Metalcore

Blood Maker

Matthias Stepancich — Sun, 25 May 2014 09:56:45 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Progressive Metal

Metalcore

Emo

Etichetta:

Brutal Panda

Anno:

2014

Link correlati:

Website

Line-Up:

Josh Holland - guitar/vocals
Noah Burns - drums
Jeff Johnson - bass

Tracklist:

1. The Wrecking Ball Unchained (06:19)
2. Shadow Deserts (04:44)
3. Blood Maker (05:15)

Wild Throne

Blood Maker

Il trio dei Wild Throne è composto da ferrati musicisti di Bellingham (Washington, USA) con alle spalle un decennio a testa di attività in varie band solidamente affermate a livello locale.
Le varie esperienze hanno portato ad un certo punto Josh Holland (chitarra e voce), Noah Burns (batteria) e Jeff Johnson (basso) alla decisione di unirsi in un progetto che superasse in originalità e impatto ogni cosa da essi fin lì fatta.

Possiamo dire che l’obiettivo per il momento pare raggiunto: l’EP Blood Maker (che può essere considerato il loro vero esordio, dopo due release underground introvabili nei due anni precedenti), uscito per la Brutal Panda (nome di label migliore di sempre), può indubbiamente già essere collocato tra i migliori EP metal del 2014.

I tre pezzi di cui è costituito sono farciti d’idee brillanti e convoglianti stili diversi, ma soprattutto hanno ben chiara la necessità di darsi una misura per mantenere una struttura coerente ed esteticamente appagante: tra i punti musicali di riferimento del trio vi sono infatti, a orecchio, sicuramente The Mars Volta e Protest the Hero, ma le influenze che da loro prendono arrivano in dose controllata, e si ritrovano ad essere sostenute e ben bilanciate da un impianto hardcore massiccio, caldo e quasi sludge, strizzante l’occhio ai Mastodon.

Un altro punto che i Wild Throne segnano decisamente a loro favore sta nell’efficacia melodica, derivante da una ormai mutata geneticamente tradizione emocore (che si riconosce nell’intensità drammatica dei vocalizzi e nelle dissonanze metalliche dei riff), ed espressa magistralmente grazie alla notevolissima capacità vocale di Holland: il memorabile chorus di Shadow Deserts ne è l’esempio più immediato, ma ancor di meglio si trova nella più complessa title-track.

La tecnica strumentale dei tre, assolutamente degna di nota, poteva finire per farli strafare ed esagerare (sia nella struttura dei pezzi, sia nei giochetti virtuosistici di facile impressione), ma viene usata in maniera nobile e pragmatica per trovarsi un proprio stile, che prende dal prog metal come dallo sludge, dal thrash come dal post-hardcore, e mettere sempre in primo piano passionalità e schiettezza.

Alla riuscita del “pacchetto” concorrono due nomi ben noti come Ross Robinson (la riuscita produzione, in bilico tra hardcore e metal senza abbaracciare né l’uno né l’altro) e Orion Landau (il gran bell’artwork).

Non resta che attendere con curiosità e buone aspettative il debutto su full-length.

Sounds of a Playground Fading

Alessandro Mattedi — Sun, 27 Nov 2011 12:11:00 +0000

Voto:

5.9 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Metalcore

Alternative Metal

Etichetta:

Century Media

Anno:

2011

Line-Up:

Anders Fridén - voce
Björn Gelotte - chitarra
Peter Iwers - basso
Daniel Svensson - batteria, percussioni

Ospiti:

Johannes Bergion - violoncello
Örjan Örnkloo - tastiere, elettronica

Tracklist:

1. Sounds of a Playground Fading
2. Deliver Us
3. All for Me
4. The Puzzle
5. Fear Is the Weakness
6. Where the Dead Ships Dwell
7. The Attic
8. Darker Times
9. Ropes
10. Enter Tragedy
11. Jester's Door
12. A New Dawn
13. Liberation

In Flames

Sounds of a Playground Fading

Dopo una carriera quasi ventennale e il traguardo del decimo album studio (quello della "stella") le aspettative nei confronti di un gruppo musicale sono alte, soprattutto se si tratta di una formazione che ha segnato una scena musicale e fatto discutere nel bene e nel male. Gli In Flames decidono di affrontare la sfida complicandosi un po' la vita: tralasciando il cambio di label dalla storica Nuclear Blast alla Century Media, infatti già da qualche tempo il chitarrista principale (nonché fondatore del gruppo) Jesper Stromblad ha annunciato di aver temporaneamente lasciato il gruppo, ufficialmente per problemi legati all'alcool. Una bella tegola per gli svedesi che si trovano a comporre un disco senza una delle loro principali menti.

Mentre appare bizzarro che ci sia lo stesso nome sopra il primo disco Lunar Strain e quest'ultimo Sounds of a Playground Fading, nonostante nessun musicista suoni su entrambi gli album, i dubbi su cosa possa inventarsi l'ormai quartetto si fanno avanti: lasceranno libero sfogo a Gelotte per quanto riguarda il lato chitarristico, ottenendo probabilmente tecnicismi analoghi a quelli che confezionò per Colony, di modo da sopperire alla mancanza di Stromblad? Oppure questo lato lo riporranno in secondo piano, privilegiando le melodie vocali e le atmosfere di Fridén?

Il titolo già di per sè è emblematico: i suoni di un parcogiochi che svanisce possono essere i ricordi del passato del gruppo, la sua "infanzia", a intendere che ormai dopo molti anni e tante esperienze fatte il periodo degli esordi è solo un ricordo che va affievolendosi, per la musica suonata in sè o forse per le vicissitudini umane (e qui torniamo all'abbandono di Jesper).

Stilisticamente, SOAPF si mantiene sui binari degli ultimi dischi (il che già è una novità visto che gli infiammati sono cambiati spesso in passato, ma in realtà questa volta ce lo aspettavamo un po' tutti che sarebbero rimasti "statici"). Notiamo che viene ancor di più enfatizzato il lato più catchy del suono soprattutto nei ritornelli, mentre le chitarre giocano a intrecciare assoli molto semplici e banalotti, ma anche molto orecchiabili. Certe soluzioni di muri sonori che nel precedente disco si ricollegavano concettualmente a Reroute to Remain, qui sono pure più in evidenzia, ma purtroppo suonano più che altro come pecette su cui far adagiare le melodie vocali di Anders Fridén. Infatti notiamo anche che l'album risulta tendenzialmente monotono e povero di spunti, con davvero pochi riff che catturano l'attenzione e arrangiamenti diluiti probabilmente dalla mancanza stessa di Jesper.
Ciò su cui punta il gruppo sono, in sostanza, pochi refrain d'impatto per dare l'idea di "movimento" seguiti da ritornelli melodici che sono ciò che cattura veramente l'attenzione, ma si tratta di poca roba e ben presto emerge la sensazione che manchi molto, troppo.

Non è questione di mancanza di "cattiveria" o del fatto che le chitarre sono poco aggressive. Anche i Passenger, per citare uno dei side-project di Fridén, erano morbidi e orbitavano soprattutto attorno alle sue idee canore, ma avevano la loro forza in atmosfere introspettive, ritornelli irresistibili, una forma canora invidiabile da parte di Anders e giochi delle chitarre di gran classe con il loro dipingere numerose melodie semplici ma coinvolgenti (merito soprattutto di Niklas Engelin, che gli In Flames hanno chiamato a sostituire Stromblad ma che non ha preso parte alla stesura del disco). SOAPF difetta di tutto questo, abusa di riempitivi e momenti stantii, e perde di carattere dopo poco lasciando che le canzoni cadano nella monotonia di soluzioni. Ciò comporta anche un appiattimento del livello generale dell'album, con pochi picchi.

Ci sono comunque canzoni che svettano (il semplice ma accattivante singolo Deliver Us; la frenetica The Puzzle; l'heavy metal ultra-orecchiabile di Ropes; la power-ballad Liberation), ed altre meno riuscite che però riescono a incuriosire per qualche motivo (Fear Is the Weakness che sembra realizzata con uno di quei programmi per assemblare pezzi "ambient-metal"; la malinconica parentesi soft di The Attic, forse però troppo ripetitiva; Enter Tragedy che ricorda i momenti di Soundtrack to Your Escape più vicini ad un connubio fra "old-style", "modern-style" e spunti industrialoidi; l'ambizosa A New Dawn con refrain maideniani, parentesi emotive ed aperture più swedecore, purtroppo minata da un eccesso di sentimentalismo con tanto di archi smielati). Ma gli elementi di maggior interesse sono alla fine i chorus di Fridén, a metà fra un mezzo-screaming e aperture piacevolmente pop (ma senza eccessivi singulti emozionali come alcuni album fa). Fridén però si limita a svolgere il compitino senza lode e senza infamia, senza guizzi, come fosse ordinaria amministrazione. Anzi, l'intero disco risulta alla fine risulta un esercizio di stile easy-listening composto senza troppa ispirazione.

Sounds of a Playground Fading è senza troppi giri di parole il disco meno creativo ed ispirato del gruppo svedese, come anche il loro album meno personale (nel senso, in cui la loro personalità è meno espressa, per via dell'appiattimento compositivo); quanto ciò dipenda realmente anche dalla dipartita di Stromblad solo loro possono dircelo.

Non gli diamo però una bocciatura pesante, perché in fondo il senso per la melodia tipico degli infiammati, il loro piglio trascinante, fanno ancora parte del loro DNA, e quindi non mancano momenti divertenti e catturanti. Ma si tratta di un divertimento effimero, prima che tutto inizi a suonare addirittura come una raccolta di b-sides del precedente A Sense of Purpose.

Carnival is Forever

Corrado Penasso — Sun, 25 Sep 2011 15:11:11 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Metalcore

Death Metal

Etichetta:

Nuclear Blast

Anno:

2011

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Vogg - Guitars

Heinrich - Bass

Krimh - Drums

Rafal Piotrowski - Vocals

Tracklist:

1. The Knife 04:34

2. United 05:26

3. Carnival Is Forever 08:51

4. Homo Sum 04:35

5. 404 05:10

6. A View from a Hole 06:13

7. Pest 03:38

8. Silence 04:18

Decapitated

Carnival is Forever

Se dovessimo citare una band nell’ambiente estremo del metal che ha avuto meno fortuna negli ultimi anni, sicuramente i Decapitated dalla Polonia vincerebbero.

