Ambient

Etichetta:

Blinde Proteus/Trovarobato

Anno:

2014

Line-Up:

Paolo Raineri - trumpet, flugelhorn, fx

Michelangelo Vanni - electric guitar, fx

Simone Calderoni - electric bass, fx

Simone Cavina - drums, fx

Tracklist:

In
Days Are Numbered
The Maze
On Canvas
The Quiet Sparkle
As One
Below The Belt
In Circles

Junkfood

The Cold Summer of the Dead

La scelta di dare per titolo alla seconda opera di Junkfood la traduzione dell'ultimo verso della poesia di Pascoli, Novembre (quella sull'estate di S.Martino tratta dalla raccolta Myricae) è già di per sé esercizio eloquente e raffinato.

Un mondo oscuro e labirintico dietro una nitidezza apparente, oltre i colori vividi e forti come le espressioni utilizzate dal quartetto per allontanarsi da queste folate di morte, da queste immagini che nella loro ambigua bellezza potrebbero essere state elaborate anche da un David Lynch.

E se la musica dei Junkfood si presta moltissimo ad un immaginario cinematografico è perché utilizza un formato strumentale in cui convivono jazz, rock ed elettronica senza la necessità di una gerarchia ben precisa e questo permette una grandissima libertà operativa senza però sfociare in soluzioni parossisticamente anarchiche.

Ora veloci e cattivi, ora riflessivi e sospesi, con la chitarra che reiterando ricorda anche cose etniche, simili a sirtaki suonati dai Birthday Party, drones che imitano didgeridoo, il passo funereo di una processione andalusa durante la 'semana santa' guidata da Bill Frisell, jazz impressionista, doom rock, sketch circensi non meno sinistri di quelli dei Coil ed ancora Morricone meets Calexico meets drone 'n' bass in calvari acustico-psichedelici.
Casse che friggono.

C'è tutto questo nel lavoro ultravisionario del quartetto romagnolo prodotto da Tommaso Colliva, tra quelli che resteranno sicuramente impressi tra gli ascolti di quest'anno.

Tomorrow's Harvest

Carlo De Donno — Wed, 08 Jan 2014 21:49:07 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

Carlo De Donno

Genere:

Etichetta:

Warp Records

Anno:

2013

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Sito Ufficiale

Line-Up:

Marcus Eoin – composizione, design, artwork

Mike Sandison – composizione, design, artwork

Tracklist:

1. Gemini - 2:56

2. Reach for the Dead - 4:47

3. White Cyclosa - 3:13

4. Jacquard Causeway - 6:35

5. Telepath - 1:32

6. Cold Earth - 3:42

7. Transmisiones Ferox - 2:18

8. Sick Times - 4:16

9. Collapse - 2:49

10. Palace Posy - 4:05

11. Split Your Infinities - 4:28

12. Uritual- 1:59

13. Nothing is Real - 3:52

14. Sundown - 2:16

15. New Seeds- 5:39

16. Come to Dust- 4:07

17. Semena Mertvykh- 3:30

Boards of Canada

Tomorrow's Harvest

È il Record Store Day 2013, in un negozio di dischi di New York appare un enigmatico singolo 12'' intitolato ------ / ------ / ------ / XXXXXX / ------ / ------: è l'inizio della campagna di marketing virale per l'uscita del nuovo album dei Boards of Canada. I giganti dell'elettronica e dell'IDM tornano dopo sette anni dall'uscita, nel 2006, del loro ultimo EP Trans Canada Highway.

Tomorrow's Harvest viene rilasciato il 5 giugno 2013; segue l'ultimo album dei BoC, The Campfire Headphase, che deluse amaramente la critica nel 2005, dimostrandosi un album poco solido e, a tratti, noioso. Dopo anni di lavoro, la cui fase più importante è stata, come spiega Marcus Eoin, legare tutte le idee, le melodie, e le creazioni in un corpo unico, Tomorrow's Harvest si presenta all'ascoltatore come un album che ha tutte le carte in regola per diventare un classico della musica elettronica.

I fratelli scozzesi hanno in molte occasioni rivelato di essersi ispirati in gran parte ai maggiori compositori di colonne sonore degli anni '70. Mike Sandison cita in particolare Carpenter, Frizzi, Harrison e Isham.

E le influenze si percepiscono sin dai primi secondi: Gemini è una traccia che potrebbe essere benissimo la colonna sonora di un film sci-fi. Oscura, misteriosa e tesa, si apre con una amichevole fanfara, come per rassicurare l'ascoltatore del fatto che i prossimi, intensi e pesanti 62 minuti saranno solo un'esperienza indotta.

Segue Reach for the Dead, singolo di lancio dell'album. Questa si apre con un imponente tappeto ambient cadenzato da sicuri colpi di grancassa, fino all'esplosione della trascinante e inedita melodia del synth, intrecciata strettamente con le percussioni, per poi chiudersi nuovamente con un ambient etereo che dipinge un tocco di speranza nel “soundscape” decisamente post-apocalittico delle prime due tracce e, come vedremo, dell'album intero.

White Cyclosa può essere considerato un interludio, un break notturno, piacevole e necessario per introdurre quello che è la composizione più lunga e più complessa dell'album: Jacquard Causeway. Questa si sviluppa, su un tempo 3/2, in un electro-valzer di loop continui, ognuno leggermente diverso dall'altro, dove le melodie mutano aumentando la tensione espressa dal brano, percepita anche grazie alla particolare scansione ritmica. La drammaticità del pezzo raggiunge livelli critici a metà traccia, con melodie che potrebbero far pensare all'urlo disperato di un uomo sull'orlo del baratro, quando, improvvisamente, dal nulla emergono suoni di speranza che cambiano drasticamente il mood della composizione, la quale si chiude con uno degli episodi più ottimisti dell'album.

Un altro interludio affascinante viene posto necessariamente come chill-out: Telepath richiama le sequenze numeriche di Gyroscope in un sound molto più disteso, onirico e fuori dal tempo.

Ma è pronta ad esplodere Cold Earth, tra gli episodi migliori di Tomorrow's Harvest, un brano coinvolgente e trainato dal ritmo serrato delle percussioni. Insieme a Reach for the Dead è il pezzo più orecchiabile e accessibile dell'album; un album che se si chiudesse qui meriterebbe il voto pieno.

Uso il condizionale, perché dopo questa prima parte intensa e irresistibile, i BoC si impantanano. Nella restante parte dell'album sono poche le tracce che reggono il confronto con le prime sei. Transmisiones Ferox, Sick Times e Collapse annoiano, bisogna aspettare Palace Posy, con il suo ritmo inedito e i synth imponenti affinché si risvegli un po' l'atmosfera di Tomorrow's Harvest. La seguente Split Your Infinities risulta troppo evanescente e suona come un interludio lievitato. Uritual, d'altro canto, è un altro intermezzo ben fatto e intrigante, che apre per Nothing is Real, la quale, a dispetto del titolo, è una nostalgica ballata elettronica dal sound ottimista.

La parte finale dell'album, seppur non ai livelli di quella iniziale, è comunque elettronica di altissimo livello. Sundown è un intermedio ambient dalle tonalità cupe, precede New Seeds, brano in cui il duo scozzese mette da parte il downtempo dominante in tutto il full-length, e che risulta coinvolgente già dal primo ascolto. Non sarà un “instant classic”, ma si mantiene nella media.

Tomorrow's Harvest si avvicina alla chiusura con Come to Dust, definita da Sandison un reprise di Reach for the Dead, altra traccia interessante in cui i synth disegnano belle melodie in un atmosfera che sembra segnare un nuovo inizio, la rinascita dopo la caduta. Ottimismo che però viene travolto dall'ultimo pezzo dell'album, Semena Mertvykh, alla lettera “I semi dei defunti”, in cui il duo si ispira deliberatamente ai lavori di Isham. Tomorrow's Harvest si chiude quindi con la composizione più cupa, triste e pessimista, imprimendo nella mente dell'ascoltatore uno scorcio di quelle che potrebbero essere le rovine di una civiltà distrutta da un'apocalisse.

