Noise

Bestial Burden

Emanuele Pavia — Sat, 11 Oct 2014 16:27:35 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Noise

Industrial

Etichetta:

Sacred Bones

Anno:

2014

Line-Up:

- Margaret Chardiet - Voce, musiche

Tracklist:

1. Vacuum
2. Intent or Instinct
3. Body Betrays Itself
4. Primitive Struggle
5. Autoimmune
6. Bestial Burden

Pharmakon

Bestial Burden

Dopo aver shockato nel 2013 il mondo alternativo con Abandon (pubblicato sotto l'egida della Sacred Bones), che sfoderava alcune tra le sonorità più estreme ed esplosive degli ultimi anni, la new yorkese Margaret Chardiet - meglio nota attualmente con il moniker Pharmakon - ritorna immediatamente sulle scene pubblicando il suo secondo (mini)album Bestial Burden, sempre edito dalla Sacred Bones e sempre presentato da un artwork truculento, poco più di un anno dopo.

Il sound di partenza non si discosta granché da quanto esibito sul terrificante debutto: il tessuto sonoro, violento e orrorifico, è costituito da scariche dissonanti e detonazioni elettroniche, che richiamano in egual misura la claustrofobia della musica industriale, gli esempi più abrasivi di power electronics e noise e l'efferatezza esecutiva della no wave new yorkese, realizzandosi infine in una musica da incubo a metà strada tra Throbbing Gristle, Prurient e Swans.
Tutto però risulta in questo secondo lavoro meno sensazionalista e più calibrato. Vi sono certo ancora momenti sopra le righe, come per esempio il respiro affannoso e irregolare con cui Vacuum inaugura il disco, oppure la registrazione di un uomo in preda a un attacco di nausea e vomito che introduce Primitive Struggle - qui però giustificato successivamente da un intelligente campionamento dei suoi conati, che finiscono infine per confondersi con le spaventose scosse ritmiche; ma rispetto ad Abandon, le trame musicali si fanno più varie, preferendo talvolta approcci un po' più subliminali e meno diretti, mettendo in secondo piano le distorsioni e facendo risaltare qua e là qualche spunto melodico (con l'unica eccezione rappresentata dalla - comunque eccellente - Autoimmune, il brano più vistosamente legato all'oltranzismo dell'esordio).

Sale addirittura il sospetto che si possa rintracciare una possibile influenza nel lavoro di Akira Yamaoka, che con la musica di Pharmakon trova numerosi punti di contatto sia dal punto di vista musicale sia da quello atmosferico. In effetti, ascoltando la base di Intent or Instinct, con le sue melodie sghembe e primitive continuamente sabotate dall'ossessivo incedere ritmico e dalle dissonanze pervasive, o gli intrecci alieni sul finale di Body Betrays Itself, riaffiorano nella mente proprio alcuni dei momenti più raggelanti della colonna sonora per la celebre saga videoludica di Silent Hill.

Il ruolo più importante per la resa finale del lavoro è però data dalla prestazione vocale di Chardiet che, coerentemente con la sua maturazione nella creazione e nell'utilizzo delle trame elettroniche che ne sostengono il canto, si arricchisce di una versatilità inedita, donando una maggiore profondità (strettamente musicale, ma anche e soprattutto psicologica) ai brani di Bestial Burden.
Probabilmente stregata dalle ammalianti e magnetiche esibizioni live di Michael Gira, con i cui Swans ha suonato in vari concerti nel 2014, la Chardiet opta ora per un'interpretazione più sfaccettata che, pur avvalendosi sempre delle sue urla demoniache e dei suoi versi luciferini (a metà strada tra Diamanda Galás e Runhild Gammelsæter), oltre che del caratteristico manto elettronico che già in Abandon ne filtrava le linee vocali snaturandole e disumanizzandole, talvolta si abbandona a un inquietante cantato pulito, capace di risultare al contempo lascivo, perverso e sardonico.
È soprattutto la splendida title track, posta a chiusura del lavoro, a manifestare al meglio questa nuova espressività: la Chardiet si erge sopra una minimale pulsazione ritmica, librandosi in linee vocali contese tra una lussuria suadente e un infantilismo capriccioso, che con il passare dei minuti degenerano sempre più in un accartocciarsi di urla, strilli, echi e manipolazioni elettroniche, fino a giungere a un inestricabile groviglio distorto in cui la sua voce è ormai indistinguibile dal resto delle fonti musicali del pezzo.

Sotto molti punti di vista, Bestial Burden risulta ancora più riuscito del già notevole Abandon. Il percorso artistico di Margaret Chardiet si fa su questo lavoro più maturo, ma al contempo la sua musica non sembra voler emergere dagli abissi di depravazione e incubi che il progetto Pharmakon, fin dalle sue origini, si è posto l'obiettivo di scandagliare.
Levigando qualche spigolo ancora legato allo spirito ottusamente effettistico del debutto, non è improbabile che Pharmakon possa giungere a comporre finalmente il capolavoro cui i momenti migliori dei suoi primi due album sembrano tendere caparbiamente.

Quintale

Giulio Magliulo — Sat, 07 Dec 2013 15:55:54 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Noise

Etichetta:

La Tempesta Dischi

Anno:

2013

Line-Up:

Bruno Dorella - Batteria

Giovanni Succi - Voce, Chitarra Elettrica

guest:

Arryngton De Dyoniso - sax su Enigma

Tracklist:

Haiti
Brutti Versi
Coleotteri
Enigma
Fessura
Mari Lontani
Io lo vuole
Pensieri Parole Opere
Paolo il Tarlo
Sangue
Dio del suolo
Ma anche no
BARATTO@BACHIDAPIETRA.COM

Bachi da Pietra

Quintale

Quintale è il disco più duro dei Bachi Da Pietra ed è forse il disco che aspettavamo dai Bachi Da Pietra. Un compendio naturale, un'evoluzione ovvia che stabilisce senza remore quali sono le origini, le influenze e gli ascolti che il duo Dorella/Succi come un virus letale prima o poi dovevano diffondere. Ed il bubbone è qui, purulento in tutta la sua nuda e scabra bellezza.

Gli albums precedenti tutti giocati sul filo di una febbricitante poetica fatta di umido terreno grondante malattia e disagio qui si asciugano al fuoco dell'elettricità rivelata dai volumi e dai pedali.

Non ci si deve più tenere. Non ci si deve più nascondere dietro il sussurro ed il singhiozzo. Le catene rugginose che li intrappolavano sono diventate strumento di percussione e le derive noise e perfino concettualmente sludge trovano finalmente soddisfazione e adeguata collocazione.

Che gran disco Quintale. Che schiaffo all'Italietta 'alternative' che si guarda vanesia allo specchio. Che disco rock Quintale. Che non vuol dire che i Bachi siano meno ermetici nei loro deliri. Cosa è che non sanno i personaggi più o meno conosciuti di Enigma forse non lo sapranno mai, forse neanche noi e forse neanche i Bachi stessi, ma non è questo il punto. Il punto è che noi vogliamo farci fare fessi di musica e di rock and roll e Fessura ci riesce benissimo e Mari Lontani ci allontana e ci annega barcollanti ed ubriachi come vecchi marinai naufraganti ormai buoni solo per i pesci.

Musica che finalmente non si arroga il diritto di una verità ma che vomita disprezzo verso chi lo merita, chiunque esso sia, qualunque cosa sia e che del dubbio ne fa il suo punto di forza. Senza strane filosofie sottese. Le chitarre non mentono. Possono solo attorcigliarsi convulse su sé stesse imitando le goffe movenze del rock and roll, non chiedevamo niente di più. Pensieri Parole e Opere sbeffeggia perfino l'iddio creatore rendendolo più umano, e noi con lui. Lavarsi la faccia con il nero fango stoner di Paolo Il Tarlo può essere solo gesto catartico e purificatore.