Prima di tutto, qualche cenno alla storia della band. Il nucleo primigenio ha avuto origine nel 1996 grazie al cantante Sauron, al batterista Vitek ed al chitarrista Vogg, ai quali si unì il bassista Martin l’anno successivo. In un periodo in cui il death metal stava dando segni di cedimento a livello di idee, nuove leve come i Decapitated portarono linfa all’apparato e ben presto il gruppo si ritagliò una bella fetta di notorietà nell’ambiente. Il loro bagaglio tecnico invidiabile, specialmente se rapportato alla loro giovane età, abbinato ad uno stile estremo cominciò a mietere vittime sin dal loro debutto Winds of Creation (2000). Dopo due ottimi lavori come Nihility (2002) e The Negation (2004), Sauron decise di abbandonare la band. Fin qui nulla di irrecuperabile. Al suo posto subentrò l’anno successivo Covan ma ciò che accadde il 29 ottobre del 2007 segnò per sempre la storia del gruppo. Un terribile incidente in Bielorussia vide coinvolti il tour bus dei Decapitated ed un tir che trasportava legname. L’esito fu drammatico: Vitek perse la vita qualche giorno dopo in ospedale, Covan entrò in coma e tutt’ora non si hanno notizie certe riguardo le sue condizioni di salute. La band si sciolse poco tempo dopo, ovviamente.

Ora, a distanza di quattro anni da quel terribile fatto ritroviamo la band capeggiata dal chitarrista Vogg, unico rimasto del nucleo originario. Al suo fianco nominiamo il batterista Krihm e Rafal Piotrowski alla voce. Tanta pubblicità fu fatta per questo ritorno sulle scene ed ora ne analizzeremo il prodotto, questo nuovo Carnival is Forever. La nuova fatica discografica del gruppo amplifica le passate influenze alla Meshuggah/Pantera per un risultato ben differente rispetto a dieci anni fa. Se stavate aspettando un album veloce e tagliente ne rimarrete delusi ed anche il nuovo arrivato dietro al microfono, pur possedendo una notevole potenza vocale, ha un timbro decisamente più orientato al metalcore che comunque risulta amalgamato con il nuovo corso musicale della band.

Si inizia con i tempi sincopati di Knife, il suo groove roccioso nelle chitarre e la sua impronta moderna già ben tracciabile anche nelle seguenti voci filtrate. Parecchie influenze provengono anche dalle ultime leve del death metal moderno svedese per un’introduzione spiazzante. Gli stop and go delle chitarre sono abbastanza arrembanti ma le caratteristiche delle produzioni passate dei Decapitated sono pressoché inesistenti. Buona la prova del nuovo entrato a sedersi dietro le pelli, il quale massacra la sua doppia cassa a dovere durante la successiva United. Tra blast beats improvvisi e ricadute nel groove dei tempi medi, la canzone si regge bene anche se l’abuso delle voci filtrate ne rovina lo stile brutale in più parti. I novi minuti della title-track puntano tanto sui chiaroscuri musicali, tra stacchi acustici e l’entrata del groove pastoso della chitarra. Capirete anche voi che questo stile non ci azzecca nulla con quello che potremmo aspettarci dal gruppo. Una batteria che crea un tappeto di doppia cassa e continui riffs “spezzati”, da alternarsi ad arpeggi lugubri, non bastano a rendere elettrizzante questa canzone.

Le influenze dei Pantera di inizio anni 90 si fanno palesi nel riffing di Homo Sum che di death metal ha ben poco, figuriamoci di brutal tecnico anche se alcuni blast beats cercano di ingannarci. Le sezioni soliste della sei corde non hanno né capo né coda e tutto si esaurisce in lunghe note trascinate, andando a finire in quella 404 che sembra uscita dalle peggiori pubblicazioni dei Soulfly. Un’accozzaglia di suoni –core e synth che ha del ridicolo. View from a Hole segue grossomodo le stesse coordinate della title-track se non fosse solo per la presenza di alcune sezioni leggermente più impulsive che aumentano la velocità di esecuzione di alcune parti. Chiudono il disco la tagliente Pest (forse la traccia che si avvicina maggiormente come stile agli ultimi lavori della band) e la strumentale The Silence, interamente basata su arpeggi in tonalità pulita dal mood decadente.

Posso cercare di capire il colpo subito dalla band a causa di quell’incidente maledetto e di conseguenza posso anche capire questa sbandata dal nome Carnival is Forever. Per questo decido che il lavoro comunque si merita la sufficienza. In fondo trattasi di una lavoro di mediocre metalcore/death metal, ottimamente suonato e prodotto. Questo mio voto, tuttavia, non si ripeterà in futuro se la band dovesse ritornare sulla scena con idee come queste.

Rescue

Damiano Cembali — Mon, 09 May 2011 16:08:22 +0000

Voto:

4.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Metalcore

Emo

Etichetta:

Hopeless Records

Anno:

2011

Link correlati:

Silverstein @ MySpace.com

Line-Up:

Shane Told – lead vocals, rhythm & additional guitars, keyboards
Neil Boshart – lead guitar
Josh Bradford – rhythm guitar
Billy Hamilton – bass, backing vocals
Paul Koehler – drums, percussion

Tracklist:

01. Medication (4:30)
02. Sacrifice (2:37)
03. Forget Your Heart (3:45)
04. Intervention (3:06)
05. Good Luck with Your Lives (3:24)
06. Texas Mickey [feat. Anthony Raneri of Bayside] (2:41)
07. The Artist [feat. Brendan Murphy of Counterparts] (3:06)
08. Burning Hearts (3:02)
09. Darling Harbour (2:53)
10. Live to Kill (2:35)
11. Replace You (3:25)
12. In Memory Of... (4:46)

Silverstein

Rescue

Quando le premesse sono tanto negative, troppo negative, augurarsi una pronta smentita è molto spesso un’illusione bruciante. E’ con profonda tristezza, infatti, che ci tocca constatare come anche gli esperti Silvestein, che attendevamo con grande interesse a 2 anni di distanza dal più che positivo A Shipwreck In The Sand, non sfuggano alla precedente, amara considerazione statistica: Rescue – questo il titolo del loro nuovo nonché quinto studio album – conferma appieno le magre aspettative annunciate dall’EP Transitions, uscito 5 mesi fa per la loro nuova etichetta Hopeless Records, dal quale ha il demerito di recuperare la raggelante Sacrifice e l’impalpabile Darling Harbour, trasformandosi così in una cocente delusione. Proprio il clamoroso abbandono della storica Victory Records, con la quale la formazione canadese aveva condiviso la sorte di ben quattro pubblicazioni internazionali, avrebbe dovuto rappresentare una grande occasione di rinnovamento, se non proprio di innovazione, sulla stessa scia di quanto proposto dai conterranei Alexisonfire, il cui ultimo Old Crows / Young Cardinals, nonostante una comprensibile sensazione di incompletezza generale, aveva dimostrato la chiara intenzione di spostare i propri orizzonti stilistici verso una dimensione più intima ed esistenziale. Chi aveva condiviso con noi la speranza che una svolta di questa portata stesse per bussare anche alla porta dei Silverstein potrà certamente capire la situazione di totale frustrazione in cui sta veleggiando la stima, dimezzata ormai, che nutrivamo nei confronti di questi cinque musicisti originari dell’Ontario.

Per chi, come noi, era stato sfiorato più d’una volta dal pensiero stupendo che Rescue avrebbe finalmente rappresentato il primo passo verso un sound più personale, più maturo, più creativo, del tutto indispensabile per una formazione oramai giunta a raschiare il barile dell’ormai datata vena emocore, potrà rendersi immediatamente conto di come questo scialbo disco non soltanto si limita a sminuire quanto di buono realizzato nei suoi quattro illustri predecessori (in sintesi, si salva la sola Intervention, soprattutto per effetto di un chorus old school ancora effervescente), ma direziona quei pochi cenni di presunto cambiamento (leggasi: apparente indurimento, almeno stando alle dichiarazioni di presentazione, al solito enfatiche) verso sentieri stilistici già battuti prima, e nettamente meglio, da altri: il ridicolo aumento numerico di break down, spesso totalmente artificiali e completamente avulsi per tempistica e collocazione, così come l’inserimento forzoso di fastidiose accelerazioni uptempo, fabbricate ad arte per offrire una risibile parvenza di hardcore melodico, non aiutano certo a rinfrescare e risvegliare un sound totalmente statico e stantio, ancora rigidamente vincolato all’emocore della prima ora, genere ormai inflazionato e che anno dopo anno ha perso evidentemente appeal e significato. Proprio il fallimento così clamoroso da parte di una della formazioni che meglio ne avevano interpretato forma e sostanza potrà, ci auguriamo, fungere da pietra tombale su un movimento musicale che nel tempo ha perduto la propria spinta e ragion d’essere, che oggi rischia persino di perdere la faccia e che, pertanto, necessita seriamente di una concreta e drastica ridefinizione: gli Alexisonfire, ad esempio, l’hanno capito in tempo, i Silverstein evidentemente no.

Chi possa essere stimolato da un lavoro sostanzialmente nullo come Rescue, davvero, ci sfugge: al di là degli affezionati più intransigenti, ai quali probabilmente non sarà poi così indigesto, è realmente difficile individuare una frangia specifica di ascoltatori che possano trovarvi un qualunque barlume di piacere, perché chi conoscesse già i Silverstein non vi troverebbe nient’altro se non una tragicomico canto del cigno mentre chi non li conoscesse (e quindi non conoscesse sostanzialmente il genere, assumiamo) farebbe meglio ad approfondire i capitoli precedenti della loro discografia (soprattutto, nell’ordine, Discovering The Waterfront e A Shipwreck In The Sand), altrimenti avrebbe senz’altro tutti i motivi per eliminare direttamente entrambi - i Silverstein e con essi l’emocore – dal proprio elenco d’interesse. Che amarezza.

