Neo Folk

In Extremis

Giulio Magliulo — Sun, 05 Jul 2015 08:02:21 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Neo Folk

Dark Wave

Avantgarde

Etichetta:

Ritmo & Blu Recs.

Anno:

2015

Line-Up:

Bianca Maria Sciarra - voce | piano | synth | philicorda

Silvio Pavan - basso | tamburi | marimba

Diego Rinaldi - chitarre | fx | percussioni

Tracklist:

In Extremis
Fuori Fuoco
Hush Hush
Notturno

Minor Res

In Extremis

In Extremis riporta alla luce un percorso musicale i cui cunicoli sono ormai ricoperti dalle sabbie del tempo, i cui tesori sono ormai affondati nelle memorie più profonde: le prime produzioni della 4AD, eteree e - per il tempo - sperimentali di Cocteau Twins, Dead Can Dance e This Mortal Coil ma anche quelle più dark di Cranes, Arcana, Ataraxia, All About Eve ecc.

Ora che la faccia più spendibile della new wave viene cannibalizzata da finissime 'produzioni marchetta', i Minor Res dimostrano ben altre volontà.

L'operazione In Extremis sembra il risultato di un potente mix di intelligenza e passione, frutto di scelte mediate da una visione artistica (e tecnica) di fondo che non lascia altre possibilità oltre all'andare al di là della facile strada.

Sarebbe stato semplice e comodo riciclare certi clichè e adattarli un po' ai nostri tempi ma tutto ciò che è compreso nella forbice darkwave/neofolk/martial/industrial non è imploso su sé stesso, vittima delle sue intransigenze estetico/ideologiche nonché delle mode che passano?

Suoni che si creano dal silenzio e avanzano austeri nel silenzio, che si espandono fino ad affermarsi nel loro spazio fluttuante e atemporale. Ricerca di nuove forme e significati dalle trascrizioni di vecchi codici. Le magìe e i sortilegi che si sono realizzati nello Studio Ritmo & Blu di Stefano Castagna possiamo solo immaginarli.

Quella nera e abbagliante luce perseguita prima da Argine, Corde Oblique o Kirlian Camera sembra oggi rigenerarsi e superare quegli angusti corridoi, il trio bresciano ce la sta indicando, a noi poi il volerla seguire.

Feral Songs for the Epic Decline

Emanuele Pavia — Thu, 29 Dec 2011 00:43:22 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Neo Folk

Avantgarde

Etichetta:

At a Loss Recordings

Anno:

2011

Line-Up:

- Bruce Lamont - Tutti gli strumenti

Tracklist:

1. One Who Stands on the Earth
2. The Epic Decline
3. Year Without Summer
4. The Book of the Low
5. Disgruntled Employer
6. Deconstructing Self Destruction
7. 2 Then the 3

Bruce Lamont

Feral Songs for the Epic Decline

Per quanto non si possa certamente dire che Bruce Lamont abbia conquistato un'ampia audience con il suo lavoro negli Yakuza, la commistione di metal estremo, jazz e world-music con cui si è esibito nel suo progetto principale gli ha permesso in ogni caso di ottenere riconoscimenti presso una discreta fetta di ascoltatori nell'ambito sperimentale più oltranzista.

Così, dopo cinque album all'insegna della violenza e del cross-over stilistico più efferato (lievemente smorzato solamente nell'ultimo Of Seismic Consequence del 2010), il polistrumentista statunitense decide di cambiare rotta rispetto alle sonorità più feroci degli Yakuza, esordendo da solista con Feral Songs for the Epic Decline il 25 gennaio 2011.
L'album, contenente composizioni sviluppate tra il 2006 e il 2010, accantona gli elementi più estremi e tipicamente metal della musica degli Yakuza (che appaiono comunque in Feral Songs for the Epic Decline, anche se in modo più sottile e meno predominante) senza però rinunciare al connubio delle più disparate tendenze musicali che ha contraddistinto il percorso musicale della band nel corso degli anni, anzi ampliandone ulteriormente il raggio d'azione.
Ciò che lega i sette brani di Feral Songs for the Epic Decline è infatti la varietà delle fonti artistiche cui Lamont attinge per caratterizzare le composizioni dell'album: non più solo jazz e world-music, ma anche (e soprattutto) folk, elettronica ambientale, droni, distorsioni, raga orientali e mantra esotici, che vengono convogliati nei vari pezzi allo scopo di descrivere l'implacabile rovina del mondo (programmaticamente annunciata dal titolo del full-length).

L'opener One Who Stands on the Earth è in questo senso il manifesto dell'opera: si tratta infatti di una lenta marcia di folk apocalittico, disturbata dal riecheggiare di remote distorsioni post-metal, che nei suoi quasi dodici minuti di durata si muove tra mantra orientaleggianti, sofferenti assoli di sassofono e percussioni tribali - tra cui zampillano inquietanti stridii elettrici -, fino a concludersi in un'alienante sequela di vocalizzi lamentosi manipolati e distorti elettronicamente, rappresentando probabilmente il culmine di dolore e di desolazione di tutto Feral Songs for the Epic Decline.
Leggermente meno varia ma altrettanto efficace è la successiva The Epic Decline, un'elegia ambientale sul cui funereo tappeto sonoro emergono la voce di Lamont (che ora si abbandona a toni dimessi, ora si sfoga in vocalizzi furiosi) e i fraseggi decadenti del sassofono, conclusa infine dalle cristalline note del pianoforte che coronano una coda reminescente della world music. L'album prosegue quindi nei suoi toni catastrofici e lugubri con i folk apocalittici di Year Without Summer e l'inquietante digressione distorta di The Book of the Low, mentre Disgruntled Employer fornisce un minimale tappeto elettronico a sostegno del sassofono e della voce.
L'unico riferimento alla musica degli Yakuza è riscontrabile in Deconstructing Self Destruction (in cui il metal estremo e sperimentale viene comunque intaccato dall'elettronica, risultando un'orgia rumorista e dissonante), che precede l'elegia 2 Then the 3, un folk acustico più tradizionale per sonorità ma non meno rovinoso nell'intercedere del sassofono e dei vocalizzi di Bruce Lamont.

Le composizioni si inoltrano quindi nei campi più disparati, senza perdere efficacia e senza risultare incoerenti con il messaggio apocalittico e distruttivo di fondo. Bruce Lamont sviluppa qui un linguaggio totalmente inedito rispetto a ciò che aveva mostrato con gli Yakuza ma egualmente valido, e questo Feral Songs for the Epic Decline è un'altra dimostrazione della creatività di uno dei personaggi più dotati nel panorama musicale odierno.

Saivo

Gioele Nasi — Wed, 30 Nov 2011 23:08:55 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Gioele Nasi

Genere:

Neo Folk

Etichetta:

Prophecy Productions

Anno:

2011

Link correlati:

Sito UtuStudios/Tenhi

Line-Up:

tyko saarikko: lead vocals, guitar, harmonium
ilmari issakainen: guitar, bass, drums, piano, vocals
tuukka tolvanen: vocals
jaakko hilppö: vocals
jussi lehtinen: vocals
janina lehto: flute
elisa ollikainen: cello
paula lehtomäki: viola
heikki hannikainen: contrabass

Tracklist:

1. Saivon Kimallus
2. Pojan Kiiski
3. Uloin
4. Pienet Purot
5. Sateen Soutu
6. Haaksi
7. Surunuotta
8. Savoie
9. Vuoksi
10. Paluu Joelle
11. Sees
12. Siniset Runot

Tenhi

Saivo

Dopo la solita lunghissima ed estenuante lavorazione, arriva alla pubblicazione il nuovo full-length dei finnici Tenhi, uno dei gruppi Dark Folk più apprezzati dello scorso decennio.

“Maaäet” fu un album generosamente incensato dalla critica, ma col passare degli anni è finito per sembrare più la chiusura di un'era che l'apertura di un nuovo ciclo: dalla sua uscita (Febbraio 2006) il gruppo non ha registrato più nulla, ha subito l'abbandono del co-fondatore Ilkka Salminen (ad inizio 2008) e si è per anni (apparentemente) limitato a ripescare 'chicche' dal proprio passato, pubblicando un paio di compilation (“Folk Aesthetic” e “The Collected Works”) e ristampando a proprio nome un disco originariamente pubblicato come side-project (“Airut: Aamujen”).

“Saivo”, venuto alla luce dopo un'incubazione superiore ai quattro anni, in realtà riprende da dove “Maaäet” aveva lasciato, rinfrescando il nobile ed elegante Folk dei finnici con un piglio leggermente diverso nei dettagli, ma immediatamente riconoscibile nei tratti fondamentali.

Il nuovo album è sicuramente più atmosferico e dilatatato rispetto ai suoi predecessori, soluzione che ben si adatta ai toni cupi e inerti evocati da un concept legato all'oltretomba ('saivo' è per i Sámi uno dei mondi ultraterreni). Il pianoforte, mettendo a frutto la lezione di “Airut Aamujen” (di cui era principale interprete), è ora amalgamato al resto della strumentazione in maniera splendidamente organica, e va ad ingentilire l'ossatura dei pezzi costituita dalle sempre presenti chitarre, su cui è stato svolto un lavoro di certosina bellezza (“Pojan Kiski” è da applausi, così come “Pienet Purot”).
Oltre alle chitarre, altro elemento di continuità sono gli archi (viola e violoncello, con la novità del contrabbasso, anche pizzicato) e i flauti: fattori imprescindibili nel suono Tenhi, al pari dell'austera e grave voce di Tyko Saarikko.