Sangue è pura psicosi rock da midwest fine '80 o di qualsiasi altro lercio gruppo newyorkese blues- core - Jesus Lizard, Cows, Hammerhead, fate un po' voi – esaltata da un letale additivo sludge doom che la rende infinitamente più disperata e tetra.

Dio Del Suolo e Ma Anche No rivelano poi le capacità dei nostri di fare canzoni, di quelle vere, da cantare in un mondo parallelo al posto di quelle di Ligabue, ma bisogna entrarci per comprenderlo e per entrarci bisogna sporcarsi e tanto.

L'ultima traccia invece è una schietta recriminazione di chi vive di musica e si vede sottrarre il giusto compenso dal modo in cui il mondo ha deciso che bisogna consumare la musica.

Difficile ripetersi dopo Quintale, ma già un nuovo e.p.di due tracce, FestivalBug è in giro ed una tale furia espressiva non può estinguersi così.

Imps of Perversion

Emanuele Pavia — Wed, 04 Sep 2013 21:04:10 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Noise

Etichetta:

Sacred Bones

Anno:

2013

Line-Up:

- Caleb March (aka Chris Bug) - Voce
- Ivan Lip - Chitarra
- John Skultrane - Basso, elettronica
- Andrew Smith - Batteria

Tracklist:

1. Lights Out
2. The Control Freak
3. Population Control
4. Nailhouse
5. Human Probe II
6. Do the Anglerfish
7. Dawn of Man
8. Coma Baby
9. Human Probe
10. Riding Shotgun
11. Machine Trauma

Pop. 1280

Imps of Perversion

Gli americani Pop. 1280 ritornano silenziosamente sulla scena del delitto pubblicando, a un solo anno dal buon debutto The Horror, il secondo full-length Imps of Perversion, ancora una volta sotto l'egida della Sacred Bones e ancora una volta indulgendo nel più efferato terrorismo sonico della scuola di New York.

La proposta di Imps of Perversion in effetti non si discosta poi molto da quella esibita sul precedente capitolo: il sound del quartetto è ancora un feroce connubio degli incubi new wave dei Suicide e dei Throbbing Gristle e delle feroci dissonanze noise rock di Barkmarket, Cop Shoot Cop e Swans, solo leggermente mitigato da strutture più classicamente rock che rievocano i Jesus Lizard e i Birthday Party. Ma ciò che separa The Horror dal nuovo lavoro dei Pop. 1280 è invece un'atmosfera meno claustrofobica e più brutale: i synth di John Skultrane, che nell'esordio ricoprivano un ruolo fondamentale nell'affresco di disagio suburbano evocato dal complesso, vengono ora relegati in secondo piano, lasciando maggiormente spazio alla ferocia della chitarra, alla batteria martellante e soprattutto alla sciamanica prestazione vocale di Caleb March, mai così indemoniato come su Imps of Perversion.

Quello che rischia di essere un duro colpo alla personalità dei Pop. 1280, il cui caratteristico sound spettrale molto doveva alla componente elettronica della loro musica, si rivela invece fondamentale per un felice aggiornamento della loro formula, che adesso mostra un lato più selvaggio e feroce, già emerso nel primo EP The Grid.
L'apertura del full-length trae in inganno: sembra infatti che i Pop. 1280 siano più a loro agio nel gettarsi in febbricitanti e distorti numeri garage/noise in stile Birthday Party (ma con un gusto melodico che rimanda ai Sonic Youth di Daydream Nation), come dimostrato da Lights Out e The Control Freak. Ma già da Population Control, primo vertice di Imps of Perversion e tra i pezzi più belli che i Pop. 1280 abbiano mai concepito, l'album si rivela molto meno lineare del precedente nel tributare i sound più rumoristi degli ultimi trent'anni: si tratta infatti di un ossessivo noise rock a tinte cibernetiche registrato in lo-fi che rimanda direttamente ai live più annichilenti degli Swans industriali (Public Castration Is a Good Idea) e alle esecuzioni più antimusicali dei Cop Shoot Cop (Consumer Revolt). Il tessuto sonoro, composto solamente da deflagrazioni di distorsioni di chitarra, batterie percosse e synth cacofonici, è minimale ma straziante, e valorizza la prova di March che, dapprima improvvisandosi Henry Rollins, latra sguaiatamente al microfono, per poi filtrare elettronicamente la propria voce in una versione putrefatta degli uomini-macchina dei Kraftwerk.
Nailhouse, al contrario, sembra voler rimediare all'oltranzismo sonoro del brano precedente ritornando sui passi di The Horror, con torrenti di synth a scandire la ritmica del pezzo (ma strabordanti di variazioni cosmiche e alienanti, secondo la lezione di The Second Annual Report) su cui si stagliano le esplosioni dissonanti della chitarra di Ivan Lip e il batterismo fragoroso di Andrew Smith.
Ma nei brani successivi, i Pop. 1280 abbandonano ogni emulazione del disco precedente: dapprima l'orrorifico noise rock di Human Probe II (in cui anche i synth rifuggono il loro solito ruolo subliminale contribuendo attivamente nel bombardare di rumori la musica di Imps of Perversion), quindi la deviata Do the Anglerfish (con chitarra e batteria a stuprare le linee dei sintetizzatori che, suonate in un altro contesto, potrebbero costituire un pezzo synth pop), infine gli epilettici numeri garage di Dawn of Man e Coma Baby (a cavallo tra New Bomb Turks, Cop Shoot Cop e Distorted Pony), segnano indelebilmente l'approdo del gruppo a uno stile tra i più violenti degli ultimi anni. Human Probe, secondo vertice del disco, scopre i Pop. 1280 anche come improbabili talenti melodici, capaci di ideare riff (come quelli nel chorus) cafoni, travolgenti e distruttivi nella migliore scuola garage punk.

L'ottimo lavoro svolto per quasi tutto l'album perde purtroppo efficacia sul finale con il lento Riding Shotgun, che forse doveva rappresentare un momento di calma dopo la tempesta precedente e invece mostra un gruppo incapace di adagiarsi su formule meno brutali, tanto da avere come unico risultato quello di far desiderare ancora altre Population Control e Human Probe. Molto meglio il finale "alternativo" dato dalla bonus track Machine Trauma, minimale numero elettronico per soli sintetizzatori e voce, che ribadisce comunque i referenti noise e no wave alla base del progetto Pop. 1280.
Ma nonostante un finale non esattamente esaltante, Imps of Perversion si rivela per certi versi ancora più riuscito di The Horror, e pone definitivamente i Pop. 1280 tra i gruppi revival meno modaioli e più interessanti di questi anni.