Le prime volte che ascoltai i Boards of Canada, mi auto-imposi una regola ben precisa: non giudicare un loro pezzo prima di averlo ascoltato almeno una decine di volte. Le loro composizione sono spesso complesse e hanno bisogno di tempo per essere capite a apprezzate a pieno. Quest'album, tuttavia, smentisce questa mia regola: le tracce sono molto più immediate e orecchiabili. Tomorrow's Harvest ha tutte le carte in regale per diventare un classico del duo scozzese, un'ora di elettronica raffinata e intelligente; una finestra su un mondo post-apocalittico non molto lontano dal nostro da un punto di vista temporale. Di sicuro non musica per tutte le orecchie, ma, alla fine, meglio così.

Excavation

Matthias Stepancich — Fri, 27 Dec 2013 16:40:25 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Industrial

Etichetta:

Tri Angle

Anno:

2013

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Official Tumblr

Line-Up:

Design – DR.ME
Mastered By – Matt Colton
Music By [All Songs] – Bobby Krlic
Photography By – Cody Cobb

Tracklist:

1. Consumed - 1:40
2. Excavation (Part 1) - 8:09
3. Excavation (Part 2) - 4:13
4. Mara - 3:14
5. Miste - 5:38
6. The Mirror Reflecting (Part 1) - 3:10
7. The Mirror Reflecting (Part 2) - 7:07
8. Dieu - 5:12
9. The Drop - 12:56

Haxan Cloak, The

Excavation

Bobby Krlic, britannico dello Yorkshire trasferitosi a Londra, compone e registra musica sotto il moniker The Haxan Cloak.

Dopo un primo EP senza titolo/omonimo nel 2009, ancora acerbo, e il più interessante EP/singolo (a seconda delle catalogazioni) Observatory nel 2011, lavori che mostravano influenze dal minimalismo classico di Arvo Pärt e Terry Riley così come dall'industrial di scuola Throbbing Gristle e dal dark ambient della label Miasmah Records (in particolare i dischi usciti a nome Elegi, moniker del norvegese Tommy Jansen), si è fatto notare a livello internazionale con l'omonimo debutto full-length The Haxan Cloak (Aurora Borealis, 2011), un risultato che, sebbene non perfetto, resta impressionante per essere stato realizzato interamente da un giovane poco più che ventenne (Krlic è del 1988), e con il poco successivo EP "...The Men Parted the Sea to Devour the Water" (Latitudes, 2012), un'unica, e interessante, composizione lunga 27 minuti.

Il secondo full-length di Krlic, Excavation (Tri Angle, 2013), segna non solo l'approdo all'interessante label Tri Angle (che poco più tardi pubblica anche un altro dei migliori dischi dell'anno, Engravings, il debutto di Forest Swords, moniker di Matthew Barnes), ma anche un grandioso passo in avanti in maturità e stile.

Krlic gode evidentemente di un più alto budget, e lo usa non solo per pulire e perfezionare il proprio sound, ma anche per attuare un cambio di strumentazione (dando più spazio alla pura elettronica), e soprattutto per staccarsi dallo stile esplorato nei precedenti lavori. In una piuttosto rara ma azzeccatissima mossa, decide di allontanarsi dalla "vera" avanguardia in senso comunemente inteso, e dunque di trovare una maniera differente di sintetizzare le sue influenze finora più evidenti, ovvero il minimalismo classico di Part e Riley, la musique concrète, le tensioni più "modern classical" di Tommy Jansen (Elegi). Assimilando invece anche influenze più contemporanee, virando verso un utilizzo più moderno, mainstream e massiccio della strumentazione elettronica, decidendo di non dare ruoli da protagonista agli archi come in vari pezzi del passato, e anche di evitare gli sbalzi verso il noise, Krlic arriva così ad uno stile molto più personale e originale, che nel suo procedere per sottrazione invece che accumulo, e nel suo sound moderno, controllato e perfezionato, finisce per essere il suo lavoro in realtà più d'avanguardia nella sostanza.

Diversamente dal suo omonimo full-length di due anni prima, Excavation è anche un'opera molto più omogenea, unitaria e coesa, in cui i pezzi fluiscono l'uno nell'altro in maniera assolutamente riuscita e naturale.

Uno dei principali elementi del disco è la virata atmosferica, in modo più massiccio che in passato, verso territori spettrali e incogniti: Excavation è davvero uno dei pochi album ad essere effettivamente "spaventoso", nella sua capacità di suggestionare e richiamare atmosfere spettrali e oscure, da cinema e letteratura dell'orrore. Chiede quindi a gran voce di essere assimilato in condizioni che ne valorizzino tale aspetto: cuffie, solitudine completa, notte, buio o luci basse.

Altra novità per Krlic è l'affidarsi ad influenze da tendenze moderne come il dubstep, che probabilmente mutua dai connazionali, colleghi in quanto a genere e pari in abilità artistiche, Demdike Stare: si sente già dal "drop" abrasivo dell'intro Consumed, ma diventa evidente nel memorabile pattern ritmico aggressivo di Excavation (Part 2), e nei colpi di snare della spettrale Excavation (Part 1), evidentemente influenzata dal miglior Burial.
I droni industriali di Mara, e ancor di più la notturna The Mirror Reflecting (Part 1), riescono finalmente a portare ad un livello perfezionato e penetrante l'idea di ambient "fantasma" e impalpabile che Krlic aveva tentato agli esordi in pezzi meno riusciti (come The Splintered Mind).
Il campionamento vocale di Miste, e il suo sviluppo gorgogliante, sono il momento in cui Krlic guarda maggiormente alla musique concrète e all'industrial vecchia scuola, ma confermando stavolta la sua scelta di non eccedere mai, e non sforare nei territori del noise: il rumore è controllato, spinge continuamente per bucare la superficie, ma viene ricacciato nelle viscere.
Lo spirito fantascientifico, anche se in versione plumbea, è l'anima dell'album, e la fa da padrone nelle tensioni elettriche e nei colpi percussivi elettronici di Dieu.
L'eccellente The Mirror Reflecting (Part 2), uno dei vertici, richiama anche per qualche momento le parti di "...The Men Parted the Sea to Devour the Water" influenzate da Terry Riley, ma poi evolve in paesaggi ancora più minacciosi, dai quali riesce però ad emergere una melodia di tastiere elettroniche e lontani archi, quasi un richiamo all'umanità nel buio di una distopia industriale (in questo senso paragonabile nella sua funzione alla A Warm Place in The Downward Spiral).

Fino a questo punto, Excavation è "solo" un ottimo disco che porta avanti in modo brillante i discorsi dark ambient e drone, rinvigorendo in freschezza e modernità i loro canoni. Ma è la conclusiva traccia The Drop, nei suoi maestosi 13 minuti, a fargli oltrepassare la barriera, e renderlo un capolavoro.
Nella prima parte sfociano tutte le tensioni melodiche che venivano a galla in alcune delle migliori precedenti tracce, ovvero The Mirror Reflecting (Part 2) e, in modo sfumato, Excavation (Part 1), con un ipnotico e profondamente malinconico contrappunto di droni e note elettroniche che ricorda da vicino gli intrecci melodici tipici dei The Cure di Disintegration, ma riflessi in uno specchio deformante, raffreddati, e spinti verso il futurismo elettronico; con il passare del tempo, le melodie si sconnettono tra loro e prendono un'altra piega, mentre riverberi ed effetti digitali le spingono verso una dimensione "spaziale" e rarefatta, da 2001: A Space Odyssey; una pulsazione in sordina e l'arrivo di un tenue loop d'archi la porta in territori dark ambient alla Elegi, finché non cade in terreni ancora più oscuri quando arriva in primo piano un viscerale pattern ritmico di tre colpi di grancassa, che da qui in poi, sviluppandosi con alcune variazioni, e crescendo e diminuendo d'intensità, domina tutto il pezzo fino a chiuderlo, mentre i droni assumono sonorità post-industriali (senza mai diventare noise) e diventano sempre più angosciati ed ermetici, in una chiusura da "apocalisse minimalista" che richiama atmosfere come quelle di Sátántangó.