Due sono invece i più grossi cambiamenti – un'aggiunta e una defezione.
L'aggiunta è rappresentato da un utilizzo più massiccio dei cori: ben tre “seconde voci” (Tolvanen, Hilppö, Lehtinen) supportano Saarikko e Issakainen, divenendo addirittura protagonisti in una manciata di occasioni (le sacrali “Sees” e “Sateen Soutu”, l'atipica ballata “Savoie”). La maggiore sensazione di spiritualità del lavoro è legata fortemente all'utilizzo di queste voci, verosimilmente rappresentanti coloro che abitano i mondi occulti descritti dalla band.
La defezione, se così la si vuol chiamare, è quella dell'elemento ritmico e tribale – basso, percussioni e batteria. Essi vedono grandemente ridotto il loro ruolo, una scelta a mio parere evidentemente legata all'impostazione tematica del disco: laddove album come “Väre” o “Maaäet” dipingevano la vita, le tradizioni, la natura, e necessitavano quindi di forti elementi di tensione e vigore, questo “Saivo” può fare a meno di tutto ciò, nella sua ricerca di un mood più contemplativo e meno vibrante.
“Vuoksi”, l'unica traccia in cui fa capolino un basso teso e palpitante, vede questo elemento tenuto rigidamente a bada dal mixing e dagli altri strumenti – la differenza con quel che succedeva ad esempio in un pezzo come “Sutoi” è piuttosto evidente.

I brani sono generalmente di qualità alta, tuttavia l'impostazione soffusa e statica di “Saivo” richiede qualche ascolto in più rispetto al passato per far penetrare sotto pelle le melodie del duo finlandese – una scelta, quindi, che potrebbe non soddisfare gli ascoltatori legati alla parte più 'memorizzabile', dinamica e vivace della musica dei Tenhi.
“Saivo” è un disco in cui bisogna giocoforza addentrarsi lentamente, al passo quieto e paziente che ci suggeriscono (impongono) gli ideatori dell'opera. Un disco da cui farsi sommergere gradualmente, spingendosi pian piano sempre più al largo nel misterioso lago circondato dalla fitta nebbia che viene rappresentato nel videoclip di “Siniset Runot”, forse la porta d'accesso per quel mondo sovrannaturale attorno a cui è imperniato il (solito, grande) nuovo disco dei Tenhi.

Wind in the Wires

Vincenzo Ticli — Thu, 30 Jun 2011 16:38:42 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Vincenzo Ticli

Genere:

Neo Folk

Elettronica

Etichetta:

Tomlab

Anno:

2005

Line-Up:

Patrick Wolf - Vocals, Instruments, Written-By
Derek Apps - Clarinet
Jo Apps - Backing Vocals

Tracklist:

1. The Libertine
2. Teignmouth
3. The Shadowsea
4. Wind in the Wires
5. The Railway House
6. The Gipsy King
7. Apparition
8. Ghost Song
9. This Weather
10. Jacob’s Ladder
11. Tristan
12. Eulogy
13. Land's End

Patrick Wolf

Wind in the Wires

La Gran Bretagna, si sa, è sempre stata fucina di grandi geni musicali: la grande vivacità culturale di un paese potente e influente in tutto il mondo, capace di imporre gusti e stili e praticamente creatore e anticipatore di mode globali ha consentito il fiorire di una produzione musicale d’eccezione caratterizzata da innovazione e, spesso, bizzarria. Basti pensare a band come Pink Floyd, Beatles e Radiohead, o a nomi quali Peter Gabriel e Kate Bush per rendersi conto della varietà di stili e idee che hanno reso grande e affascinante la musica inglese degli ultimi decenni. Ed è proprio l’ultimo grande personaggio citato, quello dell’indimenticabile (ma purtroppo, dimenticata e sicuramente sottovalutata) Kate Bush che sembra essere il fulcro della musica di Patrick Wolf, giovanissimo cantautore e polistrumentista scozzese che negli ultimi anni ha sconvolto critica e pubblico con il suo album di debutto, Lycanthropy, seguito da un lavoro che non ha fatto altro che confermare il suo enorme talento: Wind in the Wires.

Catapultato in un medioevo elettronico popolato di personaggi tormentati, si parte al galoppo conThe Libertine, dagli archi isterici e il pianoforte insistente che fanno da humus ai vocalizzi selvaggi che sanno di libertà, per passare alla dolcissima Teignmouth, una ballata elettronica e ritmata in cui liriche appassionate e pacate si scontrano duramente contro i guizzi spigolosi della drum machine come onde sugli scogli. Un intermezzo, e subito il pezzo principe: Wind in the Wires. Timidamente introdotta da poche note di ukulele, la voce parte piano sostenuta dalla chitarra e la viola, appena udibile nel suo sottile lamento, per poi esplodere in un trascinante crescendo. Ma è il pianoforte l’indiscusso protagonista della canzone: pochi accordi ripetuti e sostenuti con una drammaticità che ricorda certe colonne sonore di film d’essai o, se vogliamo, calzerebbe a pennello con una tragedia shakespeariana. Una canzone che sembra scorrere inesorabilmente verso la sua fine incerta, che penetra nelle orecchie e si insinua tra le sinapsi pungente come fosse elettricità.

Ma la musica di Wolf non è in grado di evocare soltanto sentimenti e sensazioni ma anche veri e propri paesaggi: in The Railway House sembra davvero di trovarsi di fronte ad una sperduta casa vicino ad un binario che taglia la brughiera, e soprattutto il salterello rallentato di The Gipsy King dipinge con sconvolgente vividezza pianure verdi e scogliere a picco sull’oceano, mettendo il vento nei violini e la tipica irrequietezza del viaggiatore nell’ondeggiare dell’ukulele, espressione dell’anima del viandante, di colui che viaggia e pianifica con minuzia il proprio itinerario per poi cambiarlo impulsivamente, prendendo di volta in volta strade diverse per tentare di raggiungere la sua meta, quasi un viaggio interiore verso una serenità destinata, come al solito, a durare ben poco. Sono queste le canzoni più tipicamente folk dell’album insieme a Ghost Song, una ballata marinaresca per violini e organo disturbata da trilli e gorgoglii elettronici che parla di oscure pratiche magiche e viaggi astrali per ritrovare tra le onde del mare la bellezza e l’amore persi ormai da molte stagioni.

Difficile riuscire a trovare un punto debole in un album ben realizzato come questo, che combina pezzi più romantici e intimi con altri più energici e quasi punk (Tristan), non lasciando per nulla spazio alla noia anche perché, durando poco più di 40 minuti, risulta quasi fin troppo conciso. Quel che è certo è che muovendosi con maestria tra il passato e il presente quasi futuristico, costruendo con l’aria scenari nebbiosi e mitici riesce appieno nel suo scopo di ingabbiare l’ascoltatore, di dissociarlo dal proprio corpo e fare viaggiare il suo spirito veloce e selvaggio… proprio come elettricità.

Trees in Winter

admin — Fri, 05 Nov 2010 23:00:00 +0000

Voto:

9.0 / 10

Autore:

Gioele Nasi

Genere:

Neo Folk

Etichetta:

Tursa

Anno:

1990

Link correlati:

Tursa

Line-Up:

- Tony Wakeford – Voce, Chitarra
- Ian Read – Voce
- James Mannox – Percussioni
- Joolie Wood – Violino
- Karl Blake – Basso
- Sarah Bradshaw – Violoncello, Flauto

Tracklist:

1. English Murder (7:24)
2. Sawney Bean (4:13)
3. Gold Is King (6:42)
4. Media (2:26)
5. Looking For Europe (3:45)
6. Here We Stand (4:12)
7. Michael (3:37)
8. Deceit (4:37)
9. Blood Of Summer (2:59)
10. Trees In Winter (3:51)

Sol Invictus

Trees in Winter

We stand like trees in winter
We hurt each other
with words of splinters

Primo album del Sole Invitto ad essere pubblicato contemporaneamente sia in CD che in LP negli anni '90 e ad uscire per la loro storica etichetta Tursa, “Trees in Winter” fu un passo fondamentale del cammino artistico dei Sol Invictus. Ovviamente non lo fu solo per i primati statistici sopra riportati, ma sopratutto per la rilevanza stilistica e musicale di questo album nel percorso di crescita musicale di Wakeford.
È con “Trees in Winter” difatti che i Sol Invictus danno maggiore convinzione alla loro scelta di affrancarsi dal suono post-industriale che ancora influenzava i loro primissimi lavori, muovendosi verso una direzione Folk in maniera molto più decisa rispetto al precedente “Lex Talionis”: accantonati pianoforti, sintetizzatori e basi elettroniche, in questo importante long-playing la chitarra acustica diventa definitivamente la base delle ballate maledette del gruppo.

Inizia pertanto anche un processo di arricchimento della line-up, funzionale alla realizzazione di quel suono Folk ch'è nella mente di Wakeford: in “Trees in Winter” ad accompagnare il corpulento menestrello di Woking troviamo quindi, oltre ai fidati Karl Blake (basso) e Ian Read (voce, qui all'ultima prova con il gruppo prima dell'abbandono e della creazione del suo progetto Fire + Ice), anche due archi (il violino di Joolie Woods e il violoncello di Sarah Bradshaw), le percussioni (suonate dal vivo da James Mannox, e perciò meno artificiose rispetto al passato) e il flauto (in “Blood of Summer” e “Michael”).
Il sound di “Trees in Winter” è tutto qui: semplici giri di chitarra, asciutti motivi di violino, poderosi colpi di tamburi marziali e reiterati motivi di basso elettrico creano un'atmosfera cupa e decadente, in un equilibrio mirabile di Folk apocalittico non ancora completamente depurato dai (pochi) echi rimasti del periodo ottantiano, quali ad esempio la stridente introduzione rumorista-industriale ad “English Murder”, il recitato ossessionante di Ezra Pound come incipit di “Gold is King”, l'ossessività guerresca di basso e batteria del classicissimo “Looking for Europe”. Insomma, un singolare anello di congiunzione tra i primi esperimenti, ancora influenzati dal Dark e dall'Industrial, e le sonorità degli anni Novanta, già completamente Neofolk a partire dal successivo album di inediti "King & Queen" (1992).

La tendenza folkloristica è irrobustita anche dalla scelta dei brani, tra cui spiccano la bella “Michael” (lamentosa riproposizione della meravigliosa “Crazy Man Michael” dei Fairport Convention) e l'inquietante “Sawney Bean”, che mette in musica una cinquecentesca leggenda scozzese riguardante una famiglia di fuorilegge omicidi, incestuosi e cannibali. Il resto delle ambientazioni sono invece relative al presente, e continuano a descrivere il declino della moderna civiltà occidentale, topos da sempre caro a Wakeford: le liriche più esplicite sono presenti nella già citata “Gold is King” (basata su uno scritto contro l'usura di Pound) e nella ballata “Media” (qui l'attacco, ovviamente, è riservato ai mass-media), mentre più romantiche e figurate sono le pregevoli “Here We Stand” (con un bel contro-coro femminile nel refrain) e “Trees in Winter”. A tema amoroso (un amore deludente e traditore, ça va sans dire) è invece “Deceit”. Il fatto che gran parte di questi pezzi siano ancora oggi annoverati dagli amanti del gruppo tra i migliori del repertorio della band è ottimo testimone della buona ispirazione posseduta da Wakeford durante la stesura del disco.