King Tears Bat Trip

Emanuele Pavia — Sun, 30 Dec 2012 10:29:16 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Noise

Jazz Rock

Avantgarde

Etichetta:

Table & Chairs/Debacle

Anno:

2012

Line-Up:

- Luke Bergman - Chitarra, percussioni
- Neil Welch - Sassofono tenore, percussioni
- Brandon Lucia - Chango, percussioni (traccia 2)
- Thomas Campbell - Batteria
- Kristian Garrard - Batteria
- Chris Icasiano - Batteria
- Evan Woodle - Batteria

Tracklist:

1. Stolen Police Car
2. Elvenogram

King Tears Bat Trip

Con un ensemble di sette elementi provvisto di chitarra (Luke Bergman, fondatore del complesso), sassofono tenore (Neil Welch), "chango" (ovvero uno strumento analogico, suonato e inventato da Brandon Lucia) e ben quattro batterie (Chris Icasiano, Evan Woodle, Kristian Garrard e Thomas Campbell), i King Tears Bat Trip rappresentano una delle novità più sconcertanti e al contempo interessanti di tutto il 2012.
Attivi già da qualche tempo nell'ambiente underground di Seattle, il settetto ha esordito solo quest'anno con il proprio debutto eponimo (in realtà registrato «in unedited, live studio takes» risalenti al 16 e al 18 aprile 2011), pubblicato prima in formato digitale tramite la Table & Chairs a marzo e stampato finalmente in vinile dalla Debacle a novembre, facendo istantaneamente urlare al miracolo gli amanti delle sonorità più eversive del jazz e del rock.
Per quanto infatti la musica dei King Tears Bat Trip conservi un profondo legame con gli stilemi free jazz (come dimostrato soprattutto dal ruolo di protagonista giocato dal sassofono di Welch - di stampo inconfondibilmente ayleriano -, nonché dal formato free-form delle composizioni dell'album, basate fortemente sull'improvvisazione dei musicisti), il lavoro del complesso valica le frontiere del genere grazie a un lavoro ritmico e rumoristico che riporta alla mente alcuni degli esperimenti più selvaggi nell'ambito rock: le ritmiche afro delle percussioni, dotate di un sapore tribale e quasi sciamanico, evocano lo spettro del Pop Group, mentre le dissonanze della chitarra e del chango portano alla luce un'eredità noise che va dai Boredoms agli Shit & Shine. Eppure, nonostante un'innegabile componente cerebrale e cacofonica dell'album, i King Tears Bat Trip non si arroccano mai in costruzioni austere, autoindulgenti o semplicemente fastidiose: con una capacità invidiabile, l'ensemble riprende dai maggiori lavori di Albert Ayler anche un certo vitalismo melodico gioioso e sublime che, dove non riesce a rendere perfino "catchy" (per quanto consentito da una proposta particolare come quella dei King Tears Bat Trip) la musica dell'album, rende comunque le improvvisazioni dei sette musicisti accattivanti, ipnotiche e quasi spirituali.

Secondo una lunga tradizione jazzistica, anche King Tears Bat Trip si compone di poche ma lunghe improvvisazioni collettive (in questo caso, due pezzi di circa diciotto minuti): Stolen Police Car apre l'album con una distorsione infernale e lacerante, cui si unisce presto il battere incalzante delle batterie (che, poste in circolo durante le esibizioni live - da cui l'etichetta "post-drum circle" con cui il complesso definisce la propria musica -, enfatizzano ulteriormente l'impenetrabilità e l'efficacia del muro ritmico) e l'aleggiare spettrale del sassofono che fa capolino tra la cacofonia di fondo di percussioni, chitarra e chango, sfruttato in un modo che più si confà a un gruppo noise che a un gruppo jazz.
Quando l'impianto ritmico si assesta infine su un pattern definito, ripetitivo eppure incalzante, Welch sfodera un'esibizione energica e piena, che riporta alla mente le magnifiche prove dell'Ayler di Witches & Devils e Spiritual Unity, cui fanno eco chitarra e chango, che ne riprendono le linee melodiche decomponendole in un sostrato distorto e dissonante. In un continuo flusso di coscienza tra variazioni sul tema, improvvisazioni corali e slanci metafisici, il pezzo prosegue in un baccanale guidato dal sostegno ritmico, sempre monolitico per quanto strabordante di microvariazioni che donano continuamente nuovi colori al brano, su cui il sassofono può abbandonarsi liberamente a una performance tra atonalità free jazz, fanfare bandistiche e misticismo ascetico. Quasi celati da questo miasma, Bergman e Lucia devastano ulteriomente (ma sempre subdolamente) il tessuto sonoro con bombardamenti noise, che ora simulano un secondo sassofono distorto sotto quello di Welch, ora aggiungono altre disarmonie a una musica già dissonante e ostica.
Quando il fragore ritmico segnala la fine di Stolen Police Car, i King Tears Bat Trip si cimentano in una side B ancora più sperimentale e cerebrale: Elvenogram riprende direttamente dove la traccia precedente s'era chiusa, estremizzandone ulteriormente le componenti cacofoniche e sperimentali. I pattern batteristici degenerano in schemi claudicanti e primitivi, a sostenere un'esecuzione di Welch sempre più tortuosa e feroce, ormai parente stretta delle esperienze più radicali dell'improvvisazione libera e dell'AACM, mentre chitarra e chango prendono il sopravvento avvolgendo la performance del settetto in una coltre di rumorismi, sferzate elettroniche e cacofonie ascensionali che celebrano l'influenza del più violento terrorismo noise sulla musica dei King Tears Bat Trip.
Un ultimo grido di sassofono, sostenuto dallo scrosciare dei piatti delle batterie, segnala la fine di uno degli album più sconvolgenti e validi che la scena sperimentale abbia partorito in questi anni.

Occult Rock

Emanuele Pavia — Sat, 15 Dec 2012 23:06:56 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Psychedelic Rock

Noise

Drone

Etichetta:

Norma Evangelium Diaboli

Anno:

2012

Line-Up:

- Shantidas Riedacker - Chitarra
- Matthieu Canaguier - Basso
- Antoine Hadjioannou - Batteria

Tracklist:

1. I
2. II
3. III
4. IV
5. V
6. VI
7. VII
8. VIII

Aluk Todolo

Occult Rock

Il terzo full-length del trio francese Aluk Todolo rappresenta probabilmente la definitiva consacrazione di un sound che nei primi due album (vale a dire l'interessante Descension del 2007 e il ben meno notevole Finsternis del 2009) aveva solo rivelato le proprie potenzialità esplosive e distruttive, dispiegando apertamente un numeroso stuolo di riferimenti musicali (dal post-punk al krautrock, dalla psichedelia al noise rock, fino alla drone music e alla musica industriale) ancora non conciliati a dovere in una formula totalmente convincente.
Pubblicato come doppio LP il 21 settembre 2012 dalla Norma Evangelium Diaboli, Occult Rock rilegge la religious psychedelic trance (questa la locuzione - piuttosto pretenziosa - con cui gli Aluk Todolo hanno descritto la propria musica fin dai tempi del primo 7" eponimo) sotto un'ottica ben più oscura e con un dispiego di mezzi ben più distruttivo. Pur senza rifiutare l'impianto ipnotico e asfissiante della loro musica (come ben dimostrato da una sezione ritmica che, tra battiti motorik e pattern ripetitivi degni di Jaki Liebezeit, fa della reiterazione il proprio punto cruciale), gli Aluk Todolo propongono ora un sound estremamente più curato e variegato, che lungo le otto tracce senza titolo dell'album sfoggia ora riff black metal ora cadenze da cingolato sludge e doom, ora torrenziali distorsioni cosmico/psichedeliche ora cacofonie abrasive nella vena del post-punk industriale dei Chrome. Le numerose trame musicali che costituiscono la base per il sound degli Aluk Todulo vengono eseguite impeccabilmente, riuscendo finalmente nell'obiettivo di creare un rituale evocativo e trascendentale.

