Heavy Metal

Aftershock

Giulio Magliulo — Tue, 29 Oct 2013 15:07:35 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Heavy Metal

Etichetta:

UDR GmbH/Motörhead Music

Anno:

2013

Line-Up:

Lemmy Kilmister – voce, basso

Phil Campbell – chitarra

Mikkey Dee – batteria

Tracklist:

Heartbreaker – 3:05

Coup de Grace – 3:45

Lost Woman Blues – 4:09

End of Time – 3:17

Do You Believe – 2:59

Death Machine – 2:37

Dust and Glass – 2:51

Going to Mexico – 2:51

Silence When You Speak to Me – 4:30

Crying Shame – 4:28

Queen of the Damned – 2:40

Knife – 2:57

Keep Your Powder Dry – 3:54

Paralyzed – 2:50

Motörhead

Aftershock

Salve, sono Ian Fraser Kilmister detto Lemmy, voce e basso dei Motörhead.

Aftershock è il nostro ultimo album ed è tra i migliori mai fatti. Ok, si dice sempre così ma è davvero il migliore, almeno tra gli ultimi. Abbiamo fatto un ottimo lavoro di studio, cosa che prima non mi piaceva affatto ma ora che ci capisco quasi tutto mi piace molto di più.

Con il nostro produttore, Cameron Webb, è molto bello lavorare, è già il quinto album che facciamo con lui. Non saprei se considerarlo il quarto Motörhead, il fatto è che lui fa esattamente le cose come vorrei sentirle io, quindi direi che è perfetto così. Alla fine comunque noi parliamo di stronzate tecniche mentre sono i chitarristi quelli che cuccano di più, è sempre stato così, anche se con le donne ciò che conta di più è farle ridere per cui consiglio agli aspiranti chitarristi di raccontare una barzelletta tra una canzone e l'altra.

Donne... certo che non si può vivere con loro ma non è che si possono far fuori tutte, no? Del resto casa mia è un piccolo museo della seconda guerra mondiale ed ho poco spazio, giusto quello tra divano, stereo e collezione di dischi, ecco perchè ho comprato un appartamento più grande in un condominio di Los Angeles, città comoda per raggiungere il Mexico .. che non si sa mai .. ci ho fatto anche la canzone.

Non so perchè mi ha sempre ossessionato 'sta cosa della guerra, perfino quest'album volevo intitolarlo After The War, è molto bella la parola After ma il The dopo ci stava male quindi Aftershock ha funzionato. E non c'entra nulla con le mie condizioni di salute, non cominciamo a cercare relazioni dove non esistono e se non ci credete chiedete a Mikkey. Certo son stato male, anzi è stato proprio un anno di merda a dirla tutta ma sta finendo bene dai.

Le canzoni son sempre tutte uguali? Beh, è il solito problema di chi fa il mio mestiere; nel fare canzoni veloci c'è il timing che ti frega e magari qualche volta può capitare di sentire qualcosa di molto simile ad un brano già sentito, ma credo che nessun Motörheadbanger si sia mai posto questo problema. E poi ci sono Dust And Glass e Lost Woman Blues. Da quanto tempo non si sentiva bell'hard-blues caldo e avvolgente che non fosse di estrazione stoner? Il blues mi è sempre piaciuto, mica da ora che mi date per vecchio e malato ... e intanto io son qui a parlare mentre ascoltate il mio fottutissimo disco di quarantennale rock and roll mentre son gli altri che non t'aspetti a morire per primi. Ciao Lou, mi dispiace.

Tranquilli però, gli altri brani parlano di casini. E' tutto un casino .. internet, la privacy .. le carte di credito! Hanno aperto una grande scatola ed ora non riescono più a rimetterci le cose dentro. Io son tranquillo però, il nostro marchio ora sarà perfino sulle bottiglie di Shiraz australiano. Già è successo in passato con del vino rosè, un paio di vodke ed alcuni bourbon. Credo sia un buon vino ma non lo saprò mai davvero, non lo berrò, non mi piace il vino rosso. Mi piacciono invece i libri, si, amo molto leggere, son quello che si dice 'a good reader'.

Si, son proprio tranquillo. Che rimpianti potrei mai avere nella mia vita? Che rimpianti ha uno che ha sentito il proprio nome urlato da centomila persone?

Una cosa forse ci sarebbe, fare il Papa. L'età è anche quella giusta, ma purtroppo è la mia religione ad essere sbagliata.

Presence

Giulio Magliulo — Mon, 18 Feb 2013 16:48:21 +0000

Voto:

9.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Hard Rock

Heavy Metal

Etichetta:

Swan Song Records

Anno:

1976

Line-Up:

Robert Plant - voce, armonica

Jimmy Page - chitarre

John Paul Jones - bassi

John Bonham - batteria, percussioni

Tracklist:

Achilles Last Stand (Jimmy Page, Robert Plant) - 10:25

For Your Life (Page, Plant) - 6:24

Royal Orleans (John Bonham, John Paul Jones, Page, Plant) - 2:58

Nobody's Fault but Mine (Page, Plant) - 6:16

Candy Store Rock (Page, Plant) - 4:12

Hots On for Nowhere (Page, Plant) - 4:44

Tea for One (Page, Plant) - 9:27

Led Zeppelin

Presence

Il 1976 è un anno davvero emblematico per il rock.

Le avanguardie anti-rock della ‘no wave’ fanno il possibile per tirare fuori il rock dalla palude in cui è piombato, ma saranno decisivi gli esordi dei Ramones, Radio Ethiopia di Patti Smith e il Bowie di Station To Station a dare una forma compiuta a quelli che dopo poco saranno definiti punk rock e new-wave.

Ma non è questo l’unico versante su cui picconare; l’esordio di Tom Petty & The Heartbreakers e Desire di Bob Dylan contribuiscono anche a portare nuova linfa ‘roots’ alla faccenda. In qualche misura anche il reggae comincia ad assumere un ruolo diverso all’interno della cultura popolare occidentale, per non parlare della rivoluzionaria disco-music che scombina le carte su un tavolo già di per sè molto confuso.

Quello che si voleva cambiare nel rock and roll era quindi quell’attitudine parruccona da un lato, marchettara dall’altro, che mostrava il suo fianco debole nelle manifestazioni più barocche di certo progressive – e non è un caso che in quell’anno uscirà il primo album dei Genesis senza Peter Gabriel, cambiando definitivamente la fisionomia al genere – o lasciando al rock il solo compito di riempire le arene, decadendo dalla sua funzione sociale, di veicolo di messaggi ; Rocks degli Aerosmith e Destroyer dei Kiss sono il nemico da abbattere.

Non bisogna ovviamente pensare a certe pietre miliari dell’hard rock con la considerazione che meriterebbero oggi, si richiede qui lo sforzo di calarsi nel clima dell’epoca.

