New Wave

Salsedine

Giulio Magliulo — Mon, 23 May 2016 13:01:44 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Elettronica

Indie Rock

Etichetta:

Autoprod.

Anno:

2015

Line-Up:

Cesare Barbieri – voce, elettronica

Edoardo Gobbi – chitarre, voce, synth

Mattia Santoni – basso

Lorenzo Gobbi – batteria, percussioni

Tracklist:

La Musica Elettronica

Krauti a Merenda

Perec

l'Infanzia e la Maturità di mio Fratello

Intermezzo

Orbite

Plutone

Odisseo

Il Giovane Niccolò e il Ritorno dell'Uguale

Lungomare

Bibiena,19

Ono

Salsedine

Tra oscure linee di basso post-punk ed effetti elettronici casuali racchiusi tra chitarre che sembrano parentesi, gli Ono srotolano memorie senza nostalgia e senza rabbia ma anche pacate riflessioni sulla fisicità della musica.

L'approccio vocale è quello di chi cresciuto con l'hardcore al momento non ha nessuna voglia nè intenzione di suonarlo e la linea narrativa non mutua proprio nulla dai mentori dell'alternative italiano che fu, né tantomeno da chi usa l'odierno hip-hop in chiave di rottura, eppure si pone in qualche punto lì in mezzo non ancora mappato.

Attenti – o meglio coscienti – senza darlo a vedere di tutto ciò che avviene nelle galassie dell'elettronica a bassa intensità e della wave, gli Ono senza seguire nessun trend si avvicinano accidentalmente ad una forma di electrorock o in ogni caso a qualcosa di nuovo e di spiazzante e che dopo ripetuti ascolti non annoia. Finalmente.

Singles

Giulio Magliulo — Thu, 14 Aug 2014 10:02:23 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Pop

Synth Pop

Etichetta:

4AD

Anno:

2014

Line-Up:

Samuel T. Herring - voce

Gerrit Welmers - tastiere e programmazione

William Cashion - basso, chitarre

Tracklist:

Seasons (Waiting On You)

Spirit

Sun In The Morning

Doves

Back In The Tall Grass

A Song For Our Grandfathers

Light House

Like The Moon

Fall From Grace

A Dream Of You & Me

Future Islands

Singles

D'accordo che il ripercorrere in tutti i modi possibili il passato – anzi no, non giriamoci intorno e diciamolo pure: gli anni ottanta – ha anche - e già da un bel po' – stancato, ma come la mettiamo con tutti quei magnifici visionari che pur prendendone alcuni elementi, molto caratteristici e riconoscibili, son capaci di farne qualcosa di completamente nuovo o almeno decisamente rinnovato?

Fanno parte di questa categoria i Future Islands da Baltimora, che senza alcuna vergogna per i sintetizzatori e consapevoli dell'ugola 'maschia' e fortemente espressiva del cantante Samuel T.Herring vicina per certi versi ai graffiati di Joe Cocker, Rod Stewart e Colin Hay (Men At Work) passano sotto 4AD dopo tre albums due dei quali con Thrill Jockey (ambedue le labels esempi di attenzione alla qualità, al di là delle ovvie necessità commerciali).

E se le iniziali Seasons e Spirit già non fanno prigionieri, svelando da subito tutto il potenziale di Singles ed immortalando l'epica eighties proprio grazie a questa intensità sconosciuta agli artigiani del ripescaggio, è nelle pagine 'minori' come Back In The Tall Grass o Like The Moon che si allunga la vita alla new-wave, che la si scongela e le si dona nuova linfa, dimostrando che ne esistevano pieghe ancora poco esplorate. Per non dire di Fall From Grace, nella cui atmosfera noir si fa strada un incredibile growling, assolutamente coerente nel contesto quasi cinematografico della traccia.

Che vi piaccia o meno, tra i dischi dell'anno.

Solaris

Giulio Magliulo — Sun, 31 Jul 2016 14:30:05 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Dark Wave

Etichetta:

Atavic

Anno:

2016

Line-Up:

Giuseppe Lo Bue: Voce, chitarra, synth, drum machine, piano

Filippo Scalzo: Basso

Tracklist:

1.   Solaris
2.   Imago Mortis
3.   Dentro il Buco
4.   E’ un Mare
5.   Siamo Sassi
6.   Salto nel Blu
7.   Intermezzo 1
8.   La Qualità del Nulla
9.   Giove
10. Intermezzo 2
11. La Noia che abbiamo di Noi
12. Nell’ora Triste
13. Nuit Sans Fin

Caron Dimonio

Solaris

Quanto ancora influiscono i Joy Division nelle suburbie del rock? Quanti segni ha lasciato nelle produzioni contemporanee quest'estetica oscura e minimale?
Grazie all'elettronica e alla decadenza, ancora molti. Sulla seconda, poco da dire; qualunque sia il contesto cui vogliate riferirla, essa 'comanda et impera'. Più pregnante il discorso invece sulla musica elettronica che complice la riscoperta dei synth e della drum machine sembra aver dato nuova linfa a tutta una scena neo-wave che anche in Italia sembra aver preso piede.
Del resto la wave italiana degli ottanta ha fatto scuola, Diaframma su tutti, perché meravigliarsi se tra le nuove tendenze indie nostrane la darkwave ha ancora un certo appeal? Il problema semmai è che certi suoni codificati e sterotipati fanno si che diventi poi davvero difficile distinguersi, anche se i Caron Dimonio riescono almeno per metà ad affrancarsi da questa condanna.
Lo fanno con grande gusto e intelligenza quando chiamano in causa – sebbene in modo molto indiretto - certi episodi minori di wave nostrana che possono rievocare Garbo o Denovo o addirittura Richter, Venturi & Murru (E' un Mare, La Qualità del Nulla, Nuit Sans Fin); gran bella qualità quella di curiosare ed incuriosire grazie a pagine melodiche poco esplorate che riservano grandi sorprese ancora inespresse. E molto valida è anche la traccia Siamo Sassi ricca di pulsioni minimal che ricorda - più per atmosfere che per suoni - i Notwist di metà novanta.

