le vecchie corpulente esecuzioni sia con i nuovi standard che il sestetto ha saputo introdurre negli ultimi anni. L' album come compromesso non è affatto male: sacrificando qualche sfarzosa uscita che avrebbe sicuramente donato in coppia con l' opener e l' outro, grazie ad un' innata intuizione il tutto riesce a funzionare grazie alle soluzioni ritmiche sempre fatte approdare nel campo del pop tout court. Possiamo eleggere quindi The Whole Love come il primo vero e proprio ibrido in casa Wilco, un disco che riesce a stregare e riservare buone sorprese sia in versione dottor Jekyll sia in quella da Mr. Hyde, elevando il loro nome sopra a tutti gli altri ancora una volta.

Marinai, Profeti e Balene

Gabriele Bartolini — Thu, 30 Jun 2011 22:58:24 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Pop

Cantautorato

Etichetta:

La Cùpa / Wea

Anno:

2011

Link correlati:

Sito ufficiale Vinicio Capossela

Line-Up:

-Vinicio Capossela

-Psarantonis

-Ribot

-Jimmy Villotti

-Ares Tavolazzi

-Antonio Marangolo

-Cabo San Roque

-Calexico

-Drunk Sailors

-Mitici Angioletti

-Actores Alidos

-Coro degli Apocrifi

-Sorelle Marinetti

Tracklist:

Primo disco:

01. Il Grande Leviatano

02. L' Oceano Oilalà

03. Pryntyl

04. Polpo d' Amor

05. Lord Jim

06. La Bianchezza della Balena

07. Billy Budd

08. I Fuochi Fatui

09. Job

10. La Lancia del Pelide

Secondo disco:

01. Goliath

02. Vinocolo

03. Le Pleiadi

04. Aedo

05. La Madonna delle Conchiglie

06. Calipso

07. Dimmi Tiresia

08. Nostos

09. Le Sirene

Vinicio Capossela

Marinai, Profeti e Balene

L' ultima volta lo avevamo lasciato alle prese con Antonio DiMartino, che aveva tentato di ucciderlo perché piaceva alla sua ragazza. Ma Vinicio Capossela, che di avventure ne ha passate tante, non si è arreso, riprendendosi in fretta dallo shock e tornando in studio( in verità ha scelto più di una location), ad un anno esatto dal best of The Story Faced-Man, compilation antologica seguita da un tour all' estero tra Canada, Inghilterra e Stati Uniti molto ben accolto persino dalla stampa internazionale come ad esempio Mojo. Ma questa volta ha voluto fare le cose in grande. E se un tipo come Capossela decide di fare le cose sul serio, ci si deve aspettare di tutto. Ma proprio di tutto, anche che registri diciannove canzoni riguardanti il mare e le sue avventure, traendo spunto dal Moby Dick di Melville, racchiundendo il tutto in due dischi. E infatti, così è successo. Trovato l' abbigliamento adatto ( quello della foto), ha radunato più coristi ed amici possibili ( tra cui spuntano sicuramente i Calexico) per mettere insieme una vera e propria opera, con protagonisti, personaggi, antagonisti, comparse e tutto il resto. Come vedremo, Vinicio si caricherà sulle spalle tutto l' onere dei testi, narrando ( non sempre in prima persona) nella prima parte con un tiro molto più energico, facendo entrare tante parti in scena, per poi acquisire pacatezza nella seconda parte, senza naturalmente perdere la sua espressività. Questa sembra una chiara mossa per annientare le critiche ricevute con Da Solo, suonato e composto, come da nome, unicamente da lui, altrimenti non si spiegherebbe l' impiego di una simile task force. In seconda battuta, sarà interessante vedere le differenze di stili con cui due cantautori come Capossela e Benvegnù hanno deciso di interpretare uno scritto come quello di Herman Melville, considerando che anche l' artista milanese nel suo recente Hermann aveva preso spunto da questa fonte. In realtà, si dimostreranno veritiere le parole di Paolo pronunciate nella nostra intervista, dove si era detto felice per la "visione" del cantautorato italiano, spiegando come ogni ensamble, a suo modo e con la giusta diversità, tenti almeno di andare in profondità sfiorando gli astri, riportando così in auge l' idea di un concept che riesca ad appassionare anche l' ascoltatore, che come nel caso di Marinai, Profeti e Balene si senta partecipe attivamente all' ascolto, immergendosi in queste avventure capitanate da nientemeno che Vinicio Capossela.