Il primo movimento si apre fin da subito con il fragore di un blast-beat su cui si ergono riff metal in tremolo picking (i riferimenti sono visibilmente le correnti più atmosferiche del black metal, dal Burzum di Hvis Lyset Tar Oss fino alle propaggini sperimentali americane del nuovo millennio), ma quel che potrebbe essere l'introduzione a un disco di metal estremo diventa, con il passare dei minuti, un mantra cosmico che, senza mai rifiutare le tecniche metal, si tinge sempre più di sonorità space-rock e psichedeliche, tra giochi di dissonanze e feedback, fischi e rumori, fino a impennate chitarristiche che cannibalizzano Hawkwind, Pink Floyd e Chrome.
La metamorfosi del pezzo giunge con II, che tronca definitivamente le ingerenze black metal per approfondire quelle astrali. Sostituito il blast beat con un pattern ritmico (non meno martellante) rubato a Can e a This Heat, la chitarra improvvisa ora su un ossessivo riff di basso, cimentandosi in spastici arpeggi post-rock dal sapore spaziale, fino a deflagrazioni metal che conducono il brano in un sentiero psichedelico dai toni vagamente desertici, per poi confluire infine in un'impennata mistica che si disperde nel vuoto siderale interrotto solo dal colpo di piatti che inaugura III. Ormai lontani dalle jam rock dei primi due movimenti, gli Aluk Todulo giocano con distorsioni claustrofobiche, inflessioni stoner e derive drone che lasciano la musica a languire in un limbo oscuro e magmatico su cui la batteria, implacabile, continua a battere il tempo senza quasi alcuna variazione. Solo una breve parentesi di post-punk rumorista e ronzante interrompe i dieci, insistenti minuti di marcia del brano, prima che gli Aluk Todolo procedano con il quarto atto del disco, che bombarda con stridii, distorsioni e detonazioni di chitarra un geometrico schema ritmico slintiano.
Il secondo LP dell'album si mostra invece più improntato all'atmosfera e alla dilatazione del brano post-punk, sfoderando dapprima visioni deviate della musica cosmica (V) e quindi mostrando la personale interpretazione del noise rock degli Aluk Todolo (VI), fino a giungere al settimo movimento di Occult Rock che accelera il passo dei Neu! di Für Immer aggiornandolo alle rivoluzioni delle correnti del post-hardcore con muri sonori celestiali shoegaze e scariche chitarristiche adrenaliniche, fino a improbabili manipolazioni chitarristiche che sposano la musique concrète dei Faust con la tecnica atonale di Robert Fripp e le sperimentazioni della scena di Canterbury (Gong e Soft Machine in particolare). Infine, VIII conclude il viaggio spirituale degli Aluk Todulo con un sound monolitico e agonizzante, che raggiunge vertici di pesantezza sludge metal per poi rallentare sempre di più la pulsione ritmica e lanciando gli ultimi urli agonizzanti della chitarra al cielo, mentre l'album si appresta a concludersi con un feedback interrotto bruscamente dallo spegnimento dell'amplificatore.
Forse non tutti i quasi ottantacinque minuti di questo mastodontico doppio sono necessari alla riuscita finale dell'album, ma i problemi di prolissità di Occult Rock non sono così importanti viste la qualità delle composizioni, la maturità del crossover stilistico e la portata emotiva di questo viaggio nell'occulto.

Past Life Martyred Saints

Paolo Bellipanni — Wed, 15 Jun 2011 18:17:23 +0000

Voto:

7.4 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Noise

Pop

Etichetta:

Souterrains Transmissions

Anno:

2011

Line-Up:

- Erika M. Anderson - chitarra, voce, programming

Tracklist:

1. The Grey Ship
2. California
3. Anteroom
4. Milkman
5. Coda
6. Marked
7. Breakfast
8. Butterfly Knife
9. Red Star

EMA

Past Life Martyred Saints

Fino a poco tempo fa musa degli sperimentatori noise/folk Gowns, Erika M. Anderson è l’emblema dell’icona underground femminile dall’indole problematica e tormentata. Un’interiorità vibrante e mai appagata, definitivamente emersa con l’abbandono del suo (mai apprezzato) progetto originario: distruggere l’anonimato, salire in superficie, mostrarsi (fino a sfiorare l’ostentazione) in tutta la propria essenza, estetica e interiore. Past Life Martyred Saints, suo album solista d’esordio, la ritrae così, fiera e anche un po’ grezza, sin dalla copertina: collanone autocelebrativo, maglietta vecchia e slabbrata, labbra accese e carnose, gli occhi chiusi e la testa rivolta verso il basso come qualcuno che – anche con un briciolo di supponenza – sa perfettamente di avere ragione.

Past Life Martyred Saints, ovvero ritrovare se stessi, amare e al contempo odiare i proprio dissidi e le proprie incomprensioni. Nove canzoni sporche e fumose poste a celebrare un matrimonio interiore destinato ad auto-sabotarsi ancor prima della sua annunciazione. Una musica che al suo interno nasconde una forza a tratti incredibile ma che allo stesso tempo viene trascinata da una timidezza decisamente insolita, vista la rabbia e l’anima (quasi) nera dalla quale proviene. Elementi che da sconosciuta sperimentatrice rumorista hanno (in brevissimo tempo) trasformato la Anderson in un piccolo fenomeno mediatico, già divenuto idolo e icona della femminilità musicale più maschia che c'è.

Tra un pop più noise che indie, distorsioni elettroniche e una voce malata e condannata ad urlare senza sosta il proprio smarrimento, Erika Anderson tesse la propria tela con le mani sporche e senza alcuna grazia. Eppure, Past Life Martyred Saints è tutto fuorché un disco privo di fascino e questo per una serie di caratteristiche precise: il sound vibrante ma che sfiora il lo-fi da cantina, le atmosfere ruvide e ipnotiche e, infine, un melodismo che sembra fondere il punk e alle nuove manie weird/garage/pop del 2000. Il primo singolo di lancio, The Grey Ship, racchiude splendidamente i principali percorsi stilistico-compositivi dell’album, sciorinando una discreta serie di schitarrate noise, ampi vocalismi, riverberi elettronici e cullanti pause atmosferiche. Elementi che i brani successivi riprendono ma sviluppandone il nucleo in maniera sempre diversa: California lo fa nascondendo le proprie venature pop sotto fitti tappeti di riverberi e sporcizia sonora; Anteroom - esaltante nel suo esasperato minimalismo – elevandosi invece in una danza lo fi a cavallo tra le Hole e il Jack Frusciante di un tempo. Se poi la ballabile Milkman non fa altro che riprendere queste coordinate (esasperando il contrasto tra semplicità melodica e sound duro e nebbioso), sta a Breakfast e Coda (brevissima messa vocale) ridonare al disco le proprie sembianze più pacate e sognanti, prima che Butterfly Knife rievochi il cuore più malato e dolorante della Anderson attraverso una lacerante sovrapposizione di voci e feedback.

Quando poi è il turno di Marked, pare di essere letteralmente penetrati negli anfratti più desolati e raggrinziti della musicista americana: una chitarra acustica ai limiti del marciume e una voce come non mai sepolcrale trasformano l’atmosfera del disco in un incantesimo inquietante, sotterraneo e non privo di un certo afflato gotico.

Da questi continui contrasti, progressivamente approfonditi canzone dopo canzone, Past Life Martyred Saints ci dona il ritratto di un’icona femminile niente affatto banale e che, detto sinceramente, al pop mancava da tempo. Sporca, rabbiosa, anti-vergine per eccellenza, Erika Anderson è una Courtney Love ancora più problematica dell’originale ma anche più affascinante, più fiera e (stilisticamente parlando) decisamente più ambiziosa.

Attention Please

Paolo Bellipanni — Tue, 07 Jun 2011 15:29:28 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Psychedelic Rock

Noise

Elettronica

Etichetta:

Sargent House

Anno:

2011

Line-Up:

- Takeshi - chitarra, programming, basso
- Wata - voce, programming
- Atsuo - batteria, percussioni

Tracklist:

1. Attention Please
2. Hope
3. Party Boy
4. See You Next Week
5. Tokyo Wonder Land
6. You
7. Aileron
8. Les Paul Custom '86
9. Spoon
10. Hand In Hand

Boris

Attention Please

New Album, Heavy Rocks e, finalmente, anche Attention Please. L’altro tassello della trilogia dei Boris completa il quadro stilistico del progetto nipponico, dando ancora una diversa interpretazione di questo immaginario psichedelico/onirico divenuto in breve tempo una sorta di mito underground. Uscito a ridosso di Heavy Rocks (sebbene la data di messa in commercio sarebbe dovuta essere il 26 Aprile), Attention Please esplora il lato più criptico e, per certi versi, inquietante della trilogia, filtrando alcuni episodi dei due album precedenti in una nuova ricerca strumentale e atmosferica.