Gli ultimi esempi ci avvicinano alla nostra trattazione. Anche i Led Zeppelin nel 1976 sono tra i possibili avversari da far fuori per la rinascita del rock. Però i Led Zeppelin sarebbero stati molto più difficili da uccidere, sia per gli elementi fino ad allora compresi nella loro musica, sia per una serie di questioni personali che trasformavano in forza la loro presunta fragilità del momento.

Non occorre ribadire in questa sede l’importanza dei primi quattro albums dei Led Zeppelin. Le capacità di sintesi hard rock, folk e blues ed un’inclinazione alla psichedelizzazione propria degli anni 69-71 rendono immortale la band proprio come la storia ci ha detto. Dopo, la critica inizia ad intravedere dei segnali di cedimento per certe aperture funky o per certe leggerezze che in realtà erano il modo di portare avanti il discorso ‘Led Zeppelin’, una naturale evoluzione. Era il tempo che lo chiedeva ed il dirigibile ne è stato all’altezza come pochi altri.

Poi un incidente d’auto che costringe Robert Plant su una sedia a rotelle a tempo indefinito, l’alcool di John ‘Bonzo’ Bonham e l’eroina di Jimmy Page che diventano una realtà oggettiva.

Questo è il 1976 in cui i Led Zeppelin pubblicano Presence, facile immaginare che sarà il loro album più fiacco. Niente di più sbagliato: Presence, come II ma diversamente da esso è l’album più potente, carico e roccioso del quartetto inglese.

Lo stesso 1976 di 2112 dei Rush, già proiettati in un altro futuro hard-prog ma soprattutto, lo stesso 1976 di No Heavy Petting degli UFO, di Rising dei Rainbow, di Jailbreak dei Thin Lizzy. E di Sad Wings Of Destiny dei Judas Priest.

Non ci vuole molto a questo punto comprendere che se da un lato l’hard rock americano sta creando le basi per tutto quel filone di rock and roll che vedrà la sua glorificazione negli standards street-glam-hair metal, l’ala inglese sta battezzando l’ultimo grande movimento davvero conservatore del rock, la New Wave Of British Heavy Metal. Che a giudicare dai suoni freddi e taglienti dei Judas Priest si può dire già compiuta.

La grandezza dei Led Zeppelin forse è tutta qui, in nuce nella prima traccia di Presence, Achilles Last Stand, brano che più di ogni altro rappresenta quel momento magico e divino in cui l’hard rock diventa heavy metal senza perdere la sua paternità, la sua epicità, la sua distorsione calda, il passo da cavalcata sul cui stampo tutto il metal a venire - fino al thrash ed in certi casi anche durante - sarà forgiato.

Un’overdose di elettricità, di sovra incisioni, di morphing sonoro tra l’ugola a sirena del biondo cantante e la chitarra lamentosa di Page che resteranno fissati in un momento al di fuori del tempo, come il monolite di Kubrick che in copertina richiama l’attenzione verso le astrazioni esoteriche del quartetto. Un superamento quindi - e non solo concettuale - delle più moderne tendenze delle musiche hard & heavy dell’epoca ad opera di costoro che vengono da quel passato che si vorrebbe cancellare.

Ad ascoltare i brani successivi, si potrebbe anche per un ‘assurdo cronologico’ pensare che tanta magniloquenza elettrica, selvaggia e al contempo controllata potrebbe essere un ritorno alle radici del rock da parte di una band che l’heavy metal lo ha già immaginato, disegnato e suonato tutto e sia andata oltre sebbene l’heavy metal sia lì ancora nel suo nascere.

Così si spiegano For Your Life, rock and roll blues tagliente, secco e sincopato che trasposto in una chiave ritmica meno rispettosa dei silenzi, dei grandi vuoti pieni di pathos caratteristici degli Zeppelin, sarebbe semplicemente funky, mostrando tutta la sua androgina esasperazione e la sua viziosità (don't you wanna cocai-cocai-cocaine?) o Royal Orleans, magnifico esempio di elettrica negritudine tutta scossa da sussulti e fremiti.

L’altra grande song del disco che inaugura la seconda facciata è Nobody’s Fault But Mine, non dissimile dalla sorella maggiore Whole Lotta Love per capacità di penetrazione e groove. La chitarra di Page, distorta al punto da compenetrare la voce di Plant oltre ogni immaginazione, l’assolo di armonica, la sua dissolutezza complessiva la renderanno un episodio sacro negli annali dell’hard-blues.

Che l’origine e la fine del rock sarà il rock and roll stesso, quello archetipico, i Led Zeppelin lo esplicitano in Candy Store Rock, superba prova rockabilly in un tempo in cui qualunque forma di buon senso la avrebbe sconsigliata; i critici aridi ed intenti a misurare con occhi tristi e disincantati, insieme alla successiva Hots On For Somewhere, ritenuta altra sciocchezza da poco non la perdoneranno mai.

L’album si chiude con un altro capolavoro, Tea For One, nuova vetta di cupo lirismo e frustrazione, dolcissimo affresco di malinconia e depressione in cui il drumming di Bonzo sembra stia li a centellinare ogni attimo di quell’attesa silenziosa, di quelle maledette 24 ore, blues elettrico ante-litteram e precursore di ogni slow-core a venire, inutilmente paragonata in uno sterile esercizio agli altri blues precedenti della band con lo stesso stupido metro di una critica rock ingessata e fintamente revisionista.

Ritornando all’inizio del disco, riascoltando l’arpeggio iniziale fatto da quei due accordi minori e gravido della tempesta che presto scatenerà, si può intuire sia lo stato d’animo del gruppo al momento, sia il fenomenale approccio risolutivo che esso ha utilizzato per venirne a capo in un momento d’impasse come quello che viveva. Alla luce di tutto questo, come si può continuare ad ignorare Presence o a considerarlo opera minore?

De Vermis Mysteriis

Giulio Magliulo — Thu, 08 Nov 2012 13:56:28 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Thrash Metal

Doom Metal

Heavy Metal

Etichetta:

Anno:

2012

Line-Up:

Matt Pike - Guitar, Vocals

Des Kensel - Drums

Jeff Matz - Bass

Tracklist:

01 – Serums of Liao
02 – Fertile Green
03 – Bloody Knuckles
04 – Madness of an Architect
05 – Samsara
06 – Spiritual Rites
07 – King of days
08 – De Vermis Mysteriis
09 – Romulus and Remus
10 – Warhorn

High on Fire

De Vermis Mysteriis

Le entità deputate alla valutazione di un disco od una band sono tre ed il loro peso dovrebbe essere proporzionale all’ordine con cui di seguito vengono elencate: il pubblico, i media (quelli istituzionalizzati quindi spesso acritici) ed infine la critica.