L'altra metà invece è ancora troppo imbrigliata nelle pesanti divise post-punk di Imago Mortis (l'electro dilatata alla Soft Moon non basta ad allegerirne la pesante cappa), di Dentro Al Buco con quelle chitarre un pò Killing Joke e tanto Bernard Sumner e di Giove dove fanno addirittura capolino i Cure.

In ogni caso le buonissime intuizioni ed anche le capacità espressive di Giuseppe Lo Bue con il basso metallico di Filippo Scalzo fanno di Solaris un album che potrebbe aprire scenari molto interessanti che ci chiariranno meglio se queste musiche vogliono prendere dal passato per guardare in avanti o al contrario per rifugiarsi nel nostalgismo.

L/R

Giulio Magliulo — Sat, 13 Feb 2016 11:40:05 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Etichetta:

Bloody Sound Fucktory/ From Scratch Records

Anno:

2015

Line-Up:

Michele Alessandrini

David Cavalloro

Marco Giaccani

Tommaso Pela

Tracklist:

Marmite
Acid Skyline
Never Regret
G-Sport
Silent room
Superindian
Not the monkey
The valley
Dark side call

Lush Rimbaud

L/R

Forme new wave trafitte da dardi post-punk elettronici e groove chimici si snodano sinuosi in L/R alternando ritmiche marziali e desolate trombe hasseliane, loop vocali e piccole malizie synthetiche, sottili ipnosi e solenni incipit.

Essere moderni prendendo tutto da un passato che non vuol saperne di andar via (Superindian e Not The Monkey sono la glorificazione di certi ottanta) è una gran qualità.

La premiata ditta Lush Rimbaud al terzo lavoro evita di 'trascinare' troppo nei suoi manufatti sonici per non tradire la sua estetica essenzialmente dark solo per qualche copia venduta in più, non sono mica i Planet Funk, il loro pubblico è quello di Soft Moon, Wire e Aucan semmai.

La bilancia electrorock, quasi sempre troppo carica da una parte o dall'altra, trova finalmente in Lush Rimbaud il suo ago.

Shedding Skin

Giulio Magliulo — Wed, 20 May 2015 09:00:07 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Trip Hop

Etichetta:

PIAS / Play It Again Sam

Anno:

2015

Line-Up:

Obaro Ejimiwe - vocals, synth

Etta Bond - vocals

Melanie De Blasio - vocals

Lucy Rose - vocals

Nadine Shah - vocals

Ross Stanley - organ

Joe Newman - guitars

John Calvert - bass, piano, synth

John Blease - drums

Miles Brett - strings

Rob Lewis - strings

Una Palliser - strings

Henry Salmon - strings

Tracklist:

Off Peak Dreams
X Marks The Spot
Be Right Back, Moving House
Shedding Skin
Yes, I Helped You Pack
That Ring Down The Drain Kind Of Feeling
Sorry My Love, It's You Not Me
Better Not Butter
The Pleasure In Pleather
Nothing In The Way

Ghostpoet

Shedding Skin

La black music contemporanea ha deciso di voltarsi indietro, ma se il neo-soul poco 'neo' di Curtis Harding o la svolta funk di Snoop Dogg riaccasatosi con Pharrell Williams rappresentano degli esempi sotto gli occhi di tutti, più spiazzante è il caso Ghostpoet che mettendo in secondo piano l'elettronica e potenziando il fattore 'groove', dimostra che l'universo black ha radici comuni.

Il flow àtono di Ghostpoet è comunque sempre molto intrigante ma le strade umide e gli ambienti fumosi della sua Londra ora rifulgono di strani luccichii, come quelli che sottendono e trasportano in ambientazioni post-errebì come in Be Right Back, Moving House o verso il grime liturgico di The Ring Down The Drain Kind Of Feeling che riporta alle cupe atmosfere bowiane di Outside.

Punti di contatto con il precedente Some Say I So I Say Light ovviamente ve ne sono, con quel talking da cui è difficile staccarsi non potrebbe essere diversamente, ma la groovey Off Peak Dreams sporca di trip-hop, Sorry My Love, It's You Not Me con il basso alla Joy Division, Better Not Butter e The Pleasure in Pleather da chitarra elettrica tutta in avanti animate o la X Mark The Spot, wave quanto possono esserlo gli Editors o gli Interpol, cambiano un po' la prospettiva.

I tessuti caldi e organici del rock e del trip-hop finemente intrecciati che rivestono Shedding Skin non possono essere però sufficienti per accusare Obaro Ejimiwe di essere un nostalgico perchè l'atteggiamento con cui ha deciso di affrontarli, il modo originale e sempre molto legato al suo mondo notturno, urbano, impedisce giudizi definitivi e draconiani.

Le invasioni di campo, si sa, son molto facili su certi terreni di gioco ma se per voi Ghostpoet non è un Gonjasufi qualunque allora aspettatelo al varco – quello si difficilissimo – del prossimo disco se ci sarà e intanto comprendete l'importanza di questo momento, declino di un bass sound UK che forse già non è più.

Citizen Zombie

Emanuele Pavia — Wed, 11 Feb 2015 19:29:09 +0000

Voto:

4.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

New Wave

Etichetta:

Freaks R Us

Anno:

2015

Line-Up:

1. Citizen Zombie

2. Mad Truth

3. Nowhere Girl

4. Shadow Child

5. The Immaculate Deception

6. S.O.P.H.I.A.

7. Box 9

8. Nations

9. St. Outrageous

10. Age of Miracles

11. Echelon

Tracklist:

- Mark Stewart - Voce

- Gareth Sager - Chitarra, sassofono

- Dan Catsis - Basso

- Bruce Smith - Batteria

The Pop Group

Citizen Zombie

Riformatisi nel 2010 con pressoché la stessa line-up che nel 1980 aveva dato alle stampe l'eccezionale For How Much Longer Do We Tolerate Mass Murder?, i Pop Group non sono rimasti indifferenti a uno dei più nefasti trend musicali che ha caratterizzato questi ultimi anni: quello dei (sempre più frequenti) come-back album di riverite leggende del rock dopo decenni di inattività.

