Indie Rock

S/T

Giulio Magliulo — Sun, 29 Oct 2017 07:23:14 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Alternative Rock

Indie Rock

Emo Rock

Etichetta:

More Letters Records

Anno:

2017

Line-Up:

Federico Montevecchi (chitarra e voce)
Edoardo Nanni (batteria)
Iacopo Bianchi (basso e voce)

Tracklist:

01. The Matter With You
02. Robert Goes Too Fast
03. Twenty-four
04. Anna And I
05. Sleepwalker
06. Frail

Mt. Zuma

S/T

Forse non ci si riconcilia con il mondo ma almeno un po' con certi ascolti dei primi novanta sicuramente sì.

Mt. Zuma è sana attitudine emo/college rock con l'icona Bob Mould nel cuore. Trait d'union tra Buffalo Tom e Hüsker Dü. Possibili commissionati da Lou Barlow

http://newcialisonline.net/

se un giorno quest'ultimo dovesse perdere l'ispirazione. Qualcuno ha anche detto Guided By Voices. L'epica dei bostoniani capitanati da Bill Janovitz con delle chiuse coideiniane a graffiare l'anima.

Questo e.p. omonimo del trio bolognese è uscito in cassetta (yeah!!!) e in streaming per More Letters Record; ora i Mt. Zuma hanno anche la nostra benedizione.

Give A Glimpe Of What Yer Not

Giulio Magliulo — Sat, 12 Nov 2016 09:05:08 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Alternative Rock

Indie Rock

Etichetta:

Jagjaguwar

Anno:

2016

Line-Up:

J Mascis – chitarra, voce

Lou Barlow – basso, voce

Murph – batteria

Tracklist:

1. Goin Down
2. Tiny
3. Be A Part
4. I Told Everyone
5. Love Is…
6. Good To Know
7. I Walk For Miles
8. Lost All Day
9. Knocked Around
10. Mirror
11. Left/Right

Dinosaur Jr.

Give A Glimpe Of What Yer Not

Un riff semplice ed energico come quello di Goin Down in mano a qualsiasi altra band passata (o anche futura) sarebbe soltanto ridicolo. Riuscire poi a preservare la purezza pop - dopo 33 anni e 11 album – in una traccia quale Tiny ha semplicemente del miracoloso.

E nella scaletta dell'ultimo Dinosaur Jr. ovviamente non potevano mancare quelle struggenti macchie di Barlow (Love is.., Left/Right), sintesi dell'equilibrio raggiunto dopo anni di scazzi, che significa accettazione dei ruoli, riconoscimento e tante altre belle cose che hanno a che fare con il complicatissimo rapporto tra arte, relazioni umane e business, ma che sappiamo essere fragili e precarie. I Walk For Miles, il suo riff, è davvero pesante, un vero ritorno alle origini dalle quali alla fine non ci si è mai distaccati e passano i decenni ed ogni nuovo disco dei Dinosaur Jr. ci sembra sempre indispensabile, fintanto che avremo ancora la voglia di ascoltare queste vecchie storie.
E a proposito di ‘vecchio’, il tirare sempre in ballo Neil Young quando si parla di J.Mascis questa volta ha una sua legittimità nella traccia Mirror: di emuli innocenti e consapevoli ce ne sono stati e ce ne saranno tanti ma di erede può essercene soltanto uno e visto che Jason Molina non c’è più..

Salsedine

Giulio Magliulo — Mon, 23 May 2016 13:01:44 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Elettronica

Indie Rock

Etichetta:

Autoprod.

Anno:

2015

Line-Up:

Cesare Barbieri – voce, elettronica

Edoardo Gobbi – chitarre, voce, synth

Mattia Santoni – basso

Lorenzo Gobbi – batteria, percussioni

Tracklist:

La Musica Elettronica

Krauti a Merenda

Perec

l'Infanzia e la Maturità di mio Fratello

Intermezzo

Orbite

Plutone

Odisseo

Il Giovane Niccolò e il Ritorno dell'Uguale

Lungomare

Bibiena,19

Ono

Salsedine

Tra oscure linee di basso post-punk ed effetti elettronici casuali racchiusi tra chitarre che sembrano parentesi, gli Ono srotolano memorie senza nostalgia e senza rabbia ma anche pacate riflessioni sulla fisicità della musica.

L'approccio vocale è quello di chi cresciuto con l'hardcore al momento non ha nessuna voglia nè intenzione di suonarlo e la linea narrativa non mutua proprio nulla dai mentori dell'alternative italiano che fu, né tantomeno da chi usa l'odierno hip-hop in chiave di rottura, eppure si pone in qualche punto lì in mezzo non ancora mappato.

Attenti – o meglio coscienti – senza darlo a vedere di tutto ciò che avviene nelle galassie dell'elettronica a bassa intensità e della wave, gli Ono senza seguire nessun trend si avvicinano accidentalmente ad una forma di electrorock o in ogni caso a qualcosa di nuovo e di spiazzante e che dopo ripetuti ascolti non annoia. Finalmente.

Lost in the Dream

Giulio Magliulo — Wed, 29 Oct 2014 15:29:27 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Indie Rock

Etichetta:

Secretly Canadian

Anno:

2014

Line-Up:

Adam Granduciel - vocals, guitars, harmonica, keyboards, samplers
Dave Hartley - bass guitar
Robbie Bennett - keyboards, piano
Charlie Hall - drums, percussion

Tracklist:

Under The Pressure

Red Eyes

Suffering

An Ocean In Between The Waves

Disappearing

Eyes To The Wind

The Haunting Idle

Burning

Lost In The Dream

In Reverse

The War on Drugs

Lost in the Dream

Quest'anno non abbiamo un nuovo Kurt Vile da portare ai primi posti delle nostre top ma poco male, ci penserà sicuramente 'l'altra metà del cielo', Adam Granduciel.

Gioco di parole idiota a parte, sembra davvero che i due ex-sodali sopperiscano reciprocamente alle loro vicendevoli mancanze annuali con nostra somma gioia.

E proprio come i dischi di Kurt Vile, anche Lost In The Dream fa fatica a collocarsi in un tempo ben preciso e ci fa girare in tondo, lasciandoci sospesi a mezz'aria mentre le sue melodie trovano un equilibrio tra esili synth wave e piccoli trucchi psichedelici leggeri leggeri.
Soffice ed etereo, Lost In The Dream è supportato da un cantato che sarebbe stato bene tanto agli ottanta quanto ai novanta alternativi. E nel giro sono inclusi anche momenti di romanticismo ipnotico in cui The War On Drugs ci portano a rimirare i luccichii delle maree.