Gli High On Fire rientrano in quella rara casistica di bands che sfugge a questa logica e si ritrova tributati tutti gli onori ed i riconoscimenti che merita proprio da parte dei media istituzionali mentre la critica li considera discretamente (ma neanche troppo, eccezion fatta per quella in cui i confini tra la sua missione e l’essere fan sono molto labili) ed il pubblico – in questo caso mi riferisco a quello metal – quasi per niente.

Eppure gli High On Fire meriterebbero più seguito da parte dei metalheads e se questo non avviene è solo per l’imprinting troppo forte che un glorioso passato ha lasciato sul nome di Matt Pike.

Qualche passo indietro per chi ha perso il filo: negli anni ’90 un trio di acid-freaks erige nuove fondamenta per la ricostruzione di un tempio del ‘culto Iommico’. I Black Sabbath ossessionano Pike e Cisneros ma loro più intenti a fumare bonghi che a spendere energie in incessanti martellamenti per headbangers rallentano il riff fino a dilatarlo e renderlo completamente liquido. Le conseguenze di tutto questo si vedranno più tardi nell’affermazione su scala planetaria dello stoner-doom, delle successive implicazioni con le scene drone, sludge ecc. ma resta di fatto che in quegli anni – almeno dal punto di vista commerciale, anni in cui etichette come la Earache dettano legge (nonostante Holy Mountain esca proprio su Earache) e la Peaceville reintroduce sì il doom purchè corroso dalle eresie black e/o death – gli Sleep per esser troppo avanti (o troppo ‘fuori’?) perdono il loro treno.

Se nulla poi è andato perduto poiché come già detto quel seme maligno ha ben attecchito, lo scioglimento degli Sleep allora fu inevitabile. E successero quindi cose strane, ma anche belle: quel nucleo si sdoppiò in due creature che rispecchiavano l’anima dei due componenti principali: da un lato gli OM di Cisneros, mistici, mantrici, orientaleggianti ed ipnotici, più aperti a tutte le culture che il lato spirituale degli Sleep sottendeva, dall’altro gli High On Fire di Matt Pike, dapprima inventori di una formula sludge tuttora ineguagliata con le prime due uscite (che già lasciavano intravedere uno sfilacciamento verso lidi metal), poi con gli altri quattro album che rientrano a pieno diritto nel dominio del metal più puro, duro ed intransigente.

Evidentemente questo non è bastato ai metallari tradizionalisti che probabilmente non hanno mai perdonato quei retaggi spuri, ma peggio per loro poiché non hanno capito che la torcia sacra dell’heavy metal oggi è proprio portata da High On Fire.

Quindi Matt Pike era ed è un metallaro impenitente. Se Blessed Black Wings, Death Is The Communion e Snake For The Divine non son bastati a dimostrarlo (e mi chiedo come sia possibile..), De Vermis Mysteriis offre oggi la possibilità di comprendere e recuperare appieno tutta la gloria e la potenza del metal ‘old school’ nell’attimo supremo del passaggio oscuro tra heavy e thrash (con tutte quelle implicazioni black rozze ed arcaiche che non verranno più sviluppate dal ‘black metal’ propriamente detto, con tutta la spinta propulsiva dello speed che è ancora formalmente ‘heavy’ e con tutto quel corredo iconografico che in certe sue frazioni ancora apparenta doom, epic e power). E sarà proprio questo album, inconsueto nel formato ‘concept’ per il mondo metal, a restituire un’ ampia veduta su questo spaccato di cronache musicali.

Mysteries Of The Worm è una raccolta di storie di Robert Bloch, l’autore di Psycho, ispirato ad alcuni racconti - omaggio poi ricambiato - di Lovecraft con cui era intimo. Ecco dove Pike ha attinto per il titolo, il resto lo fa la sua fantasia malata quando in preda a chissà quale terribile trip si chiede cosa sarebbe successo se Gesù avesse avuto un gemello morto alla sua nascita per permettere la vita al suo fratello più famoso, se questo fratello fosse diventato un viaggiatore del tempo, se – suggestionato anche dalle storie di Conan - avesse incontrato un alchimista cinese che gli avrebbe servito il suo siero, estratto di loto nero e così via.

La traduzione in musica di questi deliri?
Serum Of Liao: la creazione in laboratorio di un abominio genetico tra Cronos e Lemmy, Motorhead e Venom, fusi insieme per fare tanto male. Pochi albums cominciano in un modo così sporco;
Bloody Knuckles: Slayer allucinati che sbattono dritti contro una muraglia di doom/thrash;
Fertile Green: a dispetto del video che si rifà ad un’estetica stoner freak, qui ci sono tamburi di guerra e cadenze marziali, un impianto superthrash serratissimo a supportare le rauche maledizioni scagliate da un’ugola al vetriolo ed interessante assolo che rivela una notevole fantasia di Matt Pike alla chitarra nell’alternare velocità e rallentamenti;
Madness Of An Architect: titolo degno dei Cathedral per un brano degno dei Cathedral, episodio ‘pure doom’ barocco, acido e malevolo;
Samsara: l’eterno ciclo di vita e morte in forma heavy-psych, meritato break psichedelico per non dimenticare che è una immaginazione lisergica a partorire tutto ciò, bello anche per chi ascolta Pink Floyd e Colour Haze ed ulteriore prova della capacità degli High On Fire di potersi liberare dalle spire del metal se volessero (ma non lo vogliono);
Spiritual Rites: per chi si fosse troppo accomodato nella traccia precedente, riecco la barbarie, la macchina bellica del thrash e la presenza dello spettro di Lemmy lasciato da solo all’inferno;
King OF Days: più doom e più epica di un brano dei Candlemass, però con una voce ‘maschia’ al posto di ottave da eunuchi;
De Vermiis Mysteris: la traccia che dà il titolo all’album evidenzia quanto possa essere malvagio e penetrante certo metal senza utilizzare necessariamente velocità forsennate e il growling (ma forse quaranta sigarette al giorno sì);
Romulus And Remus: il tema del doppio,l’ambiguità dei gemelli, trattate con lo stesso feel grunge degli Entombed pre-death n’roll, quelli del periodo Wolverine Blues;
Warhorn: la chiusura delle danze in una traccia ammantata di pesanti e cupe rimembranze Celtic Frost al netto però delle tentazioni avantgarde del combo svizzero.

La produzione dell’album è di Kurt Ballou (Converge), lo studio dove è stato registrato è in quel di Salem e Matt Pike sarà ricordato nel mondo hard & heavy in futuro come uno dei personaggi importanti ma mai abbastanza citati, come la sorte toccata un po’ di eoni fa a Ted Nugent.