There Is a Hell, Believe Me I've Seen It. There Is a Heaven, Let's Keep It a Secret

admin — Tue, 26 Oct 2010 22:00:00 +0000

Voto:

6.9 / 10

Autore:

Jacopo Prada

Genere:

Metalcore

Etichetta:

Visible Noise

Anno:

2010

Link correlati:

Bring Me The Horizon Official MySpace

Line-Up:

- Oli Sykes - voce
- Lee Malia - chitarra
- Jona Weinhofen - chitarra
- Matt Kean - basso
- Matt Nicholls - batteria

Guests:
- Lights Poxleitner - voce nella prima, seconda e quinta traccia
- Josh Franceschi - voce nella quarta traccia
- Josh Scogin - voce nella dodicesima traccia

Tracklist:

1. Crucify Me (06:20)
2. Anthem (04:50)
3. It Never Ends (04:34)
4. Fuck (04:55)
5. Don't Go (04:58)
6. Home Sweet Hole (04:38)
7. Alligator Blood (04:32)
8. Visions (04:09)
9. Blacklist (04:00)
10. Memorial (03:10)
11. Blessed With A Curse (05:08)
12. The Fox And The Wolf (01:43)

Bring Me the Horizon

There Is a Hell, Believe Me I've Seen It. There Is a Heaven, Let's Keep It a Secret

Quello dei Bring Me the Horizon è sicuramente un nome che fa discutere. Oli Sykes e compagni, infatti, vengono spesso accusati di produrre musica di scarsa qualità e di non meritare quindi le attenzioni della stampa specializzata, sempre pronta a documentare le gesta dei cinque ragazzi britannici. Eppure, specialmente negli ultimi anni, i Bring Me The Horizon hanno dimostrato di essere uno dei pochi progetti da seguire rimasti in ambito Metalcore.
Formatasi a Sheffield nel 2004, la band pubblica due anni dopo il grintoso e tagliente Count Your Blessings, album d’esordio e sintesi di quanto di buono il Deathcore più tradizionale possa offrire. Compresi gli evidenti limiti del genere, con Suicide Season del 2008 i Bring Me the Horizon virano in direzione di lidi meno pesanti e canonici, spiazzando così critica e fan. Successivamente alla pubblicazione del disco, a cui segue peraltro un’interessante versione remix, il chitarrista Curtis Ward lascia la band e viene rimpiazzato dall’ex I Killed the Prom Queen e Bleeding Through Jona Weinhofen. La nuova formazione entra quindi in studio e, sotto l’attenta direzione di Fredrik Nordström (già produttore di Suicide Season), incide quello che è il suo terzo full length: There Is a Hell, Believe Me I've Seen It. There Is a Heaven, Let's Keep It a Secret.

Se Suicide Season testimonia un chiaro e netto mutamento stilistico, lo stesso non si può dire riguardo a There Is A Hell / There Is A Heaven, il quali per molti versi rappresenta invece un momento di transizione. All’interno del disco, infatti, è possibile trovare capitoli strettamente legati al passato più recente della band inglese, così come episodi assai più coraggiosi ed in qualche modo sperimentali. In particolare, sono spesso e volentieri le chitarre a ricordare da vicino le sonorità di Suicide Season, mentre gli elementi di novità sono costituiti soprattutto da scelte ritmiche ed inserti elettronici. Il sound diventa infatti meno ripetitivo grazie ai numerosi e repentini cambi di ritmo, i quali, specie durante i pezzi più elaborati, portano freschezza ed arricchiscono di sfumature quasi caotiche There Is A Hell / There Is A Heaven. Dal punto di vista elettronico, invece, si può notare una certa apertura sia verso trame di tipo melodico sia nei confronti di musicalità più distorte e minacciose.
Ci si trova perciò di fronte ad un album a metà fra il passato ed il futuro, senza forse un’identità autonoma ed un senso intrinseco. Tuttavia la qualità dei singoli brani resta indiscutibile ed il full length contiene alcune fra le tracce più suggestive ed affascinanti mai composte dai Bring Me The Horizon. Se quindi i fan della band non faticheranno ad apprezzare There Is A Hell / There Is A Heaven, anche i semplici curiosi troveranno certamente pane per i propri denti.

Con dodici brani per quasi cinquantatre minuti di durata, There Is A Hell / There Is A Heaven è il lavoro più lungo ed ambizioso del combo britannico, che affida a Crucify Me il delicato compito di aprire le danze. La canzone, sicuramente fra le più innovative del lotto, stupisce per la sua capacità di trascinare l’ascoltatore senza ricadere nei classici cliché che affliggono il genere. Sono soprattutto il cantato femminile e la componente elettronica ad arricchire un brano di per sé già validissimo ed atipico, probabilmente il più impegnato scritto dal gruppo di Sheffield dal 2004 ad oggi.
Alcune delle interessanti soluzioni stilistiche presenti in Crucify Me costituiscono elementi centrali dell’opera, sebbene talvolta vengano accompagnate da un sound più grezzo e tradizionale. Basti pensare ad Anthem, Alligator Blood, Visions e la conclusiva The Fox And The Wolf, brani nei quali, nonostante una sistematica destrutturazione, si può comunque riconoscere il marchio del gruppo britannico. Altrove, invece, alle aperture sperimentali viene lasciata maggiore libertà, come accade soprattutto nel binomio Memorial - Blessed With A Curse, che ricorda da vicino la titletrack di Suicide Season pur differendone a livello squisitamente sonoro.
La componente vocale gioca senza dubbio un ruolo fondamentale all’interno di There Is A Hell / There Is A Heaven, in quanto si rivela capace di conferire determinate sfumature emotive alle varie tracce. Se in generale non si può parlare di un vero e proprio miglioramento tecnico, Oli Sykes dà comunque prova di maggiore maturità attraverso liriche sempre più introspettive ed oscure. Inoltre, l’autenticità con cui il singer britannico dà voce ai propri testi risulta a tratti quasi disarmante, contrastando enormemente sia con la pulizia della produzione sia, se vogliamo, con l’immagine che la band si è creata negli anni.

There Is A Hell / There Is A Heaven è un lavoro piuttosto particolare, ancorato a Suicide Season e ed al tempo stesso profondamente innovativo. E’ ormai evidente il desiderio di crescita continua dei Bring Me The Horizon, abilissimi ad assimilare influenze e successivamente dare libero sfogo alla propria, rinnovata creatività. In particolare, l’esperienza elettronica del remix album Suicide Season: Cut Up! sembra aver segnato profondamente il combo di Sheffield. Allo stesso modo le numerose tournée internazionali hanno permesso alla band di perfezionare la propria tecnica ed ampliare i propri orizzonti musicali. Lo dimostra ad esempio la collaborazione con Josh Scogin dei The Chariot, ai quali i Bring Me The Horizon dell’ultimo album devono molto (specialmente a livello di drumming).
In definitiva, There Is A Hell / There Is A Heaven rappresenta un tassello importante per la carriera di Oli Sykes e compagni. Il tentativo di distanziarsi da Suicide Season è riuscito solo a metà, in quanto alcune tracce risentono ancora pesantemente dell’influenza del disco uscito nel 2008. Non bisogna comunque mettere in secondo piano il lato più innovativo di There Is A Hell / There Is A Heaven, questo sì capace di proporre con successo sonorità meno convenzionali.
Non si tratta di un’opera semplice da apprezzare. Necessita di tempo, di attenzione e cresce con il passare degli ascolti. Non un grandissimo disco, forse, ma senza dubbio il miglior prodotto firmato Bring Me The Horizon ad oggi.

The Art of Partying

admin — Fri, 01 Oct 2010 22:00:00 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

Marcello Zinno

Genere:

Metalcore

Etichetta:

Earache Records

Anno:

2007

Link correlati:

Official Site

Line-Up:

Tony Foresta – lead vocals
Ryan Waste – guitars, vocals
Philip "Landphil" Hall – bass, vocals
Dave Witte – drums

Tracklist:

1.Pre-Game
2.The Art Of Partying
3.Headbanger Face Rip
4.Mental Shock
5.A.D.D. (Attention Deficit Destroyer)
6.The Inebriator
7.Lunch Hall Food Brawl
8.Beer Pressure
9.Chemically Altered
10.Sadistic Magician
11.Open Your Mind
12.Radioactive Force
13.Septic Detonation
14.Rigorous Vengeance
15.Born To Party

Municipal Waste

The Art of Partying

La tradizione per alcuni è cosa molto importante e questo ce lo insegna non solo la storia ma anche la musica. Alcuni artisti infatti fanno della coerenza il proprio asso nella manica, quel fattore che non può mancare nella propria proposta musicale e che alimenta sempre di più la fede dei propri fan, pur se compresi in una cerchia ristretta. Chi sceglie questo percorso mostra di avere le idee chiare ed una consapevolezza forte di quello che fa: tra questi sicuramente non possono non essere annoverati i Municipal Waste.

Nonostante il cambio di line-up e di casa discografica che aveva caratterizzato il precedente lavoro, Hazardous Mutation, erano riusciti solo due anni prima a dare forma a delle ottime idee e differenziarsi ulteriormente con originalità e tecnica. Adesso è tempo per The Art Of Partying che punta ancora più le luci sull'animo spassoso e divertente (ma mai demenziale) dei quattro musicisti e che si preannuncia tale fin dalla prima traccia, Pre-Game, con 40 secondi di thrash sparato all'impazzata.
L'album scorre con meno variabilità rispetto al precedente lavoro, la stessa title-track pur se decisa e compatta risulta un pò troppo retrograda considerando i primi due album, ma la domanda resta pur sempre la stessa: come fanno i MW ad imprigionare così tante parti (strofe/ritornelli/bridge) e così tanti riff musicalmente esplosivi in meno di due minuti per brano? La risposta può rifarsi all'esperienza del combo o alla sua perizia tecnica, fatto sta che continuano imperterriti con questi tempi al fulmicotone con tanto di testi sputati in faccia compresi nel prezzo.