Registrato a partire dal 2012, il terzo full-length dei Pop Group (intitolato Citizen Zombie) era già stato annunciato a fine 2014, quando era stato pubblicato il primo pezzo inedito in trentaquattro anni: la title-track si era rivelata come un brano dance-punk privo di direzione, allestito semplicemente ammassando senza rigore logico marcate linee di basso, voci maschili e femminili, arrangiamenti di tastiera e chitarre, effetti elettronici e interventi di sassofono, e aveva già spazzato via molte delle flebili speranze riposte sull'imminente ritorno della band. Il primo singolo ufficiale, Mad Truth, pubblicato a gennaio 2015, aveva quindi definitivamente confermato tutti i timori che Citizen Zombie aveva fatto sorgere mesi addietro, con un brano disco-funk raccapricciante che sarebbe suonato innocuo pure nel 1980.

L'album viene quindi pubblicato il 23 febbraio tramite la Freaks R Us, e offre uno spettacolo desolante.

Diversamente da molte altre realtà storiche tornate alla ribalta dopo prolungati periodi di assenza dalle scene, i Pop Group non sembrano nemmeno provare a riportare fedelmente (per quanto artificiosamente) il linguaggio classico del gruppo. Al contrario, dello stile esplosivo dei lavori storici è rimasto solo qualche spettro irriconoscibile (essenzialmente, una certa enfasi ritmica mutuata dal dub nello sviluppo dei pezzi e gli anacronistici proclami agit-prop di Mark Stewart): i Pop Group non sono mai sembrati tanto addomesticati, e la loro musica nel 2015 appare estremamente più datata, fiacca e prevedibile di quanto non suonino ancora i loro due capolavori pubblicati quasi quarant'anni fa.

La voce di Stewart si erge su strutture musicali che sono divenute ora regolari e lineari, con la batteria di Bruce Smith a sostenere il basso di Dan Catsis, motore propellente dei brani con i suoi riff che non stonerebbero su qualche registrazione d'epoca della Sugarhill Records. Gareth Sager, d’altro canto, ora si adagia sui classici cliché della chitarra ritmica funk, ora prova ad emulare le deflagrazioni atonali e dissonanti di chitarra e sassofono dei tempi d'oro, il più delle volte fallendo miseramente.

Paul Epworth, infine, suggella definitivamente il disastro artistico con una produzione che soffoca le poche idee presentate dal lavoro, esaltando il lato danzereccio di Citizen Zombie ma rendendo confusi e inintelligibili i momenti in cui l'arrangiamento dei brani si stratifica tramite il sovrapporsi delle diverse voci, degli effetti di chitarra e dell’elettronica.

L'album offre ben poco rispetto a quanto non era già stato possibile sentire nei primi due pezzi estratti. Forse l'unica traccia che effettivamente ha qualcosa di interessante da dire è Shadow Child, che con la chitarra che assume tonalità sinistre, la voce di Stewart che appare e scompare spettrale sopra il lavoro ritmico (tempestato a sua volta da tape loop e distorsioni elettroniche) rievoca in diversi passaggi, per quanto didascalicamente e fugacemente, la grandezza dei Pop Group storici.

Il resto del lavoro si colloca invece tra il dimenticabile ed effimero (vedasi The Immaculate Deception e Nations, che con le voci campionate sopra un minimale tessuto elettronico è perlomeno l'unico pezzo che si discosta dallo stile standard di Citizen Zombie) e il tragicomico. In particolare, a partire dalla seconda metà, il disco vira nettamente verso la componente funk del sound del complesso, dando alla luce brani di rara bruttezza: doveroso citare almeno S.O.P.H.I.A. (che fa pensare addirittura all'operazione retromania di Random Access Memories), Box 9 (e specialmente la sua ridicola progressione di basso nella strofa), Age of Miracles (la cui trama melodica, condotta dal pianoforte e ribadita dalla chitarra, sempra provenire direttamente da un singolo eurodance) e l'aberrante St. Outrageous.

Dover rappresentare il successore di due dei dischi più belli e influenti dell'intera scena new wave anni Settanta/Ottanta come lo sono stati i due album dei Pop Group, specialmente a trentacinque anni di distanza, sarebbe un compito arduo per qualsiasi album. È anche vero però che Citizen Zombie sarebbe un album imbarazzante in qualsiasi discografia, a prescindere dalla grandezza dell'opera passata con cui si ritrova, inevitabilmente, a essere paragonato.

In assoluto, il peggiore tra tutti i ritorni possibili.

Piena

Giulio Magliulo — Sun, 25 Jan 2015 18:49:12 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Cantautorato

Etichetta:

Stop Making Sensible Records

Anno:

2014

Line-Up:

Tommaso Tanzini

Tracklist:

01. L’Immagine

02. La Tua Tranquillità

03. Musicisti Alla Ribalta

04. Retromani

05. Il Personaggio

06. Madre

07. Quattro Mura

08. In Bici

09. Io Non Ti Lascerò

10. Attorno Al Fuoco

11. La Rivincita

12. Hoj

Tommaso Tanzini

Piena

Chitarrista, cantante e dj: l'ex Criminal Jokers ne aveva di cose da sperimentare. Salutata dunque la band, ecco il suo album d'esordio.
E fa proprio tutto da solo a quanto sembra: voce, chitarra acustica ed elettrica, synth bass.

Minimalista? Sicuramente si, affascinato tanto dalla new wave quanto dai cantautori/chitarristi solisti.

Se da un lato sembra arduo reggere dodici tracce così omogenee, fatte di arpeggi, scarna elettronica in funzione ritmica ed un cantato che inevitabilmente ricorda Appino, dall'altro succede che per un effetto quasi ipnotico il disco fluisce, la musica evoca colori ed atmosfere isolazioniste e poi si vuol capire queste storie 'minime', questo cantautorato prosciugato, questo post-cantautorato diremmo, dove vogliono andare a parare.
E mentre le si ascolta, le si dimentica, come quando tutto si trasforma in flusso di coscienza.
Difficile dare riferimenti vista la particolarità della proposta (a parte quello esclusivamente geografico a Zen Circus): forse degli Offlaga Disco Pax intimisti infatuati di Nick Drake?

The Big Heat

Giulio Magliulo — Tue, 10 Jun 2014 20:36:07 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Etichetta:

I.R.S.