Se non siamo di fronte al miglior album mai prodotto nel genere dark ambient, poco ci manca. Excavation riesce a prendere spunti da una cronologia musicale vasta, che prende slancio dal minimalismo classico e dall'industrial vecchia scuola, dalla musique concrète a Lustmord, dalle evoluzioni autoriali del Trent Reznor di The Fragile alle malinconie del gothic rock, dal dubstep di Burial all'ambient sofisticato di Elegi e Demdike Stare, tenendone conto senza mai rivelarle del tutto, e sviluppando una formula stilistica personale in cui vengono completamente sciolte, restando presenti solo come eco, e fungendo da palco per un grande spettacolo di sonorità suggestive ed evocative.

First Chapter

Emanuele Pavia — Thu, 26 Dec 2013 22:39:41 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Etichetta:

Aagoo Records

Anno:

2013

Line-Up:

- Fernando Corona - Manipolazione dei suoni, synth, mix
- Philippe Petit - Voci, cimbalom, salterio elettrico, piano, turntables, vibrafono, synth, elettronica

Guests:
- Sarah Jouffroy - Voce mezzo-soprano (traccia 1)
- Gabriel Grosbard - Viola da gamba (traccia 2)

Tracklist:

1. The Call of Circè
2. Pegasus
3. The Summoning of the Kraken

Murcof & Philippe Petit

First Chapter

First Chapter segna la prima collaborazione su full-length tra Fernando Corona (aka Murcof, compositore messicano alle prese fin dai primi Noughties con le più disparate frange della musica techno, ambient e glitch) e Philippe Petit (polistrumentista francese, impegnato invece da qualche anno nell'ala più sperimentale della musica elettronica, tra dark ambient e drone), nonché uno dei più brillanti esempi di avanguardia del 2013.

In linea con lo stile esibito da Murcof in questi anni in lavori come Cosmos (2007), tra tenui acquerelli ambient contaminati da una sensibilità classica - seppur affrancandosi dagli elementi techno e glitch, qui trattati marginalmente -, First Chapter è un saggio di musica da camera per manipolazioni elettroniche e droni (a cura di Corona), che si dipana in tre composizioni che si pongono al crocevia tra dark ambient, kosmische Musik e musica contemporanea, tratteggiando una solenne colonna sonora per la mitologia greca e nordica. L'operazione attuata dai due compositori porta avanti un discorso che trova i propri precedenti tanto negli esperimenti di Elegi e Kreng editi dalla Miasmah, a cavallo tra le atmosfere notturne e soffuse della musica ambient, le forme della musica classica e l'austerità delle avanguardie del Novecento, quanto nei momenti più sperimentali dell'opera di The Haxan Cloak.

I tetri sibili con cui si apre la prima The Call of Circè (senza dubbio il capolavoro di tutto First Chapter) indulgono in un'atmosfera algida e rarefatta, squarciata lentamente dagli interventi gotici dell'organo e degli archi che conducono dapprima a un exploit di tragicità cameristica à la Nico, per poi dirigersi ai confini dello spazio siderale da cui la voce celestiale del mezzo soprano Sarah Jouffroy sembra provenire. Il suo canto viene continuamente spezzato, sommerso e filtrato dalle manipolazioni elettroniche di Corona, che monta diverse linee vocali contemporaneamente in arditi esperimenti polifonici dal sapore vagamente sacrale, mentre le tastiere e l'incessante tessuto di droni elettronici sottostante mantengono l'aria spettrale dell'overture. Petit e Murcof mostrano qui tutta la loro capacità come polistrumentista e architetto sonoro rispettivamente, allestendo un'orchestra che, in uno smembramento di dissonanze atonali, deflagrazioni ritmiche sempre più ossessive e figure minimaliste del piano e del vibrafono, accompagna il canto della Jouffroy e la conduce, tramite un crescendo mistico degno dell'Hosianna Mantra dei Popol Vuh, alla conclusione del pezzo in un amalgama asfissiante di voce (ormai ridotta a echi lontani persi nel cosmo), piano e droni elettronici, che si spegne infine nel vuoto.

Meno visionaria di The Call of Circè, la più breve (sette minuti) Pegasus è invece una composizione dissonante dai toni vagamente orientaleggianti per elettronica, viola da gamba (suonata da Gabriel Grosbard) e voci manipolate (questa volta ad opera di Philippe Petit), in cui Murcof e Petit tracciano un ponte ideale tra primitivismo esotico e fumosa dark ambient noir. La conclusiva The Summoning of the Kraken, infine, riporta il discorso di First Chapter sui livelli di The Call of Circè, con un altro, fulgido esempio di avanguardia post-classica (forse qui leggermente meno comunicativa e più arroccata nel versante più astratto e cerebrale della musica del duo) che questa volta assimila anche i battiti ritmici techno e i glitch di Murcof nel solito tessuto cameristico di droni, synth, salteri, cimbalom e manipolazioni elettroniche.

Nonostante i due pezzi conclusivi (comunque estremamente riusciti, in particolar modo The Summoning of the Kraken) appaiano quasi ridondanti dopo la magnifica esperienza di The Call of Circè, tutto First Chapter rappresenta un intelligentissimo esempio di capacità di declinare gli idiomi delle avanguardie della musica contemporanea tramite la sensibilità delle tendenze più disparate della musica elettronica. In particolar modo, è encomiabile l'abilità con cui Murcof e Petit intraprendono un'operazione tanto intellettuale riuscendo a rendere accessibile l'album tanto ai fan della prima, quanto della seconda: risultato tutt'altro che banale, visti i molteplici casi di "sperimentazione" analoghi che naufragano nell'anonimato ogni anno.

The Colonial Script

Emanuele Pavia — Thu, 15 Nov 2012 21:45:02 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Industrial

Etichetta:

Distraction

Anno:

2012

Line-Up:

- AJ Cookson
- Matthew Rozeik

Tracklist:

1. Imperial
2. Led to the Water
3. Endless Vertex
4. Wretched Hag
5. Arrows
6. Shadows of Reflections of Ghosts Past
7. Theme From Escape
8. Starbeast
9. Insecto!

Necro Deathmort

The Colonial Script

Il duo londinese Necro Deathmort (AJ Cookson e Matthew Rozeik) è riuscito ultimamente a farsi un nome tra i circuiti critici (in particolar modo quelli metal, ricevendo importanti riconoscimenti da magazine quali Terrorizer e Decibel) grazie alla pubblicazione di due tra i dischi più distruttivi di questi anni, vale a dire This Beat Is Necrotronic e, in maniera minore, Music of Bleak Origins, entrambi pubblicati per la Distraction rispettivamente nel 2009 e nel 2011: nonostante il moniker estremamente poco fantasioso, i Necro Deathmort propongono infatti un sorprendente connubio di drum & bass, dark ambient, drone music, industrial e EBM, memori tanto delle atrocità della musica di Foetus e degli Skinny Puppy quanto degli esperimenti che Kevin Martin intraprese con i suoi numerosi progetti sulla musica industriale negli anni Novanta.