Nello sludge, stoner et similia invece è già considerato un dio quindi poco male…poiché anche nella sua natura metallica nel nostro resterà sempre e comunque quel substrato melmoso quantunque affilato e tagliente.

Creatures of the Black

Corrado Penasso — Tue, 27 Dec 2011 09:21:23 +0000

Voto:

6.7 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Thrash Metal

Heavy Metal

Etichetta:

Scarlet Records

Anno:

2011

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Officila Site

Line-Up:

Antton - Drums

Mantas - Guitars

Demolition Man - Vocals, Bass

Tracklist:

1. Exciter (Judas Priest cover)

2. Motörhead (Motörhead cover)

3. Reptile

4. God of Thunder (KISS cover)

5. Hell Ain't a Bad Place to Be (AC/DC cover)

6. Creatures of the Black

Mpire of Evil

Creatures of the Black

Debuttano per la nostrana Scarlet Records gli Mpire of Evil, nuovo super-gruppo formato da personaggi importanti per la scena metal a livello internazionale. I tre membri coinvolti nel progetto sono stati in passato compagni fedeli di Cronos nei mitici Venom ed ora hanno unito le loro forze per dare vita a questo nuovo progetto. Antton alla batteria, Mantas alla chitarre e Demolition Man al basso e alla voce si presentano ufficialmente con questo EP dal nome Creatures of the Black, lavoro composto da due canzoni inedite e quattro cover di gruppi conosciuti.

L’apertura è nelle mani della scatenata Exciter, degli immortali Judas Priests e da subito possiamo notare come lo stile d’esecuzione rimandi inevitabilmente alla band nella quale i componenti hanno militato per tanti anni. La voce roca di Demolition Man, il riffing sporcato di speed metal di Mantas e la batteria inarrestabile ma semplice di Antton richiamo più volte i Motörhead più sudici e thrash. Non a caso a Lemmy e soci viene tributata la canzone successiva, una Motörhead ruvida ed incarognita. Un ottimo tomaggio con la voce di Demolition Man che tocca picchi di di somiglianza mostruosa con l’originale. Un back to the past divertente, fedele ed esaltante nella sua struttura ridotta ai minimi termini con quegli assoli chitarristici sempre un pelino accessibili a contrastare con le telluriche parti ritmiche.

Il primo brano inedito del disco si chiamaReptilee mostra chiare inflessioni thrash metal grazie a tempi ritmati e furiose accelerazioni a sfiorare i blast beats. Il riffing delle chitarre rimane sempre a cavallo tra influenze più moderne ed altre più datate, pur senza mai uscire dal seminato. L’elemento che emerge maggiormente è la voce di Demolition Man: dal timbro roco e dannato, essa aggiunge quel tocco particolare ad una composizione di per sé già abbastanza tenebrosa. Prosegue la serie delle rivisitazioni dei grandi classici con un’arrembante God of Thunder dei Kiss, qui trasformata in una sorta di marcia doom priva di luce e perfettamente adattata al mood generale del disco. Per chiudere in bellezza con le cover, troviamo una strepitosa e roboante Hell Ain't a Bad Place to Be degli AC/DC, infarcita anche’essa di quell’atmosfera di oscurità generale che ammanta il disco, facendola sembrare quasi una cover Motörhead.

In chiusura di disco troviamo il secondo inedito, dal titolo Creatures of the Black. Trattasi di una traccia che predilige un approccio su tempi medi e, conseguentemente, atmosferico in certo senso. I riffs racchiudono passaggi tipici del doom ed anche la voce si fa maggiormente recitativa, adattandosi alla struttura. Così si chiude il primo approccio degli Mpire of Evil sul mercato. L’idea generale è quella che il gruppo abbia solo voluto tastare il terreno prima di buttarsi a capofitto in un album. Le premesse ci sono anche se due pezzi sono pochi per poter giudicare con precisione. Certo è che con una formazione del genere non mi aspetto un debutto scadente. Staremo a vedere.

Fallen Angels

Corrado Penasso — Sun, 11 Dec 2011 12:07:51 +0000

Voto:

5.7 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Heavy Metal

Etichetta:

Spinefarm Records

Anno:

2011

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My Space

Line-Up:

Cronos - Vocals, Bass

Rage - Guitars

Danté - Drums

Tracklist:

1. Hammerhead 04:59

2. Nemasis 03:07

3. Pedal to the Metal 03:43

4. Laps of the Gods 05:09

5. Damnation of Souls 04:29

6. Beggarman 04:28

7. Hail Satanas 04:33

8. Sin 05:33

9. Punk's not Dead 04:11

10. Deathy be Thy Name 03:09

11. Lest we Forget 02:14

12. Valley of the Kings 04:52

13. Fallen Angels 07:06

Venom

Fallen Angels

Che la band di Cronos in passato sia stata importantissima per il nascente panorama estremo è innegabile. Il loro album Black Metal datato 1982 è un pezzo di storia in continua discussione per l’immaginario che fornì alla futura generazione di musicisti metal che, anche grazie ad esso, ribattezzarono un genere e ne attinsero anche l’iconografia satanica e disturbante. La musica dei Venom, trent’anni fa, si distaccava dalla ricercatezza sonora di altri conterranei - capiscuola del genere per gettarsi in qualcosa di ruvido e in qualche modo rivoluzionario. Tutti meriti che la band si è guadagnata nonostante una risaputa carenza tecnica, ma si sa che si fa di necessità virtù. Tuttavia, ora, la band come appare? Lasciamo che sia l’analisi di questo nuovo lavoro dal titolo Fallen Angels a farcelo scoprire.

Con una line-up di recente modifica che vede il frontman Cronos affiancato da Rage, chitarrista nella band dal 2007 e Danté alle pelli dal 2009, il disco debutta grazie al pezzo Hammerhead. Le iniziali rullate di batteria presto accompagnano riffs old style, che rimandano allo stile anni 80 della band ma con quel tocco groove caratteristico dei giorni nostri. La voce roca di Cronos è sempre ben distinguibile e svetta grazie anche a volumi che giocano a suo favore. Un buon inizio che cattura grazie anche al suo ritornello e alle sue strofe ben strutturate nella loro semplicità. La successiva Nemesis inaugura la carrellata di canzoni dallo stile più diretto e veloce, dal chiaro richiamo speed metal. Purtroppo, i volumi non ottimali delle chitarre non riescono ad aggiungere molto ad un prodotto che comunque è fatto per essere semplice. Proseguendo nell’ascolto, tra le altre canzoni che si assestano su questo stile diretto, citiamo a dovere Pedal to the Metal, Punk's not Dead e Death by the Name.