Poi c'è l'altra anima dell'album, quella che innesca una carica blue-collar rock, un'energia immensa e potente che non ha bisogno di urla o di volumi grossi, di accendini e di stadi. Come danzare da soli nel buio di una stanza e sentirsi pienamente illuminati.
Un promemoria, se si vuole, di appuntamenti mancati o forse solo rimandati con tutti quegli artisti americani di area urban-folk con cui non abbiamo mai avuto il piacere o la fortuna o la voglia o il tempo di imbatterci.

E come in uno strano gioco di specchi deformanti, li ritroviamo tutti qui dentro, in un disco in cui anche nella più semplice delle ballad che potrebbe rimandare a certe cose dei migliori Girls, pur di assecondare la voglia di non cercare riferimenti ed escludere ogni sospetto di compiacenza, si preferisce utilizzare suoni più impegnativi ed asprigni pur lasciando sempre quel tappeto onirico sotto i piedi.

Burning, In Reverse, Under The Pressure, Red Eyes, An Ocean In Between The Waves, The Haunting Idle .. sono solo alcune delle tracce che avrebbero potuto benissimo chiamarsi magia n.1, magia n.2..ecc.

L'assoluta liquidità di quest'album se da un lato gli impedisce di contenere una vera hit in grado di raggiungere vette più alte in termini di riconoscimenti, dall'altro è la caratteristica che lo rende alle nostre orecchie uno dei capolavori di questo 2014, che ci permette di ascoltarlo più e più volte, anche a dispetto della lunghezza dei singoli brani, mai eccessiva ma neanche così breve come i nostri tempi - appunto liquidi - richiedono.

Nel Posto Giusto

Giulio Magliulo — Mon, 29 Sep 2014 17:39:52 +0000

Voto:

7.4 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Indie Rock

Indie Pop

Etichetta:

Black Candy Records

Anno:

2014

Line-Up:

Marco Manzella - voce, chitarre

 Alessandro Marchetti - basso

 Luca Schiuma - pianoforte, organo

 Vinicio Vinago - batteria

 Emanuele Sarri - chitarre

 Mattia Boschi - violoncello

Tracklist:

Non Basta Mai

Conseguenze

Hawaii

La Statua

A Costo Di Sbagliare

Fuori Piove

Just Woods

Il Giorno Più Normale

Un Ponte Sul Fiume

Sulla Schiena

Il Disordine Delle Cose

Nel Posto Giusto

Finire Nel Posto Giusto per registrare questo terzo album significa forse andare a registrarlo a Glasgow, dopo Torino e l'Islanda. Spiriti errabondi i piemontesi Il Disordine Delle Cose giunti al terzo album e ad una maturità qui rivelata frutto di esperienze accumulate e gioie condivise con i loro amici che sono la crema dell'adult indie italiano: Perturbazione, La Crus, Paolo Benvegnù, Marta Sui Tubi (con cui condividono Mattia Boschi) e molti altri.

Nel Posto Giusto è un disco bellissimo perché aggiunge cose, introduce elementi, azzarda contaminazioni inusitate senza rinnegare tutto ciò che li accomuna ai celebri e già citati nomi a cui aggiungerei anche i mai troppo osannati Non Voglio Che Clara per una certa affinità vocale. Purtroppo nell'indie rock italiano le voci spesso sono un problema poiché si pensa che per raggiungere determinati livelli di intensità espressiva occorra assumere accenti drammatici esasperati che non solo risultano ridicoli, specialmente quando declinano in dizioni anglofone, ma anche tristemente derivativi quando scimmiottano i soliti due o tre fini dicitori che abbiamo; ecco che nel caso del Disordine Delle Cose - come per Fabio De Min per i bellunesi – abbiamo degli ottimi esempi di cantato pulito, equilibrato, espressivo ed in taluni casi perfino commovente (ma a differenza dei NVCC Il Disordine Delle Cose è rock).

Questo appeal melodico e queste liriche funzionano alla grande quando incontrano meravigliose albe in technicolor alla Mercury Rev, sorta di shoegaze meets prog, con tutti quegli archi, giri simil-Pixies brevissimi e senza fronzoli, grandeur progressive nella code, altissimo senso del pop, inserti seventies mai così lontani dalla matrice indie nostrana eppure magicamente incastrati, depistaggi ottantiani, citazioni di XTC (provate a canticchiare Making Plans For Nigel nei primi secondi de La Statua) e c'è perfino un ospite speciale, Chris Geddes dei Belle And Sebastian, all'organo nella conclusiva Sulla Schiena, beccato per caso un giorno lì al bar.

Una band ed un disco che per tanti motivi san farsi notare, non ultimo il packaging che vi impedirà di riporre il cd negli spazi convenzionalmente utilizzati per i cd ma adattissimo a quello dei libri.

E soprattutto rock italiano che sa abbracciare la poesia, da valutare anche per le charts di fine anno.

Tied to a Star

Giulio Magliulo — Tue, 16 Sep 2014 20:38:58 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Alternative Rock

Indie Rock

Etichetta:

Sub Pop

Anno:

2014

Line-Up:

J Mascis	Vocals, Guitar
Mark Mulcahy	Vocals
Ken Maiuri	Piano
Chan Marshall	Vocals

Tracklist:

Me Again

Every Morning

Heal The Star

Wide Awake

Stumble

And Then

Drifter

Trailing Off

Come Down

Better Plane

J Mascis

Tied to a Star

La sensazione che Mascis abbia riformato i Dinosaur Jr. per soddisfare le sue intemperanze elettriche, ascoltando gli album solisti a suo nome, è ormai più di un indizio e Tied To A Star ne è la conferma, fin dall'iniziale Me Again in cui è la quiete totale a dominare l'ascolto.

Più pop la successiva Every Morning ma non sarà quell'assolo elettrico a farci cambiare idea. Perchè è in questo modo che Mascis è diventato un classico, al di là del 'dinosauro', pur partendo da esso, raccogliendone tutte le migliori intuizioni e diluendole in quel flavour mascisiano unico ed inimitabile. Ad oggi la sua ipotesi di 'folk-rock meets indie-pop' resta una delle più credibili, a dispetto dell'età.

Non è questa musica di sensazioni forti, mai.

Il suo appeal, il suo punto di forza è nelle penombre in cui si rifugia, nei pastelli acidognoli di cui si colora. Accordi sospesi per canzoni sospese, ed Heal The Star è qui ottimo esempio di come temperare le emozioni a gradazioni crepuscolari.