Ed è sempre all'insegna di questa innovativa visione della musica industrial che viene pubblicato The Colonial Script (ancora una volta per la Distraction), il terzo capitolo della saga orrorifica firmata Necro Deathmort che non solo conferma le capacità finora dimostrate dal duo, ma che probabilmente ne rappresenta anche l'apice creativo per via di un raggio d'azione ben più ampio rispetto a quanto il gruppo abbia mai mostrato nei capitoli precedenti: per quanto i numeri drum & bass rimangano ancora un elemento fondamentale della loro musica, così come le atmosfere gelide e cupe continuino a dominarne le composizioni, i Necro Deathmort ora adottano maggiormente soluzioni elettroniche che tolgono l'egemonia alla sezioni ritmiche, decomponendole in astratti paesaggi sonori degni dei Dälek e in desolanti distese dark ambient sulla scia di Kreng ed Elegi, contemporaneamente portando in primo piano il ruolo delle chitarre che ora lambiscono territori industrial e drone doom metal (riportando alla mente alternativamente i Neurosis, i Sunn O))) e i Godflesh).
La musica di The Colonial Script si rivela così parente prossima delle sperimentazioni dei Techno Animal, di cui di fatto rappresenta un agghiacciante aggiornamento ai tempi dell'elettronica techno, dell'hip-hop e della dubstep.

L'album è aperto immediatamente da uno dei vertici del viaggio descritto dai Necro Deathmort, l'apocalittica Imperial, che si evolve da desolazioni drone/psichedeliche a ritmiche drum & bass prorompenti sormontate prima da droni cosmici e mesmerizzanti e infine da implosioni al limite del post-metal, in un improbabile ma riuscito incrocio tra i Pink Floyd più austeri di A Saucerful of Secrets, l'Amon Tobin di Out From Out Where e i Godflesh di Pure.
Sono questi ultimi (insieme a Neurosis e Sunn O)))) i numi tutelari del secondo pezzo Led to the Water, un pezzo drone-doom con impennate dissonanti e tessuti tra l'atmosferico e l'alienante che si intrecciano tra loro, celati dagli implacabili accordi di chitarra e dalle esplosioni vocali che bombardano il lento intercedere del brano, arenandosi infine in una lunga coda di giochi di distorsioni e di feedback. E mentre in Endless Vertex vengono recuperate le strutture EBM degli esordi, Wretched Hag raggiunge vertici di devastazione inediti con i suoi drone ambientali che sembrano riprendere al rallentatore una deflagrazione nel vuoto cosmico, prima di cimentarsi nel possente (ma sempre vagamente dissonante) industrial metal in stile Ministry di Arrows.
La successiva Shadows of Reflections of Ghosts Past è invece una elegia cosmica-ambientale che poco ha a che vedere con gli episodi alienanti della prima metà del disco, e pare invece un momento di quiete prima della tempesta decadente di Theme From Escape, che riparte dove Led to the Water si era conclusa, con un'introduzione elettronica in crescendo che spiana il terreno al fragore post-drone metal della seconda parte del brano.
L'esercizio più sperimentale del disco giunge però verso la conclusione dell'album con i sette minuti di Starbeast, che macina e ingloba per tutta la sua durata dissonanze spaziali, subdoli rumorismi galattici, minimalismo e droni opprimenti, in una delle versioni più glaciali e disturbanti della kosmische Musik, prima che l'opera si chiuda con il funereo sludge metal di Insecto!.
In assoluto il disco più ambizioso fra i tre finora pubblicati dai Necro Deathmort, The Colonial Script non solo ne rappresenta il culmine di efferatezza e mostruosità degli arrangiamenti, ma è anche uno degli album più importanti nel panorama industriale attuale, tra i pochissimi che si riveli effettivamente claustrofobico e catastrofico come i lavori cui visibilmente si ispira, senza però perdere di vista la sensibilità musicale odierna. Senza dubbio, tra le migliori uscite dell'anno.

Looping State of Mind

Gabriele Bartolini — Fri, 14 Oct 2011 18:52:19 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Etichetta:

Kompakt

Anno:

2011

Line-Up:

-Alex Willner - Produzione

Tracklist:

01. Is This Power
02. It’s Up There
03. Burned Out
04. Arpeggiated Love
05. Looping State of Mind
06. Then It’s White
07. Sweet Slow Baby

Field, The

Looping State of Mind

Looping State of Mind, terzo episodio per la favola The Field edito come di consueto per la Kompakt, oltre che un gradito ritorno rappresenta una svolta per il barbuto svedese, e forse anche per il mondo dell' elettronica in generale. Se infatti From Here We Go Sublime si era dimostrato un album profetico, oltre che leggendario, per i precisi dettami che seppe infondere nella musica techno, e Yesterday and Today il definitivo assestamento, una prova di forza sotto molti punti di vista, il nuovo disco cerca di installare questa consolidata dimensione nelle nuove incalzanti correnti monopolizzanti la musica odierna. Una utopia quella del signor Alex Willner quanto mai spiazzante, soprattutto se pensiamo alla piena situazione di stallo in cui sono coinvolti certi ambienti elettronici, che troverà una risposta definitiva solo col passare degli anni, quando potremo allora osservare se le teorie spericolate contenute nelle sole sette tracce di Looping State of Mind avranno imposto precise influenze.

Per adesso "accontentiamoci" di salutare l' opera come ennesima stupefacente prova di The Field, mai come adesso sbilanciato nel produrre una fascinosa arte protesa verso una forma di psichedelia, nel senso generale del termine, annichilente per proporzioni e contenuti. L' assottigliamento delle basi viene abbandonato in favore di una techno dal tiro maggiormente ambizioso che più volte deve essere fermata, limitata nell' ardore, perché davvero c'è il rischio di dilagare sul percorso di una forma precoce di deep house ( come vedremo ciò avverrà solamente in un caso), mentre ciò che per fortuna non viene a mancare è l' assetto ambient, un marchio di fabbrica consolidato. La vera sorpresa però è data dalle numerose deviazioni cui la musica di The Field verrà sottoposta: diverse componenti shoegaze e glo-fi avranno infatti il compito di intaccare le naturali leggi che fino ad ora avevano regolato il mondo di questo particolare artista, imponendo marce adesso meno eleganti e più accelerate, capaci di ritmiche fluttuanti ma al contempo maggiormente variegate ed interessanti. La sobrietà si sacrifica per fare spazio ad ulteriori tecnicismi, ma in ogni caso stupisce la capacità di sapersi accostare a generi che fino ad ora sembravano lontani anni luce dagli stilemi della club music; avvicinamento che per di più avviene con grande facilità e cinismo, capace non solo per questo di consegnare a Looping State of Mind l' etichetta di disco più eclettico del duemilaundici. Come i suoi predecessori viene recuperato l' ipnotismo cerebrale, definibile ancora mediante i tipici cicli continui - detti appunto Loop - da cui il disco prende il nome, ma se una volta la suddetta caratteristica sarebbe risultata efficace per descrivere un disco di The Field, adesso ci perderemmo tutta quella giostra di omaggi a gruppi più o meno consacrati.