Un lavoro più brutale, più deciso e meno arzigogolato, il che per certi versi si allontana da quanto ci saremo aspettati dai MW del 2007; brani con una ricetta standard che procedono incalzanti e seppur per nulla indolore (A.D.D.) potrebbero sembrare una maturazione al contrario, un nuovo Waste Em All ma con un sound ben maturo a svantaggio delle influenze di altre band che caratterizzavano l'esordio. L'intro di The Inebriator fa sognare una nuova verve di creatività ma il thrash-core è di nuovo all'agguato, e si riprende a correre dietro una preda che non si raggiungerà mai. Un po' più variegata Beer Pressure, debitrice dello storico maiden-sound, anche se il capolavoro prende il nome di Sadistic Magician che riesce a sprigionare un coro nel ritornello davvero spiazzante ma mai sbalorditivo come il suo riffing fulmineo e corposo. Anche con Open Your Mind la qualità acquista punti, grazie ai tempi un pò più stoppati a metà brano che fanno tirare un respiro, copione che si ripete con Radioactive Force, mentre la successiva Septic Detonation riprende le redini del thrash nudo e crudo.

Un piccolo passo indietro rispetto a quanto i Municipal Waste ci avevano abituati ma sicuramente un piatto succulento per chi vive di thrash-core.

Collisions and Castaways

admin — Sat, 21 Aug 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Metalcore

Etichetta:

Roadrunner Records

Anno:

2010

Link correlati:

36 Crazyfists @ MySpace.com

Line-Up:

:
- Brock Lindow – vocals
- Steve Holt – guitar
- Brett Makowski – bass guitar
- Thomas Noonan - drums

Tracklist:

:
01. In The Midnights (5:34)
02. Whitewater (3:21)
03. Mercy And Grace (3:50)
04. Death Renames The Light (3:34)
05. Anchors [feat. Adam Jackson of Twelve Tribes & Raithon Clay of Plans To Make Perfect] (5:40)
06. Long Roads To Late Nights (1:46)
07. Trenches (3:36)
08. Reviver (3:42)
09. Caving In Spirals (4:21)
10. The Deserter [feat. Brandon Davis of Across The Sun] (4:22)
11. Waterhaul II (5:04)

36 Crazyfists

Collisions and Castaways

L’ultima eco di un glorioso passato, il primo squillo di un luminoso futuro: è con questa formula minima che potremmo sintetizzare l’ultimo lavoro dei ritrovati 36 Crazyfists, band capostipite del movimento metalcore ma da sempre (ingiustamente) confinata a raccogliere le poche briciole dei ben più celebri Killswitch Engage ed As I Lay Dying. 16 anni di attività, 5 album all’attivo, una carriera assolutamente rimarchevole e un contributo artistico troppo spesso sottovalutato, la formazione originaria dell’Alaska e oggi residente a Portland, in Oregon, si prende finalmente la sua rivincita nei confronti di quanti l’hanno sempre subordinata agli acts sopraccitati sfornando un album tutto sommato modesto ma ugualmente, nettamente superiore alle più recenti prove dei loro colleghi di genere. Assorbita rapidamente l’improvvisa dipartita del bassista Mick Whitney, rimpiazzato 2 anni or sono da Brett "Buzzard" Makovsky, il quartetto nordamericano sforna l’ennesimo capitolo umile e coriaceo della propria ormai nutrita discografia, incrementandone notevolmente l’originale aggressività eppure introducendo slanci innovativi di grande rilievo, che, per quanto non possano catalogarsi certamente come perle di assoluta originalità, tuttavia si concedono il lusso di donare alla tracklist una varietà tanto inaspettata quanto meravigliosamente sgradevole.

Sgombriamo il campo dai possibili fraintendimenti: quell’ultimo aggettivo non si riferisce all’album intero bensì, nello specifico, alla sensazione di estrema estemporaneità che quest’ultimo offre, barcamenandosi fra colpevoli richiami alla continuità stilistica e provocanti momenti di sviluppo e novità. Proprio questi ultimi slanci innovativi si ergono a croce e delizia di un album complessivamente più che sufficiente ma che avrebbe potuto risultare, se affrontato con maggiore convinzione e soprattutto più coraggio, il vero e proprio capolavoro della band nordamericana. Collisions And Castaways, infatti, manifesta già un’interessante proiezione verso un’evoluzione artistica non più rigidamente vincolata agli ormai consunti dettami metalcore, eppure, in ragione della continuità discografica di cui sopra, si configura come semplice intermezzo, vario ma discontinuo, nella carriera musicale dei 36 Crazyfists; una tappa intermedia difficilmente interpretabile, che assume significato solo in virtù della speranza che le migliorie qui apportate possano concretizzarsi nel prossimo album, che segnerà, ce lo auguriamo, l’approdo completo ad una nuova dimensione.

Nostalgia canaglia e tensione innovatrice collidono quindi senza soluzione di continuità lungo tutto il corso della tracklist, dando lungo ad una guerra di logoramento assolutamente palpabile ma pressoché priva di contatto fisico diretto: da una parte l’emblematica opener In The Midnights, perfettamente riassuntiva dello stile 36 Crazyfists, quindi la prevedibile (ma non del tutto disprezzabile) Whitewater, la velleitaria Death Renames The Light (un vero peccato, vista la portata detonante di una miscela a base di poderosi stacchi hardcore e accelerazioni groove); dalla parte opposta la sorprendente Mercy And Grace, prova e controprova di come i 36 Crazyfists sappiano dominare con buona consapevolezza i cambi di tempo ma si esaltino clamorosamente nelle sezioni più oscure e compassate, quindi la granitica Anchor, esaltata dal suadente chorus deftonesiano. Le tracce finali, del resto, sono la testimonianza definitiva di come il combo stars and stripes sia già ampiamente proiettato nel futuro, intenzioni del tutto assenti (o per nulla manifestate) nelle pubblicazioni precedenti ad opera di KSWE o AILD: è il caso della funambolica Trenches, che rievoca un certo mathcore saettante à la Every Time I Die personalizzandolo con un chorus vagamente lugubre davvero ben concepito, o l’emo-oriented Reviver, primo singolo estratto, pezzo spigliato, grintoso e dannatamente catchy; a queste si aggiungono la malinconica ballad Caving In Spirals, dove Brock Lindow ha modo di dare sfogo al suo timbro dolce e cavernoso allo stesso tempo, dando prova di un elasticità vocale finora mai del tutto esplorata, e la conclusiva e semi-ambientale Waterhaul II, mentre fa eccezione la più scotata The Deserter, il cui drumming in levare mortifica le brillanti sferragliate groove.

Proprio alla luce di quanto appena rilevato si motiva infine l’impressione sopraccitata di trovarsi di fonte ad un album parzialmente incompiuto, dove vibra la netta volontà di superarsi ma ancora prevale, forse, la paura di abbandonare del tutto, definitivamente, le proprie radici. Qui giace l’errore, se davvero di errore si può parlare, di un lavoro sostanzialmente piacevole eppure non perfettamente riuscito qual è Collisions And Castaways: l’essersi trattenuti, il non aver osato fino in fondo, l’essersi domandati se davvero si era pronti per oltrepassare i limiti imposti dal metalcore e il non essersi dati una risposta netta e convinta, ma l’essersi accontentati di una via di mezzo, un ibrido inconcludente che alimenta la curiosità per il suo prossimo erede ma lascia interdetti per via dell’occasione mancata di fare presente il futuro. Tuttavia, in concreto, resta il fatto che i 36 Crazyfists si sono posti delle domande e, nonostante la tangibile incertezza (non inadeguatezza, sia ben chiaro) delle risposte, hanno manifestato la volontà di crescere e la capacità di poterlo fare bene e subito, o magari no ma comunque presto, prima di tanti, prima di quanti finora si sono presi troppo spesso i meriti esclusivi di un genere così diffuso e remunerativo; un genere ormai logoro, che avrebbe bisogno di quel drastico rinnovamento cui loro, i vichinghi di Anchorage, hanno pensato, altri no. Bravi.

LINK: ascolta Collisions And Castaways in streaming integrale

The Panic Broadcast

admin — Mon, 02 Aug 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Metalcore

Etichetta:

Nuclear Blast

Anno:

2010

Link correlati:

Line-Up:

- Björn "Speed" Strid – vocals
- Peter Wichers – electric guitar/lead guitar
- Ola Flink – bass guitar
- Sven Karlsson – electronic keyboard
- Dirk Verbeuren – drum kit
- Sylvain Coudret – electric guitar/rhythm guitar.

Tracklist:

1. Late for the Kill, Early for the Slaughter
2. Two Lives Worth of Reckoning
3. The Thrill
4. Deliverance Is Mine
5. Night Comes Clean
6. King of the Threshold
7. Let This River Flow
8. Epitome
9. The Akuma Afterglow
10. Enter Dog of Pavlov

Soilwork

The Panic Broadcast

La sensazione generale riguardo l'ultimo album targato Soilwork corrisponde all'antico dilemma: bicchiere mezzo pieno o mezzo vuoto?

Quello che gli svedesi hanno fatto con The Panic Broadcast sembra corrispondere ad un recap, in cui portano avanti lo stile consolidato negli ultimi dischi ma al contempo rimiscelano e diluiscono sia ancora maggiori influenze metalcore che spunti più prettamente riconducibili al resto della discografia del gruppo, complice anche il rientro in formazione del chitarrista Peter Wichers (il cui stile contribuisce ad edificare dieci canzoni robuste, aggressive ma sempre molto melodiche) e l'arrivo di Sylvain Coudret dei francesi Scarve al posto dello storico Ola Fenning.
Se il problema di un album come Sworn to a Great Divide era che il trademark Soilwork tendeva troppo a lasciare un retrogusto come di prevedibile e fatto con lo stampino, con quest'ultimo full-lenght la sensazione viene attenuata facendo ricorso a questo feeling più pesante e martellante che emerge con la giusta dose nei pezzi, e che certo è fortemente ispirato dal metalcore americano, ma ha anche la piacevole caratteristica di non suonare affatto come la solita imitazione ma di essere ben assimilato dal gruppo - anche perché rimiscelato assieme a sfuriate più thrash/melo-death che ricordano certi vecchi dischi.
Pur mantenendo l'anima di fondo che lo lega a Stabbing the Drama e Sworn to a Great Divide, questo The Panic Broadcast, insomma, suona inaspettatamente più genuino e ispirato di quanto ci si aspettasse, grazie anche al giusto equilibrio fra parti aggressive, stacchi melodici e pure un ritrovato tecnicismo che porta ad aumentare il numero di assoli (sempre taglienti) e a complessificare il lato ritmico, soprattutto per quanto riguarda la versatilità della batteria. Non mancano poi i soliti riferimenti townsendiani, mentre le tastiere tendono ad essere piccoli riempitivi.