Anno:

1985

Line-Up:

Stan Ridgway - voce, armonica a bocca, tastiere, banjo, chitarra, basso

K. K. Barrett - batteria

Chris Becerra - batteria

Joe Berardi - batteria

Hugo Burnham - percussioni

Louis Cabasa - basso

Mr. Christopher - violino, violoncello

Mark Cohen - banjo, mandolino

John Dentino - tastiere

Bruce Fowler - trombone

Mitchell Froom - tastiere

Richard Gibbs - Emulator

Richard Greene - violino

Hugh Jones - tastiere

Bill Noland - tastiere, pianoforte

Joe Ramirez - chitarra, programmazione, voce, basso

Tom Recchion - percussioni

Steve Reid - percussioni

Mark Terlizzi - basso

Louis Van Den Berg - tastiere

Mike Watt - basso

Pietra Wexstun - voce, tastiere

Eric Williams - chitarra

Bruce Zelesnik – batteria

Tracklist:

The Big Heat – 4:34

Pick It Up (And Put It In Your Pocket) – 4:33

Can't Stop The Show – 3:46

Pile Driver – 4:47

Walkin' Home Alone – 4:32

Drive She Said – 4:18

Salesman – 5:30

Twisted – 3:38

Camouflage – 7:18

Rio Greyhound (instrumental) – 3:13

Stan Ridgway

The Big Heat

Stan Ridgway (Stanard all'anagrafe) è una figura angolare nella storia del rock americano ma che per oscure ragioni ancora non viene considerata 'mitica'. Probabilmente questo è dovuto al fatto che è ancora vivo: non è una buona ragione.

Se questo è cio che 'arriva' dal pubblico contemporaneo, invero si deve anche dire che di gloria nel suo momento di maggior esposizione mediatica Stan ne ha raccolta eccome e tutt'oggi i critici, gli archeologi e gli scavengers vari del rock non lesinano incensi ed ori nei confronti di questa icona.

La storia è anche abbastanza conosciuta. Stan è il vocalist dei Wall Of Voodoo, artefici agli inizi degli anni '80 di due albums che hanno confuso le idee a molti. Inglobati nel filone dance soprattutto per via del singolo da heavy rotation su MTV, Mexican Radio (poi ripresa anche in una celebre cover version dai Celtic Frost), i Wall Of Voodoo sono stati in realtà tra i primi 'moderni' a suonare il 'gotico americano' del sud.

Le fortissime influenze synth-pop del periodo non solo non serviranno dunque a diluire i concetti artistici alla base del gruppo californiano ma li esalteranno creando una forma di electro-art-punk, di country anfetaminico che farà entrare di diritto questi ragazzi della Città degli Angeli nel museo delle cere della new-wave.

Uscito dalla band nel 1983 - che continuerà poi con Andy Prieboy al suo posto – il primo atto solista di Stan Ridgway è The Big Heat, album che nonostante le influenze inevitabili della band di provenienza, permette di comprendere e godere della cifra stilistica e della potenza espressiva del leader.

La traccia d'apertura, omonima, è un trionfo della wave più oscura e di frontiera ove convivono synth nervosi, archi e suoni artificiali che imitano animali notturni e che lasciano intendere che il deserto è proprio lì fuori. In tutto l'album in effetti ci sono 'suoni' difficili da confermare - anche se un'armonica è un'armonica - visto il dispiegamento di forze dei synth e l'ossessione elettronica che ancora perdurava a metà eighties.

In Can't Stop The Show si sente addirittura il basso di Mike Watt slappare metallico a dispetto del brano che è uno dei meno impetuosi e che inserisce anche lancinanti chitarre liquide.

Già un paesaggio ed un clima sono del tutto delineati e non si è ancora a metà dell'album.

Ad anticipazione dei percorsi futuri di Ridgway che andrà sempre più incontro alle tradizioni, c'è una Pile Driver immersa in atmosfere Tex-Mex o il giochino barocco di Rio Greyhound.

Una delle vette dell'album è Drive, She Said non inferiore alle più nevrotiche e trascinanti nenie elettroniche dei Wall Of Voodoo. Presenze lontane, vuoti, ipnosi, gestiti con grande capacità teatrale dalla voce nasale di Stan Ridgway.

Altro singolo e capolavoro dell'album, forse uno dei brani per cui è più conosciuto nella sua carriera solista è Camouflage, il 'western' per definizione dell'era elettronica con tanto di banjo e mandolino molti anni prima dei Sixteen Horsepower.

Se c'è un album che descrive con amara ironia e humour nero una possibile Los Angeles anni ottanta che guarda verso sud e che ha la dignità letteraria e narrativa del romanzo, del noir e del thriller, questo è The Big Heat, autoreferenziale già dal titolo.

Compulsivo e psicotico più della new wave da cui fuoriesce e 'di confine' tanto quanto altre rinomate bands che solo dopo dieci anni oseranno contaminarsi – certo, molto diversamente - con altri 'discorsi' al di fuori del rock (Giant Sand, Calexico, Black Heart Procession o la già citata band di Dave Eugene Edwards). Un artista da riscoprire, anche in virtù delle amabili derive oldies più acustiche che prenderà successivamente.

Pulse And Treatment

Giulio Magliulo — Sat, 19 Apr 2014 10:12:38 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Synth Pop

Electro Goth

Etichetta:

Seahorse Recordings

Anno:

2014

Line-Up:

Cristian Battiato - guitar, synth, sampler, effects
Patrick Guerrera - voice, synth, sampler, effects
Santo Trombetta - guitar, synth, sampler, effects

Tracklist:

She Walks

Last Time

Moon In Blue

Flow

My Own Friends

Beautiful Words

Misanthropy

Feel Into The Void

A Modern Way To Die

Pulse And Treatment

Dalla metà degli anni ottanta una delle missioni che il rock avrebbe dovuto portare a compimento, riuscendoci, è stata quella di diradare le nebbie del post-punk allora imperante.

Diversi poi sarebbero stati i modi di dissolvere la dark music e la new wave.

Il primo, più eclatante, è stato quello di cercare realmente la luce attraverso aperture anthemiche ed universali. I primi crepuscolari U2 potrebbero essere un buon esempio, ma anche i Sisters Of Mercy terminali sempre più coinvolti dal ritmo sintetico rendono l'idea.