Attention Please è innanzitutto il lavoro maggiormente composto da rivisitazioni e rielaborazioni passate, essendo infatti il suo esoscheletro formato da ben 5 brani ripresi da New Album (Hope, Party Boy, Les Paul Custom ’86, Spoon) ed Heavy Rocks (Aileron), ovvero una metà esatta dell’opera. Per il resto, i nuovi Boris si muovono lungo percorsi rock estremamente astratti, fumosi e colmi di una bizzarra carica onirica. Lo stoner scompare un’altra volta lasciando spazio e leggere impronte noise pop, la psichedelia si riduce ad atmosfere nebbiose ed ipnotiche, mentre l’elettronica assume un ruolo di primaria importanza nella distensione dei brani, rendendo l’intero lavoro decisamente più freddo.

Un’ipnosi sotterranea che l’omonima Attention Please scioglie attraverso un silenzioso intrecciarsi di basso, beat costante, ululati chitarristici e una voce, quella di Wata, suadente e sognante. Elementi che Tokyo Wonder Land riprende e traduce in una danza ancor più misteriosa e rituale, anticipando quello che è il capolavoro dell’album: You, episodio molto più elaborato e intelligente dei restanti, obliquo esperimento ambientale in cui si incontrano lievi percussioni in sottofondo, voci fiabesche e graffianti apparizioni elettroniche. La sfera più ambientale e d’avanguardia del disco trova poi in See You Next Week un’altra affascinante espressione, avvalendosi di suoni e atmosfere ancora più alienanti: il brano (che si snoda splendidamente lungo un contrasto di riverberi, sottili accompagnamenti di chitarra e un loop ritmico industriale e pulsante) fa toccare ad Attention Please le proprie vette sensoriali più profonde e dilatate, lasciando infine spazio a quello che è il cuore più noise-psych pop del disco, riscontrabile principalmente nelle reinterpretazioni dei pezzi di New Album. Tra queste, brillano fortemente Party Boy e Les Paul Custom ’86, filtrate in un sound ancora più distorto e alienante (è soprattutto la seconda a migliorarsi incredibilmente), mentre – al contrario – da una parte Hope non aggiunge né toglie nulla all’originale e, dall’altra, Spoon perde moltissimo in termini di vigore atmosferico e carica psichedelica. L’altra “auto-cover” Aileron riassume invece i dodici, rocciosi minuti dell’originale di Heavy Rocks in un mesto scorrere chitarristico. A chiudere il sipario vi è infine Hand In Hand, lento flusso di coscienza noise ancora una volta sopraffatto dalla voce cauta e sensuale di Wata, vera e propria sciamana dell’album.

Chiuso Attention Please, chiude la trilogia e chiudono (per ora) anche i Boris. Ciò non toglie che prima della fine del 2011 il folle progetto nipponico possa tornare a prendersi gioco del pubblico, della critica e del Rock stesso. Ma poi, è ancora giusto parlare di Rock con un gruppo come questo? Di parole, ahimè, ce ne sono troppe per poter spiegare al mondo cosa vuol dire Boris: l'unica cosa da fare è smettere immediatamente di leggere questa recensione, comprare la maledetta trilogia e divorarsela. La recensione è finita. Andate.
Forza.

Scartati ed Emarginati

Giulio Magliulo — Sat, 01 Apr 2017 15:34:51 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Noise

Ambient

Etichetta:

Autoprod.

Anno:

2017

Line-Up:

Enrico Carrino: Pedal, Electric and Acoustic Guitar

Tracklist:

Battipaglia
Caos
[12h]400x12x7x4x12
Clochard
Deep Resion

Brucianuvole

Scartati ed Emarginati

Brucianuvole è il nuovo monicker sotto cui opera Enrico Carrino e immaginiamo che dopo Ame, Ame Pantin o altri lavori usciti a suo nome, esso non sarà neanche l'ultimo.

Che l'artista non amasse farsi ingabbiare in generi predefiniti lo si era già compreso dalla natura multiforme dei suoi precedenti lavori.
Questo nuovo corso vede Enrico alle prese anche con lavori visual che altro non sono che il continuum della sua poetica musicale e che affiancano la sua esperienza a quella di artisti contemporanei che dalla glitch-art arrivano fino alle suggestioni di un Damien Hirst o di un David Lynch.

I sentimenti che affiorano dai prodotti di Brucianuvole, qualunque essi siano, riconducono sempre ad una sorta di solitudine. I linguaggi musicali utilizzati stavolta sono il noise e che sia harsh o ambient poco conta, tutto è declinato verso la descrizione di un universo che ne intuisce la sua profondità quanto la sua limitatezza.
Resta la genuinutà di fondo della dimensione homemade. In un contesto più ampio queste dinamiche e queste motivazioni hanno creato carriere e movimenti. Brucianuvole appartiene a quella scuola di pensiero per cui l'arte è sofferenza.

Se nei lavori precedenti c'erano dei moti di apertura seppure critici e polemici verso la società, adesso l'artista sembra concentrato più su sé stesso e sul suo mondo interiore, i suoni ridotti all'osso, scarni, scheletrici. Il punto di osservazione sembra quello di un insetto, in una sorta di autismo dell'anima e Deep-Resion ne è il suo manifesto così come fields recording, riverberi, drone e feedback i colori della sua tavolozza, rigorosamente do it yourself.

Stima dunque di fronte a tanta fierezza e volontà, ma attenzione a non trasformare questa presunta libertà espressiva in una nuova gabbia dalle pareti ancor più anguste e pericolose proprio perchè invisibili.

Damage Reduction

Giulio Magliulo — Tue, 19 Jul 2016 18:22:27 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Noise

Etichetta:

Bloody Sound Fucktory

Anno:

2016

Line-Up:

Alessandro Fiordelmondo
Michele Prosperi
Andrea Refi
Andrea Carbonari

Tracklist:

6025

Money

The Wrong Side of El Paso

Austin

Jesus Franco & The Drogas

Damage Reduction

Nuovo e.p. per Jesus Franco & The Drogas che stavolta guardano anche alle produzioni noise del midwest di metà novanta per offrirci un cielo senza speranze.

Passato l'effetto del 'peyote alieno' dell'album dI due anni fa, ora i nostri sembrano più cupi, i loro suoni più claustrofobici e il mood blues-core scorticato che permea queste tracce è solo un'altra mutazione malevola del rock and roll intorno al quale girano imperterriti andando a raschiare i fondi di tutti quei barili lasciati lì aperti a metà e dall'olezzo penetrante.

Cows, Stooges, Bastards (quelli di casa Glitterhouse) stoner accidentale, licantropo e disperato e brandelli di grunge canceroso sono gli orizzonti sonici di Damage Reduction.
Esagerati ed eccessivi, dannati nel loro culto dei bassifondi del rock, i JF&TD appartengono ad una minoranza che va protetta.

Ciclo di Lavaggio

Giulio Magliulo — Sun, 10 Apr 2016 11:34:06 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Noise

Cantautorato

Alternative Rock

Etichetta:

Dry-Art Record

Anno:

2016

Line-Up:

Massimiliano Martines - Voce e cori

Vince Pastano - chitarre, cori e programmazione elettronica

Antonello D'Urso - bassi e programmazione elettronica

Max Messina - batteria e percussioni

Ignazio Orlando - basso (7)

Tracklist:

1. Amo le novità 3:33
2. Tutto uguale 3:37
3. Perla nera 5:22
4. La polvere 3:12
5. La scatola e l’inganno 5:33
6. Ciclo di lavaggio 3:36
7. La guerra dei fiori rossi 4:53
8. I colori dell’autunno 3:48
9. Mi sto preparando 2:14
10. Sogni neri 6:41

Massimiliano Martines

Ciclo di Lavaggio

Un disco scuro, cupo, questo terzo di Massimiliano Martines, pugliese attivo a Bologna dall'importante background artistico che lo vede regista, attore, poeta e direttore artistico.