Al solito però più delle parole contano i fatti, e l' incipit dell' album può costituire un chiaro esempio della visione artistica con cui stiamo avendo a che fare: Is This Power è un brano turgido e potente, figlio della musica minimalista ma capace soprattutto di omaggiare nella prima parte Detroit ( con qualche rimodellamento delle imperfezioni) e dintorni, per poi lasciarsi andare con un accenno di dance, dal piglio sicuramente istintivo quanto caciarone. Subito dopo parte It's Up There, la dimostrazione di quanto Alex Willner sia ancora voglioso di sperimentare il suo credo su piste diverse. La melodia è spietatamente indirizzata verso la house, ma è grazie a dei particolari esotismi ed ai rimandi alla funky music che il tutto non si trasforma in un anthem possente, e quindi in qualcosa che non appartiene al minimalismo di The Field, mentre sono da segnalare alcune linee marcatamente post-punk. Grandi meriti sono invece riposti nella successiva Burned Out, primo vero riferimento all' elettronica di Washed Out ed allo shoegaze di How To Dress Well: l' immaginifico risultato è impresso nei sette minuti della traccia, che condensa amabilmente una voce da crooner, simile al genietto indie James Blake, con i lineamenti cupi ed ambient della musica. Paragoni ambigui? Niente affatto. Bisogna infatti tenere presente che Looping State of Mind è il primo della serie ad abbracciare piste convenzionalmente più solcate dalla massa, nonché episodio dotato di una maggiore facilità di alternanza negli stili; in questo caso ci siamo infatti spostati su quella new wave improntata su un pop-rock d' effetto abusata in questo periodo da tanti. Per fortuna però che il disco non è composto solo da nuovi ritmi: Arpeggiated Love richiama molti dei temi portanti di Here We Go Sublime, installando lungo i ben dieci minuti di cui è composta evidenti sample di origine soul su di un tessuto minimal techno languido e soffice, mentre la title-track devia il precedente pop succulento per inoltrarsi sulla deep house, anteponendosi persino come la traccia più segnata dallo sballo elettrico del kraut. Then It's White si supera, riuscendo ad abbagliare l' ascoltatore per l' inserimento della classica su basi preparate. Ad essere precisi, per le intense atmosfere ed una certa cupezza islandese dovremo parlare di neo-classica, ma in ogni caso di questo mondo percepiamo solo il pianoforte, mentre tutto il resto è dovuto al tipico afflato delle composizioni di The Field: etichette a parte, il brano, seppur dotato di una certa staticità contro corrente al dettato di Looping State of Mind, è sicuramente uno dei più efficaci. La chiusura è invece destinata alla straniante Sweet Slow Baby, che nulla aggiunge all' opera se non un' altra massiccia dose di schemi ripetitivi, a cui va aggiunta in questo caso forse fin troppa leziosità.

Lungo lo spazio della presente recensione mi sono occupato spesso di paragonare Looping State of Mind con gli altri due episodi discografici, ma ciò che differenzia nettamente le altre uscite da questa è in particolar modo la voglia di cambiare, osare, di Alex Willner. Se con l' uscita di Yesterday and Today si aveva la necessità di rimarcare, sottolineare, una propria cifra stilistica, adesso fortunatamente la musica di The Field non si accontenta di ripetere la lezioncina a memoria, sfornando un disco bulimicamente variegato, dove ci si può aspettare di tutto e di più ed in cui appare impossibile delineare un suono chiaro da cui il tutto si svolge. Certo, molti temi minimali svolgono ancora alla perfezione il loro sporco lavoro, ma anche laddove le esecuzioni si strutturano diversamente non si assiste ad un calo ispirativo, anzi. Come dicevamo in apertura, difficile pronosticare fin da subito il ruolo ( più o meno importante) che l' opera svolgerà all' interno del mondo elettronico, in ogni caso non è da escludere che tale sfrontatezza non possa ripercuotersi positivamente sulla piattezza cronica dei nostri giorni. Speriamo bene.

The Haxan Cloak

Paolo Bellipanni — Thu, 07 Jul 2011 17:32:59 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Etichetta:

Aurora Borealis

Anno:

2011

Line-Up:

- Bobby Krlic - musiche, violino, programming, percussioni, pianoforte

Tracklist:

1. Raven's Lament
2. An Archaic Device
3. Burning Torches of Despair
4. Disorder
5. The Fall
6. The Growing
7. In Memoriam
8. Parting Chant

Haxan Cloak, The

The Haxan Cloak

I sentieri, infiniti, della perdizione interiore. A nome The Haxan Cloak, prende vita una delle profezie musicali più inquietanti degli ultimi anni. A farla riemergere dal sottosuolo sono violini trasfigurati, ritmi ancestrali, rumorismi elettronici e drone provenienti da un mondo in cui è difficile separare il valore della vita da quello della morte. Bobby Krlic, giovane deus ex-machina del progetto, fino a poco tempo fa sconosciuto home made musician residente a Londra, appare ormai come uno dei profeti più visionari dell'underground europeo. La sua prima fatica, quasi ad enfatizzarne il valore, porta il nome del suo neonato progetto solista. Una danza macabra tra il mondo dei vivi e quello dei morti, tra la superficie terrestre e le catacombe, traduce in musica delle visioni musicali maledette in cui il confine tra realtà e incubi notturni si assottiglia fino a scomparire del tutto. Il viaggio sperimentale di Krlic, per quanto farà la solita eccessiva fatica per emergere, è destinato a rimanere immortalato nella memoria dell'avanguardia musicale moderna come una stele piovuta dal cielo, indecifrabile e misteriosa.

Nei suoi otto frammenti strumentali, The Haxan Cloak stravolge splendidamente i canoni dell'avanguardia contemporanea, costruendo passo dopo passo un altare monumentale all'inquietudine e al lamento universale. E' proprio un lamento, infatti, ad aprire le fauci del disco e a farne disperdere nell'aria il malessere di cui è impregnato: è Raven's Lament, pacata ma alienante, sorretta da una marcia di violoncelli, xilofoni e musique concrete che, con fare enigmatico, apre i cancelli di The Haxan Cloak. Sentori e premonizioni strumentali che An Archaic Device prima irriggidisce e che Burning Torches of Despair (tra i momenti più visionari dell'album) fa infine letteralmente esplodere, aprendosi in un enigmatico drone violoncellistico-elettronico.

Gli archi, sfigurati e sradicati dal loro contesto strumentale originario, assumono le sembianze di una fitta coltre di nebbia e tenebre che oscilla, si sposta lentamente, oscurando il cielo nella sua infinità . Quando poi è il turno della suite Disorder, The Haxan Cloak sprofonda nel suo nero più denso e mistico: undici minuti di violini laceranti, drone e atmosfere opprimenti che paralizzano, graffiano, scuotono. Poi, come un richiamo evangelico, appare il gioiello The Fall, commovente litania di voci angeliche e violoncello che pare prendere The Haxan Cloak ed elevarlo verso uno stato di preghiera assoluto e finora sconosciuto. Ma nell'immaginario dell'album, di redenzione e salvezza per le anime umane non c'è la minima traccia. Dopo un'improvvisa sospensione spirituale, si sprofonda nuovamente nel vuoto: è The Growing, agghiacciante esperimento ambient-elettronico in cui Krlic continua a dimostrare la propria maturità compositiva e la validità delle proprie intuizioni. Quasi ulveriana per il taglio gelido e metropolitano, The Growing è la Perdition City del musicista londinese, il suo sussulto più freddo e disincantato. Quando poi Parting Chant viene chiamata a chiudere la litania di Krlic, The Haxan Cloak si trasforma in una cerimonia decadente totale: voci fantasmagoriche, rintocchi metallici, sottofondi rumoristici da cui emergono lentamente violini danzanti. Se la morte avesse un tema che la rendesse riconoscibile, allora si tratterebbe proprio della perla conclusiva di questo disco irreale.

The Haxan Cloak è un abisso visionario che viaggia dritto e a fari spenti tra i drones "neoclassici" degli ultimi Sunn O))), decostruzioni cameristiche krengiane, ambientazioni gotiche e cornici elettroniche antartiche, rielaborando il tutto con impressionante maturità compositiva. Freddo e maledetto, scritto con l'inchiostro più nero e denso che esista, The Haxan Cloak è un viaggio nei cunicoli più bui e nascosti dell'anima umana, proprio lì dove si annida il terrore più ancestrale, lì dove esplodono silenziosamente la tensione interiore più primitiva e lo smarrimento emotivo più profondo.