Nelle prime dieci tracce, definite dall' autore come oceaniche, appare evidente l' intento che si prefigge con Marinai, Profeti e Balene quando lo definisce come una Marina Commedia. Lui vuole installare negli amplificatori di casa nostra una odissea, incentrata su una musica facilmente intercettabile con l' immaginazione. Evocativa in tal senso la passerella di ruoli che troviamo all' interno dell' equipaggio, ognuno affrontato con un diverso mood e molto spesso anche con diversa strumentazione. Come dicevamo, in questo primo capitolo Capossela si sbraccia, agitandosi tutto indaffarato nel cercare di cogliere i vari aspetti legati ad un concept di tale portata. Certo, i brani di stampo puramente suo, quelli scanzonati e ricchi di un' ironia tipicamente italiana, abbondano fin troppo, ma finché riuscirà a mantenere tali standard qualitativi non saremo di certo noi a precludergli questo piacere. E così, tra una bevuta di whisky al saloon accompagnata dai cori dei marinai ( L' Oceano Oilalà), abbondante umorismo infantile da Walt Disney ( Pryntyl) e danze arricchite dalle rime del Nostro ( Polpo D' Amor), si trovano esempi di puro stampo classico solenne fatti di pianoforte ed organo ( l' intro Il Grande Leviatano) oppure di spenzieratezza incredibilmente autentica e credibile ( i brani Lord Jim e Billy Budd, ispirati dalle novelle omonime di Joseph Conrad e Melville, di nuovo). Per poi affrontare i pezzi più intensi, dalla dipartita folk alla De André di Job, riguardanti temi religiosi e spirituali, alle due "caverne" oscure di I Fuochi Fatui e La Lancia Del Pelide per arrivare a La Bianchezza Della Balena, il brano forse più rappresentativo del lotto, arricchito dalle preziosissime voci dei Mitici Angioletti. Il primo disco riesce a conquistare, soprattutto per i tanti riferimenti ed una intensità più che adatta al tenore dell' opera. Bisognerà comunque attendere al varco la seconda parte comunque, considerando che dovrà cercare di distanziarsi, anche in minima parte, dai metodi qui utilizzati, onde incappare in numeri ripetitivi o far appesantire il tutto.

Nelle restanti nove tracce, rappresentanti il secondo disco, definito da Vinicio stesso come omerico e mediterraneo, continua invece la marina commedia con toni più rilassati, o se permettete più cantautorialmente soli. Vinicio Capossela, che oltre ad essere un poeta è anche un polistrumentista ed appassionato di strumenti insoliti, esce dal vivo della nave, per tornare al timone, facendo uscire in questo modo le parole in maniera più intimista e narrativa, eccezion fatta per la corale Nostos, dove i violini scandiscono una melodia maggiormente evoluta rispetto alle altre. E così, armato di viola d' amore barocca, sega musicale, ondioline e theremin, avvolge in melodie dolci e meno contorzioniste la narrazione, qui più spoglia e non accompagnata da cori. Si parte dalla meccanica Goliath, episodio riguardante la famosa balena, introdotta da una musichina tipica dei luna park. Ritmo più spedito per Vinocolo e Calipso, con quest' ultima a disegnare un paesaggio da giardino eden grazie ad archi e percussioni caraibiche ammalianti, che fanno il palio con La Madonna delle Conchiglie per la naturale grazia. In Le Pleiadi trova spazio il pianoforte e poco più, mentre Aedo porta con sè un afflato tipicamente medievale. Dimmi Tiresia è invece un bel pezzo folk, con le derive necessarie a Marinai, Profeti e Balene, che ha tutta l' aria di voler fare da antagonista alle ballate caposseliane. Troppo utopici appaiono invece i ventuno minuti di Le Sirene, abbastanza monotona nel suo andamento di violini e pianoforte.