I difetti sono i soliti dei primi Sol Invictus: in prima battuta il solito cantato tecnicamente inadeguato, in quanto né Read né Wakeford, per quanto carismatici, sono obiettivamente in possesso di voci particolarmente valide a livello tecnico, cosa ancora più evidente in questo momento di transizione verso un tipo di musica, più cantautoriale e Folk, che nella bella vocalità ha uno dei suoi tratti distintivi. Discorsi simili possono essere fatti per il comparto strumentale, migliorato rispetto a quello delle prime prove ma non ancora al livello che sarà raggiunto di lì a pochi anni dai Sol Invictus.
D'altronde, chiunque ricerchi particolari finezze tecniche nei primi dischi di Wakeford è piuttosto fuori strada: sono l'intensità, le idee e il feeling a trascinare quest'album, ricolmo di classici del gruppo inglese e di idee che saranno successivamente saccheggiate da tutta la scena “apocalittica”: tra i rami di questi Trees in Winter la storia del Dark Folk soffia malinconicamente, fischiando il suo amaro canto. Agli ascoltatori il compito di prestare il giusto tipo di orecchio.

Some find it in a flag, some in the beat of a drum
Some with a book, and some with a gun
Some in a kiss, and some on the march
But if you're looking for Europe, best look in your heart

LINKS
- Lyrics

Wayward Souls

admin — Wed, 21 Jul 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Neo Folk

Etichetta:

Cold Spring

Anno:

2009

Link correlati:

Splinterskin @ MySpace.com

Line-Up:

- Splinterskin - voce, chitarra classica, chitarra acustica, dulcimer, violino, samples

Tracklist:

1. Chanting Bells Call Shadows
2. Dancing Dead Men
3. The Crumbling Cabin
4. Something In The Walls
5. Moonlight Rain
6. The Thing That Wasn't
7. Broken Down Hearse
8. Still At The Window Sill
9. Hoofbeats
10. The Eyes That Hide
11. The Skarekrow (October Roads)
12. A Horrible Night To Have A Curse
13. Black Bird Sorrow Song
14. The Man On The Porch
15. A Trail Of Trees
16. Wayward Souls
17. Dancing Dead Men (Reprise)

Splinterskin

Wayward Souls

Wayward Souls rappresenta il primo lamento discografico del progetto Splinterskin, one-man-band originaria dell’Ohio che può essere reputata come uno dei progetti più interessanti all’interno del vasto sottobosco del genere noir.
Splinterskin si pone come un cantatore di storie apocalittiche, che si soffermano a trattare tematiche oscure come la morte, la natura e il fascino dei boschi, la sofferenza e il dolore dell’uomo, tingendo con le sfaccettature grigie del Neo Folk.
Wayward Souls ritrae un viaggio acustico e inquietante, capace di stregare con i suoi intrecci onirici e le sue distorsioni esoteriche: strutturato in diciassette brevi pezzi, il lavoro d’esordio di questo criptico personaggio affonda le proprie radici nella tradizione più buia del Neo Folk, in equilibrio tra la bizzarria dei Death In June e la sensibilità di Sol Invictus e Agalloch.

Chanting Bell Call Shadows immerge l’ascoltatore nel contesto che viene descritto dall’intero platter, un’atmosfera costituita da suoni naturali, rintocchi di campane e violini strazianti; solo dalla seconda traccia Dancing Dead Men interviene l’apporto fondamentale della chitarra acustica, vera guida del disco, costantemente variegata e evocativa.
Una testimonianza del peculiare sound tessuto da Splinterskin è raffigurata da Something In The Walls, in cui alla voce sofferente e angosciante del cantautore americano si affianca una chitarra acustica spesso volutamente dissonante e dai tratti mistici; la poetica tratteggiata nell’opera conserva elementi macabri e quasi orrorifici, sebbene numerosi pezzi siano intrisi di fraseggi sognanti e magici, carichi della patina folcloristica più classica (Moonlight Rain).
Non manca neppure un certo spirito cantautorale ad alcuni intermezzi di Wayward Souls, come dimostra la breve e sperimentale Black Bird Sorrow Song, ma il fulcro dell’album è quello denso delle tendenze Ambient di stampo nordico.
Tra i capitoli maggiormente degni di nota si rammentano la meditativa The Skarekrow (October Roads), triste monologo dall’aura sbiadita e dimenticata, la solenne A Horrible Night To Have A Curse, che trasuda lugubri sensazioni e l’ambigua The Man On The Porch, incastonata in un andamento Folk dal gusto retro’.

Nel suo Dark Folk allegorico Splinterskin rivela la propria essenza, avvalendosi anche di un certo numero di strumenti musicali particolari, quali il violino, il dulcimer e i suoni naturali campionati; in questo agghiacciante minimalismo, ciò che traspare è un’anima riflessiva in grado di garantire quasi 45 minuti di musica d’atmosfera, gradevole e sospesa.
Un plauso va anche alla Cold Spring Records, che ha scoperto questo promettente cantautore americano, consentendo la pubblicazione di Wayward Souls sotto la propria etichetta; ci si auspica quindi che le architetture musicali composte da Splinterskin possano essere replicate con esiti ancora più soddisfacenti nei futuri episodi discografici, all’insegna di un’eleganza noir e di un’estrema attenzione nella ricerca timbrica.

Immaculada

admin — Wed, 14 Jul 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Neo Folk

Etichetta:

Equilibrium Music

Anno:

2010

Link correlati:

Ducan Patterson @ MySpace.com

Line-Up:

- Duncan Patterson - mandolino, chitarra, basso, pianoforte, tastiere, percussioni
- Vie Anselmo - voce in Adoration
- Oana Alexandra Coman-Sipeanu - voce parlata in Cetatea Cisnadioara
- Gokce Coskun - violino
- Aoife Cuthbert - voce in Cetatea Cisnadioara e in Adoration
- Lisa Cuthbert - voce in Temptation, Adoration, Invidia, Cetatea Cisnadioara e The Silent Stars
- Ana Figueiredo - flauto
- Colin Fromont-Placenti - djembe, cajòn, darkuba
- Mark Kelson - voce in Damhsa na Gceithre Ghaoth, chitarra 12 corde
- Mila Maia - voce in Return To Spirit
- Steve Mullen - Uilleann pipes
- Veronica Neumann - voce in Immaculada
- Gina Rios - voce in Immaculada
- Nuno Roberto - chitarra portoghese, chitarra classica
- Viola Roccagli - voce in The Silent Stars
- Laura Santos - voce in Return To Spirit
- Filipa Vale - violino, violoncello

Tracklist:

1. Immaculada
2. Temptation
3. Adoration
4. Damhsa na Gceithre Ghaoth
5. Invidia
6. Cetatea Cisnadioara
7. The Silent Stars
8. Return To Spirit

Íon

Immaculada

Frammenti di misticismo a cavallo tra tradizione gaelica e mediterranea trovano terreno fertile dove potersi unire in un unico sound nella nuova creatura di Duncan Patterson, già noto al pubblico sperimentale per la sua attività con Anathema e Antimatter.
Se già l’album di debutto del progetto Íon (parola in gaelico arcaico che significa “puro”), Madre, Protegénos, aveva rappresentato un’interessante itinerario nel folclore dimenticato e nell’esotismo più noir, il successore Immaculada continua sul percorso intrapreso, sfiorando lidi sempre più esoterici e misteriosi.

Il contesto di un’opera come Immaculada, pur essendo intriso dell’atmosfera mesta di Anathema e Antimatter, trae ispirazione dapprima dal timbro etnico dei Dead Can Dance, come testimonia l’ampio uso di strumenti tradizionali e l’estrema cura per la ricerca sonora.
Composto dallo stesso Patterson durante una serie di viaggi in Irlanda e Grecia, l’album scorre fluidamente nei suoi otto episodi, stregando l’ascoltatore sia con le sue sfaccettature tenebrose, sia con le sue eteree ballate.
Ad aprire il capitolo discografico interviene la title-track con i suoi toni antichi e segreti, che rievocano da vicino gli aloni acustici dei lavori già scritti da Patterson: la voce narrata di Veronica Neumann conferisce solennità al cerimoniale descritto da Immaculada, monotono ma contemplativo.
Le ritmiche cominciano a divenire movimentate con la seconda Temptation, in perfetto equilibrio tra tensioni mediterranee-orientali e folclore nordico: il mandolino di Patterson, unito alle magie tessute dai violini strazianti e dall’esoterismo che trasudano voci e percussioni, conduce il brano in modo appassionante, dando vita a una danza fuori dallo spazio e dal tempo.
A partire da Adoration è un susseguirsi di ballate che riecheggiano di sound irlandese e britannico, in cui a dominare sono i flauti e gli strumenti a fiato; Invidia rappresenta la gemma più preziosa di Immaculada, incastonata in un substrato acustico che si colloca intermedio ai sonetti neoclassici dei Poets To Their Beloved e al sapore Neo-Folk mediterraneo dei Rajna.
Anche i silenzi meditativi di Cetatea Cisnadioara vengono valorizzati dall’interpretazione degli innumerevoli musicisti che hanno preso parte al progetto, così come il commovente monologo The Silent Stars, che riscopre una certa vena cantautorale, mai estranea ad una particolare sensibilità Neo Folk.

Íon si staglia quindi come un piccolo gioiello della scena Folk europea, pur non presentando tratti unici all’interno del genere; il gusto di Duncan Patterson, già manifestato attraverso le sue numerose composizioni passate, sa condurre in un vortice di meditazione, costituendo un esempio di come sia ancora possibile produrre musica evocativa e contemplativa al giorno d'oggi.