Un altro modo, forse più sottile ed intrigante è stato quello di contaminarsi con il guitar rock che da lì a breve sarebbe stato denominato shoegaze. Non parlo di quello acidamente pop di Jesus & Mary Chain, penso semmai a certe chitarre sospese e circolari, vagamente psichedeliche di gente come The Church o House Of Love, in qualche modo sempre oscuri persino quando non volevano esserlo, scotto da pagare per gli psichedelici fuori stagione.

Rievocare tali scenari nel 2014 evitando il rischio di cadere nella sterile imitazione è stata la sfida, innegabilmente stravinta, da A Modern Way To Die.

E se il trio catanese perviene a tale risultato è perchè non fa nulla per nascondere le sue influenze più riconoscibili, anzi la convinzione che caratterizza Pulse And Treatment fa di esso un album che non sfigurerebbe tra i capolavori del periodo. L'immediatezza - che non sempre è un pregio – diventa qui punto di forza e se la voce fredda ed evocativa di Patrick Guerrera ci ricorda i primi onirici Litfiba o il Nick Cave più sermonico se non l'ultimo Peter Murphy, esteta estremo, è perchè essa va per diritto naturale ad insinuarsi lì in mezzo. Ed anche la 'fase electro' è fondamentale per gli A Modern Way To Die, non bisogna dimenticarlo, ed ecco che quei synth cari ai Soft Cell o ai New Order allora ritornano utili.

Un album pieno, carico, intenso, dall'inizio alla fine, in cui si attraversa una galleria di specchi dai quali si affacciano i profili severi di Ian Curtis e di Andrew Eldritch, dove le gesta decadenti di Clan Of Xymox e Bauhaus hanno ancora asilo, dove è possibile essere rapiti da chitarre sature ed acidissime ma al contempo piombare sui più oscuri dancefloors ove sorridere ubriachi pensando che se nel rock è già stato detto tutto, a volte basterebbe solo che fosse ridetto bene. Come avviene in Pulse And Treatment, un disco magnificamente ossessivo, paranoico ed epico.

Le Parole Non Dette

Giulio Magliulo — Sat, 07 Dec 2013 09:37:06 +0000

Voto:

6.2 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Etichetta:

Enter/Toten Schwan/Effetti Collaterali

Anno:

2013

Line-Up:

Alfonso Errico - Voce, Testi

Leonardo Albanese - Chitarra

Maurizio Cavaliere - Basso, Tastiera

Wadir M.V. Marchesiello - Pc, Controller, Fx

Tracklist:

Victus

Un Azzurro

Cascando

Chimera

Confessioni

Nastenka Aspetta Un Altro

Le Parole Non Dette

La cifra letteraria la si evince sin dal nome, Nastenka è un personaggio de Le Notti Bianche di Dostoevskij, ma i riferimenti della band di Alfonso Errico sono da cercare sicuramente più vicino nel tempo e nello spazio. Quanto abbia influito la lezione della new wave italiana lo comprendiamo chiaramente nell'arpeggio 'siberiano' dell'opener Victus dal quale emergono i primi Diaframma, quel certo declamare conciso dei Massimo Volume ed il microglitch degli Offlaga Disco Pax.

Ora che siamo sicuri di non esserci sbagliati e di aver sbaragliato il campo da possibili dubbi, può cominciare la recensione.

Un Azzurro tende ad aprirsi a distese ambient ad un passo dall'isolazionismo ed offrono una perfetta base ai versi asciutti della voce, quantunque sia sempre il paradigma wave a dominare la scena. Cascando offre una maggiore tensione electro-rock e dinamiche di movimento dalla metà in avanti, pur restando all'interno di una stanza poetica che è più un antro in cui i Nastenka han deciso di rinchiudersi consapevoli che le possibili variazioni da percepire sono minime.

Chimera è quella che mi piace di più con le sue sospensioni glitch iniziali, l'oscuro minimalismo wave e la 'decadence' dei versi. E' qui che gli animi dark più sensibili traggono linfa per i propri sogni corrotti da visioni di 'voluttà e dolore' e si entra in atmosfere da Coil degli '80.

L'e.p. si chiude con Confessioni, quasi una preghiera post-industrial recitata sulla consueta base di elettronica sostanziale e cupezza terminale.

Solo alla fine dell'ascolto quindi si comprende che ciò che è messo davanti è solo un inganno, a mò di cavallo di troia, che non sono quelle forti reminiscenze di nobile background italico ad essere lo scopo di Nastenka, molto più interessante è lo sbriciolarsi indietronico delle macchine di Marchesiello o il riportare certi concetti sottesi della cultura post-industrial nel nostro apatico contemporaneo.

Poi certo, con tanta carne al fuoco anche i Nastenka sanno che bisogna affrancarsi sempre di più dai modelli che colonizzano il nostro inconscio musicale ma probabilmente per questo tipo di progetti in cui le liriche e la relativa rappresentazione non son seconde a quella che è la parte meramente strumentale il mio suggerimento forse lascia il tempo che trova.

Danza Meccanica - Italian Synth Wave Vol. 2 1981 - 1987

Gabriele Bartolini — Thu, 27 Sep 2012 17:04:43 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

New Wave

Synth Pop

Etichetta:

Mannequin

Anno:

2012

Tracklist:

1. Suicide Dada – Acque
2. Der Blaue Reiter - Through Glasses
3. Sons Of Science - Way Of Life
4. Waveform – Creep
5. Ruins - New Record
6. Jeunesse D'Ivoire - A Gift Of Tears (Silent Version)
7. LASS Crime - I'll Merry Go Round
8. Musumeci - Harry Batasuna
9. Deca - First Frequency
10. European Stage - Subterranean Wait

AA. VV.