L'iniziale Late For The Kill, Early For The Slaughter simbolicamente presenta per prime le caratteristiche più estreme del disco, con un veloce riff iniziale di stampo old-school ma sovrapposto a giri di note più moderni sullo sfondo e che lascia spazio a martellamenti groovy/core, con Strid impegnato ad urlare anche nel ritornello, pur sempre melodico. Una opener feroce (ma anche un po' piattina) che sembra quasi dire che i Soilwork sono tornati più cattivi che mai, pur non rinunciando alle sonorità più moderne e orecchiabili ormai entrate nel loro dna.
Per contro le successive Two Lives Worth of Reckoning e The Thrill si aprono maggiormente alla componente catchy del gruppo e anche ai muri sonori di chitarra dal sapore alternative a cui ci avevano già abituato, ma senza sminuire l'intensità del sound. A queste fa seguito la cavalcata furiosa di Deliverance Is Mine, veloce e adrenalinica, ma anche resa più elegante da velate influenze tastieristiche quasi prog (ovviamente con le dovute proporzioni del caso) e nelle costruzioni più tecniche.
Non aggiungono molto al discorso le successive Night Comes Clean (più lenta e distesa, con massicci chords sostenuti da piacevoli tastiere melodiche ed elettroniche di sottofondo) e King of the Threshold (nuovamente un pezzo schizzato ed infarcito di estremismi, come ad alternarli), che non fanno che ribadire il discorso intrapreso, mentre varia un po' il discorso Let This River Flow che è quasi una power ballad metalcore con sporadici inserti acustici, climax emotivi melodici e intrecci chitarristici easy-listening, miscela purtroppo fin troppo abusata da molti gruppi.
Suona parzialmente più convincente Epitome, che introduce spunti post-grunge abbinati ai consueti tappeti tastieristici e alla carismatica voce di Bjorn, ma per contro è anche un po' ripetitiva.
Conclusione affidata ad altri due pezzi che cercano di non riscaldare troppo la minestra, difatti The Akuma Afterglow è invece più vicina a certo emocore, mentre Enter Dog of Pavlov ricorda i primi Raunchy, in entrambi i casi abbiamo due pezzi senza lode e senza infamia con buoni spunti melodici ma non originalissimi.

Sono presenti anche delle bonus tracks: l'indeita Sweet Demise è un metalcore leggero e melodico in salsa svedese, in cui risaltano soprattutto le clean vocals di Strid; Sadistic Lullaby è una ri-registrazione del brano del 1998 che non aggiunge nulla all'originale; il remix di Distance invece la fa sembrare come se avessimo mischiato Mnemic e Killswitch Engage in un secchio ripieno di trance.

Tornando al dubbio iniziale, è sicuramente positivo vedere un disco più ispirato, vitale e dal songwriting più ricco e caratterizzato dopo il precedente disco, ma d'altro canto è ormai palese che dopo ben due dischi "di transizione" questo capitolo non presenti dei Soilwork capaci di reinventarsi e ritrovare la creatività di un tempo, bensì un gruppo che ormai ha la sua forma consolidata e probabilmente proseguirà per inerzia su questa strada.
Tanto per citare i Katatonia, i Soilwork di oggi hanno dimostrato con questo disco di avere la personalità per non essere affatto followers, pur lasciandosi contaminare da influenze varie che però metabolizzano molto bene, ma d'altro canto non hanno neanche l'inventiva e l'incisività dei leaders.

Probabilmente i puristi degli esordi saranno comunque schifati da questo lavoro, ma noi lo vediamo come un disco discreto che forse non impedirà agli svedesi di emanciparsi dal "timbrare il cartellino" ma che certo riesce ad essere compositivamente più convincente del predecessore.

Egod

admin — Mon, 03 May 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Metalcore

Etichetta:

Scarlet Records

Anno:

2010

Link correlati:

Sawthis @ MySpace.com

Line-Up:

- Alessandro Falà - Voce
- Adriano Quaranta - Chitarra
- Devis Ercole - Chitarra
- Gaetano Ettorre - Basso
- Michele Melchiorre - Batteria, voce

Tracklist:

1. Mr. Zero
2. Act Of Sorrow
3. Barabba
4. Him Mortality
5. A.B. Senses
6. Twonity
7. The Egod Teeth
8. I Hate You
9. Stain
10. Vanity

Sawthis

Egod

I Sawthis nascono dalle ceneri di un gruppo abbastanza conosciuto nell’underground italiano, i Sothis. Quasi identica la pronuncia del nome, abbastanza diversa la musica proposta dalle due bands. I Sothis nascono nel 1997 e si propongono come una band prettamente death/thrash, debuttando con l’album Fusion del 2006. Nel luglio del 2009, i membri decisero appunto di cambiare nome e con questa novità arriva anche il primo album, questo Egod. Il genere proposto risente tanto della corrente metalcore nonché dello stile death metal proveniente dal nord Europa, quello moderno alla Soilwork per intenderci. Ad ogni modo, ascoltando l’album ho riscontrato molteplici influenze ed una spiccata originalità che non è così comune in un genere ormai abusato da una decina di anni a questa parte. Diciamo che la parte metalcore prende sovente il sopravvento in questo album anche se devo dire che le infiltrazioni più brutali fanno si che il prodotto risulti anche appetibile per un death metal aficionado, come nel mio caso.

Elementi arabeggianti accompagnano l’introduzione di una veloce e chiaramente death metal Mr.Zero. Alcuni stacchi prettamente metalcore sono riscontrabili nel groove dei mid-tempo o nell’uso delle clean vocals a donare varietà. Le chitarre mostrano la classica distorsione a motosega con una produzione cristallina a rendere il sound meno ruvido ed in qualche modo meno selvaggio, con un occhio sempre alla compattezza comunque. La melodia si espande nella sezione solista delle chitarre a cozzare in stile con il classico growl/scream utilizzato in questi casi. Incalzanti nel loro tocco ritualistico le clean vocals di una Act of Sorow varia, compatta ma anche votata al ricreare atmosfere molto particolari. Ancora una volta, atmosfere orientali vengono chiamate in causa grazie agli effetti prodotti dalla chitarra da opporre agli stop and go ed alle ripartenze di doppia cassa. Tutto fatto in un modo molto fluido e da veri professionisti. Più diretta Barabba, dal ritornello ripetuto in coro molte volte e supportato da melodie molto particolari da parte della sei corde, con l’uso di strumenti a fiato arabi a completare una canzone veramente notevole e forse il vero gioiello di Egod.

Alcuni blast beats si possono trovare nella traccia death metal Him Mortality anche se alcune sezioni si spingono sempre su binari meno diretti e più sperimentali al fine di fare emergere ancora una volta influenze hardcore o solamente meno convenzionali. A.B. Senses è un buon esempio di come la melodia velata dei riffs si possa mischiare sapientemente a cambi di tempo repentini ma sempre su tempi medi, con alcune entrate di voce pulita a duettare con lo scream ed alcune sezioni acustiche per darci una piccola tregua da tanta intensità musicale. Le influenze metalcore si fanno ampiamente largo tra gli up tempo di Twonity quando The Egod Teeth marca il ritorno di alcune melodie più accessibili, ma sempre plumbee, da opporre agli stop and go di chitarra. Diciamo che queste ultime tracce seguono lo stile più comune nel genere, senza le idee veramente esaltanti delle tracce poste in apertura. Ad ogni modo, lo stile è sempre compatto e le buone idee non mancano, come la tecnica e la sapienza di una band che sa bene cosa sta facendo.

La base sinfonica che sporadicamente esce allo scoperto in una traccia groove come I Hate You risolve la situazione in una canzone abbastanza comune nel genere. Buona ma non esaltante, seppur sempre grintosa e pesante come un macigno. Si prosegue on le sfuriate death di Stain e alcune influenze melodico-moderne del riffing anche se non mancano sporadici riferimenti al thrash metal per l’uso del palm-muting ed alcune sezione decisamente più originali grazie ancora una volta a strumenti di provenienza straniera che gettano un’aura oscura e mistica sulla traccia. Il disco volge al termine con il groove e le urla lancinanti e filtrate di una violenta Vanity, la quale tuttavia mostra ancora una volta una tendenza moderna più che classica nel genere, mettendo il sigillo finale ad una buon album di violento metalcore. Sicuramente, come detto in precedenza, le canzoni migliori sono posizionate all’inizio e quelle più “classiche” verso la metà per dare varietà ad un disco sicuramente notevole e meritevole di un ascolto, soprattutto se cercate qualcosa di “originale” nel genere.