Fourth, Part One

admin — Sun, 14 Mar 2010 23:00:00 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Neo Folk

Etichetta:

TTO Records/Equilibrium Music

Anno:

2009

Link correlati:

Deleyaman Official Site

Line-Up:

- Beatrice Valantin - voce
- Gerard Madilian - duduk
- Mia Bjorlingsson -batteria
- Aret Madilian - voce, chitarra, saz, basso, armonica, tastiere, percussioni

Tracklist:

1. Book Of Change
2. Stay On
3. Roses
4. Aravod Luys
5. Be Still
6. Temples
7. Somehow
8. Jardin
9. Fill My Heart
10. Traffic Lights
11. Arev Tibav

Deleyaman

Fourth, Part One

Frammenti psichedelici intrisi di un’aura di desolazione sono quelli tessuti dai Deleyaman, peculiare gruppo costituitosi nel 2000 in Normandia e autore già di quattro capitoli discografici. Intorno al nucleo principale della formazione si sono accostati al progetto anche numerosi altri musicisti di varie nazionalità (americana, svedese ed armena), per contribuire alla creazione di un sound capace di esplorare trasversalmente più tradizioni musicali; quello dei Deleyaman è una sorta di Folk noir, carico di atmosfera neoclassica e spunti etnici ma non privo di un gusto retro’ che corre indietro fino ai vagiti psichedelici sessantiani.

  Sebbene le influenze dei quattro componenti cardine del gruppo spazino dai Doors al Post-Punk inglese degli Ottanta, l’avvolgente tappeto di suoni tessuto consente la conciliazione dello sperimentalismo europeo con una preziosa patina orientale, accentuata dal largo impiego del duduk, strumento a fiato di origine armena. 
Dopo la pubblicazione nel 2006 del terzo episodio di studio, 3, i Deleyaman hanno voluto raccogliere i 25 nuovi brani plasmati in un set due dischi, denominati semplicemente Fourth. 
Edito dalla TTO Records negli Stati Uniti e dalla Equilibrium Music in Europa, Fourth, Part One rappresenta un esempio di come i Deleyaman riescano a fondere la loro vena eterea con un mood introspettivo di matrice tenebrosa; basta accostarsi all’incipit di Book Of Change per comprendere il valore di un’opera in grado di giungere alla concreta commistione tra il gusto neoclassico o sublime ottantiano (testimoniato dal classico binomio Dead Can Dance-Cocteau Twins) e il fascino nordico delle nuove leve del Folk noir.
Più si procede nell’ascolto di Fourth, Part One, più si riesce a percepire la varietà intrinseca di un’opera discografica che si pone come mediatrice all’interno del vasto panorama oscuro, poiché la liturgia di Aravod Luys si contrappone allo spirito cantautorale di Be Still o alle disperate reminescenze Wave di Temples.
L’alternanza di toni vocali maschili e femminili arricchisce ulteriormente la veste dell’album, trasportando l’ascoltatore nei lidi più desolati della natura umana; immancabile poi il tratto stilistico dei Piano Magic di Writers Without Homes nell’ottava traccia, Jardin, interpretata in francese e caratterizzata da un sapore di bizzarra mestizia. 

In definitiva, si può affermare che i Deleyaman raffigurino l’ennesima testimonianza dell’evoluzione contemporanea delle sperimentazioni dei Dead Can Dance, così come ormai si sta ponendo gran parte delle nuove formazioni del sottobosco Neo Folk; tuttavia, brani come Fill My Heart, pur incarnando la natura di epigoni degli eterni classici del filone Dark-Wave neoclassico, non possono non essere apprezzati per la loro tetra fluidità e per la loro evocativa eleganza.

Offering

admin — Sat, 06 Mar 2010 23:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Neo Folk

Etichetta:

Equilibrium Music

Anno:

2010

Link correlati:

Rajna Official Site

Line-Up:

- Fabrice Levebvre - strumenti e arrangiamenti
- Jeanne Lefebvre - voce

Tracklist:

1. The Arrival
2. Ephesus
3. Cycléades
4. Offering
5. Eleusis
6. Illa Saldé
7. Epidauros
8. The Dance Of Cléomene
9. Never Land
10. Quiet Hour

Rajna

Offering

Profondamente influenzato dalla tradizione e dagli esperimenti etnici dei Dead Can Dance, il duo francese riunito da ben dodici anni sotto il moniker di Rajna giunge al nono lavoro di studio, il primo pubblicato dalla portoghese Equilibium Music.
Neoclassicismo, Neo-Folk, Ethereal e divagazioni mediterranee si fondono per garantire quaranta minuti di misticismo attraverso la proposizione di temi dimenticati che riaffiorano da un passato arcano e dai tratti esoterici.
Quello di Offering si pone come un viaggio meditativo nella cultura ellenica, collocandosi come un’affascinante commistione tra Occidente e Oriente, in cui il sapore antico diviene indiscusso protagonista.

Le soluzioni timbriche sperimentate dai fratelli Lefebvre conferiscono linfa vitale a brani che scorrono via veloci, proiettando l’ascoltatore nelle Isole del Mar Egeo, verso la scoperta dei misteri della città di Eleusi e i templi dell’anatolica Efeso.
Gli arrangiamenti etnici sviluppati da Fabrice Lefebvre si legano armoniosamente alla voce della sorella Jeanne, una sorta di Lisa Gerrard più riflessiva e meno celestiale; largo spazio viene conferito agli strumenti acustici, rappresentati in particolare da tappeti di ritmiche percussioni e da soavi e vibranti chitarre. 
Mentre Ephesus rimane velatamente connessa ad una matrice orientale preziosa e ricercata, la successiva Cycléades costituisce il capitolo più memorabile, poiché malinconico dialogo che si snoda negli avvolgenti meandri cari al panorama Dark/Ambient più elegante (raffigurato dai nostrani Ataraxia).
Quello dei Rajna è un lamento coperto da una patina di spiritualità, che non disdegna anche un certo approccio contemporaneo, regalato dalle venature elettroniche che affiorano in episodi come il conclusivo Quiet Hour, meno coinvolgente però del fulcro folcloristico di Offering; basti infatti accostarsi al neoclassicismo di The Dance Of Cléomene, vicina alla dimensione dei Black Tape For A Blue Girl più inclini al folclore, per comprendere quale sia il vero punto di forza del progetto Rajna.

Disponibile anche in una raffinata confezione digipack e in una versione in vinile per collezionisti, questa dodicesima uscita discografica del duo francese rappresenta l’ennesima consacrazione per la Equilibrium Music, divenuta gradualmente una delle ultime roccaforti dei generi di nicchia che rievocano il contesto a cavallo tra sacro e profano dei padri Dead Can Dance. Si consiglia pertanto Offering non solo a coloro che hanno già avuto modo di introdursi nei lidi dell’estetismo noir dei Rajna, ma soprattutto ai cultori di uno stile tanto incantevole quanto oscuro.

Septembre et Ses Dernières Pensées

admin — Sun, 24 Jan 2010 23:00:00 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Neo Folk

Black Metal

Etichetta:

Prophecy Productions

Anno:

2010

Link correlati:

Les Discrets @ MySpace.com

Line-Up:

- Fursy Teyssier - musiche, chitarra, basso, voce, artwork
- Winterhalter - batteria
- A. Hadorn - voce femminile

Tracklist:

1. L’ Envol des Corbeaux
2. L’ Échappée
3. Les feuilles de l’Olivier
4. Song for Mountains
5. Sur les Quais
6. Effet de Nuit (Song composed for Phest)
7. Septembre et ses Dernières Pensées
8. Chanson d’Automne
9. Svipdagr & Freyja
10. Une Matinée d’ Hiver

Les Discrets

Septembre et Ses Dernières Pensées

Settembre e i suoi ultimi pensieri.
Settembre e il suo lieve buio in cui i colori dell'estate cominciano a scurirsi. Settembre e la sua atmosfera lunare, la sua essenza in cui la vita intera comincia ad imbrunire. Settembre e il suo mistero, il cielo che si annerisce, le luci che si spengono, le fantasie interiori sospese nel crepuscolo. Il mite incontro della nebbia e del sole, delle stelle e della terra bagnata, delle tenebre e della luce.
Sin dal titolo del suo primo full-lenght, Fursy Teyssier simboleggia nella maniera più profonda i contorni e i sapori del mondo Les Discrets, di una fiaba oscura letta con occhi sbarrati prima di cadere nel sonno, di una favola notturna che all'interno nasconde un universo struggente di riflessioni e sentimenti di una vita. La sua.
Che Septembre et Ses Dernières Pensées sia un'opera dai forti connotati autobiografici lo si percepisce sin dall'inizio e non solo perchè Teyssier vi cura ogni singolo aspetto grafico e musicale, ma perchè le note, le atmosfere e i suoni riflettono senza mediazione alcuna il suo cuore e il suo rapporto con il mondo e, nella fattispecie, con la natura, vero fulcro concettuale e base 'lirica' dell'album. L'eterno riflettersi del sentimento umano sul mondo esteriore è ciò su cui Teyssier fa vertere in maniera globale l'orientamento della sua creatura, andando a scavare in maniera passionale e romantica nei più oscuri cunicoli della natura e dell'uomo che vi abita dentro. Un legame viscerale che il giovane francese espande e approfondisce con classe inaspettata, mettendo in luce i suoi molteplici background creativi: regista, musicista, poeta e disegnatore, Teyssier stende su un velo comune queste tre dimensioni che si intersecano e si completano, entrando in simbiosi all'interno di una ricerca estetico-artistica dannatamente affascinante. Il disegno si fa così musica, il suono si fa immagine, l'emozione si tramuta in sussulto, in forme animate che ondeggiano nello spazio.

Canzoni sulla natura, sull'amore, sulla morte.