Danza Meccanica - Italian Synth Wave Vol. 2 1981 - 1987

A distanza di due anni dal primo capitolo esce "Danza Meccanica - Italian Synth Wave Vol.2 1981-1987", attesissimo sequel di quello che potremo doverosamente definire come la specialità di casa Mannequin, ovvero un altro lotto di brani minimal-wave, tutti rigorosamente italiani, accuratamente selezionati dalla celeberrima post-punk label romana, che - di pari passo a co-produzioni ed importazioni estere giostrate sull' asse Minimal Wave / Captured Tracks / Sacred Bones – con titoli come questo si sta ritagliando un deciso ruolo sempre più fondamentale anche in Italia, il cui lavoro di ricerca svela il coraggioso intento di voler guardare oltre il muro delle compilation a tema pubblicate da riviste musicali come Rockerilla negli anni '80.

Il dato iniziale, che gioca sicuramente a favore, è quello che vede riproporsi la medesima filosofia dell' esordio, attenta a valorizzare nomi di nicchia senza al tempo stesso abbassare il livello qualitativo dell' insieme, o peggio ancora snaturarlo.
Rispetto al duemiladieci però la nuova raccolta – che vanta al solito la sopraffina grafica "futurista" di Valentina “Mushy” Fanigliulo – si sposta leggermente verso i lidi dark del synth-pop, tratteggiati alla perfezione dal lavoro sapiente di mastering dell' Ensemble Pittoresque Ton Willekes ed in modo altrettanto superbo tradotti in musica dalle elucubrazioni techno-pop ( con scheggie industrial) di Deca e Sons Of Science, le due punte di diamante in tale campo, influenzate non solo da Depeche Mode ma da tutto l' universo Mute in generale.
E se dopo l' apparizione sul secondo volume della Minimal Wave qui i Ruins deludono abbastanza, a risanare il bilancio ci pensano Waveform e L.A.S.'s Crime, a ritmo di una metal dance caustica ed alienante.
Altrettanto positive sono le bellissime ballate Acque e A Gift Of Tears (Silent Version), rispettivamente di Suicide Dada e Jeunesse D' Ivoire, capaci di tenere testa – tra ruvidi schemi percussivi ed echi dolorosamente striscianti – persino alla doppietta che fu di Tommy De Chirico / Janitor Of Lunacy, in quanto ad influenze darkwave.

Insomma, anche il secondo volume di Danza Meccanica riesce a confermare le aspettative createsi attorno al succitato ambizioso progetto di riportare alla memoria l' affascinante epoca new-wave italiana.
"Danza Meccanica - Italian Synth Wave Vol.2 1981-1987" con la sua solidità conferma difatti gli elogi rivolti all' intero team esecutivo, introducendo non solo altre rare perle ma riuscendo persino a spostarsi cronologicamente in avanti, passando, concedetemi il paragone, dalla prima Factory ad un abbozzo più che chiarificatore di un Hacienda italiana: Berlino e Manchester non sono mai sembrate così vicine a noi.

S U R V I V E

Gabriele Bartolini — Thu, 27 Sep 2012 16:54:38 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

New Wave

Synth Pop

Etichetta:

Mannequin

Anno:

2012

Line-Up:

- Adam Jones
- Kyle Dixon
- Mark Donica
- Michael Stein

Tracklist:

1. Deserted Skies
2. Floating Cube
3. To Light Alone I Bow
4. Hourglass
5. Omniverse
6. Black Mollies
7. Scalar Wave
8. Shunting Yard
9. Dirge

S U R V I V E

Quando l' anno scorso, in occasione della doppia uscita album/EP targata Salem, si provò a tracciare con netto ritardo le coordinate essenziali della "scena" witch house, lasciare fuori gruppi di seconda fascia come i texani S U R V I V E appariva come pura e semplice normalità.
Eppure, già agli esordi, quando questo appellativo si presentava come un miscuglio non meglio definito tra dream-pop sotto ipnosi screw, appariva altrettanto chiaro che alcuni di essi erano indipendenti dal contesto, trascinati dentro a forza di frettolose etichettature.

Difatti, sebbene il quartetto sapesse ottimamente propinare scenari ambient-dark al rallenti, come testimoniato nella cassetta di artisti vari "Black As Night", le influenze elettroniche dei seventies, e in minima parte degli eighties, entravano sempre più a far parte del loro repertorio, costituendo il loro vero potenziale.
Il quartetto cresciuto a sci-fi e synths analogici arriva alla definitiva consacrazione con l' omonimo LP targato Mannequin, di fatto estraniandosi dalla witch, mantenendo la propensione ambientale che li contraddistingue, stavolta però chiaramente influenzata dalla kosmische musik tedesca, la cui poderosa portata viene puntualmente addolcita da ritmi programmati e da basi minimali che dimostrano come anche nel loro pianeta, privo di gravità, si possa ogni tanto aumentare il ritmo ed azzardare atmosfere ballabili.
Grazie a questo il disco non appare mai scontato nel suo lento progredire, ed anzi l' altissima qualità di tracce come Scalar Wave o Dirge ( due gelidi monoliti stampo Schulze) viene messa in evidenza da episodi, quale Floating Cube o Hourglass, che si limitano a rispettare la forma canzone ( se così si può definire) senza perdersi in insulsi riempitivi, donando al disco una naturalezza che a pochi altri nuovi lavori si addice.

Tramite i seguenti passi "Survive" si rivela un' uscita essenziale per gli amanti della musica kraut e delle soundtracks che dalle medesime sonorità pescavano, con almeno tre memorabili tracce ed al tempo stesso un risultato d' insieme sicuramente invidiabile, fin tanto che alla fine è conseguenza diretta glorificare ulteriormente un' età musicale d' oro piuttosto che "nuove" correnti-spiragli dal dubbio valore.

The Next Wave

Giulio Magliulo — Fri, 13 Jul 2012 12:18:27 +0000

Voto:

6.3 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Synth Pop

Indie Rock

Etichetta:

A Buzz Supreme

Anno:

2012

Line-Up:

AA. VV.

Tracklist:

BLUE WILLA	Fishes
UnePASSANTE	Emotional Countdown
KING OF THE OPERA	Nine-legged Spider
KILL THE NICE GUY	Closed
BAD APPLE SONS	Caracollo
GRANPROGETTO	Un Esperimento
WALKING THE COW	Rorschach Hands
THE VICKERS	You Talk Too Much
THE HACIENDA	Last Bus On The Way
VELVET SCORE	Pictures Of Summer
UNDERFLOOR	Solitari Blu
LA DUMA	La Scelta è Tragica
PLASTIC VIOLENCE	Ghost Nation
KA MATE KA ORA	My Psychedelic Teacher
KARL MARX WAS A BROKER	Teletubbie
MANGIACASSETTE	Sangue
TRIBUNA LUDU	Frattaglie
DILATAZIONE	Marx On Mars

AA. VV.