Le strutture sono ridotte ai minimi, i riffs odorano vintage lontano un miglio ma a parte qualche ritornello ben piazzato e alcune leggere melodie tipiche di uno stile che sembra più appropriato agli Exciter c’è poco da segnalare. Tutto scorre come da copione. Tra le quindici canzoni che compaiono su disco, potremmo ancora citare Laps of the Gods, dove influenze tipiche dell’hard rock vanno a scontrarsi con i tipici riffs lugubri a sostenere una canzone che non stupisce ma prende e si lascia ascoltare. Hail Satanas riprende i vecchi cliché del genere che i Venom stessi contribuirono a forgiare ma senza sorprese, per non citare la pesante (da digerire) accoppiata Damnation of Souls –Beggar Man. La noia comincia a farsi sentire in maniera insistente e bisogna essere oggettivi anche nei casi in cui la recensione riguardi una realtà storica del genere. Man mano del il disco scorre, troviamo sempre meno punti di forza per un gruppo che pare stanco e a secco di idee.

Neppure la title-track con la sua introduzione che vuol essere forzatamente lugubre attraverso canti femminili, rintocchi di campane ed il basso distorto di Cronos riesce a smuovermi come dovrebbe. Sorvolando sul resto dell’ascolto che altro non è che un copia-incolla di note risentite migliaia di volte (pure nel disco stesso), giungo alla conclusione della mia personale analisi. Mi dispiace bocciare un disco dei Venom ma sinceramente non capisco tutto questo fervore in occasione di questa uscita discografica. Si sente che la band si limita a fare il suo compitino per tenere a bada i fan più devoti e sinceramente spero che pochi ci caschino.

Lulu

Corrado Penasso — Sun, 06 Nov 2011 07:01:52 +0000

Voto:

4.5 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Rock

Hard Rock

Heavy Metal

Etichetta:

Warner Bros.

Anno:

2011

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Metallica My Space

Line-Up:

Lars Ulrich - Drums

James Hetfield - Guitars, Vocals

Kirk Hammett - Guitars (lead)

Robert Trujillo - Bass

Lou Reed - Vocals (lead)

Tracklist:

Disc 1

1. Brandenburg Gate - 04:19

2. The View - 05:17

3. Pumping Blood - 07:24

4. Mistress Dread - 06:51

5. Iced Honey - 04:36

6. Cheat on Me - 11:26

Disc 2

1. Frustration - 08:34

2. Little Dog - 08:01

3. Dragon - 11:08

4. Junior Dad - 19:29

Metallica & Lou Reed

Lulu

La collaborazione tra Lou Reed & Metallica è sicuramente la notizia che ha tenuto maggiormente banco in questo periodo. L'idea dell'album nacque nel 2009, quando Reed e i Metallica si incontrarono al venticinquesimo anniversario della Rock and Roll Hall of Fame. In quell'occasione si diffusero diverse voci di corridoio su una possibile collaborazione tra il cantautore ex-leader dei Velvet Underground e la band californiana per la realizzazione di un album. La conferma arriva a maggio del 2011, quando Kirk Hammett annuncia che il prossimo album dei Metallica non sarà 100% Originale. Il nome di Lou Reed è stato rivelato solo a giugno e le polemiche sono iniziate. Lulu quindi è nato come lavoro dalla dubbia appartenenza. La sua musica è a cura dei Four Horsemen, mentre i testi vengono dalla penna di Reed. Lo suo stile risulta essere una miscellanea di hard rock, noise rock ed influenze metal per un risultato finale volutamente spiazzante e frastornante.

Diviso in due CD, Brandenburg Gate inaugura il lavoro-collaborazione con le influenze country e la voce calda di Reed, reminiscente del compianto Johnny Cash. Dopo pochi secondi, l’accompagnamento dei Metallica a base di roccioso hard rock entra e dona profondità con riffs melodici ma anche decadenti ed oscuri. La produzione eccellente offre potenza al sound mentre le voci di Hetfield e Reed si intrecciano. A lungo andare non troviamo mutamenti a base della struttura e sembra che la traccia sia solo una mera introduzione, più che un vero inizio. Il groove roccioso ed oscuro ci introduce alla successiva The View, canzone che vede un Reed recitare il testo come una sorta di predica, con tono quasi maligno e minaccioso ma del tutto privo di mordente. Le strutture sono semplici, il drumming di Lars impeccabile solo perché procede a rilento. I pochi momenti maggiormente dinamici si ritrovano in occasione dell’entrata della voce di James ma tutto scorre lentamente e senza emozioni. La base di violini e violoncelli ci trascina nella successiva Pumping Blood, traccia che gioca sui chiaroscuri delle sezioni acustiche da opporre ai momenti maggiormente metallici o dissonanti. In entrambi i casi predomina la voce di Reed, a dire la verità alquanto scialba, ripetitiva e slegata dal sound.

Per ricercare un minimo di velocità bisogna aspettare sino all’inizio di Mistress Dread anche se una base rituale ricreata dalle tastiere si sovrappone alle sfuriate dei Metallica e va a braccetto con la voce sofferente di Reed in quest’abbinamento strambo. La struttura non muta e vede i Metallica suonare riffs veloci ma del tutto privi di fantasia in una durata che sfiora i sette minuti. Iced Honey potrebbe essere tranquillamente liquidata come una sorta di seguito di The View perché lo stile ed i riff si assomigliano incredibilmente e se fosse interamente cantata da James potrei anche dire che sembra una canzone estrapolata da ReLoad grazie al suo incedere elefantesco ma anche leggermente melodico e del tutto privo di mordente. Giunti alla fine del primo CD, affrontiamo gli undici minuti di Cheat on Me, la quale vuole essere sofisticata grazie alle basi di violino che fungono da interludi tra arpeggi e distorsioni in un sound mistico, di difficile assimilazione e del tutto presuntuoso nel suo incedere banale e quasi irritante, oltre che del tutto anonimo.

L’inizio del CD numero due ci presenta una Frustration che punta molto sulle atmosfere a tratti noise, quasi sempre supportate dallo sludge semi-melodico delle chitarre. Gli intermezzi recitati da Reed mostrano sempre quell’impronta schizoide per una struttura dark ma come al solito senza sorprese degne di nota. Influenze country dal tocco oscuro fanno nuovamente capolino in Little Dog, canzone dall’andamento molto lento e dal mood introspettivo. L’unica cosa che brilla è la totale mancanza di idee e di convinzione in quello che si fa. La lagna che viene fuori dall’ugola di Reed continua anche con gli undici minuti della successiva Dragon, composizione che dal punto di vista strumentale mostra distorsioni di sottofondo che si trasformano in groove molle, stantio e del tutto privo di novità. So di ripetermi ma queste sono le uniche sensazioni che l’album mi fa provare e non avrei mai pensato che il secondo CD fosse persino peggio del primo. La finale Junior Dad con i suoi venti minuti di arpeggi melodici intervallati dall’entrata delle chitarre elettriche aggiunge solo un senso di pesantezza (noia) al disco ed il tutto si esaurisce come in un’esperienza estraniante e completamente disturbante.