Fondamentalmente Septembre et Ses Dernières Pensé colpisce in quanto prima, vera confessione completa dell'animo di Teyssier: laddove infatti il bellissimo split con i fratellastri Alcest metteva splendidamente in luce le peculiarità dei Les Discrets seppur ancora in una forma limitata e ridotta, ecco che Septembre raccoglie in maniera definitiva (quasi) tutto il materiale scritto da Teyssier dal 2003 al 2009, mostrandoci di conseguenza i segreti più profondi e le forme più vere del mondo immaginario del musicista transalpino. Un mondo che, tradotto in musica, gronda di malinconia, di un'intensità emozionale fuori dal comune, di una capacità di affascinare e commuovere semplicemente inarrestabile.
Septembre et Ses Dernières Pensé è la reinterpretazione moderna del romanticismo - nella sua accezione poetica e filosofica - d'impronta novalisiana, nel senso che a prevalere è proprio questa concezione dell'oscurità, della notte e della sensibilità naturale come limbo oscuro in cui tutto si smussa e perde la propria forma originaria, per riemergere successivamente in quanto nuova creazione plasmata dall'immaginazione dell'uomo e dal suo definitivo calarsi nella realtà naturale.

Black metal, dark ambient, post-rock, neofolk, shoegaze: hanno tirato fuori definizioni di ogni tipo nel tentativo di descrivere lo stile dei Les Discrets eppure, ascoltando l'album, si capisce il quanto ogni etichetta risulterebbe fuorviante e deleteria se applicata al gioiello di Teyssier. Diverso e più semplice diventa il discorso se al contrario si vanno a rintracciare le fonti di influenza dell'album, facilmente scovabili eppure sempre rielaborate con grande acume: è per questo che i Les Discrets suonano come i primi Ulver ma più dolci degli Ulver, sono gli Alcest più oscuri e criptici degli Alcest, sono i Katatonia più ariosi dei Katatonia, sono gli Agalloch più romantici degli Agalloch. Un'alchimia stilistica profonda, per certi versi ambiziosa ma forgiata con indiscutibile maestria, senza mai scadere nel plagio, senza mai annegare nella ripetizione, riuscendo insomma a presentare un prodotto nuovo e coinvolgente ma con profonde radici nella storia di quei gruppi che hanno di fatto segnato il metal più romantico e malinconico degli anni passati.

Poesia dell'uomo è specchio della natura. Poesia della natura è un uomo che lacrima.

Septembre et Ses Dernières Pensé è, come già detto, uno sguardo sulla Natura, e non è per questo un caso che l'album inizi con una traccia puramente ambientale, un'intro che silenziosamente ci introduce nei sapori forestali plasmati da Teyssier: L’ Envol des Corbeaux è un sotterraneo rituale dark ambient completamente immerso in un'atmosfera pacata eppure tesa, criptica, inquieta, dai cui ultimi frammenti sonori nasce e si sviluppa quello che è il primo capolavoro del disco, oltre che la composizone che per la prima volta ci mostra il cuore più profondo dei Les Discrets. Già presente nello split con gli Alcest (non sarà quindi una novità per chi si è innamorato della precedente release combinata), L’ Échappée è una gemma irripetibile di candore melodico e tensione emotiva, magnificamente trascinata dalla voce sognante e dalle trame chitarristiche di Teyssier, splendide tanto nella semplicità delle fasi distorte (che, alla stessa maniera degli Alcest, non graffiano bensì vanno a creare un'avvolgente dimensione semi-onirica) quanto nel cullante fraseggio della chitarra melodica che accompagna l'estasi drammatica del brano nella parte iniziale e in quella centrale. Una canzone splendida, come non se ne sentivano da tempo nello stesso settore, così bella da spingere Teyssier a riproporla come trampolino di lancio del full-lenght assieme a quell'altro gioiello che porta il nome di Songs for Mountains (anch'essa già presente nello split dell'anno scorso e qui nuovamente riproposta), il cui malinconico ondeggiare tra distensioni acustiche e robuste fasi distorte - che a tratti realmente sfiorano le travolgenti cavalcate effettistiche dello shoegaze - ci porta verso uno dei momenti più tragici e intensi dell'album. In tutta questa danza di chitarre struggenti e voci eteree, il black metal (come c'era da aspettarsi) latita e si fa scorgere solo a tratti, proponendosi in maniera più decisa nella sola, splendida Effet de Nuit, canzone originariamente composta per i Phest (vecchio complesso di Teyssier) e qui rielaborata in veste di anima più "nera" ed inquieta dell'album. Nonostante manchino elementi come la voce in scream e il blastbeat, Effet de Nuit è una canzone black a tutti gli effetti, graffiante nel riffing, più furiosa, oscura oltre che velata da un afflato mistico quasi gelido, principalmente rintracciabile nel cantato declamatorio e possente di Teyssier.

Eppure ci si rende conto della bellezza del disco e della sua incredibile varietà atmosferica solo quando a sciogliersi è la successiva Septembre et Ses Dernières Pensées: è infatti la titletrack a tirare improvvisamente fuori il cuore più candido e solare dell'album, trascinandosi in una mesta danza di voce, chitarre acustiche e batteria. Dopo l'oscurità, la tensione emotiva e la pressante malinconia dei brani precedenti (a cui vanno inoltre ad aggiungersi i sapori dark folk di Sur les Quais e quelli ben più tragici e ombrosi dell'ulveriana Les Feuilles de l’Olivier), la titletrack squarcia le tenebre dell'album e ne spezza l'atmosfera con una luce dolce e sognante, diametralmente opposta al mood oscuro e inquieto di Effet de Nuit e delle precedenti tracce. Ma il cuore più lacrimante di Septembre non è ancora terminato ed è così che Chanson d’Automne (prima dell'arrivo di Svipdagr & Freyja, altra gemma incastonata tra distensioni dark folk e possenti fraseggi distorti) si apre in tutta la sua alcestiana forza atmosferica, riportando delicatamente il disco verso momenti più bui e malinconici, come sempre contraddistinti da una grazia melodica e da un'intensità espressiva semplicemente disarmante.
Ultimo frammento di questa malinconica epopea nella natura e nel sentimento umano, Une Matinée d’ Hiver è la celebrazione, commovente e soave, del mondo naturale che rinasce e si rinnova dopo la tempesta e la pioggia incessante: le chitarre si aprono, la voce di Teyssier si alleggerisce, gli effetti ambientali accompagnano l'andamento festoso ma nostalgico del brano elevandone per l'ultima volta l'intrinseca dolcezza.

Gli occhi salutano il mondo che scompare.

Septembre et Ses Dernières Pensées riporta i Les Discrets splendidamente indietro al mondo forestale e notturno di Bergtatt, riaggiornandolo con una sensibilità armonico-melodica spaventosa e un linguaggio profondissimo, ben arrangiato e dalla forza emotiva semplicemente unica. La Prophecy - tanto per cambiare - ci ha visto alla perfezione un'altra volta e, potrà anche sembrare un azzardo, ma l'aver offerto a Teyssier un contratto di cinque album si rivelerà probabilmente uno degli investimenti più interessanti e fascinosi degli ultimi anni.

Con alle spalle un'etichetta coraggiosa e attenta (che per di più gli ha lasciato carta bianca per qualsiasi aspetto del disco), Teyssier ha tirato fuori dal cilindro un lavoro splendido che, a livello qualitativo, si avvicina maledettamente al tanto amato Souvenirs d'un Autre Monde di quegli Alcest che per anni sono stati i "maestri" di Teyssier e che adesso rischiano seriamente di essere superati dall'altrettanto giovane "allievo".
Menzione speciale al cofanetto digipack di questa meraviglia: arricchito da un booklet di 56 pagine - contenente testi, informazioni sulla band e disegni di Teyssier - e dal DVD di Tir Nan Og (bellissimo cortometraggio animato dello stesso artista francese), Septembre et Ses Dernières Pensées è complessivamente un prodotto che non può passare inosservato e che, anzi, andrebbe preso come punto di partenza per lo sviluppo di uno scenario black/neofolk contaminato che per l'appunto necessiterebbe molto più spesso di veri capolavori come questo.
Assolutamente imperdibile.

Viejo Mundo

admin — Thu, 26 Nov 2009 23:00:00 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Gioele Nasi

Genere:

Neo Folk

Etichetta:

Percht

Anno:

2009

Link correlati:

Arnica @ MySpace.com

Line-Up:

- Carles
- Daniel
- Saül

Guests:
- Raul Guerrero - Gaita su “Caballos Solares” e “Danza de Guerra”

Tracklist:

:
1. Última hoguera
2. Ilmatar
3. Urogallo
4. Danzas de Guerra
5. Tu Tierra
6. Hijo de Deva
7. El Trashumante
8. Aguarda
9. Caballos Solares
10. Tormenta
11. Galdr
12. Tu Miedo

Bonus Tracks - presenti solo sull'edizione limitata
13. ¡¡Bailad, Bailad, Bailad!!
14. Escarcha
15. El Camino al final del día

Arnica

Viejo Mundo

Debutto di grande interesse quello degli Àrnica, che dopo un paio di apparizioni su compilation e split (un classico per l'ambiente Neo Folk) arrivano a dare alle stampe il proprio primo disco sotto lo stendardo della Percht, sottodivisione della celebre label austriaca Steinklang.

Ad un'occhiata superficiale può sembrare ameno l'incrocio austro-catalano di questa produzione, ma ascoltando il disco si nota subito il perchè della collaborazione: gli Arnica sono infatti una specie di versione iberica degli Sturmpercht, che trasporta a cavallo dei Pirenei e sui rilievi interni della Catalogna quell'Alpine Folk che tanta fortuna ha portato al gruppo di Max Percht (che compare anche come ospite in una delle tracce di quest'album). Non sarà un caso, quindi, che un brano come “Tormenta” sia ispirato direttamente dagli Allerseelen (anch'essi austriaci), nonostante poi, ovviamente, i suoni effettivamente ricreati dagli Arnica vadano a pescare nella tradizione rurale spagnola.

Si mantiene comunque una discreta distanza da altri gruppi iberici Neo Folk, per esempio gli apprezzati portoghesi Sangre Cavallum, caratterizzati da un suono più movimentato, danzante e vicino alla forma canzone. Gli Àrnica, invece, ricreano un'atmosfera più dimessa e solitaria, tipicamente pastorale, di cui quattro elementi sono gli artefici principali: la voce roca, sempre rigorosamente in lingua autoctona (spagnolo o catalano) e alternata tra invocazioni a pieno petto e calmi bisbigli; le percussioni, immancabili nella loro tambureggiante cadenza, e fortunatamente più vicine ad un immaginario tribale piuttosto che a quello marziale tipico del Neofolk; gli strumenti tradizionali, cui viene affidato il compito di dipingere le scarne e primitive melodie; ed infine, ma assolutamente di primaria importanza, le field recordings – a campanacci d'armenti e sbuffi d'animali, a passi e calpestii, a fruscii di povere vesti e crepitii di falò spetta infatti di rappresentare la natura, a conti fatti una vera e propria protagonista dell'album.