The Next Wave

The Next Wave con la sua didascalia ‘una raccolta sulla nuova scena fiorentina’ fa simpatia già solo a leggere la copertina, ancor prima di sondarne i contenuti e di leggere, nel booklet interno, le note di Elena Raugei, ‘the mind’ dell’operazione ed importante firma della stampa musicale italiana.

Perché l’intento è chiaro: la prossima onda è quella che ci sarà ma anche quella che potrebbe non esserci poiché quello che è stato uno dei semi del rock italiano indipendente, cioè la scena new wave fiorentina degli anni ’80, non deve (e non può) più essere il masso che spinge giù in un inutile confronto su ‘ciò che è stato’ per poi trovare giustificazioni al perché del ‘rock che è morto’ o è morente, che in Italia manca una cultura del rock come i relativi spazi e così via… storie che sentiamo da decenni e che non portano da nessuna parte anche perché non più attuali. Forse le parole della stessa Elena semplificano il concetto quando dice ‘la musica, per fortuna è andata avanti’. Quindi già l’ironia che traspare dal titolo sembra un ottimo biglietto da visita.

Altro deus ex-machina dell’operazione è Andrea Sbaragli di A Buzz Supreme che ha reso possibile l’operazione con l’idea più vecchia e più nuova che possa esserci nelle musiche che ascoltiamo: l’autoproduzione totale, mezzo che permette alle bands di muoversi liberamente nei circuiti e nei canali che vogliono essere ricettivi e aderire ad essi senza troppi compromessi.

I 18 brani che compongono la raccolta rappresentano lavori già usciti, versioni alternative o anticipazioni di nuovi albums a venire e sono un po’ lo stato dell’arte della scena musicale toscana.

I Blue Willa (ex Baby Blue) prodotti da Carla Bozulich ed unePassante aprono le danze ed indicano nuove strade più espressioniste al post-punk. Altra importante presenza sono i King of the Opera (ex Samuel Katarro, che abbiamo avuto modo di apprezzare qualche mese fa al loro debutto internazionale al Barcelona Primavera Sound) con il loro art-rock totale mentre I Kill The Nice Guy propongono un indie nervoso, tirato e finalmente ‘femminile’, in opposizione a questa manìa delle ‘cantantesse’ folk che sembra andare per la maggiore.

Si ritorna all’inglese con i Walking The Cow, band di più ampio respiro rispetto ad un possibile panorama internazionale poiché propone un brano che ibrida certo indie-pop con cadenze folk mai troppo introspettive e ci lascia piacevoli suggestioni vissute intorno alla metà degli anni novanta con le migliori indie bands statunitensi femminili ed anche i The Vickers sembrano essere positivamente infettati dalla stessa solarità dell’indie dai colori pastello di quel periodo.

The Hacienda poi conquistano prepotentemente il titolo tra i migliori della lista con i loro frizzanti riff garage fusi a ritornelli alla At Drive-in non da tutti, giocandosela con i successivi Velvet Score forti di una vena melodica pulitissima e veli di malinconia estiva a iosa (possono ricordare degli Amor Fou in inglese ed è un complimento!).

Ad eccezione di Mangiacassette, che è assimilabile a certo indie italiano sulla stessa lunghezza d’onda di Brunori Sas e dei Tribuna Ludu, wave con accenni gotici e industrial senza chitarra che piacerebbe sia ai fans dei CCCP che degli oVo, forse sono gli altri brani cantati in italiano a risultare più deboli.

La traccia dei Bad Apple Sons per esempio, pur godendo di buona struttura ed intuizioni forse finisce per pagare un po’ troppo un tributo ‘marleniano’ , soprattutto in certi passaggi vocali simili a quelli del Godano mentre i GranProgetto, gli Underfloor e La Duma non lasciano troppo un segno di sé con i loro brani non sufficientemente penetranti: non bastano belle code rock o viole evocative che fanno capolino ad evitare certe sensazioni di deja vu, cioè quell’inclinazione all’italico vizietto di ‘cantarsi addosso’ in una ricerca di intimismo poetico a volte un po’ estenuante, sia nei toni che nelle liriche.

Ci sono poi i Plastic Violence con i loro soundscapes decadenti, i Ka Mate Ka Ora che cavalcano il riflusso shoegaze, i Karl Max Was A Broker con i loro accenti math ed infine i Dilatazione con la loro (disco)wave mutante tutta synth e fiati.

Lunga vita dunque a questo tipo di operazioni che senza farsi affossare da esso, sono comunque un ‘memento’ dei bei tempi in cui giravano le compilation su cassetta, quelle che non ponevano barriere tra generi e quindi permettevano di conoscere ciò che c’era in giro con rischio noia uguale a zero.

Senza Titolo

Gabriele Bartolini — Tue, 22 May 2012 17:49:45 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

New Wave

Etichetta:

Sometimes records

Anno:

2011

Line-Up:

- Andrea Azzali – Bass, clarinet, tapes
- Simon Balestrazzi – Guitar, tapes
- Giorgio Barbuti – Voice
- Fabio Cortesi – Synth, tone generator
- Giampaolo Terenziani – Drums, percussion
- Andrea Salvini – Piano on 3 and 12

Tracklist:

01. A.I.Z
02. Nessun Problema
03. Parabole
04. March No.15
05. Buy
06. Na-Tu-Ra-Le
07. Il Nostro Petto è Rame di Timballi
08. Epicondili Articolari
09. N
10. Pues Bien?
11. Cane
12. Tuo
13. Tomografia Assiale Computerizzata
14. Pervaso Dal Mio Io
15. Art Is Not A Mirror
16. Banana Sintetica
17. Danno Genetico
18. I Fumi Della Pazzia Trasformati Nell'Ironia Della Vita
19. Barbat
20. Tch Tch Tch

Tomografia Assiale Computerizzata

Senza Titolo

Nel 1981 la spinta propulsiva a rinnovare continuamente i connotati della musica da parte della prima avanguardia new-wave si stava lentamente allentando, con una miriade di gruppi che prendendo più di uno spunto da questa corrente cercavano al contempo di rifugiarsi verso le nuove ( e non meno innovative) estetiche del new-rock e del new-pop, da cui fiorirà un' interessantissima cultura – in quell' anno ad esempio uscirà la pioneristica raccolta "Fourth Drawer Down" degli Associates - che aveva come unico credo, anche questo legato al post-punk, il mutamento di ogni schema musicale definito come "normale".

Ma tale periodo vide anche l' espandersi di una fitta rete industrial-garage-no wave che molto aveva a che fare con l' improvvisazione ed il dark cabaret, inteso come mero momento di esaltazione del macabro.
Una delle prime formazioni a seguire questa pista, influenzata tra gli altri da Throbbing Gristle, Residents e Pere Ubu, furono i Tomografia Assiale Computerizzata ( ragionevolmente abbreviati a T.A.C.) da Parma, originariamente formati da cinque membri, tra i quali spicca la figura di Simon Balestrazzi, che sarà coinvolto da metà anni ottanta in molti altri progetti tra cui Kino Glaz e Kirlian Camera, senza dimenticare l' avventura da solista intrapresa di recente.
"Senza Titolo" è la raccolta licenziata dalla Sometimes Records ( già alle prese con Detonazione ed affini) che include ed illustra i primi passi di questa band, che a livello nazionale potremo definire benissimo come pioneristica; stiamo parlando del periodo a cavallo tra il 1981, anno in cui nacquero i T.A.C., ed il 1982, durante il quale la banda si apprestava ad approdare all' LP dal titolo omonimo, in pratica contenente estremizzazioni dei pezzi contenuti nello spartano esordio su cassetta, appunto senza titolo, a cui si aggiungono le due prove tecniche di trasmissione ( di cui si consiglia l' asciuttissima track eponima) e una serie di performance live da Parma e Slego, vero tripudio di accordi caotici e "contorzionismo" impro messi assieme, come la migliore tradizione newyorkese vuole.

Oltre ai riferimenti già annunciati, l' altra importante caratteristica per cui i nostri si distinguevano era il massiccio trattamento riservato ai cosiddetti tapes, capaci così di produrre sulla scia di modelli inglesi quali Cabaret Voltaire effetti ancor più desolanti e stranianti alla loro musica, connotazione evidenziata inoltre dagli ardui esercizi di cantato che, letteralmente, conducono l' ascoltatore verso un manicomio isolazionista dove regnano la perversione ed il non-sense.
L' ottimo risultato è racchiuso nell' ora tonda tonda di "Senza Titolo", essenziale uscita atta a rimarcare la micidiale miscela di jazz e funk-punk esaminata sotto una lente di ingrandimento industrial dei leggendari T.A.C. degli esordi.

Loving Machinery

Gabriele Bartolini — Tue, 03 Apr 2012 13:37:20 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

New Wave

Etichetta:

Mannequin

Anno:

2012

Line-Up:

- Roberto Caramelli - Drum machine
- Enrico Giuliani - Bass
- Alberto Pietropoli - Saxophone
- Natale Nitti - Synthesizer, keyboards
- Alvise Cristinelli - Vocals, violin

Tracklist:

01. Saturday Nite
02. Rock Onee
03. What Use? (Version)
04. Beset City

Central Unit

Loving Machinery

Per il trentesimo anniversario del fortunato primo EP dei Central Unit, la Mannequin decide di ristampare ( giustamente) questo importante capitolo della new-wave Italiana con una operazione che prevede di mettere a disposizione una tiratura limitata su vinile di trecento copie.

Di fondamentale importanza e di grande attrattiva – soprattutto per il pubblico mitteleuropeo, che li portò in trionfo con il primo singolo Saturday Nite, grazie al quale potranno poi calcare palchi di prestigio come quello del No Wave, No Jazz a Berlino, a fianco di nomi come Einstürzende Neubaten –, la parabola del gruppo bolognese risulta, a conti fatti, una delle più anomale, rispetto alla moltitudine di nomi italiani legati alla new-wave di quel periodo.

Anzitutto per due motivi: l' impeccabile bravura nell' uso degli strumenti elettronici ( nel press kit si può addirittura leggere che erano tra i pochi nel mondo a saper utilizzare la Korg-KR55, modello di drum machine decisamente all' avanguardia, non avente nulla a che fare ovviamente con la stessa resa dei synths utilizzati dai primi Cabaret Voltaire) ed il fatto di aver precorso i tempi, seppur di poco, attenendosi quindi sì a stilemi provenienti dall' estero, ma senza esagerare con le citazioni e restando comunque fedeli ad un proprio credo musicale.

L' EP "Loving Machinery" in questione difatti vede la luce già nel marzo del 1982, e costituisce in tutto e per tutto il perfetto lasciapassare per i Central Unit, che si immergono fin da subito con sagacia e maestria nel mesto mood del dark cabaret, a metà tra la lucentezza del synth-pop ed i clangori del post-punk – non a caso l' uscita valse alla band il titolo di Tuxedomoon italiani, con Peter Principle che un anno più tardi produrrà l' esordio omonimo.

Ma oltre che per suscitare gli inevitabili ( e possibili) paragoni, la musica di "Loving Machinery" rispecchia appieno le tendenze del momento, piazzandosi a metà tra pop e sperimentazione grazie alla miscela adesso opportunamente scheletrica ed effettata di Saturday Nite ( che verrà peraltro inclusa nella compilation "Electro Italia (1980-1986) - From New Wave to Italo Disco", il che è tutto dire) adesso ricca di effetti elettronici a cascata, come nella già citata What Use? (Version), una vera perla, ottimamente cavernosa e pulsante con i suoi mille loop elettronici.

Non di meno, le pulsazioni delle strumentali Rock Onze e Beset City conferiscono all' EP un' atmosfera notturna, in maniera particolare la seconda, che con il suo andamento alcolico e caracollante dimostra come ai Central Unit importasse poco o nulla scrivere canzoni solamente orecchiabili, o peggio ancora danzereccie.