In un'altra epoca lo avremmo potuto definire un manifesto di disagio post-punk allo stato puro che trova tregua dalla violenza sonica rifugiandosi nel monologo interiore senza nessuna paura di partorire immagini da incubo e determinare un senso di disfatta generale.

Le chitarre tirate e storte non sono proprio quello che ci si aspetta da un disco cantautorale, ma Ciclo Di Lavaggio invece è proprio così ed emerge quasi cattivo dal suo substrato alternative noise, sia italiano che quello midwest statunintense dei novanta.

Suoni distorti e disturbanti su un recitato nevrotico ed acido da teatro sperimentale che si alternano a distese malinconiche post-core d'autore, se possibile.
Filastrocche nere e visionarie che rimettono in gioco la parte attoriale e reminiscenze di Marlene Kuntz e CCCP ma anche lente e minacciose movenze post-rock.

Un disco di sicuro impatto, complesso ma immediato, poetico e violento, che non può passare inosservato e che rompe le dighe del cantautorato italiano contemporaneo dai colori incerti.

The Belgians

Giulio Magliulo — Tue, 13 Jan 2015 15:44:29 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Punk Rock

Noise

Etichetta:

Jaune Orange

Anno:

2014

Line-Up:

Boogie Snake : Guitar

Devil d'Inferno : Drums, Percussions

Dirty Coq : Vocals, Guitar

Tracklist:

1. Brabançonne part 1
2. Belgian State Of Frustration
3. Weird
4. My Street
5. Disobey
6. Brabançonne Part 2
7. Belgian Shake
8. Satisfy Me
9. She Could Be My Daughter
10. Belgian Hero
11. Belgians Don’t Cry

The Experimental Tropic Blues Band

The Belgians

Esiste un particolare ambito musicale che non è genere né sottogenere.
Esso non è legato a precise coordinate stilistiche né ad un determinato tempo.
Quando si manifesta provoca negli ascoltatori i sentimenti più contrapposti, poiché stimola al contempo sia la sfera della fisicità che quella dell’intellettualità.

Amato dagli anarchici e dagli schizzati, dai nemici dell’ovvio nell’arte e nella musica, da chi sa prendersi non troppo sul serio, da chi utilizza l’ironia come la più tagliente delle armi e la musica stessa come ironia.

Odiato da chi ritiene qualsiasi forma di contaminazione elemento spurio, da chi asserisce che la musica deve essere sempre una cosa seria e da chi è afflitto da una patologica forma di pigrizia artistico/mentale per cui ogni suono sconnesso e scoordinato genera ansia e stati di panico.

I primi nomi che io metterei in questa lista di musicisti-outsiders sono Captain Beefheart e Frank Zappa, poi Jad Fair e gli Half Japanese, poi Jello Biafra ed i Dead Kennedys, la Blues Explosion, i Butthole Surfers ed infine tutti i minori che hanno mosso i primi passi dal sottobosco garage, post-rock, mathcore ecc. ed impastati di follia, di visioni surreali e di voglia di divertimento, hanno deciso di muoversi su adrenaliche coordinate rock and roll per dire anche qualcos’altro, o dirlo in modo diverso.

Non è il concept relativo al popolo di mangiatori di cozze e patatine fritte ad interessarci più di tanto, ma lo spirito della gag che The Experimental Tropic Blues Band incarna nella sua forma garage-punk più esuberante, complice anche delle frequentazioni trascorse con John Spencer, Matt Verta Ray e gente così; ulteriori garanzie non sapremmo proprio darvi.

From All Purity

Emanuele Pavia — Sun, 19 Jan 2014 22:09:06 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Noise

Sludge

Etichetta:

Relapse Records

Anno:

2014

Line-Up:

- Dylan O'Toole - Chitarra, voce
- Will Lindsay - Chitarra, voce
- Ron DeFries - Basso
- Bill Bumgardner - Batteria

Tracklist:

1. Rape
2. The Impetus Bleeds
3. Directional
4. Rhetoric of No
5. Clarify
6. Disambiguation

Indian

From All Purity

Gli Indian sono un quartetto statunitense (proveniente da Chicago) attivo fin dal 2003 e dedito all'esplorazione delle propaggini più feroci del metal estremo del nuovo millennio.
Esorditi con il primo The Unquiet Sky (Seventh Rule Recordings, 2005), che esibiva una loro (non particolarmente creativa) interpretazione dello sludge metal più malsano e abietto degli anni Novanta, sono infine emersi dal folto sottobosco dell'underground con il loro quarto full-length Guiltless del 2011, grazie anche all'approdo alla Relapse Records, ma soprattutto a un raggio d'azione ben più ampio (arrivando a lambire territori drone metal).

Sempre sotto l'egida della Relapse, gli Indian pubblicano a gennaio 2014 quello che finora è probabilmente il loro album più riuscito, ovvero From All Purity.
Proseguendo sul percorso intrapreso con l'ultimo Guiltless, la band indulge nelle sonorità più aberranti della musica metal, collocandosi in continuità con la tradizione dei maggiori sabotatori dello sludge, del drone e finanche del noise degli ultimi vent'anni. L'influenza dei più importanti complessi sludge degli anni Novanta (specialmente gli Iron Monkey, i Dystopia e i Noothgrush, di cui riprendono le cadenze ossessive e le atmosfere strazianti) è ancora ben evidente, ma riescono finalmente a superare il semplice tributo al panorama old school sporcando tali ingerenze con le atmosfere apocalittiche dei Neurosis, gli abissi di cieca disperazione dei lavori della Relapse dei Today Is the Day, il sound torturato e claustrofobico dei Khanate, i rumorismi dei Khlyst, perfino con il riffing e la devastazione delle partiture del nuovo black metal (non a caso, il chitarrista Will Lindsay ha lavorato anche con Wolves in the Throne Room e Nachtmystium).

Si tratta di un tentativo di rinnovare la propria proposta che era già stato abbozzato in Guiltless, ma se lì si poteva parlare solamente di timide incursioni in territori alieni allo sludge, qua le inflessioni esterne contaminano indelebilmente il sound degli Indian. Ciò che si nota all'ascolto di From All Purity è che il gruppo ha finalmente superato gli stereotipi di songwriting istituiti dai classici del genere: quelle di From All Purity non sono più semplici marce funebri dal minutaggio estenuante suonate con strumenti accordati due toni più bassi del normale, ma brani che, pur non scendendo ad alcun compromesso con orecchiabilità, melodia e facilità di assimilazione, si aprono ad arrangiamenti, dinamiche e strutture che svecchiano la formula valorizzando comunque la componente psicologica della musica degli Indian.