Difatti “Viejo Mundo”, come il titolo lascia intendere senza nemmeno l'ombra di un dubbio, è un disco ancorato ad una visione 'antica' del mondo, raccontata da un anziano agli ultimi passi della sua vita ad un giovane viandante che si è fermato alla sua dimora – gli Arnica riprendono i quotidiani rituali lavorativi che da secoli identicamente scandiscono la vita dei cacciatori, dei contadini e dei pastori (“El Trashumante”), toccano aspetti religiosi e spirituali ('nel mio sangue rivive il guerriero, nella mia attitudine rivive il lupo', in “Tu Miedo”), battaglieri (“Danza de Guerra”) e atavici (''Ho un patto con il fiume, con il vento, con il sole! Io sono la nebbia repentina, io sono il tuo sangue, il tuo sudore!' declamano in “Hijo de Deva”), ma sempre legati all'interazione con la natura, cui ci si rivolge spesso direttamente (“Bailad Bailad Bailad!!” con Max Percht ospite), invitando 'Pietre, alberi, acqua e animali' ad 'udire il mio canto che si alza' e ad 'ascoltare la musica, che fa crescere e muovere le radici'.

Al Neofolk moderno, soprattutto tedesco e nord-europeo, che fa della chitarra il centro del proprio universo viene concesso spazio solamente nella ballata “Aguarda”, scandita dalla sei-corde, da uno scacciapensieri e da un triste coro, e nella soave e pizzicata “Ilmatar”; altrove la chitarra è invece pressochè sempre assente, lasciando spazio (come già delineato in precedenza) agli strumenti tradizionali: per i momenti più quieti e ambientali (predominanti nel disco) si tratta spesso di flauti, fisarmoniche (“Tu Tierra”) o corni, mentre quando l'intensità del brano richiede interventi più incisivi, la scelta ricade sulla gaita catalana (denominata specificatamente dai locali Sac de Gemecs, ovvero 'sacco di gemiti'), come nelle splendide “Caballos Solares” (rituale e tribale, urlata a piena voce come una possente invocazione) o “Danzas de Guerra”, quasi interamente strumentale.

Anche la voce spazia tra emozioni e inflessioni diverse, passando dai toni calmi di “Ilmatar” o “El Camino al final del día” (tristissima, declamata dall'ospite inglese Andrew King per un interessante melting pot culturale) a quelli terrorizzanti di “Hijo de Deva” e “Tu Miedo”, ed utilizzando spesso la possibilità di inserire cori di sfondo, sotto forma di mantra ripetuti allo sfinimento (ancora “Hijo de Deva”, in cui il titolo è reiterato ossessivamente per tutta la canzone) o di ipnotici galdrar simil-celtici.

Proprio come il fiore da cui prendono il nome, dotato di potenzialità medicinali e curative quanto di pericolosissime controindicazioni tossiche, la musica degli Àrnica mette in mostra un calderone di immagini e racconti su scorci di vita la cui intensità e primitiva poesia scaldano il cuore tanto quanto la fatica e la solitudine dello stesso tipo di esistenza possono indurirlo.
“Viejo Mundo” è un disco consigliato a chi segue le produzioni Percht e Ahnstern, a chi apprezza il Neo Folk più particolare e meno standardizzato possibile, a chi cerca una musica arcaica, atmosferica, istintiva, fatta di piccoli quadretti agresti ed ancestrali di toccante sincerità ed intensità.

Shadow Kingdom

admin — Thu, 29 Oct 2009 23:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Neo Folk

Drone

Ambient

Etichetta:

Blackest Rainbow

Anno:

2009

Link correlati:

Sito Ufficiale

Line-Up:

- Mehdi Ameziane, Solange Gularte - Tutte le musiche, Voce, Chitarra acustica, Fiati Tastiere, Programming, Percussioni

Tracklist:

Cd 1:
1. The Fall of Shadow Kingdom (24:45)
2. Gorgon (2:37)
3. For Fear They May Come Back Childrens of the Seventh Girgle the Dark Road (8:21)
4. Cauled Ones and Birth Rugs (5:36)
5. Salty Tongue (5:23)
6. Go Away Disappear (3:35)
7. Os Deus Cannibais (13:51)
8. The Faceless (4:45)
9. The Crystal Bird (10:50)

Cd 2:
1. Sunlone (2:26)
2. Chthonian Odyssey - Hells Foundations - A Birth Mark Like a Scar (23:50)
3. From Their Body at Will (7:10)
4. The Desolated Vampires - Introduced to Fear - Slarer March (12:48)
5. The Vein of Invisibility (3:31)
6. Porridge Stick Into the Fire and Dust in the Direction of the Sun (24:12)
7. A Burialat Sea (5:56)

Natural Snow Buildings

Shadow Kingdom

Daughter of Darkness, Daughter of Darkness V e adesso, come se non bastasse, un nuovo folgorante colosso (doppio cd per un totale di due ore e mezza di ipnosi spirituale) firmato Natural Snow Buildings. Tutto in un anno, tutto all'interno di un continuo processo di rinnovamento e sperimentazione atto al contempo a conservare il cuore più profondo, l'essenza più pura di una ricerca non solo sonora ma anche emotiva. Shadow Kingdom è il coronamento di un anno di attività creativa vera, senza confini, distaccata e in grado di fondere e abbracciare stili e influenze nella stessa eccitante formula musicale. Seppur figlio delle stesse pulsioni e dei medesimi stimoli dei precedenti dischi, l'ultimo nato in casa Natural Snow Buildings ne rielabora l'impostazione espressiva e l'intera atmosfera, fondendo a piccoli segmenti le principali influenze che il duo francese ha raccolto durante gli anni; eppure in Shadow Kingdom tutto sembra così diverso e filtrato in una realtà sonora nuova e come al solito sovrannaturale, una realtà in cui non c'è nulla da "sentire" ma tutto da "vivere", da lasciar penetrare sotto la propria pelle, fino al cuore.

Lontano dagli spossanti (ma per bellezza irraggiungibili) lamenti avant-folk di Daughter of Darkness tanto quanto dalla commovente atmosfera post-rock di The Dance of the Moon and the Sun, l'ultimo lavoro di Mehdi Ameziane e Solange Gularte catapulta l'universo Natural Snow Buildings in una dimensione ancora più straniante e indefinita, quasi nebbiosa per come le carovane strumentali del disco vengano dissolte e dilatate. Allo stesso tempo Shadow Kingdom risulta essere un lavoro molto meno d'avanguardia rispetto ai due precedenti, in quanto ne abbandona il peso concettuale e le più ricercate contaminazioni per crogiolarsi in uno stile più definibile e sicuramente meno ardimentoso. In ogni caso, che si tratti di ambient o di folk d'avanguardia o di drone, a respirare sotto le imponenti masse sonore vi è sempre la solita indelebile poesia e Shadow Kingdom, seppur in maniera diversa e "minore", ne è comunque splendidamente pervaso.

Al di là di questa sorta di involuzione e di scarnificazione, i Natural Snow Buildings non perdono quell'innata capacità di evocare paesaggi interiori alienanti e avvolgenti, anzi, ce la fanno assaporare sin dai primi secondi dell'opera: l'opener The Fall of Shadow Kingdom è infatti uno dei massimi gioielli del disco con la sua atmosfera lenta e avvolgente, permeata da un piglio malinconico e inquieto perfettamente reso dai continui intrecci di drone e feedback che si susseguono per tutti i 35 minuti del brano. Ma al contrario della perla d'apertura, Gorgon trasforma immediatamente l'atmosfera del disco sottolineando l'abilità mutante dei NSB nella costruzione melodica e nella varietà stilistica; sorretta da una triste chitarra acustica lo-fi su cui si impongono i soffici giri vocali di Solange Gularte, il brano rievoca il cuore più folk e "cantautorale" del progetto, riportando alla mente la splendida Carved Heart che apriva il capolavoro The Dance of the Moon and the Sun. For Fear They May Come Back Childrens of the Seventh Girgle the Dark Road è invece una delle più lampanti testimonianze del nuovo corso NSB: aperto da leggeri rintocchi pianistici, il brano si distende sotto leggere dilatazioni ambientali, di sicuro non originalissime (Fennesz e Tim Hecker sono dietro l'angolo, come accade anche nella settima Os Deus Cannibais) ma come sempre efficaci nel saper cogliere il tono più sommesso e languido del progetto. Lo stesso discorso vale anche per la successiva Cauled Ones and Birth Rugs (specialmente nella parte ambient iniziale), sebbene l'atmosfera si sviluppi in maniera ben più peculiare e studiata (il finale folkloristico).

Shadow Kingdom però apre anche al passato della band, alle melodie e ai sapori di quei ricordi oscuri ma sempre vivi; Go Away Disappear e The Faceless richiamano infatti le malinconiche distensioni acustiche di Ghost Folks, spezzando quel ghigno elettronico-ambientale che si protrae invece con The Crystal Bird, ultima traccia del primo disco ed esperimento che cerca di riaffondare l'atmosfera di Shadow Kingdom nell'inquietudine e nella nebbia effettistica, sebbene a prevalere sia ancora una volta la matrice folk del duo parigino che prende il sopravvento nello splendido finale acustico.
Il secondo disco si apre donandoci un volto ancora sconosciuto e inaspettato dell'opera (come del resto accade anche con The Vein of Invisibility) grazie a Sunlone, un timido raggio di sole che però scompare man mano che gli acutissimi e alienanti frammenti elettronici di Chthonian Odyssey - Hells Foundations - A Birth Mark Like a Scar si propagano in una spettrale danza cosmica. Un contrasto atmosferico continuo quindi, che prosegue con lo scontro tra il mood estremamente dolce di From Their Body at Will e il sound sotterraneo ed inquietante del gioiello The Desolated Vampires - Introduced to Fear - Slarer March, tra i migliori episodi del lotto assieme a Porridge Stick Into the Fire and Dust in the Direction of the Sun, altro monolite di stranianti dilatazioni sintetiche e avvolgenti sottofondi folk che anticipa la conclusiva (e piuttosto inutile) A Burialat Sea.