Alchemic Heart

Paolo Bellipanni — Tue, 05 Jul 2011 12:35:46 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Etichetta:

Important Records

Anno:

2011

Line-Up:

- Vampillia - voci, archi, pianoforte
- Jarboe - voce
- Merzbow - programming, noise

Tracklist:

1. Sea (24:43)
2. Land (24:36)

Vampillia

Alchemic Heart

Un’orchestra di musicisti insani, vestiti come manichini al di là di qualunque immaginazione estetica. Sono tanti, brutti, geniali. E, guarda un pò, giapponesi. I Vampillia, denominati The Brutal Orchestra, hanno recentemente sperimentato un delirante mix di noise, pop, metal, sonorità orchestrali e distensioni elettroniche, diventando immediatamente uno dei gruppi maggiormente in risalto del panorama sperimentale del Sol Levante. Al contrario di molti altri progetti connazionali, però, l’approdo dei Vampillia nel mercato e nell’underground europeo e americano stenta ancora a decollare. Di sicuro, Alchemic Heart non è un disco semplice e diretto ma – anche se saranno in pochi a seguire il consiglio – è destinato a rimanere come una delle creazioni musicali più affascinanti e coinvolgenti degli ultimi anni. A testimoniarlo, quasi come una sorta di garanzia sulla qualità del prodotto, ecco la simultanea presenza di Jarboe e Merzbow, due mostri sacri chiamati a far valere la propria auta sotterranea e malata in un disegno musicale votato ad un ideale globale, in perenne divenire.

Suddiviso in due sole, lunghissime tracce, Alchemic Heart è un album come non se ne sentivano da veramente molto, troppo tempo. Provvisoriamente messe da parte le schizofrenie (avant-) orchestrali, il progetto nipponico si concentra nella folle rappresentazione di un mondo sonoro scomparso e remoto. Il microcosmo delle più tragiche emozioni umane nel macrocosmo dell’anelito cosmico: in Alchemic Heart grande e piccolo si uniscono così come il sublime e l’intimo, il rumoroso e il soave, l’epico e lo straziante.

Sea, il primo capitolo del disco, si apre come un vero e proprio incantesimo atmosferico. Jarboe, non chiamata nel progetto per le sue sconvolgenti litanie vocali, stende la propria voce narrante lungo un sottile tappeto di archi. Le sue parole si affacciano sulla solitudine, la perdita e l’abbandono mentre, dietro di essa, il magma dei Vampillia comincia lentamente a muoversi. Gli archi crescono, i respiri di Jarboe anche, eppure tutto è ancora avvolto in una dolcezza atmosferico-melodica inaspettata. Quando i violini cessano il loro moto, è un pianoforte isolato a condurre silenziosamente le trame della suite. Dopodichè, l'improvvisa risalita del sublime. Lente e pesanti come macigni, le chitarre distorte dei Vampillia fanno il loro ingresso, dipanandosi in un divenire melodico straziante, che nei restanti dieci minuti di Sea raccoglie al proprio interno nuove ascese violinistiche e sconvolgenti intrecci di voci operistiche. Poi, di nuovo il silenzio, con un timido pianoforte e la voce di Jarboe, rotta e vibrante.

Se Sea era un progredire musicale dettato da una crescita sinuosa e (quasi) naturalistica, Land è la sua traduzione in un ambiente diverso, più caotico e contratto. L’apertura atmosferica del mare scompare per far posto alla catarsi psichedelico-rumoristica della terraferma e della città contemporanea. I violini ritornano ma sembrano danzare come api inquiete in un cielo trafficato di noise e pubblicità elettroniche. Eppure, ancora una volta, tutto sembra così illusorio e dolce. I sottofondi rumoristici di Merzbow crescono man mano d’intensità, inglobando al proprio interno tutto ciò che trovano davanti. Stridii e lamenti informatici che solo la dolcezza del pianoforte e degli archi sono in grado di mettere a tacere per qualche secondo. Una pausa ambientale di qualche minuto, suoni pacati e la testa che vaga senza meta in un limbo improvvisato tra il caos dell’uomo moderno. La città della tragedia tecnologica - com’era da aspettarsi - viene però rievocata, e le sue sembianze sono ancora più epiche e travolgenti. Supportati dalle lacerazioni elettroniche di Merzbow, i drone chitarristici dei Vampillia si caricano di tenebre e di un’atmosfericità avvolgente: una cavalcata di distorsioni, noise, voci liriche, archi e pianoforti che si stende in tredici minuti di pura catarsi emotiva.

Alchemic Heart è un’opera di una forza drammatica semplicemente sconvolgente, come un melodramma seicentesco intervallato da momenti di teatro dell’assurdo, di cinema espressionista e di pittura astratta. Quella dei Vampillia è un’ascesa trascendentale e disperata verso un Dio che non c’è, ed è per questo che il senso di elevazione evocato dalle musiche del disco è perennemente accompagnato da un senso di vertigine assoluta, come se ci fossero gli artigli dell’abisso a conficcarsi in questo costante, commovente movimento verso l’alto.

Il Montaggio Delle Attrazioni

Giulio Magliulo — Fri, 06 May 2011 16:28:42 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Etichetta:

Tannen Records

Anno:

2011

Line-Up:

Cabeki: banjo, harmonium, chitarra acustica, chitarra elettrica, chitarra lapsteel, ukelin, autoharp, bellharp, kalimba zucca, piano rhodes, cumbus, bouzouki, mandriola, optic nerve, delay digitale rotto, siel opera 6, organetto, batteria elettronica, percussioni e oggetti.

Tracklist:

1. Finchè L'Ombra Rotola

2. Con La Strada

3. Polvere Di Carta

4. Nelle Tasche Rotte

5. I Suoi Occhi

6. Alla Luce Verde Dei Neon

7. Risveglio

8. Tokio New Orleans

9. In Una Notte

10. La Distanza

11. Di Una Tregua

Cabeki

Il Montaggio Delle Attrazioni

Cabeki è uno dei progetti del compositore e polistrumentista veronese Andrea Faccioli e se da un lato sarebbe più corretto catalogare questo lavoro come avantgarde, dall'altro siamo altrettanto sicuri che esso incontrerà maggiormente i favori di un pubblico ambient; sempre che al termine 'ambient' non si voglia necessariamente associare una algida quanto intangibile tappezzeria sonora o - nelle sue derive più etniche - un immaginario terzomondista spietatamente elaborato da saccenti e spocchiosi intelletti schiavi di dancefloor colonialisti o di registrazioni nella natura alle sei del mattino.

Il bello di questo disco è una spontanea mancanza di confini reali o la sua agilità nel dribblarli in una rappresentazione che è tipica dei processi di sonorizzazione di films ed opere teatrali. Il Montaggio delle Attrazioni è infatti un saggio/teoria di Ejzenstejn e probabilmente l'ispirazione per questo disco è venuta dalla quella lettura, poichè proprio nell' avvicinamento di elementi apparentemente distanti ne vien fuori, rafforzato, una sorta di concept.

Cosa che puntualmente attua Andrea Faccioli nell'accostare strumenti ed ambientazioni lontanissime tra di loro e restituire un prodotto finale quanto mai coeso e compatto, tipico ed unico nella sua sostanza.

La componente minimalista, modello base per i compositori contemporanei, viene qui diluita in musiche tradizionali dell'est non solo europeo, in malinconici languori vaudevilliani pre-war ed una fascinazione per certe atmosfere in cui spesso sono immersi anche artisti quali Calexico, Ry Cooder o Bill Frisell.

Quest'esperienza prende forma naturalmente anche dai pregressi di Faccioli che immerge in un brodo di ingenuo incanto fanciullesco le sue acquisizioni tecniche mutuate dalle più diverse fonti: quella dell'amico Xabier Iriondo ad esempio, costruttore di strumenti a cavallo tra nuovo ed antico, elettrico ed acustico (nonchè ex-Afterhours, collaboratore con Zu e Damo Suzuki Network) con cui il nostro condivide la ricerca, la creazione artigianale e l'utilizzo di magici strumenti giocattolo d'inizio secolo scorso (all'epoca venduti porta a porta grazie alla loro meccanica elementare quanto geniale se paragonata a certi utilizzi ottusi del moderno digitale, che non avevano bisogno di esser suonati con profonde cognizioni di musica in quantochè le note erano scritte in prossimità del tasto o della corda e semplici poichè essenzialmente diatonici) o quella di Tony Conrad dei Faust, del cui kraut-rock Cabeki filtra qui il suo elisir più celeste (ed in parte anche la spinta motorik, presente all'inizio di Tokio New Orleans), ed infine i suoi progetti con Å (su label Die Schactel, la stessa dei 3/4 Had Been Eliminated di Stefano Pilìa), mix di impro, kraut ed elettronica.