Manifesto della raggiunta maturità del complesso, l'opener Rape si abbandona in uno dei numeri più tormentati dello sludge metal degli ultimi anni, conciliando il riffing monolitico di Steve Von Till e il terrorismo cacofonico di James Plotkin, distaccandosi al contempo dai numerosi emuli di entrambi gli artisti grazie a un esperto sostegno ritmico (non esattamente virtuoso, ma colorato e dinamico quanto basta da riuscire a risultare devastante senza ricorrere ai soliti cliché del genere) e soprattutto grazie alle urla di Dylan O'Toole. Con il suo registro sgolato e disperato, perfetto punto di incontro tra quelli di Steve Austin e Alan Dubin, è forse proprio O'Toole il maggior artefice dell'atmosfera di incombente cataclisma che aleggia su tutto From All Purity, anche nei momenti meno creativi del disco (come ad esempio The Impetus Bleeds, che per cadenze e melodia non è molto distante da quanto già fatto dagli Isis di Celestial, o Directional, che sembra quasi un'appendice a Rape).
È la seconda metà dell'album che però sfodera al meglio ciò che gli Indian hanno da offrire nel 2014. Il primo vertice di From All Purity è Rhetoric of No, suddivisa in una prima sezione che sfiora la furia del noisecore (vocalizzi schizzati, ritmi epilettici, chitarre che rievocano l'esecuzione di Steve Austin su Sadness Will Prevail) e una seconda parte più sludge (ma sempre corrotta e smembrata da dissonanze e rumorismi sempre più invasivi), separate da un sinistro lead melodico di chiara influenza black metal; quindi, l'incubo di Clarify indulge in quattro minuti e mezzo di puro noise, in un vortice orrorifico che cannibalizza l'opera di Runhild Gammelsæter, Merzbow e Pharmakon.
Quando infine dalle deflagrazioni di chitarra ed elettronica emerge l'arpeggio glaciale che segna l'inizio della conclusiva Disambiguation, l'album giunge al suo apice indiscutibile, in una tragica marcia che evolve da uno sludge/drone di chiara ascendenza Neurosis e Khanate in un rovinoso crescendo che, con il passare dei minuti, si allontana sempre più dalla base doom metal in favore della desolazione black metal dei Weakling.

Forse ancora non perfettamente calibrato (come testimoniano alcuni passaggi a vuoto nella prima metà dell'album), lo stile degli Indian, assorbendo e reinterpretando in modo creativo le innovazioni delle più importanti formazioni estreme degli ultimi decenni, rappresenta comunque una delle più intelligenti esperienze del metal attuale. Rape, Rhetoric of No e Disambiguation, in particolare, sembrano preludere a un'evoluzione del sound del quartetto verso sonorità debitrici dello sludge, del noise e del black metal, eppure non totalmente riconducibili a nessuno di questi tre generi: basterebbero anche solo questi tre brani a rendere From All Purity uno dei dischi più notevoli della scena post-sludge da qualche anno a questa parte.

Fondamenta, Strutture, Argini

Giulio Magliulo — Fri, 09 Aug 2013 19:36:07 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Rock

Noise

Hardcore

Etichetta:

Co-produzione

Anno:

2013

Line-Up:

Gabriele Lugaro: voce, chitarra
Andrea Nocco: chitarra, cori
Manuel Rosso: violino, effetti
Andrea Avalli: basso, cori
Lorenzo Colonna: batteria

Guest:
Roberto Ceruti: voce in "Il mio Solo Spazio Possibile"
Emanuele Cioncoloni: utopia synth & pedal in "La Falena"

Tracklist:

1. Oltre Il Rumore
2. Il Mio Solo Spazio Possibile
3. All'Orizzonte
4. 06:33
5. La Difficoltà Del Volo
6. Istanbul
7. Cera
8. La Falena

Gli Altri

Fondamenta, Strutture, Argini

Formatisi nel 2010 a Savona, Gli Altri debuttano con un e.p. nel 2011 che li porterà a condividere il palco con importanti acts nazionali per arrivare lo scorso anno a registrare questo primo album uscito da qualche mese.

Ma Fondamenta, Strutture e Argini è post-rock? Si! E’ post-hardcore? Si! E’ noise? Si! Generi ampiamente codificati, ampiamente abusati ma che in questa strana estate musicale italiana – come già per i Marnero ma diversamente da loro – ci stanno benissimo perché come per i Marnero non suonano vecchi, stanchi o superati.

Mi piacerebbe davvero una rinascita di formazioni sanguigne in Italia, pur senza illudermi, senza paventare una nuova stagione come quella hardcore italiana che fu; la presenza di bands nostrane che non scimmiottano necessariamente i ‘soliti nomi’ restituisce insomma una bella sensazione.

Gli Altri hanno anche una componente molto ragionata ed in qualche misura riflessiva (abbiamo già detto degli elementi post-rock).

Ciò che mi piace è la produzione pulita (sarà anche una mia ossessione ma in questi ambiti in cui storicamente la voce deve essere parecchi gradini al di sotto del resto della strumentazione, sentirla per me è un vero piacere). Non mi riferisco al sol ‘comprendere bene le parole’ (una volta tanto che sono in italiano poi ..) cioè alla qualità delle liriche che non ritengo particolarmente degne di nota (purtroppo l’oscillare tra il didascalico e l’ermetico riuscito male qui da noi continua ad affliggere troppe formazioni) ma proprio alla voce come presenza, quanto mai necessaria nell’impatto generale in questi ambiti sonori. Tornando brevemente ai contenuti, non che Gli Altri siano i peggiori, soltanto che preferisco più i versi di All’Orizzonte o di Cera, più descrittive di sensazioni rispetto alle altre. Ma è davvero cercare un pelo nell’uovo che lascia il tempo che trova: ripeto – già è bello sentirla questa voce.

Oltre Il Rumore comincia molto carica e prorompente e si sviluppa in un noise serrato ma fluido. Grande adrenalinica prova d’impatto. Segue Il Mio Solo Spazio Possibile che ricorda qualcosa dei Fine Before You Came; anche qui - dopo un inizio quasi maliconico si sprigiona una grande energia forse solo un po’ impercettibilmente allentata dalla parte recitata in cui si sente quasi solo la voce.

Al contrario All’Orizzonte, in cui le parti più riflessive potenziano e rafforzano il brano pervaso da una sana rabbia che è memore anche di nomi più famosi dell’alternative - che alternative non è più - rock italiano.

Ed arriva 06.33 e sembra che il tempo si sia fermato agli inizi dei duemila, quando formazioni come Mogwai e Red Sparowes – ma anche tante altre italiane e non meno meritevoli – ci lasciarono sognare per un po’. Anche qui Gli Altri si dimostrano veramente padroni della materia. E come ci sta bene La Difficoltà Del Volo subito dopo con la sua coda spiraliforme.

Ritorna una strumentale, Istanbul, altra prova post-rock la cui classicità quasi scolastica non toglie nulla alla tensione che riesce a generare.

Cera potete anche provare ad immaginarla come un brano dei Piano Magic che ad un certo punto impazziscono, mentre ne Gli Altri questi stati emotivi contrapposti sono meravigliosamente naturali.

Si conclude con La Falena, che non necessita di descrizione nella parte musicale/strumentale poiché ormai a fine articolo si è capito Gli Altri cosa suonano, mentre un velo cala sulla parte vocale in cui un ‘modello’ fin troppo riconoscibile si affaccia prepotentemente (e anche qui Gli Altri non saranno né i primi né gli ultimi ad ereditare questo fardello). Di certo – almeno loro - non ne hanno bisogno poiché son fin troppo maturi e nessuna delle note critiche in questo disco è così grave da sminuirne il grande valore.

Ottimo disco e band in stato di grazia.

Aoûtat

Giulio Magliulo — Sun, 24 Feb 2013 12:20:35 +0000

Voto:

6.2 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Rock

Noise

Etichetta:

Musica Per Organi Caldi

Anno:

2013

Line-Up:

Thomas (basso, voce)

Vincent (basso, voce)

Kévin (batteria).

Tracklist:

01 Gru

02 Emma Stuper

03 Mic Mac

04 Monorone

05 Buhns

06 Moignon

07 Cheuby

08 Druine

09 Pampa

10 Sana

Le Singe Blanc

Aoûtat

Allora c’è ancora vita là fuori. Quando ormai credevo che la prassi math-noise, i rumorismi tribal-geometrici e le varie schizofrenie mutaforma del post rock fossero ormai dominio della seriosità del nuovo decennio e di una patologica mancanza di idee che attecchisce l’underground come fa la cocciniglia con le piante, arrivano alle mie orecchie questi tre francesi di Metz di cui – mea culpa – non ne sapevo nulla.