Sebbene immerso nella medesima aura sotterranea e giocato sul perenne contrasto elettronico/acustico ormai diventato marchio di fabbrica Natural Snow Buildings, Shadow Kingdom giova di troppo sporadici momenti esaltanti, manca della giocata sublime che fa sbarrare gli occhi, dell'invenzione improvvisa che catapulta una volta per tutte in quel mondo sconosciuto e incantato. I gioielli anche qui non mancano (The Desolated Vampires, The Fall of Shadow Kingdom, The Crystal Bird e Porridge Stick Into the Fire... si instaurano di diritto tra le migliori composizioni del progetto) ma a livello complessivo il disco manca della varietà, dell'estasi mistica e della profondità espressiva di un Daughter of Darkness o di un The Dance of the Moon and the Sun, episodi massimi di una carriera sconvolgente che, in un modo o nell'altro, Shadow Kingdom fa proseguire in maniera (quasi) perfetta.
Un'altra piccola perla proveniente dall'anima di due musicisti semplicemente fuori dal mondo.

Daughter of Darkness

admin — Thu, 22 Oct 2009 22:00:00 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Psychedelic Rock

Neo Folk

Drone

Etichetta:

Blackest Rainbow

Anno:

2009

Link correlati:

Myspace

Line-Up:

- Mehdi Ameziane, Solange Gularte - Voce, Chitarra, Violino, Flauto, Elettronica, Effetti

Tracklist:

1. Daughter of Darkness (13:26)
2. Left For Dead (1:56)
3. Satanic Demona Part I (27:57)
4. Satanic Demona Part II (25:37)
5. Curare (6:02)
6. Carnal Flowers (5:47)
7. Her Face Is not Her Real Face (43:30)
8. Boby Double (12:19)
9. Slaves For the After Life (26:13)
10. The Source (4:23)
11. Santa Sangre Part I & II (29:09)
12. A Thousand Demons Invocation (28:41)
13. Will You Die for Me (29:04)
14. Black Pastures (28:45)
15. Devil's Fork (43:35)
16. The Invisibles (40:54)

Natural Snow Buildings

Daughter of Darkness

Daughter of Darkness non è un disco di musica. E' la colonna sonora di un viaggio metafisico. Sei ore di totale smarrimento interiore e d'inquietudine, un monolite che spezza in due la terra alla sua fantasmagorica risalita.

Per un progetto come i Natural Snow Buildings, duo drone-folk parigino che fa capo a Mehdi Ameziane e Solange Gularte, tutto questo appare però di una shockante ovvietà: attivi dal 1999 - anno del primo lavoro Tracks on the Bloody Snow - i geniacci francesi hanno profondamente scosso gli ambienti musicali più d'avanguardia con dei veri e propri macigni dalla durata impressionante, presentandosi al contempo come un progetto più unico che raro in tutto lo scenario sperimentale europeo di nicchia. In ogni caso, Daughter of Darkness è un lavoro che per spessore e ricerca appare come non mai nuovo e insolito: un'opera che scavalca qualsiasi confine tanto nei concetti quanto nella vera e propria composizione. Ancora più denso, prolungato e roboante di altri colossi targati Natural Snow Buildings (l'indiscusso capolavoro The Dance of the Moon and the Sun del 2006 su tutti), Daughter of Darkness ne esaspera la prolissità linguistica e il minimalismo espressivo, ne trasforma varietà atmosferica e fraseggi strumentali, andando a costruire un immaginario avant-folk da apocalisse sovrannaturale, spezzato e graffiato da improvvisi climax di drone e feedback laceranti.

Già di per se enigmatica e simbolista, l'atmosfera del disco viene resa ancora più mesmerizzante da una produzione lo-fi che ne esalta il carattere rudimentale e la più rarefatta essenza, facendola sembrare un mistico monumento abbandonato, una reliquia lentamente ricomparsa dagli inferi della terra che profetizza la fine del mondo, introducendoci nelle più sconosciute galassie dell'universo umano e - soprattutto - naturale. Il lento rituale folk di fiati e archi di cui è costituita l'opener Daughter of Darkness presenta a grandi linee l'andamento, le caratteristiche strumentali e il vigore atmosferico del disco: i suoni della title-track catapultano immediatamente in una dimensione remota e non-umana, aperta da un inquietante rito acustico che man mano viene sviscerato della sua componente naturalistica e filtrato elettronicamente (splendido il finale ambientale). Left or Dead - che messa a confronto con la durata degli altri brani può sembrare un inutile frammento - segna la prima, timida apparizione dei drones e dei soundscapes ambientali, sebbene qui presentati in una veste tutt'altro che roboante bensì insolitamente dolce e avvolgente. Dopo il quarto d'ora introduttivo delle prime due tracce, Daughter of Darkness comincia a svelare i suoi primi capolavori: Satanic Demona Part I e II, tra i migliori momenti dell'album, sono un'accoppiata di quasi un'ora di pura alienazione emotiva-atmosferica; dissolte in una straniante meditazione orientale in cui gli strumenti sembrano morire in un ostinato lamento, le due suite presentano per la prima volta l'essenza più sotterranea e il fascino criptico dell'opera attraverso lunghe trame sonore ora incredibilmente decadenti (l'apertura della prima Satanic Demona), ora più festose e bucoliche (la melodia centrale della seconda).
Con Curare gli intrecci strumentali si fanno più fitti, i fiumi melodici più densi e profondi, costantemente prolungati come se dovessero accompagnare il lento e inesorabile mutare del cielo, la secolare danza delle nuvole: ma quando l'atmosfera del disco sembra piombare nel più inquietante grigio, ecco comparire inaspettatamente l'abbandono arcadico di Carnal Flowers che apre l'universo naturale dei Natural Snow Buildings verso soluzioni meno ricercate ma sempre toccanti, come il coro femminile che per tutta la durata del brano si impone dolcemente sul sottostante tappeto ambientale.

Le atmosfere più tese e criptiche di Satanic Demona riemergono però con l'altro gioiello sotterraneo Her Face Is Not Her Real Face mediante cavalcate strumentali ben più vigorose tra le quali si insinuano penetranti soundscapes elettronici che spezzano in due il sapore naturalistico del brano. Lo stesso contrasto tra oscurità tribale e aperture agresti si ripete con l'arrivo di Body Double che, come a voler rimediare alle più decadenti atmosfere evocate nei brani precedenti, si lascia andare ad un ipnotico rituale acustico dalla spaventosa vis psichedelica, una fiaba d'altri tempi riesumata attraverso gli occhi di due vagabondi dell'inconscio. Sebbene la durata dei brani si faccia sentire con una certa efficacia, Daughter of Darkness è un incantesimo dal quale non ci si riesce a staccare, un lamento ancestrale che annichilisce volontà e spirito sotto le note di un'atmosfera dai poteri quasi magici, tanto nelle sue espressioni più dure (Slaves for the After Life è tra gli episodi più folgoranti del disco) quanto nelle sue più quiete aperture (The Source, morbida e ipnotica, è come se bloccasse la risalita dell'abisso oscuro della precedente traccia).

Da qui in poi Daughter of Darkness non permette più alcuna pausa, mettendo in sequenza l'uno dopo l'altro i suoi più monolitici totem: dapprima il delirio da trance sciamanica di Santa Sangre Part I & II, poi la terrificante A Thousand Demons Invocation, il momento più apocalittico e travolgente del disco. Commovente a causa di un'aura melodica quasi pesante e intrisa di deviante malinconia - oltre che visionaria nello strepitoso contrasto tra drones, feedback e tappeti acustici di sottofondo - A Thousand Demons Invocation evoca - come il titolo giustamente suggerisce - i fantasmi e gli spiriti più oscuri dell'opera rigettandoli in uno scenario agghiacciante: una tragedia in cui la natura riscopre le sue forze più devastanti (per certi versi l'intera atmosfera del disco ricorda la Sagra della Primavera di Igor Stravinskij, sebbene in un'ottica del tutto differente) e le lascia evaporare in un cielo sempre più plumbeo e tenebroso. Ma ancora una volta i Natural Snow Buildings spezzano la loro avanguardista marcia funebre attraverso inaspettate aperture atmosferiche, ora diafane come quelle di cui è permeata la splendida Will You Die For Me, ora metafisiche come accade nei 29 minuti di Black Pastures, un rituale lento ma dall'impatto devastante, soprattutto nella seconda fase del brano in cui il tenue andamento strumentale si dissolve progressivamente in un climax di drones duri e metallici, sebbene a resistervi al di sotto vi sia una melodia dolcissima. Devil Forks è l'episodio più lungo del disco (43:35 minuti) ed è anche la sua espressione più completa e toccante: sospinta da un leggero vento melodico, tutt'altro che oscuro bensì intriso di una pacatezza quasi inquietante, la canzone ripropone a più riprese sia i momenti più riflessivi di Daughter of Darkness (l'apertura è un qualcosa di commovente) sia le sue esaltazioni ritualistiche (i tamburelli a 3/4 di brano) e i suoi inasprimenti dronici più penetranti, risultando quindi come uno dei suoi disegni meglio riusciti.
Gli ultimi 40 minuti di Daughter of Darkness sono infine il coronamento di un'esperienza semplicemente sovrannaturale: The Invisible porta a termine il viaggio metafisico dei Natural Snow Buildings con una serie di sfiancanti dilatazioni atmosferiche, mai oscure e tenebrose ma piuttosto pervase da un alienante senso di tribalismo onirico.