Un background tipicamente indie e sperimentale quindi, ma che non ha impedito di guardare verso panorami meno ostici e più godibili, pieni di chitarre acustiche, elettriche e lapsteel che disegnano tramonti desertici e malinconici un attimo prima della fiesta, un attimo prima di esplodere in bagliori da Sol Levante (Finchè L'Ombra Rotola), di un banjo arlecchino che gioca a nascondino (Con La Strada), della slide più concreta e divertente che si sia mai ascoltata (Polvere di Carta), di smarrimenti geografico-sensoriali che fondono il sud-est asiatico al sud degli Stati Uniti, che confondono il set di Milagro Beanfield War con quello di The Proposition, che rievocano, come in Alla Luce Verde Dei Neon, la magniloquenza di un'intera orchestra morriconiana in un semplice fischiettare.

Tunnel Blanket

Gioele Nasi — Tue, 12 Apr 2011 20:33:39 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Post Rock

Etichetta:

Suicide Squeeze Records

Anno:

2011

Line-Up:

- Chris King - guitar
- Donovan Jones - bass guitar, keyboard
- Jeremy Galindo - guitar
- Alex Bhore - drums

Tracklist:

1. Little Smoke
2. Glass Realms
3. Communal Blood
4. Reprise
5. Killed the Lord, Left for the New World
6. Osario
7. Black Dunes
8. Hand Powdered

This Will Destroy You

Tunnel Blanket

Nell'ultimo decennio il post rock è piombato in una condizione di stallo, preso in due differenti maniere: da chi lo ritiene ormai stereotipato, manierista e abusato, soprattutto da tanti gruppi di "emuli" che non fanno altro che riciclare gli stilemi di importanti punti di riferimenti; e chi lo ritiene una forma musicale che ha raggiunto la propria condizione ideale e prosegue naturalmente in questa direzione.
Ormai è chiaro che i This Will Destroy You lo sanno bene e, consci delle limitazioni a cui possono andare incontro permanendo negli ambiti di una minestra ormai riscaldata innumerevoli volte da troppi gruppi che non fanno altro che dire la stessa cosa, decidono di cambiare.

In Tunnel Blanket non troverete molto della formula preconfezionata consistente nella ripetizione del solito stereotipo in crescendo con arpeggi malinconici di contorno e climax emotivi distorti, gli americani invece fondono il loro retaggio di base con forti influenze derivanti dal drone-ambient e un pizzico di oniricità introspettiva che ricollega idealmente la lezione (spesso dimenticata negli anni) che fu dei Bark Psychosis e gli Anoice - spogliati però della parte orchestrata.

Intendiamoci, di base continuiamo a incontrare lo schema soft/loud tipico, come appare nella lunga iniziale Little Smoke; ma i tenui giri di note malinconiche e dolcemente cullanti, come da colonna sonora in una giornata piovigginosa, lasciano poi spazio ad un continuo stratificarsi di chitarroni distorti brucianti in modalità in reverse, opprimenti, angoscianti. La lunghezza del brano non è tanto per ripetitività, quanto per dilatazione degli strumenti, prolungati di modo da intensificare l'effetto da tappeto sonoro continuo di sottofondo.
Così, su questa filosofia, prosegue Glass Realms, un ambient etereo e spettrale, che ha nella coda finale il momento di maggior tensione, dove l'angoscia della società post-industriale viene filtrata dal senso di smarrimento che può incutere il fantastico, o l'ignoto.
Communal Blood inizia con riverberi sonori malinconici accompagnati da leggeri tocchi di piatti jazzy. L'atmosfera si mantiene soffusa prima di un improvviso crescendo emotivo di chitarre distorte in lontananza, che fondono la tradizione degli Explosions in the Sky a cupi droni chitarristici. Le percussioni si fanno lentamente più lente, fino a quando non c'è un'esplosione noisy, come da consuetudine. Infine, la coda di chiusura, con melodie arpeggiate e riverberate accompagnate da una batteria via via più frenetica.
Reprise è un altro brano ambient, abbastanza monotono; ma più che altro la situazione fino ad ora sembra indicare un crocevia fra il passato del gruppo e la strada esplorata cpm l'ultimo EP Moving on the Edge of Things.
Killed the Lord, Left for the New World prosegue fino a metà traccia come una placida nenia ambient con qualche spunto acustico, salvo poi lasciar maggior spazio a percussioni marziali e chitarre classiche alle quali segue poi un muro sonoro onirico, che poi sfocia nella breve (e tutto sommato trascurabile se non per qualche campionamento industrialoide) Ontario.
Ancora Black Dunes inizia in maniera leggerissima, quasi impercettibile, con un velato riverbero chitarristico accompagnato da una batteria minimalista. D'improvviso una cupa e profonda esplosione distorta urla il suo feedback quasi a la Sunn O))).
Infine abbiamo Hand Powdered, lenta e progressiva conclusione ambientale, sulla quale non c'è altro da aggiungere.

L'album si mantiene fedele a determinati dettami stilistici di base presentandone un'interpretazione formalmente perfetta, ma cambia il linguaggio con cui li si esprime, diretta conseguenza del differente scopo ricercato nelle composizioni (una musica ancora più intimista, a suo modo "impressionista" e più pensante).
Il risultato è un misto fra soundscapes ambientali e un rock strumentale fortemente atmosferico e cinematico, dalle tinte a tratti piacevolmente noir, che ricrea scenari suggestivi in cui convivono brucianti droni chitarristici noisy e la delicatezza tipica dei gruppi più evocativi ed eterei.

Tunnel Blanket è la risposta a tutti quei gruppi che non fanno altro che riciclare il sound tipico di EitS e Mogwai, quest'album è, concettualmente, ciò che il post rock dovrebbe essere.

I Cormorani

Giulio Magliulo — Fri, 05 May 2017 05:53:44 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Rock

Etichetta:

Dunque - Superbudda

Anno:

2016

Line-Up:

Paolo Spaccamonti: electric guitar, mandocaster, fx
Ramon Moro: trumpet, flugelhorn, fx
Gup Alcaro: live electronics

Tracklist:

So Far
Il ritorno
Guerra di bande
Matteo
Passage
Malesia
Sotterranei
Sam
I cormorani
End

Paolo Spaccamonti & Ramon Moro

I Cormorani

Paolo Spaccamonti è uno di quei musicisti che attraverso una narrazione per immagini travalica i generi pur adattandosi ai contesti in cui si cala, in questo caso la colonna sonora del film I Cormorani di Fabio Bobbio del dicembre del 2016, vincitore di diversi ed importanti premi.
La soundtrack vede protagonista insieme a Spaccamonti anche Ramon Moro, trombettista di confine, membro di 3quietmen e collaboratore con tanti nomi dalle diverse scene underground.

I Cormorani presenta un set di sonorità desertiche e dilatate, oniriche, talvolta tese, affini a certi lavori di Woody Jackson, degli Earth e vicine alla drone music più ambientale così come ai paesaggi alla Jon Hassel; musica che pur realizzata assecondando un concept ben preciso, lo trascende e se ne libera per andare ad arricchire il patrimonio dell'immaginario individuale di chiunque voglia fruirne.

Scartati ed Emarginati

Giulio Magliulo — Sat, 01 Apr 2017 15:34:51 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Noise

Etichetta:

Autoprod.