La collaborazione tra i Metallica e Lou Reed ha così fine e le parole scarseggiano. Trovo davvero difficile descrivere quest’ascolto. Da un lato, posso dire che il disco funziona abbastanza se si prende in considerazione il mood complessivo delle composizioni, le somma delle atmosfere. Esso tuttavia fallisce totalmente dal punto di vista strettamente musicale. La carenza di idee è spiazzante e non si tratta di un problema di velocità d’esecuzione. Non si possono basare delle composizioni che spesso superano i dieci minuti su due o tre strutture diverse poiché è impossibile che la noia non si impossessi dell’ascoltatore. Disquisizioni a parte sulla validità commerciale del prodotto (i Metallica dovevano avere la spinta definitiva nel mainstream musicale e Reed necessitava di farsi nuovamente vivo per non cadere nel dimenticatoio), Lulu è un lavoro di difficile assimilazione; un’agonia che non consiglio agli ascoltatori.

The Damned Next Door (Know your Neighbors!)

Corrado Penasso — Thu, 23 Jun 2011 09:09:28 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Thrash Metal

Heavy Metal

Etichetta:

Worm Hole Death

Anno:

2011

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Bapho Matt – Vocals/ Bass

A.G – Guitars

Matt Huntzer –Guitars

Yndt T. Witch – Drums

Tracklist:

1. Self-Inflicted Masterpiece

2. Afterlife Confusion

3. Enemy In Me

4. H.M.K.M.

5. C.F. Virus S01 (Feat. Flegias)

6. Confessions Of A Headless Man

7. Bloodsuckers

8. J.A.D.E.

9. Lulladie

10. New World Inquisition (When You Hear The Sirens)

Story of Jade

The Damned Next Door (Know your Neighbors!)

Nati a Firenze nel 2002, i Story of Jade arrivano alla pubblicazione del loro primo album sotto l’etichetta Worm Hole Death ed il titolo di questo nuovo lavoro è The Damned Next Door (Know your Neighbors!). Musicalmente parlando, il quintetto ci propone un mix di thrash metal Europeo (Kreator e Destruction su tutti) ed heavy metal con influenze groove reminiscenti dei Nevermore. Se si analizza, invece, la parte estetica e lirica, possiamo notare la passione da parte del gruppo per l’immaginario zombie trattato con humour nero e mai in modo “gore” come tante realtà estreme fanno.

L’apertura del disco é affidata a Self-Inflicted Masterpiece e sin da questa traccia possiamo notare tutte le sfaccettature del sound del gruppo: ritmiche thrash metal, tappeto di doppia cassa, voce acida che ben presto si tramuta in pulita per accogliere aperture grooveggianti e momenti dark. La fase solista delle chitarre è forse l’elemento che risente maggiormente dell’apprendistato a base di puro heavy metal mentre ci accingiamo ad ascoltare quel macigno groove dal nome Afterlife Confusion che trasporta con sé chiare influenze alla Exodus degli ultimi anni e momenti nei quali i chiaroscuri chitarristici rubano la scena al resto del gruppo. Potente l’inizio doomeggiante di Enemy in Me, quando il proseguimento della traccia mostra invece momenti maggiormente melodici, soprattutto in fase vocale.

H.M.K.M. ben presto irrompe con il suo carico di influenze hard rock a scuoterci per bene tramite un ritornello accattivante e riffs diretti, dalla presa facilissima. Come ospite speciale su disco troviamo l’ugola al vetriolo di Flegias dei Necrodeath a dare il suo contributo su C.F. Virus S01, canzone dalle tinte dark e psichedeliche. Proseguendo all’ascolto del disco bene o male lo stile rimane invariato e ci si destreggia sempre tra influenze groove, heavy e thrash ma possiamo segnalare ancora, tra gli episodi più significativi o coinvolgenti la grinta di Bloodsuckers ed il groove massiccio ed oscuro di Lulladie.

A lungo andare il disco non morde più di tanto. Si lascia ascoltare, certamente, ma non lascia il segno. Il gruppo quasi si fossilizza su uno stile e non riesce a tirar fuori dal cilindro idee elettrizzanti, ma solo alcune discrete. C’è anche da dire che siamo alla prima esperienza a livello di album tuttavia ci troviamo a nove anni di distanza dalla data della formazione del gruppo e qualcosa in più era lecito aspettarsi. Insomma, questo disco è raccomandato per un ascolto senza troppe pretese per una band che deve ancora crescere e sbocciare.

Serve Your Master

Corrado Penasso — Wed, 02 Feb 2011 17:02:15 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Heavy Metal

Etichetta:

My Graveyard Productions

Anno:

2010

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Tony Rassu - Bass

Andrea Giribaldi - Guitars

Lord Goblin - Vocals

Claudio Sechi - Drums

Gianni Corazza - Guitars

Tracklist:

1. Rising from Hell 06:02

2. Awakening 07:15

3. Sabrewolf 06:02

4. Eagle Take My Hand 04:07

5. The Mark of Betrayal 05:47

6. Red Warlock 05:10

7. Endless Line 01:16

8. Slave to the Master 04:11

9. Ashes and Blood 04:18

Red Warlock

Serve Your Master

Album ufficiale di debutto per i Red Warlock questo Serve your Master. Il quintetto di Sassari si cimenta in un heavy metal molto potente ed a tratti estremo, tanto che a volte si sconfina nel power/thrash metal più genuino. Formatisi nel 2005, i Nostri hanno già una discreta esperienza alle spalle e con questo lavoro prodotto dalla My Graveyard Production posso fare il salto di qualità, anche a livello di notorietà nell’ambiente.

L’inizio di Rising from Hell annovera già tutte le qualità che ho citato in precedenza: il solismo delle chitarre possiede il tocco heavy giusto per poi proseguire con tanto groove ed un retrogusto epico che rende il tutto orecchiabile e di facile presa sull’ascoltatore. La voce potente Lord Goblin fa la differenza giacché la sua ugola ben si destreggia tra picchi medio/alti e momenti nei quali il tono si fa più recitativo per seguire alcuni intermezzi maggiormente lugubri e prevalentemente doomy. Echi degli Overkill fine anni 80 (ovvero quelli più tendenti allo U.S. Power metal) si possono riscontrare in tali momenti, come anche nella successiva The Awakening. Dalla lunga durata, la canzone amalgama ottimamente ripartenze di doppia cassa a rallentamenti molto teatrali ove le tastiere di sottofondo donano quel qualcosa in più all’atmosfera ben supportata dal solismo raffinato delle due asce. Le voci si intrecciano, formano cori o creano una base di supporto alla linea solista che si getta in urla lancinanti e molto evocative.

Proseguendo nell’ascolto troviamo un tempo medio dall’andamento solenne e tenebroso allo stesso tempo dal nome Sabrewolf. Il ritornello è senza dubbio la parte di canzone che abbraccia maggiormente le influenze heavy/power per un approccio più orecchiabile rispetto al resto di questa ottima traccia. Accanto a tanta oscurità c’è spazio per le melodie della ballad Eagle Take My Hand, fortemente debitrice dei Manowar ma molto meno zuccherosa o pacchiana per un risultato centrato in pieno. Il ritorno a sonorità più pesanti ma pur sempre dal tocco epic si hanno con la successiva The Mark of Betrayal ed il suo incedere maestoso, pregno di partiture molto evocative da parte delle chitarre ed una prestazione vocale ancore una volta sopra le righe. L’ottimo heavy dal groove marcatamente anni 70/80 viene allo scoperto nella successiva Red Warlock a creare scompiglio e gettare dinamismo maggiore.

Avvicinandoci alla fine del disco ci imbattiamo nel pacifico intermezzo dal nome Endless Time, antipasto a base di arpeggi che va a sfociare nella pesante ma sempre calcolata Slave to the Master. Ancora una volta doverosa è la lode agli intrecci chitarristici, di tutto rispetto. A chiusura dell’album troviamo la canzone più veloce del lotto, ovvero Ashes and Blood, la quale con il suo tappeto di doppia cassa veloce strizza più volte l’occhio al tipico power metal. A dire la verità, i Red Warlock non eccedono mai neanche in questo senso, facendo in modo che il risultato non sia mai sproporzionato o kitsch. Tutto appare meticolosamente strutturato per conservare tutti gli elementi che caratterizzano il loro sound, senza che si lascino trascinare in una sola direzione.

Tirando le somme dell’ascolto, posso dire che i ragazzi ci sanno fare eccome e possono essere tranquillamente annoverati tra le sorprese maggiori in campo heavy metal. Sicuramente l’appoggio dell’etichetta non verrà meno perché lasciarseli scappare sarebbe un vero peccato. Promossi e a presto per un nuovo lavoro altrettanto potente, curato e ben confezionato.

The Cold

admin — Sun, 26 Sep 2010 22:00:00 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Heavy Metal

Etichetta:

Driven Music Group

Anno:

2010

Link correlati:

Official Site

Line-Up:

- Eric "A.K." Knutson - vocals
- Edward Carlson - guitar
- Jason Ward - bass
- Mark Simpson - guitar
- Craig Nielsen - drums

Tracklist:

1. Hypocrite 04:05
2. Take 04:19
3. The Cold 07:19
4. Black Cloud 04:41
5. Blackened Eyes Staring 04:38
6. Better Off Dead 05:43
7. Falling Short 05:12
8. Always 03:38
9. K.Y.A. 05:26
10. Secret Life 07:03

Flotsam and Jetsam

The Cold

I Flotsam & Jetsam dall’Arizona erano negli anni 80 quanto di migliore il panorama power/thrash metal Americano potesse offrire. Nati nel 1982, i nostri musicisti vennero sempre relegati nell’underground del genere ed a loro non venne mai riconosciuta la dovuta importanza che una band si meriterebbe se avesse sfornato due album quali Doomsday for the Deceiver e No Place for Disgrace. Quelle due uscite rappresentano dei capisaldi del genere ma purtroppo una lenta discesa qualitativa colpì il gruppo che così venne ricordato principalmente per aver donato Jason Newsted ai Metallica nel suo picco creativo massimo.

Tanti anni sono passati da allora e molte uscite discografiche non felici diedero il colpo finale ad un gruppo in costante bilico, tra molti cambi di formazione ed etichette discografiche. Gli elementi thrash metal stavano sparendo, soppiantati da quelli heavy, groove e progressive. Solo ultimamente il gruppo ricevette una maggiore visibilità anche se la formula musicale rimane intatta, in linea generale. The Cold rappresenta la decima uscita di brani inediti ed ancora una volta questa uscita ce li presenta ormai irriconoscibili e stanchi, senza quel nerbo che possa almeno far ricordare gli esordi. Molte volte i brani vengono ammantati da un’atmosfera gotica, dark e l’utilizzo di voci filtrate, arpeggi e note di piano di sicuro non brilla per originalità. I primi esempi li troviamo con Hypocrite, Better off Dead (semi-ballad dal retrogusto veramente insipido) o in occasione delle title-track, confusionario mix delle succitate partiture gotiche, stacchi prog e ripartenze groove. L’unica nota di merito la riservo per il buon vecchio Eric che al microfono fa sempre la sua bella figura grazie al suo timbro melodico ma anche indiavolato quando si deve.

Le chitarre in generale macinano riffs sì pesanti per via della buona registrazione, ma anche senza idee esaltanti nonostante le note capacità strumentali del gruppo. I coretti power/prog che qua e là spuntano in occasione dei ritornelli delle canzoni sono privi di mordente e carichi di quel tocco moderno del genere a dir poco fastidioso. Realmente non c’è nulla da segnalare di particolare perché il disco si “regge” semplicemente sugli stili succitati senza variazioni degne di nota. Le strutture sono semplici, lineari e le fasi soliste delle chitarre seppur ottime tecnicamente, aggiungono solo sbrodolature alla proposta ed esse sono raramente improntate a seguire la linea melodica della sessione ritmica, per esempio. I soli esempi più grintosi li troviamo con Blackened Eyes Staring, Always o con Falling Short , tuttavia le partiture si limitano ad essere una riproposta dell’ormai abusato post-thrash metal con momenti imbarazzanti e riffs impastati.

Insomma, che i Flotsam & Jetsam dei bei tempi ormai fossero andati lo si sapeva già dalla metà degli anni 90 ma questo disco va oltre ogni limite di sopportazione. Ora, la mia non vuole essere una stroncatura pesante o prevenuta perché la tecnica strumentale c’è e se “reinventarsi” è un modo per stare in piedi senza proporre la stessa minestra riscaldata per anni, c’è da lodare il gruppo. Semplicemente, non è questa la strada da prendere perché le canzoni sarebbero potute essere migliori e non impregnate da influenze che ormai ricalcano generi abusati e scontati. Forse in questi casi sarebbe meglio la scelta della minestra riscaldata, anche se loro non la propongono più dal lontano 1990 per i gusti del sottoscritto.