Conclusasi l' imponente opera, le motivazioni di tutta questa esagerazione appaiono ben chiaro. Capossela, dopo il disco solista intitolato, appunto Da Solo, ha voluto riprendere prepotentemente la situazione sotto controllo, dando una prova di forza, prepotente quanto piacevole per il disco, e rivendicando le sbrodolate lodi che sembrano spettargli ad ogni album. Estroso più di sempre, a lui non serve un' orchestra lirica per narrare un racconto: apre il suo teatrino tingendo di colori la prima parte, decisamente più vivace, per poi concentrare tutte le luci su di sè nel secondo disco. Me lo immagino dietro le quinte, con il suo orrendo cappello da Napoleone, fatto di carta ed orrendo, sudare ed impegnarsi per riuscire a montare la sua personalissima rilettura del Moby Dick nel modo più nobile possibile. Parte infatti dal Castello Aragonese di Ischia a registrare, per riuscire ad avere un suono il più solenne e pulito possibile, per poi andare ad assemblare le altre parti tra Milano, Creta e Berlino, ed alla fine le cure maniacali per queste diciannove tracce si fanno sentire eccome. E alla fine, che sia Ibiza o Tagliata di Cervia, godetevi sotto il sole cocente questo Marinai, Profeti e Balene, magari all' ombra di un ombrellone, seduti su una sedia a sdraio, ad occhi aperti verso il mare. Scrutate bene l' orizzonte, mi raccomando. Chissà se la ciurma di capitan Capossela non possa attraccare in spiaggia.

Past Life Martyred Saints

Paolo Bellipanni — Wed, 15 Jun 2011 18:17:23 +0000

Voto:

7.4 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Noise

Pop

Etichetta:

Souterrains Transmissions

Anno:

2011

Line-Up:

- Erika M. Anderson - chitarra, voce, programming

Tracklist:

1. The Grey Ship
2. California
3. Anteroom
4. Milkman
5. Coda
6. Marked
7. Breakfast
8. Butterfly Knife
9. Red Star

EMA

Past Life Martyred Saints

Fino a poco tempo fa musa degli sperimentatori noise/folk Gowns, Erika M. Anderson è l’emblema dell’icona underground femminile dall’indole problematica e tormentata. Un’interiorità vibrante e mai appagata, definitivamente emersa con l’abbandono del suo (mai apprezzato) progetto originario: distruggere l’anonimato, salire in superficie, mostrarsi (fino a sfiorare l’ostentazione) in tutta la propria essenza, estetica e interiore. Past Life Martyred Saints, suo album solista d’esordio, la ritrae così, fiera e anche un po’ grezza, sin dalla copertina: collanone autocelebrativo, maglietta vecchia e slabbrata, labbra accese e carnose, gli occhi chiusi e la testa rivolta verso il basso come qualcuno che – anche con un briciolo di supponenza – sa perfettamente di avere ragione.

Past Life Martyred Saints, ovvero ritrovare se stessi, amare e al contempo odiare i proprio dissidi e le proprie incomprensioni. Nove canzoni sporche e fumose poste a celebrare un matrimonio interiore destinato ad auto-sabotarsi ancor prima della sua annunciazione. Una musica che al suo interno nasconde una forza a tratti incredibile ma che allo stesso tempo viene trascinata da una timidezza decisamente insolita, vista la rabbia e l’anima (quasi) nera dalla quale proviene. Elementi che da sconosciuta sperimentatrice rumorista hanno (in brevissimo tempo) trasformato la Anderson in un piccolo fenomeno mediatico, già divenuto idolo e icona della femminilità musicale più maschia che c'è.

Tra un pop più noise che indie, distorsioni elettroniche e una voce malata e condannata ad urlare senza sosta il proprio smarrimento, Erika Anderson tesse la propria tela con le mani sporche e senza alcuna grazia. Eppure, Past Life Martyred Saints è tutto fuorché un disco privo di fascino e questo per una serie di caratteristiche precise: il sound vibrante ma che sfiora il lo-fi da cantina, le atmosfere ruvide e ipnotiche e, infine, un melodismo che sembra fondere il punk e alle nuove manie weird/garage/pop del 2000. Il primo singolo di lancio, The Grey Ship, racchiude splendidamente i principali percorsi stilistico-compositivi dell’album, sciorinando una discreta serie di schitarrate noise, ampi vocalismi, riverberi elettronici e cullanti pause atmosferiche. Elementi che i brani successivi riprendono ma sviluppandone il nucleo in maniera sempre diversa: California lo fa nascondendo le proprie venature pop sotto fitti tappeti di riverberi e sporcizia sonora; Anteroom - esaltante nel suo esasperato minimalismo – elevandosi invece in una danza lo fi a cavallo tra le Hole e il Jack Frusciante di un tempo. Se poi la ballabile Milkman non fa altro che riprendere queste coordinate (esasperando il contrasto tra semplicità melodica e sound duro e nebbioso), sta a Breakfast e Coda (brevissima messa vocale) ridonare al disco le proprie sembianze più pacate e sognanti, prima che Butterfly Knife rievochi il cuore più malato e dolorante della Anderson attraverso una lacerante sovrapposizione di voci e feedback.