Concerto for the Undead

admin — Tue, 27 Apr 2010 22:00:00 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Metalcore

Etichetta:

Pivotal Recordings

Anno:

2010

Link correlati:

Stigma @ MySpace.com

Line-Up:

- Stefano "Vlad" Ghersi - voce
- Andrea Bailo - chitarra
- Flavio Magnaldi - basso
- Stefano Ghigliano - batteria

Tracklist:

1. Chop His Head Off!
2. Prove You Are A Man!
3. ...And They Died Happily Ever After!
4. A Monstrous Feeling
5. The Undertaker
6. What About A Terror Ride?
7. 3000 Years And Still Keeping It Real
8. A Grave Situation
9. Beat Me Maestro, Eight To The Dead!
10. Doctor Skeleton

Stigma

Concerto for the Undead

Sebbene l’artwork del secondo capitolo discografico degli Stigma conservi il fascino dell’Old School Hardcore ottantiana, ciò che viene sviluppato nelle dieci tracce che compongono il platter rappresenta la naturale continuazione del sound lasciato dal quartetto italiano nell’esordio When Midnight Strikes.
Concerto For The Undead costituisce infatti un epigono della tradizione Death svedese figlia degli At The Gates, ma introduce le tinte tipiche dei nuovi esperimenti del Metalcore più caotico e impetuoso.
 Già con When Midnight Strikes il paragone con i tedeschi Heaven Shall Burn era sembrato calzante e Concerto For The Undead sembra proseguire in questa tendenza, fondendo tecnica e carica ritmica in un unico sound travolgente. Il secondo full-length di studio conserva tratti controversi, perché gli Stigma sono divenuti più esperti e padroni del proprio sound, ma allo stesso tempo le canzoni appaiono meno sorprendenti di quelle che avevano permeato un esordio di notevole effetto e in grado di confrontarsi con le pubblicazioni del panorama internazionale.
Chop His Head Off! scaturisce indubbiamente dai gioielli degli At The Gates, disegnando patterns ruvidi ma permettendo alla melodia di fuoriuscire in distensioni capaci di rallentare temporaneamente il ritmo.
Le tracce sono strutturate con architetture complesse, poiché le chitarre si rincorrono in intrecci vorticosi, lasciando poco spazio a silenzi o pause; Prove You Are A Man! raffigura una cavalcata che si colloca in equilibrio tra i Dark Tranquillity di The Gallery e l’Hardcore d’oltreoceano, graffiando e aprendosi in cori maestosi di sottofondo ai lamenti growl principali.
Sono però brani come A Monstrous Feeling a non stupire positivamente l’ascoltatore, perché la destrutturazione del ritmo e delle timbriche è un elemento giunto alla saturazione con la scena Metalcore contemporanea. Allo stesso modo non convince l’andamento altalenante di The Undertaker, che spesso presenta uno scream non all’altezza dei pezzi precedenti e dei monologhi di chitarra non particolarmente coinvolgenti.
Solo l’epicità che scaturisce da episodi come 3000 Years And Still Keeping It Real e A Grave Situation riesce a sollevare le sorti di un album poco incisivo a livello di qualità: è infatti la sfaccettatura che accomuna gli Stigma a Heaven Shall Burn e As I Lay Dying a costituire il lato più interessante della formazione, mentre le deviazioni propriamente Death e Noise-Core o la massiccia presenza di scream poco consoni al registro stilistico della band.
Probabilmente l’esito meno competitivo di Concerto For The Undead è anche dovuto alla dipartita del chitarrista Morgan Ferrua durante il processo di song-writing, sebbene il disco sia stato prodotto da Jona Weinhofen (chitarrista dei Bring Me The Horizon) e mixato da Scott Atkins (già attivo con Cradle Of Filth e Behemoth).

In definitiva, un plauso va sicuramente all’impegno degli Stigma, che dall’esordio When Midnight Strikes hanno avuto modo di trovare importanti collaborazioni, aprendo anche a celebri acts come Napalm Death, Soulfly, Converge, Bring Me The Horizon, The Black Dahlia Murder e Bleeding Through e partecipando a prestigiosi festival come il Wacken e il Metal Camp.

Say Hello to Tragedy

admin — Wed, 07 Apr 2010 22:00:00 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Metalcore

Etichetta:

Century Media

Anno:

2009

Link correlati:

Caliban @ MySpace.com

Line-Up:

:
- Andy Dörner - voce
- Marc Görtz - chitarra
- Denis Schmidt - chitarra, voce
- Marco Schaller - basso
- Patrick Grün - batteria

Tracklist:

:
01. 24 Years
02. Love Song
03. Caliban’s Revenge
04. End This Sickness
05. Walk Like The Dead
06. No One Is Safe
07. Liar
08. The Denegation Of Humanity
09. Unleash Your Voice
10. All I Gave
11. In The Name Of Progression
12. Coma

Caliban

Say Hello to Tragedy

Nonostante siano una delle formazioni più longeve e conosciute del panorama metalcore europeo, i Caliban non hanno mai deciso di innovare radicalmente il proprio sound, preferendo continuare ad adagiarsi sugli allori conquistati per via dell’esplosione internazionale del loro movimento d’appartenenza e cavalcando di volta in volta gli ultimi sussulti di un’onda oramai innocua e spenta. Nel corso degli anni la continua e costante nascita di band del tutto stereotipate, impegnate nell’estenuante ripetizione e persino nell’abuso incessante di formule presto giunte a saturazione, ha contribuito a catalizzare il progressivo decadimento del genere metalcore, in maniera repentina almeno quanto la sua furiosa crescita e diffusione. Il pubblico più sveglio, progressivamente assuefattosi all’interminabile bombardamento di proposte musicali del tutto identiche e prive di qualsivoglia personalità, ma estremamente abili nel seguire la corrente di volta in volta più propizia, ha lentamente ripreso i sensi, imparando a distinguere immediatamente gli act più genuini e propositivi da quei numerosi gruppi clone oramai privi di qualunque interesse e di qualsiasi idea, giunti fuori tempo massimo anche solo per raccogliere le briciole di una torta tanto ricca quanto presto divorata. Proprio l’incremento della selettività critica degli ascoltatori ha fatto sì che a sopravvivere siano solo quei gruppi in grado di distinguersi in maniera sostanziale e nitida dalla massa amorfa ancora intenta a brucare terre del tutto inaridite: è il caso di formazioni dalla spiccata individualità come gli inimitabili Every Time I Die, che hanno saputo inserire, su una solida base metalcore, folli strutture math e suggestivi scenari southern, o, più in generale, di tutti quei complessi che, pur mantenendo intatta la loro identità pregressa, sapranno trovare soluzioni personali e riconoscibili e distinguibili.

Questa svolta inevitabilmente finirà per coinvolgere anche i Caliban ed è proprio secondo questa prospettiva che occorre valutare il loro ultimo lavoro: Say Hello To Tragedy, nonostante presenti forme assolutamente canoniche e spesso persino retoriche (a partir dalla groovy No One Is Safe per arrivare alla conclusiva Coma), evidenzia alcune migliorie assolutamente non trascurabili, come un netto indurimento del sound e una drastica riduzione di quelle melodie ammiccanti e posticce che tanto successo riscuotevano fino a pochissimo tempo fa. Di contro permangono ancora alcuni retaggi di un passato non del tutto abbandonato, come la ripetizione asfissiante di breakdown sempre uguali e perfettamente inutili o l’inserimento forzato (meglio, slegato) di incisi clean a tratti dolciastri. Tuttavia, proprio l’efficacia emotiva che quegli stessi elementi oramai abiurati aveva garantito a certe produzioni precedenti della formazione tedesca, viene in parte meno in occasione di quest’ultimo Say Hello To Tragedy, dove strutture canore maggiormente ricercate e complesse finiscono talvolta col diventare del tutto velleitarie ed inconsistenti, sebbene non manchino piacevoli eccezioni come l’oscura In The Name Of Progression (nonostante la coda finale, un po’ troppo prolissa).

Insomma, l’ultima fatica dei Caliban è in perfetta sospensione fra uno strisciante desiderio di crescere e migliorare, in spessore compositivo e soprattutto in personalità artistica, e il comprensibile timore di allontanarsi troppo da quegli stilemi ormai collaudati che, finora, hanno garantito loro un discreto successo di pubblico e vendite. E’ proprio quest’ultima tensione a prevalere, facendo di Say Hello To Tragedy un platter fortemente ancorato ad un metalcore primitivo e fortemente thrashy, con qualche ondivaga irruzione deathcore; un album solido, tecnicamente ben suonato e ottimamente prodotto, in grado di regalare attimi di assoluto furore mistico (il poker iniziale costituito da 24 Years, Love Song, Caliban’s Revenge ed End The Sickness è praticamente inappuntabile), riservati però solamente a coloro i quali da sempre apprezzano questo genere e ancora continuano a farlo nonostante la sua inesorabile eclissi. Un ultimo quarto di luna, infatti, rischiara le note di quest’ultimo lavoro, ma si fa sempre più concreto, per i suoi artefici, il rischio di restare intrappolati nel cono d’ombra di quanti, saliti frettolosamente su quel carro vincente chiamato metalcore, non hanno saputo/voluto abbandonarlo al momento opportuno e viaggiare soli, senza etichette, con la propria arte ed il proprio talento.

The Paper Days EP

admin — Sun, 28 Feb 2010 23:00:00 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Metalcore

Death Metal

Etichetta:

Copro Records

Anno:

2009

Link correlati:

My Space

Line-Up:

- Stefano Wosz - Guitars, synth
- Enrico Tiberi - Guitars, synth

Tracklist:

1. Caress 03:50
2. Everything I Painted You 03:34
3. Swallow 01:05
4. Words Cannot Penetrate 04:04

Edenshade

The Paper Days EP

Formati nel 1998, gli Edenshade tornano nel 2009 con questo The Paper Days EP. La formazione è composta solo più da Stefano Wosz (chitarre, synth) e Enrico Tiberi (chitarre, synth), dopo vari cambi di line up e due album alle spalle. Lo stile musicale del duo marchigiano può essere descritto come un incrocio di death metal melodico di matrice svedese ed elementi industrial ed elettronici. Solamente quattro canzoni compongono questo EP ed ora addentriamoci in esse per poterle descrivere meglio, prendendole singolarmente.

L’inizio è nelle mani del groove death di Caress. La prosecuzione mostra infiltrazioni di elementi elettronici mentre il groove delle chitarre non abbandona mai il suo sentiero, accompagnando la batteria che si lancia su prolungati mid-tempo. La voce non è mai estrema per quanto riguarda le sezioni più prettamente metal mentre si lancia su tonalità pulite quando i riffs si fanno più accessibili o gli stacchi elettronici fanno da padrone. Le strutture sovente mostrano dei passaggi abbastanza intricati con le chitarre lanciate in lunghi fraseggi mentre la successiva Everything I Painted You mostra un’opposizione forzata blast/beats – mid tempo. Tutto è reso troppo caotico e senza un filo conduttore. Si passa da sfuriate death a strutture nettamente più accessibili con voci melodiche o filtrate. A mio modesto parere tutto si sta facendo un pelo monotono e non ci sono idee che possano veramente colpire l’ascoltatore. Certo, le strutture sono discrete ma le trovate non di sicuro entusiasmanti e gli stacchi industrial ci stanno come i cavoli a merenda.