Un altro filone interessante da seguire di questo nuovo Mascis sempre uguale a sé stesso è quello che lo vede alla prese con degli spunti che diremmo 'spirituali'. La seconda parte della già citata Heal The Star presenta degli orientalismi più vicini a Ben Chasny che non ad una generica idea di indie-rock, e se Chasny è legato a sua volta ai primitivisti americani come Fahey o Kottke, abbiamo la chiusa del cerchio.

Questa che potrebbe essere solo una suggestione, in verità è ancora più forte nel country raga di Drifter e seguendo questa traccia abbiamo scoperto che il nostro ha partecipato alla soundtrack del pluripremiato documentario One Track Heart – The Story Of Krishna Das (cioè il vocalist del nucleo embrionale dei Blue Öyster Cult che negli anni '70 dopo abusi di droghe e depressione lasciò Long Island per l'India e dopo intense frequentazioni di guru e maestri spirituali è diventato a sua volta maestro di fama mondiale di kirtan, particolare stile di canto devozionale indiano).

E i lunghi capelli e la barba bianca di Mascis ben si prestano all'immaginario di un santone indiano, ci può stare.

Albanian Paisley Underground

Giulio Magliulo — Mon, 20 Jan 2014 19:25:12 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Indie Rock

Etichetta:

Black Candy Records

Anno:

2014

Line-Up:

Carlo Pastore

Francesco Peluso

Alberto Pilotti

Riccardo Della Casa

Tracklist:

Prince Of Persia

Young Ebenezer

Coming Over Me

Jim & Jam

Kingston Advice

Let Me Get Out

Lose It All

The Surfer

Tremerai Ancora

Will Be Fine

Wemen

Albanian Paisley Underground

Nessuno ci aveva mai raccontato le Mille e Una Notte come fanno i Wemen nell'opener Prince Of Persia; prima ci cullano con mediorientale elettricità strisciante poi ci scuotono con sostanzioso e ruvido garage. Uh!

Al sol sentire la parola 'garage' a molti viene l'orticaria, sopraffatti dalla svolta che l'indie ha preso da un bel po', saccheggiando tutto da quel deposito inestimabile, dalle chitarre agli stivaletti, ma non è questo il caso. Se sia partito tutto con gli Strokes non ce lo ricordiamo neanche più ma fortunatamente con i Wemen non dobbiamo neanche pensarci a certe squallide faccende.

Già solo il titolo dell'album dovrebbe far rizzare il pelo e inumidire gli occhi a chi dalle paroline magiche 'Paisley Underground' trae ben più di un significato. Ora non aspettatevi però Dream Syndicate e Giant Sand; quell'Albanian che le precede probabilmente sottende a qualcosa di più periferico e marginale rispetto alle centralità del rock o di quelle che oggi si definiscono tali.

Ecco perchè nei Wemen la suggestione conta più dei generi cui si riferiscono. La tensione post-punk che esprimono è esattamente quel che spesso manca in tante indie bands non solo nostrane che si rivelano solo poseur in grado di diluire la storia che li ha preceduti (nel migliore dei casi).

Let Me get Out e Lose It All in tal senso sono brani di british power pop fine ottanta che va incontro ai novanta e quindi all'indie americano dei Superchunk: gran belle prove.

Ma ancora nulla al confronto della superba traccia che verrà, The Surfer, tiratissimo garage di scuola 'aussie' in tutti i sensi, dalle ingannevoli qualità psych alla The Church e che poi si struttura nei riff lavici di una delle più grandi bands australiane e dimenticate di sempre, i Celibate Rifles: voce fredda, sguardo lontano, air-guitar necessario.

Per me questo è più che sufficiente, più di qualsiasi cover dei Clash (qui c'è Kingston Advice da Sandinista per la cronaca), e qualunque sia il cazzo di Paisley Underground che ascoltano a Tirana, se me lo consigliano questi quattro milanesi mi fido.

A Monument

Matthias Stepancich — Mon, 24 Dec 2012 18:24:25 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Pop

Indie Rock

Gothic Rock

Etichetta:

City Slang

Anno:

2012

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Joe Haege - voce, chitarra, piano, samples, batteria, percussioni
Corrina Repp - voce, chitarra, batteria, piano, percussioni
Liza Rietz - piano, violino, cori, percussioni
Toussaint Perrault - tromba, trombone, cori, percussioni

Tracklist:

1. Anchor
2. Blood Stains
3. Wager
4. A Pose For No One
5. Build A Great Cliff
6. Skin and Bone
7. In The Center Of Powder White
8. To Break Into
9. Bones

Tu Fawning

A Monument

Il quartetto dei Tu Fawning ritorna due anni dopo il full-length d'esordio Hearts on Hold (uno degli album migliori del 2010, e allo stesso tempo uno dei più incomprensibilmente ignorati dalla critica: potere del non preoccuparsi di pompare hype ma solo della qualità) con il secondo A Monument (City Slang, 2012), disco che mantiene tutte le promesse e gli standard del primo.
Le atmosfere sono addirittura più intense e gotiche, e anche se ciò ha comportato il sacrificio di parte del loro spirito giocoso (che si traduceva anche nella mitraglia di arrangiamenti e bizzarrie ritmico-sonore di pezzi come I Know You Now), allo stesso tempo equivale ad un evidenziare stavolta inequivocabilmente il legame della band con il mondo della musica d'avanguardia, il cui spirito impregna da inizio a fine il loro caleidoscopio pop inclassificabile.
Ancora una volta, vi sono idee prese dai territori più vasti di pop, indie rock, elettronica, folk, classico, e stavolta anche darkwave e post-punk, conviventi perfettamente in impasti sonori coerenti, melodici e sempre orecchiabili.

Il battito percussivo sordo e cupo che apre il disco, con Anchor, funge da metronomo per vellutati synth e un sognante chorus in falsetto che sbucano direttamente dal miglior dream-pop (Cocteau Twins) e synth-pop dei 1980s, finché l'orizzonte si espande con il canto di Corrina Repp nelle strofe, che danno l'inizio ad una coda di polifonie, e all'ingresso di batteria e percussioni caotiche nello stile perfezionato con Hearts on Hold.
Secca, minimale e più ritmata la base di Blood Stains, che parte ancora una volta in sordina (ossessivo ritmo alla batteria, basso elettronico pulsante, sommessi cori filtrati e poi languida voce cantata in stile lounge-jazz, ma distorta), per poi aprirsi ad un mesmerizzante amalgamarsi di frasi pianistiche grevi e acute, comparsate di fiati, avvolgenti stratificazioni vocali. Un pezzo come questo prende tanto dalla tradizione del jazz vocale dei 1950s quanto da quella del dark cabaret dei 1970s, al solito fondendoli, senza che sia percepibile una linea di separazione tra gli elementi dell'uno e dell'altro: ecco cosa significa avere vero talento.
Wager inizia con percussioni e lamenti vocali sbucati da una colonna sonora di Ennio Morricone, mentre la chitarra elettrica segue giri molto più vicini alla tradizione indie rock dei passati 10 anni; la voce cerca una dimensione più intimista e introversa delle prime due tracce nelle strofe, per poi tornare ad un intenso chorus; dopo un altro momento di quiete, con in primo piano solo i fraseggi rock della chitarra, si torna ad una stratificazione che traghetta nuovamente verso il chorus: la chitarra prende il sopravvento, e sembra di stare ascoltando una versione più noise, distorta e controllata dei tipici momenti corali ed "epici" degli Arcade Fire.
Molto più facilmente identificabili sono le radici di un pezzo come A Pose for No One: si tratta di una vibrante e decadente confessione intrisa di droni gotici, penetranti violini e intensità vocali, con contrappunto di percussioni e leggeri strimpelli di chitarra, che rimanda agli albori del gothic-rock e dell'avant-pop, Nico e John Cale, e ad alcuni dei suoi figli diretti, in primis Nick Cave.
L'influenza di Morricone pervade anche Build a Great Cliff, che, sebbene inizi come al solito in maniera più quieta e minimale, esplode in due chorus strumentalmente usciti direttamente dalle colonne sonore di Sergio Leone, su cui gorgheggia la Repp, inframezzandoli con un breakdown più rockeggiante.
L'anima dura e post-punk di percussioni e piano in Skin and Bone riesce a fondersi magicamente ai campionamenti vocali morbidi e ipnotici in stile shoegaze, e si apre a metà in una sezione di grandiose polifonie vocali a metà tra il gospel e il rarefatto celestiale dell'ultima Julianna Barwick, sfociando poi in una breve serie di fraseggi post-rock in stile Explosions in the Sky alla chitarra, prima della chiusura più calma.
Il momento più riflessivo e malinconico arriva con In the Center of Powder White, che prende in piccole dosi idee dal post-rock, dall'indietronica, dal gothic-rock e dal folk intimista per costruire un lento minimale di rara bellezza: avvolgente, struggente; questo è forse l'esempio più chiaro della nuova dimensione aggiuntasi allo stile del quartetto rispetto al primo disco, in cui un pezzo del genere sarebbe risultato fuori posto, e invece qui suona come il culmine delle tensioni gotiche presenti in tutte le tracce precedenti.
Il folk minimale e intimista torna anche nella seguente depressa To Break Into, in cui le percussioni quasi svaniscono (pochi battiti lontani, ma soprattutto note al piano tengono il ritmo); è dapprima la voce di Joe Hage a cantare, in strofe che ricordano gli Eels, per poi passare il microfono alla Repp, e tornare in un chorus condotto assieme.
Il pezzo più lungo (7 minuti e mezzo), Bones, funge da chiusura, e ancora una volta non fa calare l'elevata qualità sorprendentemente costante lungo tutto il lavoro: un pattern percussivo agitato e continuo, tendente all'ipnotico (come si è sentito spesso nel filone indie-rock), trafitto da potenti colpi sul pianoforte e da un fraseggio quasi orientaleggiante ripetuto alla chitarra elettrica, domina per circa 3 minuti, per poi calmarsi, far entrare la voce e le melodie, e riprendere accompagnandole in maniera morbida; il risultato è un tramutarsi in una ballad d'atmosfera dicembrina, che chiude su una nota sentimentale, leggermente malinconica ma positiva e speranzosa, la carovana sonora dell'album.

Singles 2007 - 2010

Gabriele Bartolini — Tue, 22 Nov 2011 09:22:03 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Pop

Indie Rock

Etichetta:

Goner

Anno:

2011

Line-Up:

- Ty Segall - Compositore musiche, testi

Tracklist:

LP 1
1. Where We Go
2. It
3. Sweets
4. Son of Sam (Chain Gang)
5. Skin
6. Booksmarts
7. Ms. White
8. ... And then Judy Walked In
9. Cents
10. No No
11. Standing at the Station
12. My Sunshine
13. Fuzzy Cat
14. Maria Stacks (Thee Oh Sees)

LP 2
15. Caesar
16. Bullet Proof Nothing (Simply Saucer)
17. Lovely One (Demo)
18. Happy Creeps
19. Hey Big Mouth
20. Dating (Demo)
21. So Alone (Demo)
22. Shoot You in the Head (Demo)
23. The Drag (Demo)
24. Standing at the Station (demo)
25. I Think I've Had It (Gories)

Ty Segall

Singles 2007 - 2010

Tempo fa, trovandomi a curare la recensione di Goodbye Bread del buon Ty Segall, spesi più di una parola a scopo introduttivo per parlare ( magari anche consigliare) delle sue precedenti uscite da solista o con altri gruppi. Tanti, troppi dischi di cui occuparsi - addirittura più di quaranta! - e infatti per larga parte si parlò solo dei suoi full-lenght più recenti, senza dar più di tanto credito, anche perché l' argomento non era quello. Anche il Cobain di San Francisco si deve essere, per forza di cose, accorto che tale dispersione di ingente materiale oltre che essere un peccato in sè e per sè rappresenta un vero e proprio limite, un suicidio in piena regola se pensiamo agli standard di vendita odierni. Ecco infatti che, insieme alla strabiliante Goner records, il nostro decide proprio in questi giorni di mettere sul mercato una raccolta più o meno ordinata di tutti gli EP ed i singoli persi per strada durante l' arco di soli tre anni, intitolata appunto Singles 2007 - 2010 ( Goner records, 2011). In un momento, aggiungiamo noi, alquanto propizio, se pensiamo infatti che l' ultimo album inciso ( il Goodbye Bread citato prima) ha fatto conoscere la sua musica anche fuori dei ristretti confini locali, fin da subito amata sia dalla critica che dal pubblico. Un' idea di far musica per niente complicata quella di Segall, che senza troppi fronzoli unisce il sound pop, senza sperimentalismi vari, dei Sic Alps e le sue liriche irriverenti per farci immergere in un' atmosfera da Beatles stralunati, nel bel mezzo di un garage beat che non ha avuto mai realmente nulla a che fare con loro.

Prima di trovare la ricetta della felicità però le sue composizioni non si affidavano su un prodotto così catchy, ma bensì andavano a configurarsi con il garage-punk nudo e crudo dei gruppi lo-fi anni '90, come ad esempio gli Oblivians o i Detroit Cobras, non senza far mancare citazionismi nei confronti del genio di Reatard. Singles 2007 - 2010 fotografa molto bene la sua precedente attitudine raccogliendo in ben venticinque tracce i tre EP risalenti al relativo periodo ( It, Skin, Cents) ed aggiungendo altri brani, andati perduti col tempo o semplicemente mai editi. Possiamo in tal modo evidenziare l' evoluzione progressiva della musica di Segall dal garage deviato da attacchi noise, ancora in perfetto parallelo con gruppi come i Thee Oh Sees, verso una forma maggiormente tendente a brani pop-rock meno coinvolti dal beat psichedelico. Ecco allora fuoriuscire dalla mitragliatrice del fuzz inizialmente brani scheletrici animati solamente da una grinta irrefrenabile ( Sweets, Son Of Sam) successivamente tramutati, addirittura nello stesso anno, in pezzi già legati ad una primordiale idea di punk-rock, dotati però di riff ipnotici capaci persino di far impallidire gli Arctic Monkeys degli esordi ( Booksmarts, Ms. White). Proseguendo con l' anno successivo prenderanno sempre più quota i ritornelli power-pop effettati da sapienti riverberi ( Standing At The Station, Cents), ma fino al duemiladieci non riscontreremo ancora appieno quegli elementi che lo hanno portato a firmare un contratto con la prestigiosa Drag City. Sarà infatti l' uscita in contemporanea di una serie di tre singoli, ancor prima del canonico Lemons, terzo disco uscito qualche mese prima, a segnare un primo passo verso la tipica struttura delle sue canzoni, composta essenzialmente dal verso, da un ritornello e da un finale sguaitato all' insegna dell' improvvisazione. Concentratevi quindi bene su My Sunshine, Fuzzy Cat e Maria Stacks, impeccabile tripletta cardine per Ty Segall, che consentirà ad inizio del nuovo anno di riscuotere un buon successo con i successivi singoli Caesar e Bullet Proof Nothing, in cui si percepiscono meno follie con la strumentazione elettrica e molto più lavoro cerebrale ( se così si può dire per un personaggio a dir poco coriaceo) con le acustiche, oltre che con il piano, come conferma il lato A del 7" in questione. Gli altri brani che seguono sono messi alla rinfusa ed appartengono evidentemente a diversi periodi compositivi. Di conseguenza, vicino a momenti di pura e frizzante energia ( Happy Creeps azzera in meno di due minuti i revival di gente come Bosco Del Rey) troveremo puri ritmi garage-punk ( la stupenda Hey Big Mouth) oppure condensati di rock 'n' roll albionico ( So Alone), ma a dirla tutta prevale molto di più la sporiciza, tanto che almeno tre o quattro dei brani finali potevano essere benissimo evitati. Menzione speciale per la versione demo di Standing At The Station, che senza tanti filtri svela il lato disumano del Ty Segall esordiente.

In definitiva, Singles 2007 - 2010 è il perfetto riassunto del Ty Segall pre Goodbye Bread, una risposta dovuta ai fan, in particolar modo quelli non americani, che fino ad ora non avevano la possibilità di esplorare a fondo la sua folta discografia, dovendosi limitare agli ultimi due-tre album. Questi singoli rappresentano in tutto e per tutto, forse ancora meglio dei primi full-lenght, il suo primo modo di fare musica, totalmente devoto al punk-rock, con relativa evoluzione ad una forma decisamente più abile nel confrontare elementi pop e garage tra di loro. Fin tanto che con solo questa uscita e l' ultimo album potreste comodamente dire di conoscere ogni angolo della ( vastissima) produzione di questo personaggio fuori dai generis.

Metals

Vincenzo Ticli — Wed, 16 Nov 2011 21:50:39 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Vincenzo Ticli

Genere:

Indie Rock

Folk Rock

Etichetta:

Interscope

Anno:

2011

Line-Up:

Leslie Feist - Vocals, Arrangements, Guitar, Piano, Organ, Production
Chilly Gonzales - Bass, Drums, Arrangements, Production
Valgeir Sigurðsson - Horn Arrangement, Production

Tracklist:

1. The Bad in Each Other
2. Graveyard
3. Caught a Long Wind
4. How Come You Never Go There
5. A Commotion
6. The Circle Married the Line
7. Bittersweet Melodies
8. Anti Pioneer
9. Undiscovered First
10. Cicadas and Gulls
11. Comfort Me
12. Get It Wrong, Get It Right

Feist

Metals

Il 2011 è stato denso di uscite musicali e molti celebri artisti, nel bene o nel male, sono tornati a far parlare di sè. Tra questi la canadese Feist che, a quattro anni dall'ultimo lavoro, The Reminder, torna col nuovissimo Metals. Il titolo è assolutamente azzeccato poichè le eleganti canzoni sembrano fatte di discrete, intense vibrazioni metalliche, di quelle che turbano appena la quiete con la loro lucentezza tremula.

La voce di Leslie si distende agile sulle melodie scolpendosi in maniera sempre diversa con versatilità: Caught a Long Wind, un assorto pezzo che si destreggia tra chitarre, tintinnii ariosi e pianoforti smorzati riuniti a creare una melodia bruna come una foglia d'autunno, è cantata con una voce che di tanto in tanto si accartoccia in un ringhio soul. Anti Pioneer è un brano crepuscolare immerso in un blues dall'aria antica, colorato sul finale di aperture orchestrali ma dominato da jazzati tempi di valzer e da un cantato sofferto, potente, una voce distesa che sembra duettare con l'implacabile basso che scandisce i suoi battiti per tutta la durata della canzone.
Undiscovered First, dal cuore folk ma dal finale rockeggiante introdotto da un'epica sezione di fiati, fa inevitabilmente pensare a Joni Mitchell, ma la più catchy è la bellissima traccia d'inizio, The Bad in Each Other: introdotta da una scorbutica chitarra del west, procede ondeggiando tra archi e fiati soffusi e cadenzata da una pesante batteria. La voce è ora dura, spietata, e ora improvvisamente dolce e soffusa, come l'amore, che riesce a dare tutto per poi riprenderselo improvvisamente appena un attimo dopo.
Particolari sono pezzi come Graveyard, sui cui tempi dispari sembra gravare una pesante nube grigiastra che incupisce l'atmosfera, rendendola una sorta di elegia cimiteriale, e A Commotion, discontinua e tratteggiata su tocchi di violino incollati insieme da tastiere spigolose, mentre Cicadas and Gulls e The Circle Married the Line spiccano per la loro dolcezza delicata, a tratti quasi stucchevole. Spetta all'intensità di Get It Wrong, Get It Right, sussurrata su una malinconica chitarra che si intreccia a remoti tocchi pianistici e trilli di tamburello, chiudere l'album, lasciandosi dietro un'aria sospesa, sognante.

Dedicandosi ad un morbido rock che si destreggia con eleganza tra suggestioni blues, folk, soul ed altri generi che si rifanno maggiormente alla tradizione musicale americana, l'ultimo lavoro di Feist è un album intimo, sofferto, che dimostra come, anche ai nostri giorni, sia ancora possibile trovare musicisti che realizzano un cantautorato fresco, nuovo e di grande qualità.

Dancer Equired

Gabriele Bartolini — Fri, 13 May 2011 14:02:03 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Pop

Indie Rock

Etichetta:

Merge

Anno:

2011

Link correlati:

Sito ufficiale

Line-Up:

-Jared Phillips - Chitarra, voce
-Adam Elliott - Batteria, voce
-Beth Murphy - Tastiere, voce

Tracklist:

01. It's a Culture

02. Ever Falling in Love

03. No Room to Live

04. Try Harder

05. California Roll

06. Ways to Go

07. New Vertical Dwellings

08. Downtown Eastern Bloc

09. More Rumours

10. Don't Go to Liverpool

11. Fuck her Tears

12. Want to Exist

13. Somebody's Slave

14. No Good

Times New Viking

Dancer Equired

Il nuovo album dei Times New Viking potrebbe segnare un passo significativo altrettanto importante rispetto ai colossi del genere lo-fi che l’ hanno preceduto. Sto parlando di Rip It Off e Born Again Revisited, ormai due masterpiece dell’ attitudine in questione venutasi a formare perlopiù grazie al coraggio ( è proprio il caso di dirlo) di gruppi di amici che in barba alle regole del music business non sono maestri nell’ uso degli strumenti ( pensiamo ad esempio alla chitarrista delle PENS che ha dovuto improvvisare durante la registrazione del loro album rappresentativo, Hey Friend What You Doing?), steccano continuamente quando azzardano note alte ma soprattutto incidono dischi per puro divertimento. Qualcuno ha pure successo: prendiamo ad esempio Best Coast e Male Bonding ( già sotto etichetta Sub Pop quando hanno inciso Nothing Hurts, successo del 2010), oppure Cloud Nothings e Apache, tanto per citare band di generi opposti l’ uno dall’ altro. Altri cadono ben presto nell’ anonimato, complici dischi con le stesse ( poche) idee o l’ arrivo di un sempre più interessante nuovo che avanza, come la Kimya Dawson solista, gli Happy Birthday o Frankie Rose con le Outs, sebbene quest’ ultima sia ancora oggi uno dei risultati più soddisfacenti. Dei Vaselines in erba alle prese con la loro personale interpretazione del garage, oppure dei Titus Andronicus in miniatura capaci di comporre suite con la stessa idea di punk. Songwriter sopraffini come i Girls, oppure rocker con in testa dream pop, shoegaze o meglio ancora il noise/pop come Women, Twin Sister o La Sera. Insomma, c’è n’è abbastanza per tutti, basta cercare ( abbastanza in fondo).

In mezzo a questi, i Times New Viking si stanno facendo notare, non solo per una discografia sempre più ampia, ma in particolare per il suono, fatto proprio e portato avanti con coerenza, eseguito dapprima in un negozio di amici e successivamente su disco. Unica l’ idea di indie/rock, punk e garage che portano a noi attraverso le note grezze, sporche e dotate di una ingenuità diretta e scanzonata e prepotente al tempo stesso. Riprendendo a titolo d' esempio i due ultimi lavori, dove sicuramente adottano registrazioni adatte ad una degna incisione su disco, se ne possono apprezzare le indubbie qualità di composizione, e la varietà di influenze da cui questo progetto deriva. Rip It Off è, passatemi il termine, una futura pietra miliare per il panorama indie e lo-fi, perché immaturo( l' intro e l' outro sono infatti dedicati ai sogni dei ragazzi), figlio del rock alternativo, del garage, con chitarre fuzz annesse, e di una nuova forma di noise, quella che è di casa alla Slumberland Records, per intenderci. Born Again Revisited si priva di gran parte del rumore prodotto per andare a suonare come un disco più quadrato, asciutto e concreto del precedente. Eseguito soprattutto con maggiore audacia e consapevolezza di se e dei proprio mezzi l' album farà accollare ai tre americani pure una nuova etichetta, quel shitgaze che comprende un pò tutti i generi sopracitati.

Premiati, elogiati, esaltati da una stampa in cerca di nuovi idoli da mettere sulla bocca dei teenager intraprendono con Dancer Equired un nuovo percorso, gradito da alcuni e bocciato( anche se non apertamente) da altri. L' elogio alla lentezza, più che al silenzio, che sta colpendo il mercato discografico in questo inizio 2011 investe, anche se in maniera del tutto particolare, considerando sempre che stiamo parlando di un gruppo rock, i Times New Viking proprio quando si son trovati alle prese con il loro quinto album, definito da alcuni addirittura come di transizione e sperimentazione. Concordando sul secondo termine ma molto meno nel primo, mi trovo a parlare di un gruppo cresciuto a vista d' occhio, invecchiato come solo i migliori vini sanno fare dopo aver intrapreso una strada tutta loro. Così come gli Smith Westerns, lasciano la sicurezza rumorosa del lo-fi per approdare ad un indie/rock degli albori, assomigliando a nomi come Beat Happening per ciò che concerne il suono ed il cantato( pur suonando in maniera più cristallina) e Deerhoof per l' interpretazione ed il minutaggio delle tracce, oppure, portando altri riferimenti, ai Sic Alps per l' avanguardia del garage alla White Stripes oppure alle derive hardcore-punk dei No Age. Quattordici brevi tracce, evolute grazie alla chitarra ed alle tre voci, in particolare quella di Beth, mai così presente.

Possiamo facilmente riconoscere in questo disco in due diversi tipi di canzone: in termini di sostanziale parità, scorgiamo brani più elaborati e nuovi per il loro repertorio, giocate maggiormente sulle tastiere e su un' andatura pop davvero insolita per loro; altre tracce servono da collante con le uscite passate, venendo suonate con la verve a loro usuale. Curioso il fatto che del primo lotto faccia parte anche il primo singolo estratto, a testimonianza del nuovo credo diffuso in casa Times New Viking, considerando che in It's a Culture li possiamo benissimo riconoscere: come una roccia, rovinano su tutto e tutti, urlando e sbraitando. Sta diventando una cultura - continua il testo - scappiamo dalla fatica e dalla pazienza, cosi noiosa. Sta diventando una cultura: sanno benissimo a chi li paragonano, sanno altrettanto bene cosa stanno diventando. Le note scorrono rapide, e tra piacevolissime ballate( No Room To Live su tutte), gradite consuetudini ( Try Harder) e passioni per le Vivian Girls( California Roll), si approda a brani saporiti come Ways To Go e Don't Go To Liverpool, giocate su cori da oratorio e tastiere in maniera maledettamente efficace, oppure a tracce dalla corporatura più robusta che di nome fanno New Vertical Dwellings e Want To Exist, quest' ultima con eccessi di carineria indie perfetti. Fuck Her Tears insegue a tutta velocità le quote rosa del genere, rivisitando il tutto in chiave britrock, mentre Somebody's Slave e No Good concludono il disco interpretando la parte della ballata( la seconda è acustica) dal mood continuo in cui è difficile non immedesimarsi.

Per come era stato introdotto, questo Dancer Equired aveva fatto pensare al peggio. La verità è che bisogna leggere l' album nella maniera giusta. I tre ragazzi, stufi di essere etichettati ad un' attitudine come quella lo-fi, che molto spesso, non lo dimentichiamo, è accompagnata da livelli di scetticismo alle stelle, suonano qui in maniera incredibilmente melodica, alternando addirittura brani tra di loro diversi, vestendo i panni del musicista indie ma all' occorrenza anche pop. Mettendo in scena, insomma, un disco cristallino contenente molte possibili hit, inscenando sing along al posto giusto nel momento giusto. Sorprendenti.

Violet Cries

Edoardo Baldini — Fri, 29 Apr 2011 17:05:46 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Dark Wave

Indie Rock

Etichetta:

Matador Records

Anno:

2011

Link correlati:

Official Site

Line-Up:

- Rachel Davies - voce, basso
- Thomas Fisher - cori, chitarra, basso, campionamenti, effetti, tamburi
- Daniel Coperman - cori, chitarra, basso, campionamenti, effetti, tamburi

Tracklist:

1. Argirya
2. Marching Song
3. Marine Fields Glow
4. Light Streams
5. Hexagons IV
6. Chorea
7. Warpath
8. Battlecry-Mimicry
9. Eumenides
10. Swans

Esben and the Witch

Violet Cries

L’iconografia della fiaba ha da sempre affascinato generazioni di artisti e di intellettuali, trascinando verso lidi carichi di tradizione e lontani dall’artificialità del mondo contemporaneo. Il moniker Esben And The Witch, scelto dal nuovo trio di punta della Matador Records, è tratto dal titolo di una fiaba danese, resa nota al pubblico per la prima volta dal poeta scozzese Andrew Lang nel suo The Pink Fairy Book.
Cresciuti nel sottobosco indipendente di Brighton, che diede i natali a realtà come Spinning Wheels, The Maccabees e Bat for Lashes, gli Esben And The Witch giungono alla release del primo lavoro di studio nel gennaio 2011, dopo aver trascorso più di un anno ad affinare il proprio registro stilistico.

In equilibrio tra tensioni eteree, inquietanti divagazioni noir e un substrato di matrice pseudo-elettronica, Violet Cries appare come una gemma incastonata all’interno di una scena inglese da tempo consolidata e matura; il punto di forza della giovane formazione è rappresentato dalla capacità di sorprendere con soluzioni non convenzionali sparse omogeneamente in una cornice di ordinario Indie Rock.
Basti riflettere sulla cura prestata dagli Esben And The Witch in sede grafica, proponendo video oscillanti tra una violenza dai toni disillusi (Marching Song) e un elegante gusto retrò (Chorea).
L’atmosfera risulta intrisa parallelamente di un funereo alone cantautorale, emergente in episodi come il denso monologo Swans: i brani di Violet Cries si pongono come istantanee di un passato dalle sonorità grigie ed evocative, capaci di conservare i tratti della purezza dei Cocteau Twins e la drammaticità dei Portishead.
Tra i capitoli più memorabili si elevano l’allucinato singolo Marching Song, nel suo altalenante incedere Dark-Wave, la struggente Light Streams, solcata dalle distensioni del Dream Pop, e la cristallina Hexagons IV, punto di incontro tra vagiti elettronici e dimensione onirica.
Il fulcro dell’opera è costituito però da Chorea, impalpabile danza che rapisce l’ascoltatore, traportandolo all’interno di inquietanti meandri a cavallo tra follia post-elettronica e sapore vintage.

Nell’evoluzione di Violet Cries gli Esben And The Witch procedono quindi al rovesciamento del paradigma della fiaba, focalizzandosi sul suo lato più tetro e sinistro, figlio di una diversa interpretazione rispetto alla lettura tradizionale. Si deve anche sottolineare come dalle note dell’album trasudi la sensibilità inglese, una costante di qualità che accompagna una cospicua fetta del mercato indipendente contemporaneo.
La fusione di questi elementi permette di prefigurare un futuro artisticamente florido per il trio di Brighton, già caduto sotto l’attenzione degli occhi più esperti del panorama alternativo europeo.

Chasing After Ghosts

Gioele Nasi — Tue, 12 Apr 2011 10:38:47 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Indie Rock

Pop

Etichetta:

Fierce Panda

Anno:

2011

Link correlati:

Fierce Panda Records

Line-Up:

Russell Bates - Batteria

Daniel Hopewell - Chitarra

Alex Saunders - Chitarra

George Waite - Voce, Basso

Tracklist:

01. Godless Girl

02. Chorus of Fools

03. Just like Dreamers

04. Bright young Things

05. The Crookes Laundry Murder, 1922

06. Youth07. I Remember Moonlight

08. Bloodshot Days

09. Carnabetian Charms

10. By the Seine

11. City of Lights

Crookes, The

Chasing After Ghosts

''Take me back to 1922. Let Echoes of the past bleed trough''

I Crookes sono un gruppo proveniente da Sheffield, antica base del sinth pop e del britpop(soprattutto con i Pulp) e odierna cittadina sforna fenomeni indie/rock come Arctic Monkeys e Last Shadow Puppets. E con questo album, anche i Crookes.Formati da una line-up piuttosto consueta con batteria, basso e chitarre firmano il loro debutto, come da tradizione, non prima di aver registrato un demo, scaricabile gratuitamente su NME, ed essere stati invitati per una session alla BBC.

La loro musica ci catapulta nel passato, aprendo voragini che ci riportano direttamente indietro nel tempo, a spasso nel tempo.Il terreno in cui sono nati, si sa, li agevola in questa ricerca del motivetto retrò, forse proprio per questo decidono di inzuppare le note prodotte con richiami a vecchi miti, senza aver timore di usare in gran parte ritmi vintage e risultare in questo modo come qualcosa di già sentito. Suonano indie/rock, ma senza troppa foga; si prendono i loro tempi, risultando melodici al punto giusto.

Ci si mette anche George Waite a farci entrare direttamente in un drive-in anni '50, con quella voce che sembra divertirsi a ripetere Elvis Presley.Oppure, senza chiamare in causa miti del passato, più semplicemente assomiglia a quella del cantante dei Fanfarlo, anche se quest' ultima risulta più sussurrata, triste, mentre quella del Nostro è semplicemente più sicura, chiara e piaciona( confrontate Ghost con By The Sein, tralasciando il ritornello). Spostandoci poco più avanti con gli anni, troviamo loro tracce anche sui dischi degli Smiths, riversati su Chasing After Ghosts con il ritmo, impastato e rallentato.

Le loro composizioni sono ricche di chitarre, echi di chitarre dal tocco vagamente folk che la fanno da padrona, sterzando il brano più volte, molto spesso da un mood allegro ad uno più malinconico.Aggiungete qualche percussione figlia del nuovo millennio, ed il loro sound è belle che inquadrato. Una volta mixati, questi ingredienti acquisiscono un inaspettato tratto pop, che ci induce sempre al ballo, ad esclusione di un paio di pezzi.I primi cinque pezzi, ad esempio, sono una prova sorprendente del loro suono. Godless Girl dal tiro tormentato ma allo stesso tempo solenne, Chorus of Fools che crea un sorprendente ossimoro, con la musica allegra e ritmata e con un testo non altrettanto felice, anche se sempre inerente al ballo. Just like Dreamers è meno razionale e più sognatore, con le chitarre a dare una sfumatura particolare; le stesse che alla fine subiscono un inversione di rotta per fare da cornice alle parole romantiche.The Crookes Laundry Murder, 1922 ha invece il sapore dell' antica ballata, piacevole e convincente, suonata con un piglio da band già rodata, è l' ideale per riscaldare i cuori. Successivamente Youth, per niente deludente e più ragionata, una I Remember Moonlight per riprendere quota, altri tre brani che recitano la stessa parte (con Carnabetian Charms leggermente fuori tono) delle prime in scaletta ed in chiusura una notturna City of the Lights che ci rimbocca le coperte.

''Then She hears that northern soul and dances to 50's rock n' roll'': ci sono voluti più di quaranta minuti prima che lo ammettessero.E non saremo noi di certo a biasimarli: negli ultimi anni sono stati ripresi così tanti generi che alla fine il rock più semplice, quello dalla rima semplice e dalla goccia di sudore non per forza sudata, ci mancava.Senza gridare al miracolo quindi, ma sicuramente apprezzando le emozioni ed i sapori assaggiati lungo queste undici tracce, lasciamo solo per adesso questo gruppo, augurando loro di trovare la formula giusta per riproporre brani di questo calibro.

Shine

Giulio Magliulo — Sat, 12 Dec 2015 18:52:55 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Indie Rock

Etichetta:

Autoprod.

Anno:

2015

Line-Up:

Marco Zordan: voce, chitarra acustica, chitarra elettrica, piano
Marco Quaresimin: chitarra elettrica, cori
Andrea Toldo: batteria
Roberto Barumerli: basso, sintetizzatore
Anna Cavedon: tastiere e cori
Paolo Piovesan: cori addizionali e sintetizzatori

Tracklist:

Eyes

Mirror

Light

Black Rabbit

Shine

Rubies

The Way In The Dark

We Are Pearls

Life Goes On

Things To Do

PineAppleMan

Shine

Dopo il sorprendente e.p. del 2013, arriva anche la lunga distanza per PineAppleMan, creatura del vicentino Marco Zordan e suoi fidi collaboratori.
Ormai assimilate le lezioni degli odierni cantori di folk off, si capisce che qualcosa è cambiato poiché molti brani presenti in Shine potrebbero tranquillamente posizionarsi in una tracklist degli Editors.

E' dunque la new wave aggiornata al rock del nuovo millennio l'approccio ora dominante, con buona pace di quel registro crepuscolare con cui abbiamo conosciuto l'uomo ananas.
L'apertura a soluzioni più schiettamente rock e tendenti all'epico, non troppo lontane da certi Interpol viene quindi a sostituire il folk ancestrale degli esordi, sottolineando quel ricercato gioco di luci e ombre e di netti contrasti.
Su tutto si staglia il bel timbro vocale di Marco che ci ricorda più quello di Stuart Staples dei Tindersticks che quello di Tom Smith dei già citati Editors.

Un lavoro molto omogeneo e maturo per un debut questo Shine, solo a tratti interrotto da devianze quali i freddi synth di Mirror che risvegliano antiche memorie dark, l'assolo alla Girls nella traccia Rubies, i toni teatrali alla Spiritual Front in Life Goes On o quelli commoventi alla Xiu Xiu (al netto di paranoie) in Things To Do.

Ecco, forse deviare ancora un pò di più non sarebbe male onde evitare catalogazioni troppo facili dalle quali – ne siam certi – i PineAppleMan sapranno smarcarsi visto il notevole talento.

Uno

Giulio Magliulo — Sat, 23 May 2015 17:28:20 +0000

Voto:

5.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Rock

Indie Rock

Etichetta:

New Sonic Record

Anno:

2015

Line-Up:

Francesco Mauro voce e chitarre

Marco Dardanelli sintetizzatori e tastiere

Alessio Mazzeo basso

Luca Calabrò batteria

Tracklist:

tokyo

i non luoghi

spuma

elaborando

presente

Il Mare Verticale

Uno

I ragazzi de Il Mare Verticale si sono reclusi in quella decade che dai primi anni ’00 va indietro finò a metà nineties.

Prendendo del post-rock il lato più morbido, come nell’apertura vaporosa di Tokyo, delicata e sognante come certi Sigur Ros o come nella più dinamica Elaborando, con le sonorità iniziali simil Tortoise periodo TNT, essi non rinunciano però a mutuare anche le caratteristiche di alcune pagine di rock indipendente italiano minore, ormai datato, da cui vorremmo definitivamente liberarci.

Liriche eccessivamente intimiste la cui natura introspettiva sottolineata da un cantato anemico che francamente sfianca, annoiando anche sulla breve distanza trattandosi di un e.p. di sole cinque tracce, precludono al momento la possibilità di lasciarsi andare e di enfatizzare i punti forti che sono sicuramente una sensibilità ritmica affine al jazz ed un uso alquanto disinvolto di sintetizzatori e tastiere.

Immagino allora un Mare Verticale intravisto da una finestra aperta che permetta di cambiare un pò l’aria e allora si che la sua Spuma e la sua salsedine potrebbero inebriarci.
Siam certi che con la supervisione della poliedrica New Sonic Records le cose miglioreranno.