Sei ore di pura perdizione sensoriale ed emotiva, un viaggio trascendentale in cui si dissolvono e riprendono forma sogni, allucinazioni, deliri paranoici, fantasmi, oscurità apocalittica e quiete arcadica, tutti protagonisti della medesima tragedia in cui si incontrano splendidamente la metafisica dei Popol Vuh di In Den Gärten Pharaos, lo psych-folk sessantiano dei Pearls Before Swine, l'elettronica kosmische e il drone minimale degli Earth. Come detto in apertura di recensione, Daughter of Darkness non è un semplice album, è di più: la durata spropositata e il prolisso minimalismo del lavoro potranno sembrare elementi di disturbo e di autocompiacimento, ma basta superare quella piccola barriera, scavalcare il mondo reale e sfuggire al tempo e allo spazio per ritrovarsi immersi in una delle più sconvolgenti esperienze musicali degli ultimi anni, sebbene a livello complessivo il capolavoro del 2006 The Dance of the Moon and the Sun rimanga ancora irraggiungibile.

Demian

admin — Wed, 29 Jul 2009 22:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Neo Folk

Etichetta:

Cold Spring

Anno:

2009

Link correlati:

Rose Rovine e Amanti Official Site

Line-Up:

- Damiano Mercuri - chitarra, voce, mandolino, tastiera. basso, percussioni, samplers

Guests:
- Giuseppe Lorenzoni - violino
- Noemi York - pianoforte in The End Of This World e voce in Rose Rovine E Amanti
- Daniele Befanucci - batteria
- Pietro Marinelli - pianoforte in Noi Ritorneremo

Tracklist:

1. Il Gatto Osserva
2. Rose Rovine E Amanti
3. Demian
4. Il Grande Tradimento
5. From Desperation To Victory
6. The End Of This World
7. Paura Del Demonio
8. Mille Serpi
9. Noi Ritorneremo
10. Ave Maria

Rose Rovine e Amanti

Demian

Introdotto da un artwork che fa immergere in un contesto antico e meditativo e provvisto di un booklet arricchito dai quadri dell'artista bulgaro Emil Ivanov Saparevski, il capitolo discografico Demian del progetto Rose Rovine E Amanti costituisce una viva testimonianza di come la scena Neo Folk italiana stia gradualmente affermandosi con tinte peculiari ed inedite al florido sottobosco europeo. Se nel precedente episodio Rituale Romanum il polistrumentista Damiano Mercuri si era concentrato sulla commistione di Neo Folk e sfaccettature neoclassiche, in Demian viene maggiormente valorizzata la sezione folcloristica, attraverso l’impiego di una tavolozza timbrica dai tratti mediterranei e da un bizzarro approccio cantautorale.
Il viaggio affrontato nelle dieci tracce che compongono Demian delinea un contesto mistico dove prende forma una visione dell’Europa cattolica medievale, tema molto caro a innumerevoli realtà del panorama Neo Folk di stampo cristiano.

Su un tessuto influenzato profondamente da storiche formazioni Neo Folk (quali Death In June e i compagni d’etichetta Sol Invictus) emergono arrangiamenti derivati dalla tradizione folcloristica italiana, plasmati anche grazie all’inserimento di strumenti acustici come archi, mandolino e pianoforte.
L’opener Il Gatto Osserva conserva la matrice più legata al folclore, in cui la voce di Damiano Mercuri si erge liberatoria e solenne; viene descritta un’atmosfera suadente, che si sviluppa in un’esplosione di suoni e colori prima del brano più intimo e nostalgico Rose Rovine E Amanti. Il pathos espresso consente al pezzo di scorrere via fluidamente, trascinando l’ascoltatore in un alone avvolgente e dalle forti componenti cantautorali, tratte addirittura dallo stile dell’eterno Leonard Cohen.
Demian è un platter in equilibrio tra tensioni più energiche ed intermezzi più soffusi, garantendo una dimensione lontana e dimenticata, tra echi rinascimentali e soluzioni contemporanee.
Il tributo a Leonard Cohen risulta chiaro in Il Grande Tradimento, introdotto da una frase del celebre cantautore e sviluppato in un’ottica densa di riferimenti allo stile del grande maestro.
La chitarra acustica accompagna un’ampia sezione di Demian, culminando nel dialogo Paura Del Demonio, avvolgente brano dalla cadenza cupa e decadente, che conferisce un profilo diverso al disco. Immancabili poi due danze, Mille Serpi e Noi Ritorneremo, la prima orientata a percorrere meandri più Rock e la seconda più legata ad un contesto popolare sferzato dall’onirico binomio violino-pianoforte.

In definitiva, il progetto Rose Rovine E Amanti offre ancora un lavoro di alto livello che va a collocarsi in un’avanguardia Neo Folk italiana dotata di una sensibilità unica e di un gusto raffinato ed elegante. Il panorama Neo Folk-Industrial europeo ha già avuto modo di scoprire tale promettente realtà, rappresentata da esponenti del calibro di Ianva, Corde Oblique e Spiritural Front, e quindi occorre che anche il pubblico della Penisola possa accedere alle opere di artisti meritevoli e spesso troppo poco noti.

The Stones of Naples

admin — Sat, 25 Apr 2009 22:00:00 +0000

Voto:

7.4 / 10

Autore:

Gioele Nasi

Genere:

Neo Folk

Etichetta:

Prikosnovenie

Anno:

2009

Link correlati:

Sito Ufficiale

Line-Up:

:
- Riccardo Prencipe - Chitarra acustica e classica, Liuto medievale

Guests:
- Caterina Pontrandolfo - Voce
- Floriana Cangiano - Voce
- Claudia Sorvillo - Voce
- Monica Pinto - Voce
- Geraldine Le Cocq - Voce
- Alessandra Santovito - Voce
- Edo Notarloberti - Violino
- Luigi Rubino - Piano
- Franco Perreca - Clarinetto
- Alessio Sica - Batteria
- Franco Paolo Manna - Percussioni
- Umberto Lepore - Basso
- Michele Maione - Percussioni
- Francesco Forgione - Contrabbasso

Tracklist:

:
1. La quinta ricerca
2. Venti di sale
3. Flower Bud
4. Flying
5. Like an ancient black and qhite movie
6. La città dagli occhi neri
7. Nostalgica avanguardia
8. The quality of silence
9. Barrìo gotico
10. Dal castello di Avella
11. La gente che resta
12. Piscina Mirabilis

Corde Oblique

The Stones of Naples

Gli ultimi anni sono stati testimoni di una seconda giovinezza della scena Neo Folk e Neoclassica napoletana: i fasti degli storici Argine e, in misura minore, dei Lupercalia a fine anni Novanta e inizio Duemila, parevano infatti dover soccombere alle lunghe pause ed agli scioglimenti di queste storiche band. Al contrario negli ultimi tempi, invece di decadere la scena partenopea è rifiorita, rimescolando musicisti e amalgamando nuove e vecchie conoscenze per creare lavori che hanno portato ancora più in alto il valore di questa corrente locale: dischi come “Shining Silver Skies” degli Ashram (2006), “Volontà d'Arte” dei Corde Oblique (2007) e “Silent Prayers” di Alfredo Notarloberti (2008) sono tutti mirabili esempi di un miscuglio gustoso tra musica da camera, Folk mediterraneo, delicatezze acustiche e panorami Neoclassici d'estrazione gotica che portano a un livello di maturità ed eleganza superiore il passionale Neo Folk che fu degli Argine.

Marzo 2009 porta in dote il nuovo album dei Corde Oblique, ovvero il progetto solista del chitarrista Riccardo Prencipe (già mastermind dei Lupercalia), autore di tutte le musiche e liriche del disco nonché abile esecutore delle parti di chitarra e liuto. Al suo fianco, come nei capitoli precedenti del gruppo (il debutto “Respiri” del 2005 e il già citato “Volontà d'Arte”) stanno una schiera di musicisti di provata abilità e una nutrita comitiva di voci – solamente femminili, per la prima volta nella giovane storia dei Corde Oblique.

“Le Pietre di Napoli” sono poste musicalmente sulle fondamenta del già notevole predecessore, con intrecci raffinati di chitarra classica, percussioni dell'area mediterranea, pianoforte (opera del fidato Luigi Rubino, anche lui con un album solista in uscita in questo periodo per Prikosnovenie) e violino (il sempre apprezzabile Notarloberti) a supportare il canto della musa di turno, solitamente intenta a mescolare timbri gotici con la tradizione cantautoriale. Come da tradizione per Prencipe l'album contiene, oltre ad una rassegna di panorami sonori ed atmosfere di grande bellezza, anche canzoni ben scritte e sempre accattivanti, tra cui svettano la tambureggiante, esotica e spagnoleggiante “Barrio Gotico” cantata da Floriana Cangiano, all'opera con la sua suadente voce anche in un altro highlight di questo album, vale a dire la seconda traccia “Venti di Sale”, che riporta l'ambientazione geografica e musicale nel Meridione italiano.
Il livello del disco si mantiene godibile per il resto delle tracce, con gli episodi in italiano (di particolare interesse sia “La gente che resta” ingentilita dal clarinetto di Franco Perreca, sia la pregevole coppia di metà disco “La città dagli occhi neri” e “Nostalgica avanguardia”, delicate e flemmatiche) generalmente più riusciti e peculiari a livello vocale rispetto a quelli in inglese, ferma restando la generale qualità della base strumentale.
Come già accaduto in “Volontà d'Arte” (che conteneva una riproposizione di un brano acustico dei Sepultura), anche qui Prencipe strizza l'occhio alla scena Metal proponendo una cover degli inglesi Anathema, “Flying” , arricchita dal caldo suono del violino e resa più vivida rispetto alla più decadente versione originale – possibile occasione per qualche rockettaro di saltare la barricata e farsi ammaliare dalla musica Folk.

Un booklet curato e ricco è il valore aggiunto del disco, in quanto i testi (tutti riportati in doppia lingua italiano/inglese) di tutte le canzoni vengono corredati da fotografie dell'area partenopea scelte con gusto da Riccardo Prencipe (critico d'arte oltre che musicista) nonché da dediche e citazioni che permettono di scavare a fondo nelle ispirazioni artistiche e filosofiche di ogni singolo episodio del disco.
L'ascolto di “The Stones of Naples” risulta anche per questo vivamente consigliato a chi segue le evoluzioni più folcloristiche, medievaleggianti e raffinate del Neo Folk e della Neoclassica di discendenza Dark ed Ethereal.

LINK PER L'ASCOLTO:
- Corde Oblique @ Last.fm (3 interi brani in streaming)