La corta Swallow mostra il duo lanciarsi su arpeggi di chitarra acustica con le solite voci pulite e dal tocco disperato ad accompagnare per sfociare nell’aggressiva Words Cannot Penetrate la quale tuttavia non lesina parti accessibili attraverso riffs più melodici e stacchi groove. Ad ogni modo alcune sezioni di veloce doppia cassa fanno bene alla struttura, portando una buona dose di pesantezza, senza eccedere. Dopo tutto, gli Edenshade sono dei validi musicisti e sicuramente sarà un problema mio di approccio al genere, ma questo EP non mi ha entusiasmato, pur essendo comunque meritevole di un ascolto.

Make Your Own History

admin — Fri, 13 Nov 2009 23:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Metalcore

Etichetta:

Sumerian Records/Victory

Anno:

2009

Link correlati:

Stray From The Path @ MySpace.com

Line-Up:

- Drew York – vocals
- Tom Williams – guitar
- Wes Young – guitar
- Ryan Thompson – bass
- Dan Bourke - drums

Tracklist:

1. Lucid Dreaming
2. Manipulator
3. Negative and Violent
4. Mitra
5. Damien
6. Fraudulent
7. The Things You Own End Up Owning You
8. Comrades
9. Black Anchor
10. Nigeria
11. Make Your Own History

Stray from the Path

Make Your Own History

Originari di Long Island, New York, i giovanissimi Stray From The Path bissano il buon esordio di Villains, uscito appena l’anno scorso, con questo graffiante Make You Own History, che ripropone e ribadisce la loro natura metalcore fortemente crossover-izzata: strutture ritmiche caotiche fino all’incomprensibile in perfetto stile mathcore (Damien), effetti sonori elettronici tremendamente capziosi (Negative And Violent), sottofondi stridenti tipicamente noise (Fraudulent), vocalità ovviamente assassine come il metalcore impone (più che sufficiente la prova del singer) e che, supportate da inserti strumentali dal groove galoppante (Mitra, The Things You Own End Up Owning You, Black Anchor), non di rado sembrano avvicinarsi a cadenze rap, drumming feroce e rapidissimo (Comrades, Nigeria) e per finire un’innata propensione ai riffs iper-tecnici e in primo piano (la terrificante titletrack) sulla scia degli Every Time I Die dell’ultimo New Junk Aesthetic.

Aggiustata definitivamente la line-up con l’ingresso in pianta stabile dell’ex drummer degli This Is Hell Dan Bourke, già presente durante il loro tour in compagnia di Recon e Sondiers, gli Stray From The Path hanno forse raggiunto la quadratura del cerchio, perché se è vero che Make Your Own History, prodotto da Misha Mansoor (Periphery, Bulb) ed edito da Sumerian Records, presenta ancora numerosi difetti di fabbricazione, soprattutto in termini di forzature eccessivamente cervellotiche e scelte di songwriting in parte fuori contesto, tuttavia il sound risulta potente e incisivo allo stesso tempo, talvolta producendosi in un muro sonoro di straordinario impatto fisico, le partiture evidenziano linee melodiche sotterranee davvero gradevoli e ficcanti mentre le sezioni più marziali e più prossime all’hardcore incitano all’headbanging più deleterio, esaltando un’impostazione ‘core di straordinaria vivacità e rabbioso livore.

Alla fine della fiera, i momenti peggio riusciti, o comunque più bisognosi di ulteriori rifiniture in sede di composizione, risultano proprio quelli maggiormente debitori del filone math-core, la succitata Damien in particolar modo, in quanto raggiungono, talvolta, picchi di confusione davvero vertiginosi i quali certamente non mancheranno di soddisfare i più fervidi ammiratori del settore, ma, per quanti preferiscano una proposta musicale meno ristretta e specifica, talvolta finiscono con l’assumere contorni inspiegabilmente prolissi, di quando in quando persino irritanti.

Pur essendo un lavoro estremamente compatto, Make Your Own History presenta ugualmente uno spessore tecnico invidiabile, anche in relazione alla giovane età della band e alla sua poca esperienza discografica; resta, è vero, la nitida impressione di un opera ancora in parte grezza e talvolta poco lucida, ma quanto detto poco fa spiega perfettamente queste lacune compositive. Gli Stray From The Path dimostrano quindi di aver perfettamente acquisito la lezione impartita dal loro precedente Villains, proseguendo il loro percorso di crescita artistica con coerenza, coesione e grande consapevolezza della propria identità: Make Your Own History non è ancora l’album della completa maturità, ma certamente un passo in avanti verso un futuro che oggi appare assolutamente roseo.

Hatebreed

admin — Mon, 19 Oct 2009 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Metalcore

Etichetta:

RoadRunner Records

Anno:

2009

Link correlati:

Hatebreed Official Website

Line-Up:

:
- Jamey Jasta – vocals
- Frank Novinec – guitar
- Chris Beattie – bass guitar
- Wayne Lozinak – guitar
- Matt Byrne – drums

Tracklist:

:
01. Become The Fuse
02. Not My Master
03. Between Hell And A Heartbeat
04. In Ashes They Shall Reap
05. Hands Of A Dying Man
06. Everyone Bleeds Now
07. No Halos For The Heartless
08. Through The Thorns
09. Every Lasting Scar
10. As Damaged As Me
11. Words Became Untruth
12. Undiminished
13. Merciless Tide
14. Pollution Of The Soul
15. Escape (New Diehard Edit)

Hatebreed

“Questo è il nostro quinto studio album ed è mostruoso. Siamo sopravvissuti a situazioni davvero dure e la nostra musica lo dimostra. Non c’erano ragioni per cambiare la ricetta che i nostri fan già conoscono e amano ma abbiamo aggiunto alcuni ingredienti brutali e siamo più che soddisfatti del risultato. La violenza è un dono!”.

Così si era espresso il carismatico Jamey Jasta, leadr maximo degli hardcorers Hatebreed, anticipando l’uscita del loro quinto studio album, l’omonimo Hatebreed. Mai parole furono così fortemente esplicative: il successore del cover album For The Lions, piacevole quanto si voglia ma francamente inutile (come tutte le cover, a nostro parere), esprime appieno la fase creativa di piena transizione che sta attraversando il combo originario del Connecticut, contemporaneamente in preda ad attacchi di hardcore old style in perfetta linea con i loro primi successi, Perseverance e Rise Of Brutality, e pulsioni evoluzioniste che facciano seguito alle introduzioni groove metal dell’ultima raccolta di inediti che fu Supremacy, nel 2006. L’incerto risultato di queste forze quasi manichee e certamente di ben difficile conciliazione è un lavoro complessivamente altalenante e a tratti un po’ fiacco, proprio in virtù della palese crisi di identità artistica che sembra non aver trovato ancora il suo definitivo scioglimento. In realtà i toni apocalittici precedentemente utilizzati non sono certamente specchio dell’effettiva condizione in cui vertono gli Hatebreed: la verità è che il desiderio più che comprensibile di rinnovare la propria formula stilistica, espresso in maniera piuttosto significativa già dal titolo del nuovo disco (l’omonimia è sempre indicativa di una rinascita e/o di una trasformazione), appare spesso soffocato dal suo principale effetto collaterale, ovvero il rischio tangibile di irritare gravemente la propria fan base. Questa preoccupazione risulta ulteriormente fondata alla luce del tradizionale istinto di auto-conservazione degli hardcore fans, estremamente restii ad accettare tanto i più infimi ammodernamenti quanto le più rivoluzionarie innovazioni.

Conseguenza pressoché inevitabile è, appunto, l’altalenante tracklist di Hatebreed, frutto agrodolce di una fusione a tratti davvero esaltante, a tratti parecchi inconcludente: dopo il buon inizio firmato dalla rocciosa opener Become The Fuse, esattamente in bilico fra tendenze metalliche e refusi hardcore, l’album prende immediatamente una piega reazionaria con l’accoppiata costituita dalla massiccia Not My Master, discreta nonostante un riffing a tratti davvero fastidioso (in corrispondenza del drumming in levare, per chi volesse approfondire), e dall’oscura Between Hell And A Heartbeat (con tanto di accenni d’assolo), in assoluto uno dei migliori episodi del platter. La tripla successiva lascia invece piuttosto interdetti: In Ashes They Shall Reap, primo singolo estratto, si fa apprezzare per il groove marziale con assoluto obbligo di headbanging ma nel complesso risulta scarna o più semplicemente incompiuta; Hands Of A Dying Man si abbandona a ritmiche thrashy semplicemente odiose, salvandosi solo per il devastante crescendo finale e una durata relativamente esigua che ci traghetta finalmente a Everyone Bleeds Now, altra irriducibile reduce dei tempi che furono, grezzo e grintoso groove fra rallentamenti ansiogeni e accelerazioni tritacarne. La mutazione genetica con la quale avevamo introdotto questo nuovo Hatebreed si verifica a partire da No Halos For The Heartless, cavalcata furente clamorosamente guastata da coretti emo francamente puerili (si è sentito di peggio, è vero, ma qui ci troviamo in presenza degli Hatebreed, non certo di giovani sprovveduti), proseguendo poi con Through The Thorns e Every Lasting Scar, nella quale lo stesso Jamey Jasta si lascia improvvisamente andare a linee vocali finalmente musicali: soprattutto quest’ultima esprime alla perfezione la nuova dimensione stilistica nella quale si stanno proiettando gli Hatebreed, ossia una sorta di groove metal essenziale, violento, senza inutili orpelli tecnici (nonostante le partiture evidenzino una complessità finora inesplorata, a riprova della rinnovata vocazione metallica del combo della East Coast). Dopo questa parentesi piuttosto soddisfacente, la parte conclusiva dell’album riserva alti e bassi che gettano Hatebreed nella tranquillità speranzosa propria di tutti quei lavori in parte reattivi, in parte acerbi, completamente immersi nel limbo del “vorrei ma non posso”: all’impalpabile As Damaged As Me fa seguito l’energica Words Become Untruth, altro brillante manifesto della via intermedia adottata dalla band originaria di New Haven in questo suo quinto lavoro, quindi gli oltre 4 minuti della strumentale Undiminished, in pieno territorio melodic death metal (con tanto di sussurrata chiusura in pianoforte), ci trascinano placidamente verso la ruggente Merciless Tide, ottimamente contraddistinta da ripidissimi assoli di chitarra, e l’agguerrita Pollution Of The Soul, contrassegnata da quel riffing estremamente curato che di Hatebreed è forse in assoluto la caratteristica più innovativa, evidente e piacevole. Infine, la conclusiva Escape ci ripropone un Jamey Jasta versione cantante che dà prova di buone capacità vocali anche in clean, offrendo quello spunto di imprevedibilità che solo in pare nasconde gli evidenti limiti del pezzo nel suo complesso, frutto di un heavy metal dal sound vintage ma emotivamente ben poco incisiva.

Alla fine dell’ascolto di un lavoro come Hatebreed capita che, rileggendo le entusiastiche dichiarazioni del singer Jamey Jasta, affiori sul viso il sorriso amaro di chi vi aveva scorto fra le righe ben più di un tradizionale e alquanto scontato lancio pubblicitario. Va detto che, stando ai contenuti espressi, le parole pronunciate esprimono perfettamente quanto fatto in Hatebreed: se da un lato è evidente come la formazione americana avvertisse la necessità di non potersi più ripetere, approfittando soltanto dell’inesauribile vena conservatrice dei propri innumerevoli fans, dall’altro, alla luce di quanto proposto in questo disco, risulta fin troppo chiaro che una simile volontà progressista si sia scontrata con la preoccupazione, più che comprensibile, di non eccedere, rischiando di provocare di conseguenza irritazione e scontento presso i propri supporters e tutti gli adepti della scena hardcore. E’ proprio questo inevitabile scontro fra volontà palesemente inconciliabili a danneggiare maggiormente Hatebreed: gli episodi più legati alle origini discografiche della band, infatti, risultano a volte sminuiti dal consistente pericolo di auto-imitazione, mentre i momenti più slanciati e futuribili si rivelano spesso eccessivamente frenati dallo spiacevole timore di perdere completamente contatto con le proprie floride radici. Alla fine quanto detto non può che confluire in un giudizio incerto, almeno quanto le intenzioni appena svelate della band: la qualità espressa dal platter in questione non è affatto insufficiente, Hatebreed paga dazio ad una genesi scarsamente focalizzata sui propri obiettivi ultimi, vittima della paura di “fare il passo più lungo della gamba”, ma, trascurando un paio di tracce francamente mal riuscite e qualche passaggio ampiamente rivedibile, ci troviamo di fronte ad un prodotto musicale di gran lunga superiore alla media attuale del genere di riferimento. Tuttavia è chiaro che, alla luce dei confortanti risultati del precursore Supremacy, che già introduceva alcuni brillanti inserimenti metal, era lecito aspettarsi molto di più, soprattutto da parte di una formazione esperta e coraggiosa come gli Hatebreed: speriamo, davvero, che sia soltanto per la prossima volta.

Veil of Ignorance

admin — Wed, 14 Oct 2009 22:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Metalcore

Etichetta:

Burning Heart Records

Anno:

2009

Link correlati:

Raised Fist @ MySpace.com

Line-Up:

- Alexander “Alle” Hagman – vocals
- Marco Eronen – guitar
- Daniel Holmberg – guitar
- Andreas “Josse” Johansson – bass
- Matte Modin - drums

Tracklist:

1 Friends And Traitors
2 They Can't Keep Us Down
3 Wounds
4 Afraid
5 Slipping Into Coma
6 City Of Cold
7 Volcano Is Me
8 Disbelief
9 My Last Day
10 I Have To Pretend
11 Words And Phrases
12 Keeping It To Yourself
13 Never Negotiate
14 Out

Raised Fist

Veil of Ignorance

Ad oltre 3 anni di distanza dal loro ultimo capitolo discografico, l’acclamato Sound Of The Republic, è finalmente arrivato il momento, per i Raised Fist, di ritornare in scena: la formazione svedese, da sempre una gradevole anomalia all’interno del panorama hardcore internazionale e soprattutto europeo, si ripresenta dunque all’attenzione del grande pubblico con un lavoro difficilmente prevedibile e che in molti non sapranno certamente apprezzare, soprattutto in virtù di quella che si considera la loro scena d’appartenenza e che questo brillante Veil Of Ignorance contribuisce ad estendere e, provocatoriamente, persino ad abbandonare. I Raised Fist rappresentano, del resto, una di quelle numerose realtà della musica contemporanea che, mediamente poco conosciute, meriterebbero certamente una maggiore notorietà e soprattutto una ben più cospicua valorizzazione, che li conducesse ad un successo molto più meritato rispetto a numerose altre formazioni già sulla cresca dell’onda (discografica): giunti ormai al loro quinto studio album, senza dimenticare 2 EP e già una compilation alle spalle, frutto di più di 15 anni di onorata carriera, questi 5 fieri musicisti scandinavi dimostrano, con Veil Of Ignorance, di aver raggiunto la più completa maturità artistica (già ampiamente dimostrata nel loro personale capolavoro Dedication, seppur ingiustamente passato sottotraccia) e soprattutto di avere le idee sufficientemente chiare per puntare manifestamente al grande salto.

Veil Of Ignorance, infatti, a differenza di quanto ci si potrebbe aspettare da un album di hardcore punk tradizionale, presenta una varietà di soluzioni ritmiche e strumentali che ben difficilmente potrebbero conciliarsi con la precedente definizione, non fosse per quel sentimento iroso e ribelle che da sempre sottende alle loro produzioni e che dell’hardcore è elemento assolutamente fondante: sin dalla coinvolgente opener Friends And Traitors, infatti, possiamo ravvisare, con gradita sorpresa peraltro, nitidi richiami a certo nu metal di inizio millennio, monolitico e aggressivo, con tanto di scream vocals acidissime (ma mai stridule, per fortuna) che non di rado sembrano eseguire ritmiche rap. Le origini hardcore ritornano dirompenti con la successiva They Can’t Keep Us Down, peraltro un poco sottotono, ma gli influssi metallici ricompaiono immediatamente con la coinvolgente Wounds, nella quale pare di risentire una versione inedita dei Linkin Park ancora legati a Meteora ma già proiettati al successivo Minute To Midnight. Questa nitida alternanza fra nostalgici sguardi alle origini hc punk e proiezioni decisamente metalliche si ripropone nuovamente con Afraid, hc allo stato brado, e Slipping Into Coma, dagli ipnotici effetti ambient e dal crescendo realmente devastante; con City Of Gold, abbastanza monotona fino al cambio di tempo della sezione finale, e Volcano Is Me, non al livello della precedente Wounds ma comunque uno degli episodi migliori dell’album; con Disbelief, uno dei più riusciti momenti hc punk dell’intero platter, e con My Last Day, mid-tempo profondamente evocativo; per finire, con I Have To Pretend, piuttosto tirata e pienamente convincente, e Words And Phrases, ballad sofferta dalle intriganti sfumature post-grunge. Dopo lo stuzzicante intermezzo di Keeping It To Yourself, che recupera in forma sintetica il groove marziale della traccia d’apertura, e l’insipido up-tempo di Never Negotiate, ci pensa la strumentale Out a porci il malinconico commiato da un album che certamente non finirà tanto presto nel nostro personale dimenticatoio.

Ciò che più sorprende, alla luce dell’ottima prova fornita dai Raised Fist (l’ennesima ben oltre la media internazionale), è come questa formazione svedese riesca a proporre un hardcore dal sound fortemente contaminato ma allo stesso tempo aggressivo, stridente eppure nitido, che fa leva su una performance vocale a tratti un po’ canonica e forzata, più spesso davvero naturale ed efficace. La varietà di idee tecniche sviluppate in questo Veil Of Ignorance è degna di un album significativo sia sotto il profilo della personalità compositiva, sia dal punto di vista della riuscita emotiva: non si tratta certo del solito LP hardcore tutto strida e drumming furibondo, anzi, in diverse occasioni possiamo istantaneamente accorgerci di come sia proprio ciò che esula da questo schema ritrito a rappresentare in maniera più significativa e convincente i Raised Fist, nella pesantezza più metallica come nella lentezza meno ‘core, riuscendo in maniera del tutto sorprendente a far di loro uno degli act più interessanti e meglio riconducibili alla reale definizione di metalcore. Difficile stabilire se e quanto Veil Of Ignorance contribuirà a far uscire questi 5 ragazzi scandinavi da un semi-anonimato del tutto immeritato, soprattutto al confronto dei tanti gruppi precocemente catapultati alla grande ribalta e quasi sempre risucchiati poi nella mediocrità della massa, sta di fatto che, per quanti abbiano estrazione hardcore punk ma non disdegnino qualcosa di diverso dai suoi soliti e ormai consunti stilemi o, viceversa, quanti abbiano passione metal ma sappiano apprezzare con sincerità e ampiezza di vedute anche ciò che col metal si mescola soltanto, certamente Veil Of Ignorance potrà rappresentare una sorprendente scoperta nonché l’appiglio più riuscito per recuperare, dei bravi Raised Fist, la storia discografica, il cui finale è ancora tutto da scrivere. Noi, ovviamente, saremo con loro.

Giudizio finale, 7,5 : album praticamente impeccabile, in perfetto equilibrio tra reminiscenze old style e innovazione melodica mai stucchevole e sempre incisiva; qualche ineludibile passaggio a vuoto dimostra che la formazione svedese ha ancora ampi margini di crescita, dettaglio tutt'altro che trascurabile per una band ai vertici delle propria scena di riferimento. Mai come in questo caso successo e qualità saprebbero andare perfettamente d'accordo: dispiace, per ora, doversi accontentare soltanto della seconda. Grandi comunque, ancora di più.