Quando poi è il turno di Marked, pare di essere letteralmente penetrati negli anfratti più desolati e raggrinziti della musicista americana: una chitarra acustica ai limiti del marciume e una voce come non mai sepolcrale trasformano l’atmosfera del disco in un incantesimo inquietante, sotterraneo e non privo di un certo afflato gotico.

Da questi continui contrasti, progressivamente approfonditi canzone dopo canzone, Past Life Martyred Saints ci dona il ritratto di un’icona femminile niente affatto banale e che, detto sinceramente, al pop mancava da tempo. Sporca, rabbiosa, anti-vergine per eccellenza, Erika Anderson è una Courtney Love ancora più problematica dell’originale ma anche più affascinante, più fiera e (stilisticamente parlando) decisamente più ambiziosa.

Seven Idiots

Emanuele Pavia — Thu, 19 May 2011 11:00:25 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Pop

Avantgarde

Elettronica

Etichetta:

Erased Tapes

Anno:

2011

Link correlati:

World's End Girlfriend @Myspace.com

Line-Up:

- Katsuhiko Maeda - Tutti gli strumenti

Tracklist:

1. The Divine Comedy Reverse
2. Les Enfants du Paradise
3. Teen Age Ziggy
4. Decalogue Minus 8
5. Ulysses Gazer
6. Helter Skelter Cha-Cha-Cha
7. Galaxy Kid 666
8. Bohemian Purgatory Pt. 1
9. Bohemian Purgatory Pt. 2
10. Bohemian Purgatory Pt. 3
11. Der Spiegel Im Spiegel Im Spiegel
12. The Offering Inferno
13. Unfinished Finale Shed

World's End Girlfriend

Seven Idiots

Seven Idiots segna il ritorno sulle scene di World's End Girlfriend, monicker con cui il giovane chitarrista giapponese Katsuhiko Maeda è noto tra gli ascoltatori più emancipati e di nicchia, su cui ha saputo far colpo grazie alla sua interessante commistione di elementi sinfonici e classici, con tessuti synth-pop ed elettronici, rivelandosi come uno dei progetti più particolari degli ultimi anni.

Quest'ultimo capitolo non tradisce le aspettative e si conferma come un lavoro eclettico e stimolante, come si può ben osservare già dal singolo di lancio Les Enfants du Paradise: Katsuhiko Maeda si diletta nell'unire i generi più disparati, senza però risultare eccessivamente massimalista o forzato; i vari elementi (le orchestrazioni sinfoniche e gli arrangiamenti opulenti classici, i duri riff metal di chitarra, le melodie pop e orecchiabili, le sfuriate elettroniche quasi electro-industrial) sono inseriti sapientemente, senza ridursi ad un'accozzaglia di frammenti di brani diversi, ma diventando una rielaborata sovrapposizione dei vari segmenti, in modo da comporre un tessuto molto più personale, condito a sua volta dal tocco tipico della j-music degli ultimi anni.

Che sia in magniloquenti collage elettronici (come nella breve intro al disco The Divine Comedy Reverse) o in più esuberanti ed orecchiabili pezzi visual kei conditi di synth e assoli metal (Teen Age Ziggy), la capacità di Seven Idiots di affascinare l'ascoltatore con sound sempre diversi ma egualmente accattivanti è indiscutibile: Maeda riesce infatti ad unire ritmi percussivi EBM e giocose melodie jazz/prog di sassofono à la Gong a melodrammatiche tastiere classiche (Decalogue Minus 8) in maniera naturale e divertente, facendo apparire uno studiato e complesso processo di composizione - che come modus operandi sfiora anche il free-jazz in vari momenti - come un semplice gioco, grazie anche alle melodie catchy di tradizione j-pop che permeano gran parte della musica dell'album.
Talvolta l'operazione di cross-over risulta nevrotica da far pensare anche ad influenze math rock (Ulysses Gazer) e, in alcuni momenti, raggiunge vette di giocosità tanto da ricordare l'opera dei Battles in Mirrored (Galaxy Kid 666), anche se non mancano gli episodi con una certa austerità e serietà d'esecuzione, in cui la formazione classica viene alla ribalta più apertamente: è il caso della suite in tre movimenti di Bohemian Purgatory, un vero e proprio aggiornamento delle sinfonie classiche nell'era della musica elettronica e rock, contaminate da fiati jazz, percussioni EBM e distorsioni cacofoniche di chitarra oppure semplicemente riproposte in uno stile molto vicino a quello tradizionale. Poste alla chiusura del disco si trovano Der Spiegel Im Spiegel Im Spiegel, con fiati alla Anthony Braxton ed un song-writing à la Pop Group, e The Offering Inferno, 8 minuti di rumori e distorsioni elettriche; infine, chiude Unfinished Finale Shed, dove si fanno vive le influenze post-rock.