Anno:

2017

Line-Up:

Enrico Carrino: Pedal, Electric and Acoustic Guitar

Tracklist:

Battipaglia
Caos
[12h]400x12x7x4x12
Clochard
Deep Resion

Brucianuvole

Scartati ed Emarginati

Brucianuvole è il nuovo monicker sotto cui opera Enrico Carrino e immaginiamo che dopo Ame, Ame Pantin o altri lavori usciti a suo nome, esso non sarà neanche l'ultimo.

Che l'artista non amasse farsi ingabbiare in generi predefiniti lo si era già compreso dalla natura multiforme dei suoi precedenti lavori.
Questo nuovo corso vede Enrico alle prese anche con lavori visual che altro non sono che il continuum della sua poetica musicale e che affiancano la sua esperienza a quella di artisti contemporanei che dalla glitch-art arrivano fino alle suggestioni di un Damien Hirst o di un David Lynch.

I sentimenti che affiorano dai prodotti di Brucianuvole, qualunque essi siano, riconducono sempre ad una sorta di solitudine. I linguaggi musicali utilizzati stavolta sono il noise e che sia harsh o ambient poco conta, tutto è declinato verso la descrizione di un universo che ne intuisce la sua profondità quanto la sua limitatezza.
Resta la genuinutà di fondo della dimensione homemade. In un contesto più ampio queste dinamiche e queste motivazioni hanno creato carriere e movimenti. Brucianuvole appartiene a quella scuola di pensiero per cui l'arte è sofferenza.

Se nei lavori precedenti c'erano dei moti di apertura seppure critici e polemici verso la società, adesso l'artista sembra concentrato più su sé stesso e sul suo mondo interiore, i suoni ridotti all'osso, scarni, scheletrici. Il punto di osservazione sembra quello di un insetto, in una sorta di autismo dell'anima e Deep-Resion ne è il suo manifesto così come fields recording, riverberi, drone e feedback i colori della sua tavolozza, rigorosamente do it yourself.

Stima dunque di fronte a tanta fierezza e volontà, ma attenzione a non trasformare questa presunta libertà espressiva in una nuova gabbia dalle pareti ancor più anguste e pericolose proprio perchè invisibili.

The Eyes

Giulio Magliulo — Wed, 02 Sep 2015 18:17:08 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Etichetta:

BaconAnDecks

Anno:

2015

Line-Up:

Stefano Castagna - Tavola di Flos, Monotron, Memory Pipe, Effects

Luca Formentini - Tavola di Flos, Guitar, Real Time Sound-Processing

Stefano Moretti – Electronic Production

Additional Musician:

Laurie Amat – Vocals on “Finger in the Water”

Marta Camisani – Acoustic piano on “On my Toys”, “The End of the Eyes”

Tracklist:

Gullwing 06:49

On my Toys 04:33

Finger in the Water 06:20

Try Doing 06:24

Walking Behind Someone in a Dream 04:05

The End of the Eyes 03:46

SenderFlos

The Eyes

Il progetto SenderFlos vede come attori i Flos - duo composto dal sound engineer Stefano Castagna e dal guitar user Luca Formentini – e Sender, al secolo Stefano Moretti, producer e musicista.
Le carte gettate in tavola sono invece l'elettronica, la sperimentazione elettroacustica ma soprattutto l'improvvisazione, motore che avvia la macchina della più pura esplorazione e che permette scoperte e rivelazioni.

Il volto umano di un'opera quale The Eyes rispetto ad altri lavori di genere è proprio dato dall'elemento impro che a sentire gli stessi autori può anche generare errori che - se accettati – ne costituiscono la sua unicità.
Se trattare materia ignota e percorrere sentieri indefinibili a priori genera sovente produzioni sfilacciate e liquide, The Eyes presenta un programma vitale ed emozionale, fatto di musica organica e materica.

Del resto i nostri già hanno evidenziato in esperienze precedenti un'attenzione all'essenza del suono attraverso contesti vicini al field recording o comunque volti alla valorizzazione di suoni acustici naturali, senza però mai trascurare il digital processing o le pratiche del looping, fasi fondamentali e in cui Sender, diviso tra varie label sia in Italia che Berlino, e quindi più addentro alla scena elettronica underground, ha dato il suo importante contributo.

Si respira mistero e oscurità pur restando lontani dalla fascinazione per l'ambient isolazionista nordeuropea; quasi psicomagici i passaggi quali Finger In The Water, con Laurie Amat alle vocals.
Ma c'è anche la meccanicità piegata alle più spontanee istanze glitch-ambientali in zona Fennesz in Try Doing e l'onirico incedere rituale di Walking Behind Someone In A Dream.

Lavoro ostico solo ad un primo ascolto, fintanto che - con la giusta attenzione - non ci si immerge nel flusso.

Does It Look Like I'm Here

Giulio Magliulo — Sat, 20 Jun 2015 15:12:38 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Etichetta:

Mego

Anno:

2010

Line-Up:

John Elliott – tastiere, synth
Steve Hauschildt – tastiere, synth
Mark McGuire - chitarre

Tracklist:

Candy Shoppe 4:45
The Cycle Of Abuse 4:59
Double Helix 3:03
Science Center 4:39
Genetic 12:08
Goes By 4:11
Does It Look Like I'm Here? 7:29
Summerdata 4:49
Shade 4:27
It Doesn't Arrive 3:35
Now You See Me 3:40
Access Granted 4:04

Emeralds

Does It Look Like I'm Here

Se c'è un gruppo che ha destabilizzato - attirando per questo anche qualche critica – chi ama racchiudere la musica negli angusti steccati dei generi, esso risponde al nome di Emeralds.
E proprio un percorso galattico di smeraldi luccicanti e meravigliosi è quello in cui ci accompagna il trio di Cleveland, John Elliott e Steve Hauschildt a synth e tastiere e Mark McGuire alle chitarre.

Già un indizio dunque, ben chiaro: questa musica ha una qualità che non è sbagliato definire 'cosmica'.

Certamente questa attitudine profondamente visionaria non ha influenzato e quindi determinato la genesi di un album passatista facilmente etichettabile sotto la voce kosmische, neo-kraut o cose simili, ma d'altro canto neanche si può negare una comunanza con quella scena storica che non è di suono, né tantomeno ideologica, bensì di 'effetto', di resa finale.
D'altronde perché mai il trio avrebbe dovuto prodursi in operazioni del genere quando fino a quel momento i suoi componenti hanno alacremente lavorato in produzioni ulltraundergrond e sperimentali contese tra drone music, synth-culture ed elettronica a bassa intensità?

Does It Look Like I'm Here agisce quindi - senza porsi il problema di volerlo - come un ponte temporale in cui gli spazi ignoti e sconfinati dell'universo vengono ridimensionati nei circuiti analogici di un sound-system non necessariamente pregiato e poi ripresi in chiave minimalista, moderna ed in un certo senso anche intima e lo-fi.
Saranno didascalici gli Emeralds in Candy Shoppe, ma non è proprio una colonna sonora a base di bolle gassose e colorate quella che ci aspetteremmo di sentire in un negozio di caramelle? E non è un territorio immaginifico tra la IDM più eterea dei Boards Of Canada e le distese partiture chitarristiche alla Mike Oldfield quello attraversato in The Cycle Of Abuse? Non c'è qualcosa dei Tortoise (anche loro spesso chiamati in causa, soprattutto all'inizio della loro carriera quando si parlava di neo-kraut) in Double Helix, oscura visione retrofuturista?
Da queste direttrici si può imbastire la trama dell'intero album, ritornando alle idee del già citato chitarrista di Reading preso tra i flutti in Genetic o a quella di un connubio felice tra computer music vintage oriented, drones e synth-culture della titletrack.
Un disco del 2010 questo che ha indicato una nuova via non ancora del tutto esplorata, agitata da uno spirito freak, sedata da pulsioni ambient e new age ma rigorosa nell'organizzare il suono nel suo spazio sospeso, impossibile, immaginario.

Ones and Zeros Reloaded

Giulio Magliulo — Thu, 06 Nov 2014 21:18:46 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere: