Nu Metal

Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water

admin — Mon, 08 Nov 2010 23:00:00 +0000

Voto:

6.3 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Nu Metal

Crossover

Etichetta:

Interscope

Anno:

2000

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Fred Durst - Voce
Sam Rivers - Basso
John Otto - Batteria
Wes Borland - Chitarre
DJ Lethal - Turntables

Guests:
Redman - Voce
DMX - Voce
Xzibit - Voce
Rich Keller - Basso, mixing
Scott Weiland - Voce, produzione
Mark Wahlberg - Voce
Stephan Jenkins - Voce
Ben Stiller - Voce
Rob Dyrdek - Voce
Scott Borland - Tastiere

Tracklist:

1. Intro – 1:18
2. Hot Dog – 3:50
3. My Generation – 3:41
4. Full Nelson – 4:07
5. My Way – 4:32
6. Rollin' (Air Raid Vehicle) – 3:33
7. Livin' It Up – 4:24
8. The One – 5:43
9. Getcha Groove On – 4:29
10. Take a Look Around – 5:21
11. It'll Be OK – 5:06
12. Boiler – 7:00
13. Hold On – 5:47
14. Rollin' (Urban Assault Vehicle) – 6:22
15. Outro – 9:49

Limp Bizkit

Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water

Il terzo full-length dei Limp Bizkit è uno di quei casi esemplari, da studiare in ambito musicale e sociale, di come un artista dotato di una verve creativa e un proprio stile originale possa riutilizzare i "segni" di quello stesso stile, cambiandone però completamente il significato. Sostanzialmente le ritmiche, l'alternanza di cantato e rap, i riff brucianti e i turntable ci sono tutti come c'erano prima, ma non possiedono più energia e creatività: immensamente meno ricco, variegato e frizzante, il sound di tali elementi sembra un'imitazione semplificata, elementare, stereotipata, mainstream e becera dei corrispettivi presenti nei precedenti due album.

Se l'album Significant Other era difatti un intelligente e riuscito esempio di come riuscire a coniugare un furioso e innovativo crossover, ricco di idee e sinceramente personale, alle esigenze commerciali che vogliono pezzi più melodici e catchy, il suo successore è al contrario un fulgido esempio di come riuscire a mutilare e svendere quella formula al mainstream (parte della colpa è imputabile anche a Josh Abraham, Terry Date e Swizz Beatz, i producer del disco assieme a DJ Lethal e Durst), pagando il prezzo di diventare un gruppo insulso.
I Limp Bizkit dell'anno 2000 non sembrano più una band, semmai un teatrino di marionette che annuiscono ciecamente agli eccessi del frontman Fred Durst, nel frattempo diventato uno dei capoccia della Flip e della Interscope, oltre che promotore e supporter di un revival del post-grunge (producendo i successi commerciali di Staind e Puddle of Mudd), nonché impegnato più a dirigere videoclip e a finire sui rotocalchi di gossip (che sbandiereranno per mesi le sue presunte love-story con le popstar Britney Spears e Christina Aguilera) che a scrivere buona musica.
Il titolo assurdo ma indimenticabile Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water (ispirato dal Sgt. Pepper's beatlesiano), perfetto riflesso della megalomania maturata nell'animo di Durst, suona altisonante ma non mantiene le premesse, fondando invece il timore di trovare una band ormai diventata schiava del proprio leader, il quale a sua volta è diventato schiavo del proprio ego strabordante, del music-biz, dello star-system, e delle comparsate a prezzemolo nel palinsesto di MTV.

La solita breve Intro distorta, stavolta più elettronica del solito, lascia spazio a Hot Dog, pezzo imperdonabile e inascoltabile: Durst pronuncia la bellezza di 48 volte il termine "fuck", rendendo il testo un joke inutile e insensato, una sorta di presa per i fondelli dei suoi stessi testi colmi di teen-angst presenti nei due album precedenti; come se non bastasse, si permette di citare (offendendolo) Trent Reznor ("A nine inch nail get knocked the fuck out", "You wanna fuck me like an animal, you'd like to burn me from the inside, you like to think that I'm the perfect drug, just know that nothing you do will bring you closer to me"), che però si dimostrerà più furbo di lui (ottenendo di essere accreditato nel pezzo, quindi guadagnando parte dei profitti dell'album), e non ultimo riesce a rovinare proprio alcune delle soluzioni più interessanti sfoderate da Borland alla chitarra (non solo il macellato e cavernoso riff portante, ma soprattutto i giochi effettistici degli arpeggi, che rendono l'atmosfera del brano futuristica).
Non si migliora di molto nella seguente My Generation, più che evidentemente ispirata dall'omonima storica hit dei The Who; si tratta di un pezzo rap-metal energico e travolgente, ma le idee fondamentali provengono più che altro dalle trascinanti parti di chitarra di Wes Borland, così come nella precedente Hot Dog. E, come nella precedente Hot Dog, ci pensa Fred Durst a rovinarle con un altro testo infarcito di "fuck" e "shit" assolutamente gratuiti, cantato con tono esaltato e auto-compiaciuto, più che sarcastico e divertito; la breve comparsata di DJ Lethal, che lungo il corso del disco si sente non a caso raramente, dà la misura di quanto le intuizioni più anarchiche e spontanee siano state ora ingabbiate e rese innocue.
Pezzo decisamente migliore è la seguente Full Nelson (che suona come una versione commerciabile dei pezzi di Three Dollar Bill, Yall$), in cui la band torna per un attimo a darsi un tono impegnato, mentre My Way (che contiene un sample da My Melody dello storico duo hip-hop Eric B. & Rakim) inaugura anche per loro la tradizione della power-ballad melodica e radiofonica (distante anni luce dalle più creative e drammatiche Re-Arranged e No Sex), con tanto di pianoforte (campionato), fatta poi naturalmente singolo.
Il punto di non ritorno si tocca con le successive Rollin' (Air Raid Vehicle) e Livin' It Up (che campiona e cita Life in the Fast Lane degli Eagles), banali pezzi rap-metal a tratti perfino imbarazzanti, nonostante Borland tenti disperatamente di dare al primo un tocco di originalità ricorrendo a bizzarri utilizzi degli effetti (su tutti lo stop-and-go con annesso "fade-out" simulato nel riff portante) e al secondo una spinta groove-metal nella parte precedente e successiva al terzo chorus, spinta che però suona solo una versione minore delle esplosioni di Counterfeit e 9 Teen 90 Nine.
Più apprezzabile il discreto pop-rock The One, con interessanti giochi di arpeggi chitarristici su di una ritmica frizzante, mentre al contrario Getcha Groove On è un electro-rap, cantato assieme al rapper Xzibit, che sembra uscito da uno a caso tra i peggiori e più svenduti album hip-hop in circolazione.
Take a Look Around, cover rap-metal del tema musicale di Mission Impossible, è stata inserita nella tracklist più per ruffianeria che altro (era già uscita come singolo per l'OST del film M.I.-2), ma è un sollievo ritrovarla e riascoltarla in mezzo a tracce simili: il lavoro di riarrangiamento in chiave crossover/nu-metal è magistrale, la sua furia è convincente, le sue esplosioni fanno terra bruciata, il suo testo è una luce in mezzo alle tenebre (in confronto alle liriche che la circondano), e si tratta probabilmente di uno dei più celebri e riusciti rap-metal mai scritti, degno di entrare tra i classici del genere.
It'll Be OK è un'altra power-ballad, senza infamia e senza lode, e lascia spazio ad uno degli episodi più convincenti, ovvero Boiler (poi fatto singolo), che almeno contiene una minima profondità psicologica, e si evolve in una struttura più ricercata rispetto le altre.
La non particolarmente originale Hold On è una ballata atmosferica ricalcata sulle idee di A Lesson Learned (traccia di Significant Other), che può risultare piacevole più che altro per la presenza al canto di Scott Weiland (ex Stone Temple Pilots).
L'equilibrio raggiunto da questi ultimi quattro accettabili pezzi viene rovinato dalla successiva Rollin' (Urban Assault Vehicle), orribile versione hip-hop della già scadente Rollin' (Air Raid Vehicle). Al microfono si alternano anche gli affermati rapper Method Man, DMX e Redman, ma ciò non basta a cavare qualcosa di buono dalla pessima base elettronica, specie dal momento che le liriche lasciano a desiderare e vengono declamate in una selva di latrati vocali.
La lunga Outro confeziona un monologo dell'attore-regista Ben Stiller e qualche altra inutilità.

Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water è, per la maggior parte delle tracce, un disco di rap-metal stereotipato e insulso, semplicistico nelle musiche, triviale e idiota nei testi.
Di questo lavoro si salvano diverse delle parti di chitarra del sempre convincente Borland, il drumming preciso e scatenato di Otto, e poco altro: alcuni pezzi, nel loro complesso, precipitano in una beceraggine degna del peggior pubblico delle discoteche (le due Rollin', Getcha Groove On), altri momenti risultano insipidi e banali (Livin' It Up, It'll Be OK, Intro e Outro), mentre altri ancora avrebbero potuto essere episodi esplosivi ed anthemici, ma vengono schiacciati dall'ego e dai testi di Durst (Hot Dog, My Generation) o dalla semplice mainstreamizzazione selvaggia (My Way).
I pezzi convincenti rimangono dunque Full Nelson, The One, Boiler, Hold On, ma soprattutto Take a Look Around, unico momento che riesce davvero ad elevarsi sul resto.
Spesso sembra che i Limp Bizkit abbiano voluto confezionare, con quest'album, una loro versione populista, infantile e sboccata di Follow the Leader, il disco più metallico e hip-hop dei loro ormai ex-padrini Korn; tutte le caratteristiche musicali del lavoro concorrono alla separazione della band dalla tradizione crossover, rendendoli ora catalogabili davvero come nu-metal.

Ovviamente, dato il livello intellettivo che richiede l'ascolto di quest'album, esso riesce a vendere più di 12 milioni di copie, (ri)lanciando oltretutto anche una sorta di "trend" tra i musicisti rock e addirittura pop (riempire i testi di volgarità gratuite solo per risultare accattivanti presso i teenager), e la stupidissima Rollin' (Air Raid Vehicle) diventa il singolo di maggior successo di sempre della band.
Giustamente il chitarrista Wes Borland lascerà il gruppo nel giro di meno di un anno, visti i continui attriti con un leader divenuto oramai egomaniaco e ingestibile, mentre gli altri tre componenti preferiranno restare a godersi fama e soldi, che tuttavia non si dimostreranno affatto semplici da mantenere: come quasi sempre accade, più violentemente scoppia un trend, più rapido ed effimero si rivela.

Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water resterà nel bene e nel male una delle principali testimonianze del suo periodo, quei 2-3 anni in cui il nu-metal ha fatto impazzire il mondo, in una seconda ondata che ha trovato la sua strada commerciale attraverso una mainstreamizzazione operata dalla "nuova" formula dei Limp Bizkit e, parallelamente, dalla formula dei Linkin Park, il cui debutto esce esattamente una settimana più tardi; è difatti con questi due album (e i loro successivi cloni) che l'intero genere diviene prepotentemente una moda globale, perde gran parte della propria dignità artistica, e tramite un intenso sfruttamento e riassorbimento finisce per esaurire entro circa il 2003 tutto il proprio potenziale, passando il testimone di nuovo trend metal giovanile al filone metalcore.
Durst forse nemmeno ci avrebbe scommesso, ma la sua My Generation è diventata davvero l'anthem, se non di una generazione, almeno di un peculiare, breve e irripetibile periodo storico; e il music video di Rollin', girato in parte sui tetti del World Trade Center un anno esatto prima del 9/11, resterà anch'esso simbolico di un indissolubile e non decontestualizzabile legame con la sua epoca.

Korn III: Remember Who You Are

admin — Fri, 24 Sep 2010 22:00:00 +0000

Voto:

5.8 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Nu Metal

Etichetta:

Roadrunner

Anno:

2010

Link correlati:

Korn official website

Line-Up:

Jonathan Davis – voce
James "Munky" Shaffer – chitarre
Reginald "Fieldy" Arvizu – basso
Ray Luzier – batteria

Tracklist:

1. Uber-Time - 1:29
2. Oildale (Leave Me Alone) - 4:43
3. Pop a Pill - 4:00
4. Fear Is a Place to Live - 3:09
5. Move On - 3:48
6. Lead the Parade - 4:24
7. Let the Guilt Go - 3:56
8. The Past - 5:06
9. Never Around - 5:29
10. Are You Ready to Live? - 3:59
11. Holding All These Lies - 4:37

Korn

Korn III: Remember Who You Are

I Korn, in realtà ormai già da un po' sostanzialmente dimezzati rispetto al periodo dei capolavori (sia Head che Silveria non sono più nella formazione originale), tornano sul mercato discografico con il nuovo drummer Ray Luzier (già nella band di David Lee Roth e nel supergruppo Army of Anyone) e uno spirito dichiaratamente nostalgico, con Korn III: Remember Who You Are (registrato nel 2009 e pubblicato per la Roadrunner nel 2010), album prodotto nuovamente da quel Ross Robinson che in gioventù aveva ben azzeccato la cura del sonoro nei loro primi due dischi.
La scelta di produttore e titolo pare piuttosto auto-esplicativa del sound contenuto nel disco: in apparenza, i Korn sembrano tornati alla formula dei primi due dischi, riprendendo quel nu-metal ribollente e rabbioso con cui hanno marchiato a fuoco un'epoca; ma "sembrano" soltanto, perché in realtà quello di Korn III (in cui il numero sta ad indicare una continuità in serie con il debut del 1994 e il disco senza titolo del 2007) è più che altro una sorta di seconda versione di Take a Look in the Mirror (2003), disco con cui la band aveva già tentato di reagire ad un momento difficile (budget produttivo ridotto, Head non più a suo agio nel gruppo) con un "ritorno alle origini", risultando tuttavia in un album poco interessante rispetto ai precedenti, segnando la fine dell'epoca d'oro. Come quel disco, a cui è superiore solamente grazie ad una produzione nettamente migliore (ma niente che sia ai livelli high-budget del periodo 1998-2002), anche Korn III esibisce sì tutto il sound aggressivo dei primi lavori, ma non riesce a consegnare un'oncia dell'oscura drammaticità e della violenza psicologica che contribuivano in larga parte alla grandezza degli stessi.

A poco vale l'analisi della maggior parte dei pezzi: Pop a Pill, Move On, Let the Guilt Go, ma anche l'apparentemente più originale Lead the Parade (nelle cui strofe Davis tocca nuovi vertici di epilessia) e il singolo di lancio Oildale (Leave Me Alone) (con un pattern ritmico quasi tribale e un chorus catchy) sono tutti la riproposizione di stilemi musicali già sentiti in maniera più fresca in Take a Look in the Mirror e in qualche momento di Untouchables; il loro unico motivo d'interesse sta nel constatare come Davis non abbia perso la propria potenza vocale, e come i colpi di basso di Fieldy siano tornati un elemento di primo piano, fondamentale per determinare l'umore delle canzoni.
Gli unici momenti in cui i Korn riescono a sfoderare un attacco emotivo da maestri, al livello del passato, risultano essere Fear Is a Place to Live (con la sua combo di strofe esagitate, contrappunti chitarristici, palpabili climax, melodie catchy) e The Past (con un eccellente riff iniziale, che non viene sprecato nello sviluppo grazie a delle indovinate soluzioni vocali di Davis e un ultimo pre-chorus che sembra la messa in musica di una serie di tic nervosi), ma su tutte è la costante tensione di Never Around, dai cenni dissonanti, a comunicare forse le più efficaci tinte claustrofobiche e paranoiche.
Peccato che i pochi picchi vengano riequilibrati in chiusura d'album dall'arrivo dei due pezzi meno convincenti, ovvero Are You Ready to Live? e Holding All These Lies, con la prima che torna ad alti livelli di già sentito (melodia vocale che ricorda quella presente a metà di Hollow Life, crescendo straziato a più voci che ormai suona come un cliché), e la seconda che non riesce a raggiungere in intensità i pezzi di chiusura presenti negli album precedenti (e, chiudendosi con grida disperate seguite da singhiozzi in lontananza, finisce per sembrare un'auto-imitazione ai limiti della parodia del finale di Daddy, senza riuscire a comunicare alcun vero dramma).

Lo stesso espediente già utilizzato con Take a Look in the Mirror non può essere ripetuto efficacemente ancora una volta, a maggior ragione se la band che dovrebbe tornare ai propri albori si è in realtà nel frattempo dimezzata, ma soprattutto se la riesumazione del sound originale appare più nominale e manierista che realmente affine al passato; difetto che oltretutto già si poteva notare in Take a Look in the Mirror, disco che tuttavia, a fronte della peggiore produzione, conteneva più guizzi e melodie indovinate (culminanti nel picco di una gemma come Did My Time). Korn III è insomma la ripetizione meno penetrante di un disco che già rappresentava uno stacco dai precedenti per il suo essere più di maniera, semplificato e riduzionista nella formula stilistica.

Questo nono album non modifica di una virgola la parabola discendente della band; un regalo agli "original fan" (sempre sorvolando sul fatto che gli "original fan" difficilmente possano restare soddisfatti da quello che non è un vero ritorno alle origini, impresa che sarebbe peraltro ormai troppo ardua, ma soltanto l'adozione di un sound più duro e nu-metal rispetto ai due album precedenti) potrebbe essere accettato come parentesi e divertissement da parte di un artista avviato e in piena fase creativa, come un disco minore dato alle stampe per gli affezionati prima di ripartire con la strada maggiore del materiale più impegnato e maturo, ma in questo caso tale album arriva dopo svariati anni di sperimentazioni non troppo convincenti, che avevano spento le speranze di una tale ripresa qualitativa. Korn III sembra insomma solo un tentativo di rattoppare gli ultimi due lavori, forse addirittura rinnegarli, e così finisce per screditare definitivamente i tentativi di aprire nuove strade compiuti da quei due album.
Il messaggio che ci sta comunicando la band è confuso: dobbiamo dimenticarci degli ultimi anni, e limitarci a trovare conforto in una ripresa del sound di Take a Look in the Mirror, perché alla fine ci basta quello? O forse è solo quello che realmente vogliamo? O forse la band si è convinta di non poter ormai fare meglio di così? O tutte e tre le cose assieme? Pare che, ancora una volta, bisognerà attendere un'altra release per avere delle risposte.

Breathing Instructions

admin — Mon, 23 Aug 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Nu Metal

Etichetta:

Urlo Music/Emi

Anno:

2003

Line-Up:

- Guillermo Gonzales - vocals
- Mirko Nosari - guitars
- Rudy Zantedeschi - bass
- Marco Piran - drums
- Mauro Zavattieri - percussions

Guests:
- Mark Greenway

Tracklist:

1. Copy / Paste
2. Freedom Bondage
3. Erase me
4. Senbyôshi
5. Chissoku
6. Disciples of Zardoz
7. Mugon
8. Seldom
9. LessNess
10. DOG!
11. Elucidation

Mothercare

Breathing Instructions

Breathing Instructions: istruzioni per respirare, per non soffocare nella vita di ogni giorno.
Questo l'intento dei veneti Mothercare, una band che si è sempre fatta in quattro per far sentire la propria voce e che non è mai riuscita ad ottenere l'attenzione che avrebbe meritato, nonostante sia in piedi dal '93 e sia riuscita solo dopo ben dieci anni (!) a veder pubblicato il proprio esordio.

"Pain-core" è la definizione che la band dà alla propria musica e, a dispetto di chi non sopporta i modi piú articolati o vaghi per tentare di etichettare un genere, non riuscirei neanche io a definire diversamente la loro proposta, che accoglie a braccia aperte influenze dalle piú disparate nell'ambito del metal piú nichilista e paranoico; si va dalle ritmiche folli degli Slipknot degli esordi alle atmosfere Korniane piú oscure ed opprimenti, dal grind piú oltranzista dei Napalm Death ai riff pompati e granitici di casa Hatebreed, fino ai Sepultura di Roots e ai Machine Head dell'insuperabile Burn My Eyes.

Tutti elementi raccolti sapientemente e dosati con precisione chirurgica per formare un suono di personalissima concezione dove la furia del grind si mescola all'oscurità del nu-metal più psicotico e alienato, per formare un lavoro di totale disillusione, 11 tracce che sembrano essere un rabbioso grido di dolore al mondo e una risposta al bisogno di esorcizzare la propria negatività interiore, dove i quattro sembrano vomitare la propria anima sugli strumenti.

Esempio concreto è Lessness, splendida nel suo complesso, dove il crescendo di un dolore soffocato finisce per affiancarsi all'italiano dell'ugola di Gonzales in un suono denso, ricco di spigolose sensazioni, di confessioni e di rimpianti ("Io da solo ho provato, io da solo ho fallito, sono condannato a vivere nella pece...").
La furia cieca e sofferta di brani quali l'opener Copy/Paste (con la spettacolare partecipazione di Mak 'Barney' Greenway dei Napalm Death, e ditemi voi se questa non è una garanzia) o Chissoku, come l'ironia di fondo che traspare nell'uso del giapponese in Senbyoshi o nella schizofrenica Mugon sono espressione di una personalità fuori dal comune che non può essere ignorata da chi continua imperterrito a snobbare l'underground italiano con la solita convinzione che i gruppi di casa nostra 'non hanno nulla da dire'.
La scena italiana è viva e vegeta ma purtroppo non c'è nessuno che la supporta come meriterebbe, è questa la verità.

Un disco da far ascoltare a chi crede che l'Italia sia solo pizza, sole e mandolini.

Smash the Control Machine

admin — Mon, 31 Aug 2009 22:00:00 +0000

Voto:

6.3 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Nu Metal

Alternative Metal

Etichetta:

Victory

Anno:

2009

Link correlati:

Otep official website

Line-Up:

Otep Shamaya – Voce
"Evil" J. McGuire – Basso, cori
Rob Patterson – Chitarra
Mark "Moke" Bistany – Batteria

Tracklist:

1. Rise Rebel Resist - 3:59
2. Sweet Tooth - 4:21
3. Smash the Control Machine - 3:44
4. Head - 5:11
5. Numb & Dumb - 4:26
6. Oh, So Surreal - 4:21
7. Run for Cover - 3:35
8. Kisses & Kerosene - 4:12
9. Unveiled - 3:28
10. UR A WMN NOW - 4:19
11. Serv Asat - 2:30
12. Where the River Ends - 11:57
13. I Remember - 8:34 (Hidden Track)

Otep

Smash the Control Machine

Cos'è cambiato in casa Otep dal precedente The Ascension? Semplice, la band è passata alla label Victory e ha ripreso in line-up il chitarrista Rob Patterson e il batterista Mark "Moke" Bistany, già colonne portanti di Sevas Tra, debutto e capolavoro della band.
Arriva quindi inevitabile un cambiamento nel sound, che con il precedente disco si era improvvisamente spento in un'auto-imitazione dalla minor efferatezza, freschezza e passione: con Smash the Control Machine prendono ancora più piede i momenti melodici rispetto ai momenti metal (con forse disapprovazione del loro pubblico tipico), forse per venire incontro al catalogo della nuova label o forse per una semplice maturazione anagrafica dei membri, ma contrariamente alle aspettative le dosi di violenza psicologica e di "groove" aumentano.

Dopo un paio di parentesi ricalcanti in troppi momenti il sound degli Slipknot, gli Otep riscoprono ora i loro primi padrini Korn e Mudvayne non spingendo più tanto sulle ritmiche martellanti e sui growl quanto sull'angoscia e sulle atmosfere thriller.
Chiara dimostrazione ne sono pezzi come Numb & Dumb, aperta da una scarica di furia metal che si spegne immediatamente nelle strofe inquietanti recitate a denti stretti, prima di un chorus abrasivo a metà strada tra il grunge dei Nirvana e il thrash, per far esplodere la tensione metal solo nella coda finale; strutture simili sono un lusso se paragonate ai pezzi più metal e più monotoni dei precedenti album.
La frenetica opener Rise, Rebel, Resist pare invece, assieme a Run for Cover, un nostalgico tuffo nei vecchi rapcore gotici e urlati alla Sevas Tra, se non fosse per la violenza in confronto edulcorata, che però torna anch'essa in nuova veste nelle successive Sweet Tooth, Head (detonata da un'epica progressione armonica che sfocia da strofe in continua tensione), Oh, So Surreal (con un classico climax psicotico e un'esplosione di ritmiche schizoidi in coda), Serv Asat (altro anagramma di "art saves" e quindi altro esplicito rimando al primo periodo del gruppo) e Unveiled (dall'aggressività straziata come negli episodi migliori di House of Secrets).
La title-track provvede a convogliare un catchy rapcore politicizzato con piglio hardcore e voce alla Guano Apes, ma la vena "poetica" maledetta tipica della Shamaya ha piuttosto modo di sfogarsi nei cupi psicodrammi Kisses & Kerosene e Where the River Ends (quasi sicuramente il capolavoro dell'album, anche se debitore a iosa dalle tracce lunghe dei precedenti dischi), oltre che nella traccia nascosta I Remember, queste ultime due sugli 8 minuti a testa.
Un'inaspettata ballad melodica dal titolo UR A WMN NOW (con guest di Emilie Autumn al violino e Koichi Fukuda degli Static-X al pianoforte), oltre a presentare momenti emotivi assolutamente più convincenti e personali rispetto alla mediocre ballad Perfectly Flawed del precedente album, sembra poi dimostrare che in fin dei conti tutta questa rabbia derivi da una fragilità spezzata che vorrebbe solo ritrovarsi in pace con se stessa.

Smash the Control Machine non cerca nemmeno per sbaglio il capolavoro, né consegna tracce che possano anche lontanamente rivoluzionare lo stile della band, ma nell'ascoltarlo si avverte una felicemente ritrovata verve e alchimia tra i membri; inoltre, Shamaya e soci focalizzano la propria violenza sul carico psicologico (supportato da un'urgenza lirica di voler dire qualcosa, discutibile o meno che possa essere) e sul giusto bilanciamento tra quiete e furia piuttosto che sulla continua fragorosità sonora martellante, cosa ormai rara e apprezzabile in un panorama a stragrande maggioranza piatto, monotono e superficiale come quello del metal anni 2000.
Tuttavia, anche negli episodi migliori, dà un certo fastidio la produzione purtroppo decisamente non azzeccata, che stacca tutta la sezione strumentale in un mix separato dalla voce, facendo tiranneggiare quest'ultima su tutto come nei dischi emo-pop.

Bloodwork

admin — Fri, 17 Apr 2009 22:00:00 +0000

Voto:

5.8 / 10

Autore:

Marcello Zinno

Genere:

Nu Metal

Etichetta:

Demolition Records/Frontiers

Anno:

2008

Link correlati:

Official Site

Line-Up:

:
- Wednesday 13 - vocals
- J-Sin Trioxin - guitar
- Nate Hate - bass
- Johnny Chops - drums

Tracklist:

1. B-movie babylon
2. Return Of The Living Dead
3. Runnin’ Down A Dream
4. I Love To Say Fuck
5. My Demise b.c.
6. Skeletons a.d.

Wednesday 13

Bloodwork

2008 anno fiorente per il nostro Wednesday 13, anno aperto proprio con questo Bloodwork che fa da opener ad un’uscita discografica ben più succulenta dal nome Skeletons composta da ben 11 tasselli nonché dal primo live della band che prende il suo nome.In realtà l’EP in questione non onora l’altezza dei riff di cui si differenzia Skeletons (album), dove possiamo trovare pezzi come Gimmie Gimmie Bloodshed e Not Another Teenage Anthem da presa sicura, mastice luccicante da sfoggiare in ciascuna sede live. Proprio per tale motivo lo potremo recepire come un’uscita di transito tra Fand Bang del lontano 2006 (considerando le uscite discografiche intercorse sul mercato) ed il percorso attuale dell’artista.

Ciò nondimeno riusciamo a scoprire alcuni passaggi interessanti come I Love To Say Fuck, che in veste live assume un’aria molto più sfacciata mentre in studio si declina come un brano ben calibrato, con riff spaziati da tempi simmetrici che finiscono per tramutarsi in furia punk sul termine e garantire che le radici del trademark dell’horror metal odierno non vacillano per nulla. Ma basta un semplice “skip”, un salto di traccia, che ecco My Demise b.c. mettere su una fune circense tutte le nostre convinzioni di pochi secondi or sono e, agitandola con forza a rischio di far esplodere ogni senso di equilibrio, viene a vestire l’abito di ballad, con un sapore vagamente grunge (non so bene perché ma durante l’ascolto si materializza la sagoma di Courtney Love dinanzi a me n.d.r.). E certo che Skeletons a.d., fisiologica prosecuzione del prezzo precedente, non dà alcuno scossone all’imbarazzo provato durante le melodie dei 3 minuti già passati, ma anzi spinge dal basso con forza la voglia di gridare ad un cambio stilistico nella mente e nel cuore di Wednesday 13.

Per fortuna c’è Runnin’ Down A Dream, con il suo glam accanito, uno dei tanti vasi comunicanti capace di sprigionare tutte le energie che il nostro Joseph Poole (solo in arte Wednesday 13) ha in corpo. È proprio questo il lato che ci piace di più: semplice compositivamente ma diretto e sferzante, pungente, senza fronzoli. E non possiamo ignorare B-movie Babylon, che è l’unica a presentare un pizzico di sperimentazione degna di nota, con effetti sapientemente inseriti ed un vago sentore di ricchezza costruttiva. Stiamo a vedere cosa ci attende il futuro da questo attore sanguinario.

F**k It, We'll Do It Live

admin — Fri, 17 Apr 2009 22:00:00 +0000

Voto:

7.6 / 10

Autore:

Marcello Zinno

Genere:

Nu Metal

Etichetta:

Demolition Records/Frontiers

Anno:

2008

Link correlati:

Official Site

Line-Up:

- Wednesday 13 - vocals
- J-Sin Trioxin - guitar
- Nate Hate - bass
- Johnny Chops - drums

Tracklist:

1. Intro
2. Gimmie Gimmie Bloodshed
3. I Want You…Dead
4. My Home Sweet Homicide
5. Not Another Teenage Anthem
6. From Here To The Hearse
7. Till Death Do Us Party
8. Skeletons
9. God Is A Lie
10. House By The Cemetery
11. Put Your Death Mask On
12. Happily Ever Cadaver
13. Running Down A Dream
14. Look What The Bats Dragged In
15. Faith In The Devil
16. 197666
17. Rambo
18. Bad Things
19. I Love To Say Fuck

Wednesday 13

F**k It, We'll Do It Live

Ottima idea quella di Wednesday 13, al tempo Joseph Poole: pubblicare un live che sintetizzasse la sua storia come uomo (o meglio dire “horror man”) e come band, attiva dal 2004, seducente prosecuzione della violenta ed esaltante esperienza con i Murderdolls. Infatti quasi contemporaneamente all’uscita dell’EP Bloodwork, il cui compito è quello di presentare l’ultima fatica dal nome Skeletons, il nostro Joseph decide di dare alla luce questo live che raccoglie in maniera trasversale songs dall’intera discografia, a partire da quel Transylvania 90210: Songs of Death, Dying, and the Dead del 2005 che aveva lanciato il nostro amico verso una carriera più baricentrata (e non equilibrata) verso se stesso più che verso una band vera e propria.

Le doti ormai erano create e maturate e le lezioni imparate principalmente con i Murderdolls hanno permesso di puntate a dei frutti ancora maturi soprattutto in campo rock ‘n’ roll condito da quell’alone glam che campeggia lì su, in alto sul palco. La similitudine infatti è molto forte e ci ricorda proprio i tempi andati, durante i quali era sempre lui il principale artefice musicale: c’è da dire che con la precedente esperienza (che vedeva anche Joey Jordison, batterista degli Slipknot, in veste di chitarrista) il sound era molto più sfacciato e meno canonico in termini compositivi (ed in questo la qui presente 197666, ripescata proprio da quegli anni, ne è un valido esempio), cosa che ha fatto approdare Wednesday 13 a sonorità più nu-metal (a tratti simile all’evoluzione che ha visto Marilyn Manson allontanarsi dalle sue origini industrial e conformarsi ad un sound più facilmente digeribile da parte del pubblico).

Una setlist davvero degna di nota che spazia dal punk grezzo di Happily Ever Cadaver al rock ‘n’ roll di Faith In The Devil passando per lo psycho-thrash di Put Your Death Mask On ed il glam cattivo di Bad Things. Senza dimenticarci i pezzi forti della discografia: I Love To Say Fuck, calda e succulenta in una scena del crimine grondante sangue e graffiante almeno quanto Till Death Do Us Party ed il suo punk settantiano scatenato; e che dire della nuova Not Another Teenage Anthem con il suo incedere maestoso da headbanging sfrenato è un must in sede live e nondimeno in questa uscita discografica. L’album è da gustare proprio grazie a questa sua capacità di presentare le diverse facce di un artista che nel suo piccolo è stato in grado di dire la sua, pur facendo man bassa delle catechesi emesse da altri illustri colleghi (Alice Cooper in primis) e senza allontanarsi poi tanto da un concept musicale molto Rob Zombie.Certo la resa live ha sempre conferito un valore superiore alla proposta musicale del personaggio della Carolina del Nord e questo risulta sempre più vero più si passa al setaccio l’ascolto di questo F**k It, We’ll Do It Live, le cui tracce risultano davvero così diverse per intuizione ma così amalgamate in un prodotto musicale che non tocca mai il ribrezzo delle imitazioni che circolano in libertà saltando da un palco all’altro.

E come ciliegina sulla torta, nel pacco pronto per noi è presente anche un DVD con tanto di concerto (da cui è estratta in versione audio la tracklist recensita qui, gemella omozigote), performance in quel di Allenton dove gli spettatori hanno avuto di che pogare e divertirsi. A tratti il protagonista ci ricorda un Blackie Lawless da giovane mentre gli altri musicisti (batterista a parte) non fanno molta fatica a suonare i riff semplici di casa “Mercoledì 13” e gli assoli (che in I Want You…Dead assumono le sembianze dei Turbonegro) scorrono come assaggi già trapassati nel lungo intestino.Insomma un bel regalo per entrare a far parte dello psicopatico mondo di Wednesday 13.

My Own Army

admin — Sat, 21 Mar 2009 23:00:00 +0000

Voto:

5.5 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Nu Metal

Etichetta:

AFM Records/Audioglobe

Anno:

2009

Link correlati:

Exilia Official Website

Line-Up:

- Masha Mysmane - Voce
- Elio Alien - Chitarra
- Marco Valerio - Basso
- Ale Lera - Batteria

Tracklist:

1. Phoenix
2. Are You Breathing
3. The Hunter
4. I'm Perfect
5. Across The Sky
6. Emptiness Of You
7. Far From The Dark
8. Deleted
9. No Destination
10. In The Air Tonight
11. My Own Army
12. Magnolia

Exilia

My Own Army

Giudicare in maniera obiettiva My Own Army, ultimo capitolo discografico della band milanese Exilia, è impresa non da poco, in primis per le difficoltà oggettive di un mixaggio troppo spesso discutibile, in secondo luogo per l’immediato sconforto al solo pensiero che si tratta dell’ennesimo prodotto italiano non all’altezza delle potenzialità tecniche dei suoi esponenti. Da sempre considerata malacopia (di mala non c’è nulla, naturalmente) dei teutonici Guano Apes, essenzialmente per l’impressionante somiglianza timbrica delle due vocalist femminili Masha Mismane e Sandra Nasic, con l’acclamato predecessore Nobody Excluded la formazione milanese sembrava avviata ad una svolta decisiva per riuscire a sbarazzarsi di quella scomoda etichetta, in nome di una qualità musicale tipicamente nu metal assolutamente inedita nel panorama italiano: My Own Army, anche in virtù di queste buone premesse, si rivela essere un temibile passo indietro che non fa che rinfocolare le ormai sopite polemiche riguardanti il presunto pompaggio mediatico della band (stranamente finita nelle lungimiranti grinfie teutoniche della AFM Records), visto gli illustri esempi di pseudo metal band con suadenti leader in gonnella.

Un giudizio così severo non può certamente prescindere da doverose motivazioni, ma da questo punto di vista c’è davvero l’imbarazzo della scelta: il sound complessivo è piatto, monotono e fiacco, mortifica completamente la sezione ritmica (la batteria ha uno strano timbro plastico e, in ogni caso, rimane pressoché confinata al ruolo di mero suppellettile) ed esalta i soliti riff presumibilmente grevi e distorti, nell’ormai obsoleta tradizione nu; il songwriting, piuttosto prevedibile, persiste nel difetto ormai congenito delle produzioni firmate Exilia, ovvero trasforma il complesso della band in un vuoto apparato di supporto alla vocalità graffiante (ma anche un poco afona, in taluni momenti) di Masha, alla quale è completamente delegato l’arduo compito di fare e disfare linee melodiche oramai ritrite.

Naturalmente, My Own Army presenta anche alcuni lati positivi, pressoché intrinseci all’astuta semplicità della proposta tecnica, che certamente non mancheranno di soddisfare gli ascoltatori meno esigenti: innanzitutto i chorus, per quanto talvolta eccessivamente banali, si dimostrano estremamente tenaci e gradevoli, insinuandosi nella memoria inconscia dell’ascoltatore con buona facilità (innumerevoli gli esempi: dall’irritante Phoenix alla piacevolissima Are You Breathing, passando per la tradizionale The Hunter e la discreta Deleted); in secondo luogo, l’omogeneità delle strutture sintetizza ed esprime al meglio il marchio di fabbrica degli Exilia, ovvero un nu metal sporco ed iroso, di rapida commestibilità e buona qualità tecnica di base, che non mancherà di suscitare l’eccessiva esaltazione dei fan di lungo corso o di chi per la prima volta si avvicina a queste sonorità.

A sorprendere, in positivo si intende, sono alcuni episodi quasi del tutto inediti nella discografia della formazione milanese che, paradossalmente, finiscono per mettere ulteriormente in cattiva luce le tracce più derivative, per non dire ormai intollerabili: le introspezioni gotiche di Far From The Dark lasciano intravedere le inesplorate potenzialità interpretative di Masha, la cui voce generalmente roca, alle prese con melodie decisamente più tenui e leggiadre (le trame di pianoforte sono d’un’immediatezza stupefacente), riluce di una limpidezza materna finora mai nemmeno intravista; le stesse sperimentazioni trovano nuova linfa in occasione della titletrack My Own Army, i cui arpeggi introduttivi esaltano nuovamente la pulizia timbrica della vocalist, a riprova del fatto che quest’ultima sia stata finora poco sfruttata in tutte le sue molteplici sfaccettature vocali, anche e soprattutto a discapito di una proposta musicale rigorosamente confinata nel più ristretto e ormai superato ambito nu metal.

In ultima stanza, non possiamo esimerci dall’esprimere un breve commento riguardo la cover di In The Air Tonight, clamoroso successo dell’ex Genesis Phil Collins: pur con tutta la buona volontà d’ispirazione divina, è difficile rimanere abbagliati da un mal riuscito copia/incolla della precedente riproposizione firmata Nonpoint, celeberrima colonna sonora del film Miami Vice con Colin Farrell e Jamie Foxx. Provvidenzialmente, però, a compensare la deficitaria media complessiva dell’album ci pensano brani quali Emptiness Of You e Magnolia, che riescono a riproporre i più significativi caratteri della proposta del combo lombardo introducendo una varietà e una precisione, soprattutto in fase di riffing (i corposi arrangiamenti di Elio Alien sono da sempre uno degli aspetti peculiari e maggiormente riusciti dello stile Exilia), che negli altri episodi di My Own Army sembravano essersi quasi completamente smarrite.

Tuttavia, proprio questi stessi elementi, riproponendosi ormai inalterati da ben 3 album, cominciano a lasciar intravedere i segni del tempo e, per chi conosce e/o apprezza la band sin dalle origini, non possono più bastare: My Own Army avrebbe potuto rappresentare l’album della definitiva consacrazione della band e, più in generale, la riproposizione e la rigenerazione di un genere pressoché demolito, oramai da più di un lustro, da critiche tanto feroci quanto immotivate, che, al contrario, proprio in questo lavoro datato 2009 possono trovare nuova e tangibile linfa vitale. E’ evidente, come già si è sottolineato in precedenza, che agli Exilia non mancano certo gli spunti interessanti e il nostro augurio è che sappiano valorizzarli in maniera puntuale, ponderata e continuativa, senza con ciò snaturare il loro inconfondibile stile; tuttavia, ferma restando l’immutata stima nei confronti dei singoli membri della band, nella totalità dell’album il loro ultimo lavoro non può raggiungere la sufficienza, soprattutto in considerazione di quanto si poteva fare e non è stato fatto, se non in minima parte.

Al Silenzio

admin — Sat, 21 Feb 2009 23:00:00 +0000

Voto:

6.2 / 10

Autore:

Filippo Morini

Genere:

Nu Metal

Etichetta:

Zeta Factory

Anno:

2008

Link correlati:

Coreya @ MySpace.com

Line-Up:

- Sarco - voce
- Ciga - chitarra
- Rusty - chitarra
- Flips - basso
- Arq - batteria

Tracklist:

1. L’Odio
2. Mentre Mi Perdo
3. Quando L’Occhio Non Vede
4. Raccontami
5. Neanche Una Luce
6. Come6
7. el Sueno es la Vida
8. Farti Molto Male
9. Distanze
10. Ali Come Armi
11. Pari A Uno

Coreya

Al Silenzio

I Coreya sono una band che potremmo per comodità definire Nu Metal/Crossover data la predisposizione a costruire muri di chitarre sature sui quali lasciar oscillare come un rasoio una voce insolitamente melodica e, ancor più insolitamente, che decide di esprimersi in italiano.
Tuttavia, come al solito, briciole di influenze sparse tra generi musicali affini possono essere recuperate qua e là all’interno delle singole canzoni che compongono questo Al Silenzio, primo full-lenght ufficiale, ma il codice genetico rimane comunque molto simile a quello di Deftones e colleghi.

Fortunatamente però, le parti “rappate” tipiche di questo genere vengono abilmente evitate, scegliendo di dedicarsi alla ricerca di linee melodiche convincenti senza il bisogno di ricorrere a toni forzatamente arrabbiati che suonerebbero vuoti e scontati.
I testi sono ovviamente tenuti in alta considerazione, e la cura in essi riposta viene più volte notata grazie alla ricerca di terminologie e rime mai abusate, evitando però di scadere in versi eccessivamente ermetici: va inoltre sottolineata l’inclusione di un brano cantato in spagnolo, lingua che si adatta inaspettatamente bene a questo tipo di canzoni.
Il livello tecnico della band sosta su di livelli più che apprezzabili, le canzoni sono costruite in modo attento e ragionato, l’esperienza guadagnata dai musicisti si percepisce chiaramente donando un senso di coesione non indifferente.
Ovviamente si distinguono alti e bassi, e se non ci si sofferma eccessivamente sulla banalità di pezzi come Farti Molto Male o Pari A Uno, si scoprono piacevoli sorprese come la già citata el Sueno es la Vida, la ballata acustica Distanze, o la radiofonica L’Odio, bizzarro punto d’incontro tra il pop rock tricolore ed il Nu Metal statunitense.
I Coreya dimostrano in più di un occasione di possedere la tecnica e la grinta adeguate a questo genere, anche se non viene fatto abbastanza per cercare di rinnovare uno stile che, nel bene e nel male, ha fatto il suo tempo.
È una nota sicuramente positiva la scelta di lasciare così tanto spazio alle melodie vocali, ma a livello puramente strumentale vengono utilizzati i soliti “accordoni” dai toni bassi e dalla grande forza d’impatto, le solite soluzioni ritmiche e le solite atmosfere alle quali questo genere ci ha ormai abituati da troppi anni.

Questa band ha le possibilità per applicarsi nella costruzione di qualcosa di maggiormente innovativo e che aiuti a ri-ossigenare la scena in questione, ma canzoni come quelle contenute in questo disco di debutto possono solo attirare gli appassionati più legati al genere, lasciando indifferenti tutti gli altri.

Burepolom

admin — Thu, 12 Feb 2009 23:00:00 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Marcello Zinno

Genere:

Nu Metal

Etichetta:

My Kingdom Music

Anno:

2008

Link correlati:

Post-Traumatic Stress Disorder Official Site

Line-Up:

- Jason - chitarra acustica e ritmica
- Henry Guy - voce
- Yorga - chitarra, cori
- Logan – basso
- Hart Murrain - batteria

Tracklist:

1. Jerkwater
2. Low Self Esteem
3. Anyone
4. Neurotted
5. Beat Me Down
6. Railway to…
7. Burepolom
8. Still Love
9. The Traveller
10. Falling From The Eternity

Post-Traumatic Stress Disorder

Burepolom

I Post-Traumatic Stress Disorder, o PTSD come essi stessi preferiscono essere chiamati, sono una band dalle diverse sfumature, anzi a dir il vero sembrano una proiezione di una forma visibile da molteplici angolature. Una di queste è sicuramente quella concettuale che porta con sé un fascino sicuramente distintivo e non alla portata di tutti: i Post-Traumatic Stress Disorder infatti cercano di “stressare” (nel duplice significato del termine) tutti quegli stati emotivi dell’esistenza umana che permettono ad ognuno di noi di mutare e di far luce su una parte di sé sconosciuta, una parte che dimostra sempre più che osservare le persone spesso significa guardare solo la punta dell’iceberg (e non ci serve l’esperienza “Titanic” per capire che si tratta di un errore grossolano).

A metà strada tra l’opera pirandelliana per eccellenza, Uno, nessuno e centomila, ed una teoria sulla psicologia contemporanea di Eric Berne incentrata sugli stati dell’io, si forgia il concept non dell’album bensì del progetto della band, che esplode nella stupenda grafica presente in Burepolom, dove ciascuno dei cinque musicisti è raffigurato in una vista reale collassata con una virtuale in cui la mostruosità della parte più nascosta della psiche trova libera uscita e riesce a mutare anche l’aspetto esteriore.La scelta grafica in realtà non è per nulla fuori luogo considerando che le pseudo maschere introducono, già prima di aver selezionato il tasto “play” del lettore, al sound della band. Non si riesce ben a capire se è un caso o la scelta è voluta, ma fin dall’opener Jerkwater un’eco di nome Slipknot ci ronza nei pensieri e più passano i secondi più l’attenzione si catalizza su Corey Taylor, sia per l’espressione vocale che per qualche idea già promossa dai suoi Stone Sour.

Ed ecco che altre due angolature si incrociano: quella della proposta musicale che, incasellandosi nel più ampio chilometro quadrato di proprietà nu metal, non presagisce nulla di travolgentemente originale e quella compositiva che al contrario esalta i Post-Traumatic Stress Disorder , sia per le variazioni sul tema della singola traccia sia per l’attenzione dedicata alla produzione ineccepibile dei suoni.Sicuramente sopra le righe la titletrack, potente ed arguta, agevolmente in bilico tra riff cadenzati e parti sfuriate ma con passaggi più appealing, colpisce appunto per la sua varietà, dopo un intro di contesto con arpeggi di chitarra ed effetti elettropatologici. Un altro distinguo risulta essere l’assenza di una vera ballad, sostituita da innumerevoli sprazzi emotivi/leggeri presenti in varie composizioni (Still Love e alcune parti di Falling From The Eternity sono solo degli esempi), così come le incursioni in territori sonori oltre-confine (l’intro di Low Self Esteem fa da spalla ad una concezione opethiana). Un brano per apprezzarli davvero? Neurotted ci ha colpiti perché pur nella sua semplicità prende le distanze da idee formalizzate in ottica “singolo” (leggasi Anyone) e contemporaneamente introduce qualche incipit nuovo, alla Soulfly.

Il punto di forza dei PTSD sta nella dimostrazione che non sempre una canzone assume bellezza grazie ad un riff centrale corposo (una lezione a molte band, Grave Digger in primis) ma grazie ad un’attenzione a 360° che ne permette un appagamento da tutte le sue molteplici angolature.

Peacenemy

admin — Sat, 17 Jan 2009 23:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Paola Andriulo

Genere:

Nu Metal

Etichetta:

Tiefdruck Music/Andromeda

Anno:

2008

Link correlati:

M.A.N. @ MySpace.com

Line-Up:

- Tony Jelencovic - voce
- Robert Gustavsson - chitarra
- Rob Hakemo - basso
- Andreas Engberg - batteria

Tracklist:

1. Peacenemy
2. 0worn Wings
3. Blood Vanish
4. My Own Sickness
5. Outnumbered
6. Body Sewer
7. Harness The Mind
8. Hacker Sapiens
9. 44 Teeth
10. Dead Universe
11. Peacenemy Epilogue

M.A.N.

Peacenemy

M.A.N.: acronimo che può significare quel che desideriamo; così è stato suggerito in un’intervista dal leader della band svedese Tony Jelencovic, il quale ha suggerito alcuni possibili significati: Metal All Night, Muscle And Nature ad esempio. Ottimi suggerimenti quelli di Jelencovic, utili per poter descrivere questo secondo lavoro dei M.A.N., Peacenemy.
Prima però di descrivere Peacenemy, sarebbe opportuno soffermarsi un istante proprio sul leader e vocalist dei M.A.N. Jelencovic, personaggio eclettico, carismatico legato a nomi come Transport League o Mnemic; il suo eclettismo e la sua ricchezza di influenze musicali si respirano appieno in questo album, dal primo all’ultimo pezzo.
Peacenemy potrebbe essere definito come un album nu metal vicino alle sonorità dei Korn, ma sarebbe riduttivo etichettarli in questo modo, senza tener conto delle altre influenze numerose che questo lavoro risente: echi di Meshuggah, Slipknot, Fear Factory (non a caso il leader degli stessi ha collaborato nel quarto brano My Own Sickness), ma anche richiami ad una grandissima band (purtroppo fugace a causa dell’improvvisa morte del leader Lynn Strait): gli Snot.

L’album si apre con la tracklist, una immediata ondata di aggressività e potenza trasmessa da tutti gli strumenti e da una voce carismatica; un ritmo martellante, una chitarra vulcanica, la batteria e il basso che completano perfettamente questo bel quadretto iniziale. Il secondo brano Worn Wings è ancora più accattivante, ancor più capace di attirare l’ascoltatore col suo sound che non dà possibilità di respiro: si respirano Snot, Meshuggah, Slipknot. Il terzo e il quarto pezzo Blood Vanish e My Own Sickness, invece, risentono tanto dell’influenza dei Korn, soprattutto nei giri di chitarra e nella voce. My Own Sickness vede anche la partecipazione del cantante dei formidabili Fear Factory, Burton C. Bell, che si inserisce a pennello in questo progetto.
Peacenemy procede secondo questa linea: un crogliolo di influenze ben suonate, e accompagnate dalla voce di Jelencovic che è tutto fuorchè piatta o inespressiva.
Peacenemy dimostra che il nu metal alla Korn non è morto (vedi anche pezzi come Outnumbered, Hacker Sapiens), e che si può creare ancora nel 2008 un prodotto che può rientrare in questo genere senza essere tacciato di scontatezza, ripetitività.
Un bel lavoro davvero questo secondo esperimento dei M.A.N.; qualunque possa essere il significato di questo acronimo, una cosa è certa: si tratta di un album potente, variegato, un album che non stanca.

Thought Before Action

admin — Wed, 17 Dec 2008 23:00:00 +0000

Voto:

6.3 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Nu Metal

Etichetta:

Uk Division Records/Andromeda

Anno:

2008

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Them Philosophy @ MySpace.com

Line-Up:

- Elisa D'Andrea - voce
- Ivo Di Marco - chitarra
- Claudio Angelucci - basso
- Alessandro Ceccacci - batteria

Tracklist:

1. Intro
2. Please
3. Mother S.
4. Sense Of Absence
5. En-Sof 1
6. Vertigo
7. En-Sof 2
8. Where Is The Limit
9. Come La Mafia
10. House Of Mirrors
11. Previous Time
12. Magdalene

Them Philosophy

Thought Before Action

E’ sicuramente complesso inquadrare un genere preciso per il sound dei romani Them Philosophy, che con l’album Thought Before Action riuniscono la tradizione del Nu Metal d’oltreoceano conferendole inedite sfaccettature alternative. Il quartetto dà alla vita a dodici tracce malate e caotiche, che spaziano dal sound cerebrale dei Dillinger Escape Plan a sezioni dal sapore più commerciale e disteso, creando un mix esplosivo che mantiene l’ascoltatore in tensione per tutti i 34 minuti di durata del disco.

Il punto di forza dei Them Philosophy è costituito dal song-writing maturo, rappresentato da architetture sonore intricate e da un timbro potente figlio della miglior scuola americana; si presenta purtroppo poco valida l’interpretazione clean della voce femminile, che stona decisamente con il contesto strumentale tessuto dalle chitarre e dai patterns ritmici: il growl della cantante Elisa D’Andrea esercita un effetto più impetuoso e in sintonia con le sonorità soffocanti di brani come il secondo Please, abbastanza estranei al panorama italiano.
I pezzi tipicamente Alternative si ritrovano con omogeneità lungo gran parte di Thought Before Action, raggiungendo buoni risultati in Come La Mafia, canzone in lingua madre che prosegue il programma di denuncia sociale messo in atto dai Them Philosophy fin dalla prima traccia.
Con una registrazione più professionale il full-length avrebbe ottenuto un’ulteriore spinta verso meandri più estremi, che avrebbero valorizzato le ottime idee di base del four-piece capitolino, riassunte in una splendida conclusiva Magdalene, dal sapore malinconico e squisitamente underground.

Pur avendo alle spalle una carriera decisamente breve (la band è attiva dal 2005), i Them Philosophy hanno già avuto modo di sperimentare la realtà dei grandi concerti europei, come dimostra il significativo tour con gli americani Christian Death, l’apparizione al Progresja di Varsavia (con Dillinger Escape Plan, Dimmu Borgir e Apocalyptica) e le svariate date attraverso la penisola italiana.
I Them Philosophy devono di certo riorganizzare le idee in vista di nuove pubblicazioni, soprattutto per quanto concerne l’andamento vocale e la qualità della registrazione, ma l’album di debutto costituisce già una discreta prova delle abilità del quartetto di Roma, che potrà gradualmente emergere dal panorama indipendente italiano conquistando importanti collaborazioni ed un pubblico numeroso a livello europeo.

Lethal

admin — Sat, 25 Oct 2008 22:00:00 +0000

Voto:

4.5 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Nu Metal

Etichetta:

Aural

Anno:

2008

Link correlati:

Addiction Crew Official Site

Line-Up:

- Marta Innocenti - voce
- Alex Guadagnoli - chitarra, voce
- Andrea Zanetti - basso
- Luca Canali - batteria

Tracklist:

1. Lethal
2. Target
3. The Reason You Can’t Sleep
4. See Me Again
5. Make A Sense
6. Along The Way
7. Shove
8. Signs Of Living
9. Hangin’ In The Air
10. Ride On Liars
11. To The Core
12. Surrounded

Addiction Crew

Lethal

Cambiare etichetta e rivoluzionare la line-up sono molto spesso premesse ottimali per produrre un lavoro più che valido: gli Addiction Crew sono, per l’appunto, l’eccezione che conferma la regola. A onor del vero quanto anticipato finora non è del tutto esatto: è verissimo e assolutamente inatteso il passaggio dall’imponente Earache Records (incapace, a detta della band, di valorizzare al meglio il loro potenziale artistico) alla più attenta Aural, ma, nel caso della formazione, è più corretto parlare di ridimensionamento, dato dal clamoroso abbandono del tutt’altro che indispensabile vocalist/screamer Yuri Bianchi. A tutto questo va, infine, aggiunta la scelta di affidarsi ad un nuovo, secondo (oltre all’imprescindibile Alex Guadagnoli, già chitarrista della band), produttore: l’emergente britannico James Dunkley, già al lavoro coi Soil.

Lethal si presenta, quindi, come un album per molti versi definitivo, in quanto, trascurando l’ingresso di Marta dopo Doubt the dosage e la seguente uscita di Yuri dopo Break in life, si tratta del terzo full length firmato Addiction Crew, ovvero l’album della piena maturità: peccato che, pur con tutta la buona volontà, non sembri proprio. Inoltre, in tutte le interviste rilasciate a quotidiani, riviste o siti internet, i membri del combo bolognese hanno sempre tenuto a ribadire che quest’ultimo lavoro rappresenta un solidissimo ritorno alle origini più aggressive e metalliche della loro carriera, sconfessando di fatto la natura più easy-listening e nu-metal del precedente Break in life (2003); allo stesso tempo, hanno sempre manifestato il più categorico disappunto nei confronti dell’essere troppo spesso frettolosamente etichettati come gruppo nu goth, per lo più in base alla sola presenza di una vocalist femminile (e indubbiamente attraente) come l’imolese Marta Innocenti, esigendo che sia esclusivamente la loro proposta musicale a fare da unico giudice delle loro fatiche. Peccato che la loro stessa produzione discografica trovi proprio in Lethal la più efficace smentita a tutti questi rimbrotti: è certamente vero che non si può non storcere il naso di fronte al termine goth (effettivamente, se avessero un frontman anziché una frontwoman, a nessuno verrebbe mai in mente di classificare gli Addiction Crew in questo pur ampio genere), ma, considerato l’uso massiccio della strumentazione elettronica (a titolo esemplificativo si ascolti l’intro di Target), tenuto conto della presenza, seppur in dosi misurate, di strofe rap/hip hop (su tutte l’interessante To the core, nella quale persino Marta si cala nel ruolo temporaneo di rapper), verificata la pressoché costante impostazione strutturale data alle tracce (tralasciando le linee di drumming, alle volte indistinguibili l’una dall’altra già nelle sezioni introduttive dei pezzi), la collocazione nu-metal calza loro veramente a pennello.

Tuttavia, far parte di un determinato genere musicale non significa affatto essere sufficientemente adeguati a produrne lavori in grado di valorizzarne le peculiarità: Lethal, nel nostro specifico caso, è sì perfetto rappresentante del nu-metal, ma ne estremizza e al contempo banalizza tutte le linee guida sopra indicate con una pochezza di idee e di inventiva (non mi azzardo a parlare di originalità) davvero estenuante. Non sono le qualità tecniche a mancare (sebbene siano rarissime le occasioni in cui quest’ultime possano realmente esprimersi), né tantomeno la facilità di ascolto (anzi, forse quest’ultima è in assoluto uno dei maggiori pregi di questo full length): il difetto essenziale del disco, che sgretola in partenza tutte le spade che si potrebbero spezzare in suo favore, è una piattezza diffusa e generalizzata che, se da un lato finisce col connotare profondamente tutti i pezzi dello stile Addiction Crew, dall’altro non lo fa certamente in maniera positiva, in quanto il suo ascolto non lesina affatto noia e attacchi di sonnolenza. Per verificare quanto si sta dicendo è sufficiente ascoltare una volta di filato tutte le 12 tracce: nessuna riesce ad esaltare, a sorprendere, a far sobbalzare, ma tutte quante scivolano via dal lettore con una facilità ed una leggerezza davvero esecrabili.

Ovviamente non mancano alcuni momenti ben riusciti: la titletrack introduttiva è un piccolo compendio nu-metallico (manca giusto un inserto rapcore e sarebbe un Bignami pressoché completo); Make a sense, per quanto palesemente ruffiana, si distingue per un buon uso delle tastiere e delle modalità acustiche nelle chitarre (essenzialmente nelle sezioni di intro e outro) e per un inciso pulitissimo, cantato finalmente dalla sola vocalist (ugualmente rimarchevoli le interazioni duettali fra quest’ultima e la voce maschile); Hangin’ in the air è una malinconica (più che altro nelle intenzioni) ballad con un singolare bridge elettro-acustico che, per quanto assolutamente scontata, riserva pur sempre un discreto gradimento, anche se si sarebbe potuto evitare di inserire quella sciocca base hip-hop a metà del brano; To the core, infine, è un vago ritorno alle sonorità di Break in life, con strofe semi-rappate, chitarre distorte, atmosfere metalliche decisamente sporche e, in parecchi frangenti, quasi confusionarie. I restanti brani si situano invece, in un’ipotetica scala di valori, sul mediocre tendente al “malapena decoroso” e, nonostante l’esagerata brevità temporale (solamente 2 pezzi su 12 superano i 3 minuti e mezzo di durata), ripropongono le identiche linee melodiche (drammaticamente monotematica la sezione ritmica): citarne uno o l’altro non farebbe proprio alcuna differenza.

Il più cocente rammarico che si può provare a seguito di un più attento ascolto di Lethal è quello di rinvenire come l’evidente maturazione canora e interpretativa della singer Marta Innocenti non sia stata doverosamente accompagnata da un altrettanto considerevole crescita della band: la straripante versatilità della prima, perfettamente a suo agio sia su linee melodiche tenere e squillanti che alle prese con registri più graffianti e opachi, si infrange miseramente sulla già ampiamente illustrata ripetitività delle strutture ritmiche. Dalla Innocenti non possiamo certamente aspettarci quelle evoluzioni canore poderose e allo stesso tempo acute proprie delle cantanti di impostazione lirica, tuttavia i numerosi spunti che la sua prestazione vocale ha così notevolmente sviluppato (da sottolineare anche l’abilità di adattamento nei cambi di velocità del testo che, nonostante un inglese alle volte un po’ maccheronico, le consente di potersi concentrare al meglio sull’interpretazione) meriterebbero un supporto strumentale decisamente più vario e adeguato.

Per concludere, Lethal è un album più che dignitoso che certamente seminerà alle sue spalle sciami di sostenitori, in grado di saziarsi appieno della sua immediatezza, della sua finta potenza, delle (reali) doti vocali ed estetiche della frontwoman: troppo poco, però, per non essere dimenticato a breve come ogni grande occasione sprecata.

Save Me from Myself

admin — Sun, 05 Oct 2008 22:00:00 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Nu Metal

Etichetta:

DMG

Anno:

2008

Link correlati:

Head Officiale Site

Line-Up:

- Brian Welch - voce, chitarra, synth

Guests:
- Archie J. Muise Jr. - chitarra
- Tony Levin - basso
- Josh Freese - batteria

Tracklist:

1. L.O.V.E. (06:31)
2. Flush (04:26)
3. Loyalty (05:07)
4. Re-Bel (05:40)
5. Home (06:52)
6. Save Me from Myself (05:44)
7. Die Religion Die (05:34)
8. Adonai (05:19)
9. Money (04:43)
10. Shake (04:48)
11. Washed by Blood (09:34)

Brian Head Welch

Save Me from Myself

Prima di trattare più specificatamente di Save Me From Myself, primo album da solita di Brian “Head” Welch, ex chitarrista dei Korn, trovo che sia opportuno sintetizzare le tappe più importanti dalla sua dipartita dalla band di Bakersfield. E’ il 22 Febbraio 2005 quando Head annuncia pubblicamente:

“Ho scelto il signore Gesù Cristo come mio salvatore, e a lui dedicherò le mie prossime ricerche musicali”,

ufficializzando così il suo addio a Jonathan Davis, David Silveira e gli altri pionieri del genere Nu Metal. Sembra un annuncio piuttosto azzardato, un fuoco di paglia frutto di un’indubbia crisi esistenziale dovuta soprattutto alle difficoltà di essere ragazzo-padre, ma non è così: il mese successivo Brian Welch si fa battezzare nel fiume Giordano dichiarando di essersi rinchiuso per ore in una stanza d’albergo nel suo “personale centro di “disintossicazione” con Dio, vincendo così la sua dipendenza dalle droghe e dal “Dio Denaro”. Con questo, però, Head non intende assolutamente abbandonare il mondo della musica:

“Mi è sempre piaciuto il fatto che la musica dei Korn abbia aiutato i ragazzi a tirar fuori la propria aggressività, ma con la mia nuova musica, ora, vorrei far capire loro che c'è anche dell'altro là fuori: voglio mostrare loro che c'è una luce alla fine del tunnel del dolore, che non c'è solo aggressività. Voglio dire loro: - ehi, ragazzi, poghiamo e divertiamoci assieme!- "

Nel marzo di quest’anno, infatti, Welch fonda una nuova etichetta discografica, la Driven Music Group, siglando un contratto di distribuzione con la Warner, e annuncia il nome del suo primo album da solita: Save me from myself, omonimo titolo dell’autobiografia uscita nell’estate del 2007. Il progetto solista di Welch, scelto il definitivo moniker di Head, sembra procedere spedito, ma il chitarrista stupisce nuovamente l’attenzione collettiva affermando che “sì, il mixaggio del disco è quasi completo”, ma sta aspettando che Dio gli riveli quando pubblicarlo: esattamente l’opposto di quanto dovrebbe fare chi, approfittando di una incalzante campagna mediatica scatenatasi su un brutale fatto di “gossip” (le virgolette sono doverose per un avvenimento estremamente personale come una conversione, che ci si creda o no), volesse incrementare le proprie vendite commerciali. Il segno divino, comunque, arriva e il 9 settembre 2008 esce nei negozi di dischi Save me from myself: un album dai molteplici risvolti, vista l’importanza preponderante delle liriche e il massiccio apporto di campionamenti elettronici e registrazioni, che certamente non mancherà di far discutere soprattutto coloro i quali non hanno mai creduto all’esperienza quasi mistica di Head, ritenendola solo uno squallido spot, e quanti, allo stesso tempo, l’hanno platealmente infamato per aver abbandonato una band tanto amata e, per giunta, in evidenti difficoltà come i Korn.

Flush, primo singolo estratto, sarà ovviamente fonte di polemiche. Nulla da eccepire dal punto di vista musicale: le linee melodiche sono potenti e penetranti, si insinuano nella testa come un martellio insolente eppure piacevole (il chorus, da questo punto di vista, è quasi “psicotropo”) e sostengono in maniera più che efficace un testo crudo ma, proprio per questo, realistico, che trae dal vissuto personale dell’artista (e dalla sua rinascita individuale) l’esempio più immediato e veritiero a sostegno del suo messaggio quasi didattico.

Fin qui non ci sarebbe nulla di incoerente con quanto dichiarato in precedenza da Welch, non fosse per un video a dir poco scandaloso (nel puro senso del termine, assolutamente privo di connotazioni positive o negative). Prima le note positive: l’inizio e la fine della clip, costellati da testimonianze di giovani vittime dell’abuso di droga fortunatamente redentesi in tempo, esprimono con chiarezza giornalistica l’essenza della missione che Head si è proposto di affrontare, mentre la parte iniziale, durante la quale Welch si mostra completamente incatenato all’interno di una stanza spoglia e metallica, funge da impietosa allegoria della prigionia dalle sostanze stupefacenti e, al contempo, da efficace rappresentazione della terapia da metadone. Le discussioni, però, si accendono inevitabilmente in concomitanza della parte centrale: non tanto nell’occasione in cui, grazie a bruschi negativi, Head si mostra ripetutamente in posizione sepolcrale ed il suo aspetto ricalca, non so fin quanto volutamente, le sembianze (e le circostanze) di Cristo nella Sacra Sindone, ma al momento della comparsa di alcune provocanti ballerine che altro non hanno di meglio da fare che leccare una gustosa polverina rossa (metafora della droga, che insanguina le vite di chi l’accoglie nel proprio letto, o semplice effetto visionario?) e atteggiarsi in pose indubbiamente saffiche. Posso certamente capire la necessità delle case discografiche di montare un video dal facile appeal mediatico (in questo caso piuttosto “sex”…), tuttavia questo aspetto stride palesemente con la natura stessa della proposta di Head, in quanto, ai fini del suo messaggio, non c’era alcuna esigenza di ricorrere ad elementi puramente accessori e scandalistici. Lo spettacolo è indubbiamente macabro e, per pochi versi, gratificante, ma mina in profondità l’autenticità dell’esperienza e delle intenzioni di Head, in quanto, se a suo dire non c’era alcuna alternativa al drastico abbandono dai Korn per seguire al meglio la via del Signore, non si capisce per quale motivo abbia al contrario ceduto, in questo frangente, ad un compromesso che certo non può dirsi d’ispirazione divina. Avendo già letto numerose accuse nei confronti di Welch, ho buoni motivi, oltre alla mia personale convinzione, per affermare che Head sia riuscito a farsi “nemici”, oltre a coloro che non lo perdonano della sua dipartita e quanti lo scherniscono per la giustificazione adottata, anche quelli che ritenevano sinceri i suoi intenti e confidavano nel suo futuro artistico in maniera assolutamente priva di pregiudizi.

Dal punto di vista musicale, tuttavia, alcuni meriti di Welch sono indiscutibili e solamente una facoltà di giudizio offuscata e prevenuta può non metterli in evidenza: nonostante, e forse proprio grazie a, un uso massiccio di sintetizzatori e strumentazione elettronica che lui stesso abilmente manovra, la sua musica risulta d’estremo effetto, tingendo l’atmosfera d’un’oscurità nebbiosa e dissacrante che incute timore e, per certi versi, riverenza. E’ il caso, ad esempio, di L.O.V.E., che si insinua nelle orecchie degli ascoltatori con la grazia giocosa di un sinistro carillon: è solo l’inizio di un crescendo musicale ripetitivo ma efficace, che prosegue in un riff di chitarra preciso e vigoroso e scaturisce in un chorus aperto ed albeggiante.

E’ un Head allo stesso tempo sublime e profetico, il quale, consapevole protagonista di un’esistenza assolutamente drammatica, colloca sé stesso al di sopra delle masse, quasi a livello di dispotico mentore sociale: dopo Flush, di cui si è detto sopra, e la meravigliosa Loyalty (forse il capitolo migliore dell’intero album: a voi la gradita sorpresa), l’evocante Rebel si presenta infatti con un coro di voci bianche cui si contrappone in maniera assolutamente graffiante un propagandistico chorus in scream, per poi culminare in un coro, stavolta, di voci adulte, a sfondo del quale si erge il canto aspro ma non sgraziato di un Welch intimamente scosso.

Dopo Rebel, però, l’album perde drasticamente di efficacia e ripete in maniera personalmente faticosa tutti i temi musicali già ampiamente sfruttati: Home illude con una potente introduzione epico-gotica, nella quale la batteria sorregge possentemente un buon tappeto elettronico, ma si spegne poco dopo in un chorus debole e ormai ritrito (molto piacevole, comunque, il breve intermezzo con delicato sottofondo corale); la titletrack si salva solamente per un ritornello fortemente evocativo il quale, purtroppo, ammicca un po’ troppo esplicitamente alle formulazioni messali; Die Religion Die stupisce per una cattiveria acida e quasi smodata, frutto di una “colta” rabbia anti-religiosa, ma annoia nella sua instancabile ripetitività. Bene invece, Adonai, con un ritmo altalenante che offre la scomoda sensazione di una velenosa filastrocca sotterranea, e Money, duro d’accuse che, seppur in maniera piuttosto sterile, gratifica l’ascolto con un muro sonoro secco ed essenziale, che riduce l’ormai imperante impatto elettronico ad una sola, “fragile” linea melodica. Shake, infine, si fa forte di sonorità pseudo-indiane, molto accattivanti di per sé ma assolutamente fuori luogo in quest’occasione, e di un cantato molto più pacato e sottile (ad ovvia eccezione del chorus), mentre Washed by blood chiude ottimamente l’album con 9 minuti assolutamente esaltanti, che sintetizzano al meglio quanto di buono espresso finora da Save me from myself, lasciandosi piacevolmente introdurre da un grottesco, e proprio per questo delizioso, pizzicato di violini.

In conclusione, per un personaggio così contraddittorio quale l’ex chitarrista dei Korn, il giudizio non poteva essere che altrettanto incerto: la proposta musicale di Head è sicuramente significativa in quanto, scusate il gioco di parole, ha un suo preciso significato, elemento piuttosto raro nella superficialità, per lo meno apparente, del mondo moderno: che il suo messaggio lo si voglia credere sincero o artificiale poco cambia ai fini del giudizio complessivo, in quanto comunque i testi di Welch, se confrontati con la sua esistenza precedente alla scoperta del Signore, sono oltremodo reali e sentiti. Ciò non basta certamente a far rizzare i pollici in totale segno di approvazione, ma le ambientazioni musicali di Head sono così oscure e crepitanti, così macabre e al contempo luminose, come se convivessero in lui (e forse non siamo lontani dalla verità) la rabbia di un passato da rinnegare e la speranza di un futuro da costruire, che è assolutamente impossibile non rimanerne intrappolati. Nonostante una monotonia musicale alle volte quasi estenuante, che può trarre però ispirazione, nonché parziale giustificazione, proprio dall’esasperata condizione dalla quale Welch ha tratto la forza di reagire, Save me from myself è comunque un album valido ed estremamente interessante perché riesce a comunicare con la forza delle parole e delle idee, della musica e dei sentimenti: non è certo cosa da poco.

Devil's Gift

admin — Wed, 27 Aug 2008 22:00:00 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Nu Metal

Etichetta:

Tiefdruck/Andromeda

Anno:

2008

Link correlati:

Devil's Gift @ MySpace.com

Line-Up:

Nella miriade di gruppi nati nella sfera Nu Metal d’oltreoceano, i Devil’s Gift costituiscono l’ennesimo fallimento di una cultura musicale che ha perso gran parte delle potenzialità delle origini. I tempi dei Korn dell’omonimo album sono ormai trascorsi e troppe bands hanno solcato gli stessi meandri timbrici senza lasciare un’impronta significativa nel genere; i Devil’s Gift, originari di Orlando, oltre a possedere una biografia davvero scarna, giungono alla pubblicazione dell’album d’esordio omonimo quasi dal nulla, senza avere alle spalle una solida storia da band.

Di questo risente parecchio la qualità di un album che al suo interno riunisce il lavoro congiunto di musicisti e tecnici del suono di ottimo calibro, come la bella Lennon Murphy, famosa negli Stati Uniti per aver supportato in tour gli immortali Aerosmith e Motley Crue, come Jason Suecof (produttore dei vari Trivium, All That Remains, DevilDriver e Chimaira), o come Shawn Glass, ex leader dei Soil, che dà alle stampe il disco sotto la sua etichetta.
Con uno stile che richiama da vicino le sonorità più incisive degli Evanescence, ricco di chiaroscuri ma anche troppo colmo di aperture melodiche scontate e banali, il platter scorre via in modo anonimo, lasciando spazio solo alle discrete soluzioni dell’opener Looking For Jesus.
Altre tracce più violente come Shadow Never Ending richiamano da vicino lo stile degli Otep, senza comunque conferire un taglio personale che permetta all’ascoltatore di memorizzare qualche riff o intreccio di chitarra o qualche melodia vocale.
Sebbene la produzione sia stata curata nei minimi dettagli, ciò che traspare è solo una fotocopia di numerose altre opere che presentano una voce femminile al di sopra di un tessuto Nu Metal e che spesso vengono erroneamente catalogate sotto l’etichetta “Gothic”, facendo rabbrividire i cultori del genere.

Non si discute pertanto il background tecnico della formazione o la personalità ed interpretazione della cantante Lennon Murphy, ma se si instaura un confronto con altre valide realtà dotate di cantato femminile e celate solo perché non trascinate dall’onda della moda musicale, si comprende la vera sostanza del progetto Devil’s Gift.
Si consiglia quindi l’album solo a chi, non ancora annoiato dalla staticità musicale della scena emergente americana più votata alla logica del successo televisivo, vuole accostarsi ai nuovi progetti di una promettente cantante, ormai sempre meno convincente.

Tracklist:

1. Looking For Jesus
2. Shadow Never Ending
3. Victim
4. Damned Angels
5. Final Words
6. Sacrifice
7. Beautiful You
8. All That You Left
9. Nobody
10. Hold On
11. Bleed You Out
12. Game Show Winner
13. One On One

Devil's Gift

Nella miriade di gruppi nati nella sfera Nu Metal d’oltreoceano, i Devil’s Gift costituiscono l’ennesimo fallimento di una cultura musicale che ha perso gran parte delle potenzialità delle origini. I tempi dei Korn dell’omonimo album sono ormai trascorsi e troppe bands hanno solcato gli stessi meandri timbrici senza lasciare un’impronta significativa nel genere; i Devil’s Gift, originari di Orlando, oltre a possedere una biografia davvero scarna, giungono alla pubblicazione dell’album d’esordio omonimo quasi dal nulla, senza avere alle spalle una solida storia da band.

Di questo risente parecchio la qualità di un album che al suo interno riunisce il lavoro congiunto di musicisti e tecnici del suono di ottimo calibro, come la bella Lennon Murphy, famosa negli Stati Uniti per aver supportato in tour gli immortali Aerosmith e Motley Crue, come Jason Suecof (produttore dei vari Trivium, All That Remains, DevilDriver e Chimaira), o come Shawn Glass, ex leader dei Soil, che dà alle stampe il disco sotto la sua etichetta.
Con uno stile che richiama da vicino le sonorità più incisive degli Evanescence, ricco di chiaroscuri ma anche troppo colmo di aperture melodiche scontate e banali, il platter scorre via in modo anonimo, lasciando spazio solo alle discrete soluzioni dell’opener Looking For Jesus.
Altre tracce più violente come Shadow Never Ending richiamano da vicino lo stile degli Otep, senza comunque conferire un taglio personale che permetta all’ascoltatore di memorizzare qualche riff o intreccio di chitarra o qualche melodia vocale.
Sebbene la produzione sia stata curata nei minimi dettagli, ciò che traspare è solo una fotocopia di numerose altre opere che presentano una voce femminile al di sopra di un tessuto Nu Metal e che spesso vengono erroneamente catalogate sotto l’etichetta “Gothic”, facendo rabbrividire i cultori del genere.

Non si discute pertanto il background tecnico della formazione o la personalità ed interpretazione della cantante Lennon Murphy, ma se si instaura un confronto con altre valide realtà dotate di cantato femminile e celate solo perché non trascinate dall’onda della moda musicale, si comprende la vera sostanza del progetto Devil’s Gift.
Si consiglia quindi l’album solo a chi, non ancora annoiato dalla staticità musicale della scena emergente americana più votata alla logica del successo televisivo, vuole accostarsi ai nuovi progetti di una promettente cantante, ormai sempre meno convincente.

TRACKLIST:
1. Looking For Jesus
2. Shadow Never Ending
3. Victim
4. Damned Angels
5. Final Words
6. Sacrifice
7. Beautiful You
8. All That You Left
9. Nobody
10. Hold On
11. Bleed You Out
12. Game Show Winner
13. One On One

Re-Up

admin — Thu, 17 Apr 2008 22:00:00 +0000

Voto:

4.2 / 10

Autore:

Salvo Sciumè

Genere:

Nu Metal

Etichetta:

Locomotive Records/Frontiers

Anno:

2001

Link correlati:

Comadose Official Site

Line-Up:

- Michael S. Roberge - voce
- Thomas P. Ackroyd - chitarra
- Jason L. Martin - basso
- Dan J. Cicchetti
- Jack E. Worster
- Jacob A. Brown

Tracklist:

01. Buzzkill
02. Junkie
03. Velcro
04. Slam Pig
05. Numb Skull
06. Cushion
07. Pain For Pleasure
08. Take Away (Demo Version - Bonus Track)

Comadose

Re-Up

Proprio come avvenuto per i Distrust, siamo di fronte ad un'altra inutile ristampa proveniente direttamente dall'inizio del nuovo millennio, originariamente pubblicata dalla Screaming Ferret nel dicembre del 2001 ed adesso ripresa dalla Locomotive, che si prende la briga di riportare alla luce questo Re-Up, disco d'esordio degli americani Comadose, band dedita ad un nu metal fortemente influenzato dai Korn, dai Limp Bizkit ed in parte minore dagli ultimi Sepultura.
Le ritmiche sono sempre sostenute e la sezione ritmica risulta dura e compatta, i riff sono potenti ed in pieno stile Sepultura, lo scratch del DJ, ogni effetto ed i testi scanditi in rap sono volutamente aggressivi ed in linea con il loro sound, nel tentativo di esprimere un'elevata dose di rabbia repressa.
L'aggressivo impatto sonoro del loro mix di hardcore e rap-core trova però un limite pressoché invalicabile in una evidente carenza di idee che va poi ad influire negativamente su una serie di pezzi simili l'un l'altro e che hanno ben poco da dire, visto anche che in tali ambiti quel che c'era da dire è stato già detto, e meglio, da gente come Korn o Limp Bizkit, ai quali peraltro, come già detto, essi si rifanno.
L'unico squarcio di melodia viene dato dalla bonus track posta in chiusura Take Away, che alterna parti più posate ed appunto melodiche ad altre più rabbiose, pur mantenendo sempre lo stesso stile delle altre, tra le quali comunque non mancano discreti esempi di quel nu metal che circa un decennio fa se adeguatamente promosso non avrebbe faticato poi tanto a trovare un po' di spazio nelle varie radio o su MTV. Potrebbe questo essere il caso del trittico centrale composto da Velcro, Slam Pig e soprattutto Numb Skull.
A parte qualche nostalgico e cultore del nu metal, per i quali Re-Up potrebbe rappresentare una, peraltro modesta, alternativa di ascolto, si tratta di un album di cui si può benissimo fare a meno.