Perché avrei dovuto? Perché son più di dieci anni che girano letteralmente il mondo esibendosi dal vivo in un clima che ricorda tanto quello sovversivo (musicalmente parlando) dei concerti nei centri sociali dei nostri anni ottanta e novanta, quando gente ‘estrema’ come Deity Guns o Ruins, The Ex o Contropotere inscenavano ‘tragedie’ che oltre a far pogare(a volte), facevano anche riflettere (a volte).

Ma torniamo al nostro presente musicale, poiché Le Singe Blanc al di là di questa fantastica ‘aria avventurosa’ che si portano dietro, apparentemente non sembrano interessati a messaggi particolari quanto a stupirci e stranirci e forse a svegliarci anche un pò. Lo fanno con due bassi ed una batteria (più voci) e per quanto pensiate che questa non sia affatto una novità – e sono d’accordo – vi assicuro che il risultato è meno scontato di quanto si possa prevedere.

L’album come si può immaginare scorre via veloce, circa mezz’oretta, ma la sua capacità di penetrazione è ben superiore.

Se Gru ricorda i Primus, lo fa solo per pochi secondi, poiché le voci che entrano suggerirebbero più i nostrani Wolfango, quel tipo di follia, tanto cara ad etichette come Wallace, Snowdonia e Bar La Muerte. Una sorta di post-punk meccanico e molto divertente. Emma Stuper, nome ripetuto più volte ad inizio traccia, si conficca in testa e di nuovo il ricordo di act nostrani è forte(in questo caso, della coppia Dorella/Pedretti quella rievocata è la ‘lei’..) ma la furia ritmica sembra molto più violenta e chirurgica di qualsiasi altra rievocazione patriottica. Mic Mac, ossessivamente simmetrica, dimostra come avrebbero suonato i Contortions di James Chance se invece di nascere nel ’78 fossero nati nel 2008.

E così via, tra tempi storti, ritmiche assurde, voci ben oltre il livello di vergogna (che proverete con il vicinato se ascolterete Aoûtat ad alto volume), finti proclami e bassi pseudo-funky e post-wave ovunque. E vagonate di ironia, come in Druine, sorta di metal liofilizzato che sembra prendere per i fondelli – tra le righe - vari personaggi e luoghi comuni di quel mondo mitizzato.

Assolutamente imprendibile, molto dispettosa e tanto anarchica questa scimmia bianca.

m b v

Alessandro Mattedi — Fri, 08 Feb 2013 18:03:16 +0000

Voto:

4.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Noise

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2013

Line-Up:

Kevin Shields
Colm Ó Cíosóig
Debbie Googe
Bilinda Butcher

Tracklist:

"She Found Now" – 5:06
"Only Tomorrow" – 6:22
"Who Sees You" – 6:12
"Is This and Yes" – 5:07
"If I Am" – 3:54
"New You" – 4:59
"In Another Way" – 5:31
"Nothing Is" – 3:34
"Wonder 2" – 5:52

My Bloody Valentine

m b v

L'improvviso ritorno dei My Bloody Valentine, a 21 anni dall'ultimo storico album Loveless, è l'ultimo di una lunga serie di ritorni negli ultimi tempi (su tutti Swans e Dead Can Dance). Intitolato semplicemente mbv, la scelta del titolo sembra riflettere il profondo legame con il passato del gruppo, ad indicare che questo disco è essenzialmente ciò che i My Bloody Valentine sono stati.
A voler essere pignoli durante l'ascolto in realtà filtra qualche leggera influenza indie ed electro-pop, con maggior presenta di sintetizzatori al posto della vena psichedelica che permeava i loro album; ma effettivamente ciò che principalmente i My Bloody Valentine tentano di rievocare è quella corposa stratificazione di muri sonori su cui adagiare nenie oniriche allucinogene e armonie corrosive, come a ribadire quale fosse l'epoca d'oro dello shoegaze. Apparentemente nato da una costola di Loveless, è in realtà con Isn't Anything che vi sono i maggiori punti di contatto nella forma di composizioni più grezze ed estenuanti, di un'economia generale più omogenea e di un approccio più diretto.

Sfortunatamente mbv non riesce a ricreare affatto né le ipnotiche (e alla lunga psicologicamente mesmerizzanti) atmosfere surreali di un tempo né la costante ricerca della sperimentazione melodica, timbrica ed effettistica che li ha inseriti nella storia del rock, esprimendosi nella forma di un noise rock prolisso e poco incisivo. Anzi, il sound si fa molto più monotono e meno penetrante, difettando dei guizzi più creativi e delle melodie indovinate che resero grandi i loro album (ed in particolare Loveless).
La cosa peggiore è che il tutto viene dilatato, diluito ed esasperato con l'intento di suonare alienante e minimalista, ma finendo solo per suonare estremamente ripetitivo, monotono e alla lunga noioso e poco interessante.
Pochi i guizzi melodici degni di nota, quasi impalpabili i giochi vocali che mancano del minimo spessore, quasi nessun valido contrappunto chitarristico, la costante dell'album è l'immobilismo sonoro. Una nota "positiva" è che non esistono riempitivi nell'album, ma andrebbe notato che ciò sussiste solo perché l'album stesso è di per sè un riempitivo dall'inizio alla fine...

Non vale la pena di analizzare dettagliatamente i brani a meno di essere dei gran fan del gruppo: se pezzi come le iniziali She Found Now o Only Tomorrow sembrano a tutti gli effetti delle b-sides di Loveless, l'episodio più "fuori dagli schemi" e riuscito è rappresentato da New You, con un minimo di caratterizzazione melodica "regolare" e ritmiche incalzanti che sembrano quasi stonare nell'album; peccato che risulti in definitiva solo come una divagazione un po' più pop dei cliché del disco che comunque l'impregnano. Altri spunti interessanti si potrebbero trovare nelle distorsioni di contorno della intensa In Another Way e della conclusiva Wonder 2, quest'ultima che fra l'altro prende in prestito le ritmiche del jungle mescolandole all'impianto del disco (sperando che a qualcuno non suoni per questo avanguardistica), o nelle colate di magma chitarristico di Who Sees You, quasi un discreto recupero delle basi noise degli anni '80: ma a che scopo scrivere pezzi tali dopo oltre due decenni di distanza?
Il fondo dell'album è invece rappresentato da Is This and Yes (praticamente 5 minuti di sole tastierine pseudo-oniriche e voce sospirata di Bilinda, ripetute fino allo sfinimento) e da Nothing Is (un ostinato ossessivo che avrebbe potuto avere un senso come breve intermezzo noisy, ma che prolungato fino a 3 minuti pare più essere una sperimentazione sonora atta a coniugare impressionismo e orchite).

Successivamente all'album, che già alcuni sperano si tratti solo di un grosso scherzo da parte di Kevin Shields, vengono pubblicate però alcune recensioni entusiastiche di parte della critica, con valutazioni che sembrano quasi sfidare quelle dei passati capolavori e commenti molto ottimistici che azzardano parlare di "sperimentazione" e "musica selvaggia e indisciplinata". Si ascoltassero piuttosto i recenti Occult Rock o The Seer, per avere un paio di esempi di risultati migliori e più selvaggi pur minati da prolissità e ripetitività, oppure i King Tears Bat Trip per avere qualcosa di veramente sperimentale pubblicato da non molto.
Per il resto noi nel descrivere m b v preferiamo accostarlo come metafora a quello di un grosso oggetto elastico di forma sferica.