La croce e delizia del disco stanno proprio in questa spasmodica ricerca della sperimentazione e del cross-over: se da un lato gli ascoltatori amanti delle sonorità ultra-contaminate possono facilmente apprezzare questo lavoro, dall'altro chi non è abituato a simili composizioni può invece rimanere spiazzato dall'eccessiva varietà dell'album, contando anche il minutaggio del disco che potrebbe renderlo difficilmente digeribile. Ciononostante non si può certamente negare la grande creatività e il coraggio che permea tutto Seven Idiots, che rimane un disco decisamente interessante fra quelli usciti finora quest'anno.

Dancer Equired

Gabriele Bartolini — Fri, 13 May 2011 14:02:03 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Pop

Indie Rock

Etichetta:

Merge

Anno:

2011

Link correlati:

Sito ufficiale

Line-Up:

-Jared Phillips - Chitarra, voce
-Adam Elliott - Batteria, voce
-Beth Murphy - Tastiere, voce

Tracklist:

01. It's a Culture

02. Ever Falling in Love

03. No Room to Live

04. Try Harder

05. California Roll

06. Ways to Go

07. New Vertical Dwellings

08. Downtown Eastern Bloc

09. More Rumours

10. Don't Go to Liverpool

11. Fuck her Tears

12. Want to Exist

13. Somebody's Slave

14. No Good

Times New Viking

Dancer Equired

Il nuovo album dei Times New Viking potrebbe segnare un passo significativo altrettanto importante rispetto ai colossi del genere lo-fi che l’ hanno preceduto. Sto parlando di Rip It Off e Born Again Revisited, ormai due masterpiece dell’ attitudine in questione venutasi a formare perlopiù grazie al coraggio ( è proprio il caso di dirlo) di gruppi di amici che in barba alle regole del music business non sono maestri nell’ uso degli strumenti ( pensiamo ad esempio alla chitarrista delle PENS che ha dovuto improvvisare durante la registrazione del loro album rappresentativo, Hey Friend What You Doing?), steccano continuamente quando azzardano note alte ma soprattutto incidono dischi per puro divertimento. Qualcuno ha pure successo: prendiamo ad esempio Best Coast e Male Bonding ( già sotto etichetta Sub Pop quando hanno inciso Nothing Hurts, successo del 2010), oppure Cloud Nothings e Apache, tanto per citare band di generi opposti l’ uno dall’ altro. Altri cadono ben presto nell’ anonimato, complici dischi con le stesse ( poche) idee o l’ arrivo di un sempre più interessante nuovo che avanza, come la Kimya Dawson solista, gli Happy Birthday o Frankie Rose con le Outs, sebbene quest’ ultima sia ancora oggi uno dei risultati più soddisfacenti. Dei Vaselines in erba alle prese con la loro personale interpretazione del garage, oppure dei Titus Andronicus in miniatura capaci di comporre suite con la stessa idea di punk. Songwriter sopraffini come i Girls, oppure rocker con in testa dream pop, shoegaze o meglio ancora il noise/pop come Women, Twin Sister o La Sera. Insomma, c’è n’è abbastanza per tutti, basta cercare ( abbastanza in fondo).

In mezzo a questi, i Times New Viking si stanno facendo notare, non solo per una discografia sempre più ampia, ma in particolare per il suono, fatto proprio e portato avanti con coerenza, eseguito dapprima in un negozio di amici e successivamente su disco. Unica l’ idea di indie/rock, punk e garage che portano a noi attraverso le note grezze, sporche e dotate di una ingenuità diretta e scanzonata e prepotente al tempo stesso. Riprendendo a titolo d' esempio i due ultimi lavori, dove sicuramente adottano registrazioni adatte ad una degna incisione su disco, se ne possono apprezzare le indubbie qualità di composizione, e la varietà di influenze da cui questo progetto deriva. Rip It Off è, passatemi il termine, una futura pietra miliare per il panorama indie e lo-fi, perché immaturo( l' intro e l' outro sono infatti dedicati ai sogni dei ragazzi), figlio del rock alternativo, del garage, con chitarre fuzz annesse, e di una nuova forma di noise, quella che è di casa alla Slumberland Records, per intenderci. Born Again Revisited si priva di gran parte del rumore prodotto per andare a suonare come un disco più quadrato, asciutto e concreto del precedente. Eseguito soprattutto con maggiore audacia e consapevolezza di se e dei proprio mezzi l' album farà accollare ai tre americani pure una nuova etichetta, quel shitgaze che comprende un pò tutti i generi sopracitati.

Premiati, elogiati, esaltati da una stampa in cerca di nuovi idoli da mettere sulla bocca dei teenager intraprendono con Dancer Equired un nuovo percorso, gradito da alcuni e bocciato( anche se non apertamente) da altri. L' elogio alla lentezza, più che al silenzio, che sta colpendo il mercato discografico in questo inizio 2011 investe, anche se in maniera del tutto particolare, considerando sempre che stiamo parlando di un gruppo rock, i Times New Viking proprio quando si son trovati alle prese con il loro quinto album, definito da alcuni addirittura come di transizione e sperimentazione. Concordando sul secondo termine ma molto meno nel primo, mi trovo a parlare di un gruppo cresciuto a vista d' occhio, invecchiato come solo i migliori vini sanno fare dopo aver intrapreso una strada tutta loro. Così come gli Smith Westerns, lasciano la sicurezza rumorosa del lo-fi per approdare ad un indie/rock degli albori, assomigliando a nomi come Beat Happening per ciò che concerne il suono ed il cantato( pur suonando in maniera più cristallina) e Deerhoof per l' interpretazione ed il minutaggio delle tracce, oppure, portando altri riferimenti, ai Sic Alps per l' avanguardia del garage alla White Stripes oppure alle derive hardcore-punk dei No Age. Quattordici brevi tracce, evolute grazie alla chitarra ed alle tre voci, in particolare quella di Beth, mai così presente.

Possiamo facilmente riconoscere in questo disco in due diversi tipi di canzone: in termini di sostanziale parità, scorgiamo brani più elaborati e nuovi per il loro repertorio, giocate maggiormente sulle tastiere e su un' andatura pop davvero insolita per loro; altre tracce servono da collante con le uscite passate, venendo suonate con la verve a loro usuale. Curioso il fatto che del primo lotto faccia parte anche il primo singolo estratto, a testimonianza del nuovo credo diffuso in casa Times New Viking, considerando che in It's a Culture li possiamo benissimo riconoscere: come una roccia, rovinano su tutto e tutti, urlando e sbraitando. Sta diventando una cultura - continua il testo - scappiamo dalla fatica e dalla pazienza, cosi noiosa. Sta diventando una cultura: sanno benissimo a chi li paragonano, sanno altrettanto bene cosa stanno diventando. Le note scorrono rapide, e tra piacevolissime ballate( No Room To Live su tutte), gradite consuetudini ( Try Harder) e passioni per le Vivian Girls( California Roll), si approda a brani saporiti come Ways To Go e Don't Go To Liverpool, giocate su cori da oratorio e tastiere in maniera maledettamente efficace, oppure a tracce dalla corporatura più robusta che di nome fanno New Vertical Dwellings e Want To Exist, quest' ultima con eccessi di carineria indie perfetti. Fuck Her Tears insegue a tutta velocità le quote rosa del genere, rivisitando il tutto in chiave britrock, mentre Somebody's Slave e No Good concludono il disco interpretando la parte della ballata( la seconda è acustica) dal mood continuo in cui è difficile non immedesimarsi.

Per come era stato introdotto, questo Dancer Equired aveva fatto pensare al peggio. La verità è che bisogna leggere l' album nella maniera giusta. I tre ragazzi, stufi di essere etichettati ad un' attitudine come quella lo-fi, che molto spesso, non lo dimentichiamo, è accompagnata da livelli di scetticismo alle stelle, suonano qui in maniera incredibilmente melodica, alternando addirittura brani tra di loro diversi, vestendo i panni del musicista indie ma all' occorrenza anche pop. Mettendo in scena, insomma, un disco cristallino contenente molte possibili hit, inscenando sing along al posto giusto nel momento giusto. Sorprendenti.

Chasing After Ghosts

Gioele Nasi — Tue, 12 Apr 2011 10:38:47 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Indie Rock

Pop

Etichetta:

Fierce Panda

Anno:

2011

Link correlati:

Fierce Panda Records

Line-Up:

Russell Bates - Batteria

Daniel Hopewell - Chitarra

Alex Saunders - Chitarra

George Waite - Voce, Basso

Tracklist:

01. Godless Girl

02. Chorus of Fools

03. Just like Dreamers

04. Bright young Things

05. The Crookes Laundry Murder, 1922

06. Youth07. I Remember Moonlight

08. Bloodshot Days

09. Carnabetian Charms

10. By the Seine

11. City of Lights

Crookes, The

Chasing After Ghosts

''Take me back to 1922. Let Echoes of the past bleed trough''

I Crookes sono un gruppo proveniente da Sheffield, antica base del sinth pop e del britpop(soprattutto con i Pulp) e odierna cittadina sforna fenomeni indie/rock come Arctic Monkeys e Last Shadow Puppets. E con questo album, anche i Crookes.Formati da una line-up piuttosto consueta con batteria, basso e chitarre firmano il loro debutto, come da tradizione, non prima di aver registrato un demo, scaricabile gratuitamente su NME, ed essere stati invitati per una session alla BBC.

La loro musica ci catapulta nel passato, aprendo voragini che ci riportano direttamente indietro nel tempo, a spasso nel tempo.Il terreno in cui sono nati, si sa, li agevola in questa ricerca del motivetto retrò, forse proprio per questo decidono di inzuppare le note prodotte con richiami a vecchi miti, senza aver timore di usare in gran parte ritmi vintage e risultare in questo modo come qualcosa di già sentito. Suonano indie/rock, ma senza troppa foga; si prendono i loro tempi, risultando melodici al punto giusto.

Ci si mette anche George Waite a farci entrare direttamente in un drive-in anni '50, con quella voce che sembra divertirsi a ripetere Elvis Presley.Oppure, senza chiamare in causa miti del passato, più semplicemente assomiglia a quella del cantante dei Fanfarlo, anche se quest' ultima risulta più sussurrata, triste, mentre quella del Nostro è semplicemente più sicura, chiara e piaciona( confrontate Ghost con By The Sein, tralasciando il ritornello). Spostandoci poco più avanti con gli anni, troviamo loro tracce anche sui dischi degli Smiths, riversati su Chasing After Ghosts con il ritmo, impastato e rallentato.

Le loro composizioni sono ricche di chitarre, echi di chitarre dal tocco vagamente folk che la fanno da padrona, sterzando il brano più volte, molto spesso da un mood allegro ad uno più malinconico.Aggiungete qualche percussione figlia del nuovo millennio, ed il loro sound è belle che inquadrato. Una volta mixati, questi ingredienti acquisiscono un inaspettato tratto pop, che ci induce sempre al ballo, ad esclusione di un paio di pezzi.I primi cinque pezzi, ad esempio, sono una prova sorprendente del loro suono. Godless Girl dal tiro tormentato ma allo stesso tempo solenne, Chorus of Fools che crea un sorprendente ossimoro, con la musica allegra e ritmata e con un testo non altrettanto felice, anche se sempre inerente al ballo. Just like Dreamers è meno razionale e più sognatore, con le chitarre a dare una sfumatura particolare; le stesse che alla fine subiscono un inversione di rotta per fare da cornice alle parole romantiche.The Crookes Laundry Murder, 1922 ha invece il sapore dell' antica ballata, piacevole e convincente, suonata con un piglio da band già rodata, è l' ideale per riscaldare i cuori. Successivamente Youth, per niente deludente e più ragionata, una I Remember Moonlight per riprendere quota, altri tre brani che recitano la stessa parte (con Carnabetian Charms leggermente fuori tono) delle prime in scaletta ed in chiusura una notturna City of the Lights che ci rimbocca le coperte.

''Then She hears that northern soul and dances to 50's rock n' roll'': ci sono voluti più di quaranta minuti prima che lo ammettessero.E non saremo noi di certo a biasimarli: negli ultimi anni sono stati ripresi così tanti generi che alla fine il rock più semplice, quello dalla rima semplice e dalla goccia di sudore non per forza sudata, ci mancava.Senza gridare al miracolo quindi, ma sicuramente apprezzando le emozioni ed i sapori assaggiati lungo queste undici tracce, lasciamo solo per adesso questo gruppo, augurando loro di trovare la formula giusta per riproporre brani di questo calibro.

Bang

Giulio Magliulo — Wed, 14 Jan 2015 16:10:26 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Pop

Etichetta:

Autoprod.

Anno:

2014

Line-Up:

Federico Intini (voce)

Donatello Deramo (chitarra)

Francesco Petitti (basso)

Davide Morelli (batteria)

Tracklist:

Supernova

Enfant Prodige

Senza Vestiti

Gli Astri

Superstiti

America

Senhal

Bang

Bang testimonia quel momento di felice leggerezza che si può provare quando si ha vent'anni e sulle spalle c'è solo il peso di un primo e.p. a gravare.

I Senhal si dicono ispirati al cantautorato ed all'indie rock nostrani ma il risultato è molto più vicino al pop di quanto i due generi citati da soli riescano ad essere.

Atto primo, questo sparo, che indica già una notevole voglia di farsi sentire, di emergere, tradita da quella tendenza alla perfezione più o meno consapevole che traspare nella voce un pò impostata, un pò controllata.

Certa pop-wave italiana, quella immediatamente successiva al prog di decenni ormai dimenticati, ha utilizzato la voce assecondandone le medesime modalità espressive e realizzando cose molto ambiziose che tanto han dato allo showbiz nazionale.

Allora incoraggerei in tal senso i Senhal, spingendoli di più verso le soluzioni pop de Gli Astri, Supernova ed Enfant Prodige mentre li metterei in guardia dalle insidie delle marcette come in Superstiti, che in questo paese ne abbiamo anche troppi di saltimbanchi nazionalpopolari.
Forti delle loro notevoli capacità melodiche, all'altezza delle loro stesse mal celate aspettative, il prossimo album dei Senhal potrebbe anche essere notato in ambiti più estesi dello stesso indie rock che indicano ma che non sembra appartenere loro più di tanto, mentre quella forte vena pop cresce...

Thisastro

Giulio Magliulo — Fri, 17 Oct 2014 18:17:17 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Pop

Cantautorato

Etichetta:

Frutta Records

Anno:

2014

Line-Up:

ENRICO FRIDLEVSKI - voce

MARCO GHERARDI - chitarre

FABIO SALVI - tastiere

ANDREA CIACCHINI - basso

LUCA GUIDI - batteria

Tracklist:

1. Anche i filosofi (feat. Mario Venuti)

2. Il mio sguardo sulle cose

3. Vieni qua

4. Veloci e lenti

5. Figlio del mio tempo

6. Andata e ritorno (feat. Giovanni Baglioni)

7. Precipitato insoluto (feat. Mauro Ermanno Giovanardi)

8. Ultimo cielo

9. La stravaganza

Vick Frida

Thisastro

Esiste un'interzona popolata da musicisti che fanno musica di qualità ma che fa fatica ad emergere poiché non appartiene a nessuna setta confinata nel sempre più indistinto calderone delle produzioni di tendenza (leggesi indie) ma che allo stesso tempo riesce a distinguersi – lo stesso a fatica – soltanto in virtù di certe contingenze di mercato.

Proprio da quest'area sono poi emersi grandi personaggi che la meritata notorietà l'han raggiunta e conosciuti ed apprezzati da tutti comunque restano talvolta appannaggio delle radio più intelligenti o di altri contesti non troppo popolari.

Facciamo due nomi per chiarire in un esempio: Mario Venuti e Mauro Ermanno Giovanardi.

Due nomi non casuali però, poiché in Thisastro dei Vick Frida ci sono tutti e due (il primo in Anche I Filosofi, la voce dei La Crus in Precipitato Insoluto).

Se fin qui ci siamo capiti allora possiamo anche capire perché fino ad oggi i Vick Frida non li abbiamo sentiti nonostante esistano dal 2000.

Partiti con un'elettronica di area dance e finiti anche in compilation insieme a Jamiroquai e Craig David, si dedicano successivamente alla ricerca ed alla composizione per poi maturare un primo album in italiano incline al cantautorato ma sempre contaminato da quelle loro pulsioni sperimentali.

Tantissime altre esperienze ed incontri che confinano con il teatro e con le colonne sonore li portano a noi con questo ThisAstro che tutto è tranne che un disastro, album che captato dalle orecchie giuste dovrebbe passare in heavy rotation da tutti i principali network.

La canzone melodica italiana d'autore filtrata da un approccio affatto snob e pervasa da ottime intuizioni new wave che si palesano in seducenti e morbidi synth, atmosfere raccolte ma sempre disposte ad aprire finestre per far entrare luminosi raggi di luce positiva e soprattutto un approccio immediato, un'orecchiabilità che spinge facilmente al repeat. Ed in brani come Figlio Del Mio Tempo, anche un pizzico di Fossati

Disco per chi della leggerezza sa coglierne le virtù.