The Final Frontier

admin — Tue, 31 Aug 2010 22:00:00 +0000

Voto:

4.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Heavy Metal

Etichetta:

Emi Records

Anno:

2010

Link correlati:

Iron Maiden Official Site

Line-Up:

- Bruce Dickinson: Voce
- Steve Harris: Basso, Tastiere
- Janick Gers: Chitarra
- Adrian Smith: Chitarra
- Dave Murray: Chitarra
- Nicko McBrain: Batteria

Tracklist:

1. Satellite 15... The Final Frontier
2. El Dorado
3. Mother of Mercy
4. Coming Home
5. The Alchemist
6. Isle of Avalon
7. Starblind
8. The Talisman
9. The Man Who Would Be King
10. When the Wild Wind Blow

Iron Maiden

The Final Frontier

È con The Final Frontier che gli Iron Maiden, probabilmente la band-emblema della musica heavy metal e tra quelle di maggior successo di sempre in questo genere, danno alla luce il loro quindicesimo capitolo discografico, a quattro anni dall'ultimo controverso A Matter of Life and Death, seguito successivamente da ben due uscite live e una compilation del primo periodo di vita della band - la cui effettiva necessità è decisamente opinabile.

La line-up non ha subito alcun cambiamento: gli Iron Maiden rimangono il sestetto dal Brave New World di 10 anni fa, con il solito Bruce Dickinson alla voce, Janick Gers, Dave Murray e Adrian Smith alle chitarre, Steve Harris al basso e Nicko McBrain alla batteria. Anche la proposta non è del tutto diversa da ciò cui gli album post-reunion ci hanno abituati: i pezzi sono caratterizzati da prolisse introduzioni e da conclusioni che riprendono il tema principale (almeno per quanto riguarda metà del lavoro), mentre il corpo è caratterizzato dai soliti acuti di Dickinson (che a distanza di quasi 30 anni dalla sua entrata in scena non propone nulla di nuovo, e anzi si mostra poco ispirato nelle sue parti vocali), da riff e assoli più o meno ripetitivi che non tagliano minimamente i ponti con il passato più recente della band, sostenuti dall'ormai caratteristico basso di Harris e dalla base ritmica di McBrain. È anche da sottolineare la lunghezza dei brani, elevata se non addirittura esagerata (il pezzo più breve è di 4 minuti e mezzo, mentre il più lungo arriva a vette di quasi 11 minuti), a causa della recente svolta pseudo-progressive nel song-writing di Steve Harris - unico membro della band che ha voce nella composizione di ogni canzone del platter -. Questa breve introduzione allo stile di tutto l'album mette subito in chiaro che chi s'è ritrovato a non apprezzare i dischi immediatamente precedenti a questo, difficilmente troverà di proprio gradimento quest'ultimo lavoro, ma anche coloro che hanno ascoltato piacevolmente Dance of Death o A Matter of Life and Death probabilmente si ritroveranno a chiedersi se ormai non è il momento per la band di concludere la propria avventura musicale, che seppur ormai leggendaria è nel pieno di una parabola discendente.

Satellite 15... The Final Frontier non contraddice questa premessa: l'introduzione è lasciata a riff di chitarra quasi psichedelici, conditi dai pattern di batteria di McBrain, che seppur possa risultare come un'idea gradevole nei primi momenti d'ascolto, alla fine si dimostra solo come fastidiosa, contando la lunghezza di tale intro (oltre due minuti, decisamente ridimensionabili o addirittura evitabili); subito dopo la sua conclusione Dickinson si mette in mostra con i suoi caratteristici ed esagerati vocalizzi (mostrando appieno la sua poca ispirazione, risultando davvero poco espressivo), sostenuti da riff scialbi e insapori e conditi da un drumming banale e da assoli alternati che non lasciano il segno.
La situazione non sembra migliorare neppure con l'arrivo della seconda traccia, El Dorado, primo singolo estratto da The Final Frontier, che risulta comunque piatta e in cui Dickinson non fa che confermare l'impressione data con la title track, risultando quasi fastidioso sia nelle tonalità più acute che in quelle più gravi; con la più breve Mother of Mercy c'è però un leggero miglioramento, e Dickinson riesce finalmente a mostrarsi non solo come un vocalist capace di meri acuti inespressivi - anche se sfortunatamente la situazione si rivela solo temporanea, e dopo la melodica introduzione si ritrova a cantare come nei brani precedenti -, mentre i tre chitarristi si cimentano in riff più interessanti; questi piccoli pregi non rendono però Mother of Mercy un brano bello a tutti gli effetti.
Segue quindi la ballata Coming Home, caratterizzata da buone idee (come alcuni riff e l'assolo che seppur non eclatante riesce a catturare l'ascoltatore) e da alcune delle linee vocali più pregevoli del platter. Non si tratta sicuramente di un capolavoro, seppur rinforzi molto la speranza che i primi tre capitoli del disco siano gli unici di tale mediocre qualità, così come non lo è The Alchemist, la traccia più breve di The Final Frontier, che ripescando dalla tradizione dei primi Maiden si rivela comunque come un pezzo decisamente energico e accattivante.
È da Isle of Avalon che il disco mostra appieno le influenze del nuovo gusto compositivo di Harris: la lunghezza dei pezzi aumenta considerevolmente, a discapito delle idee - nella fattispecie, una lunga quanto noiosa intro di charleston, basso e chitarra prelude al brano vero e proprio, mentre Dickinson si ritrova di nuovo a cimentarsi con le linee vocali che hanno reso i brani ad apertura del disco mediocri e noiosi -, con un corpo centrale dominato da continui assoli e variazioni del tema principale, che lasciano di tanto in tanto spazio alla voce.
Starblind non sembra voler contraddire tutte le considerazioni valide per Isle of Avalon, e si rivela noiosa in egual misura, nonostante l'aggiunta di tastiere al tessuto del pezzo per aggiungere varietà agli arrangiamenti. Un arpeggio acustico e la voce sussurrata di Dickinson aprono la successiva The Talisman, e seppur l'idea iniziale sia buona anche qua il giudizio viene nettamente ridimensionato per via della prolissità; successivamente l'arpeggio lascia il posto a una cavalcata di basso in cooperativa con la batteria di McBrain (che si toglie finalmente l'anonimato musicale che aveva mantenuto per la durata di quasi tutto il disco finora), su cui ancora una volta un esageratamente spinto Dickinson svetta con la sua voce. Nota di merito finalmente per la sezione solista, che dà alla luce riff e assoli tra i migliori dell'album, e che mostra come possano essere sfruttate in modo convincente tre chitarre soliste.
È con l'ennesimo arpeggio di chitarra in clean che si apre The Man Who Would Be King, prima di lasciare posto a dei riff di chitarra distorta sostenuti da McBrain e nuovamente dalle tastiere. È ormai inutile sottolineare le pessime scelte che Dickinson attua per pressoché tutta la durata del pezzo, e risultano forzate anche le numerose variazioni del brano, quasi Harris volesse a tutti i costi comporre brani complessi e articolati a prescindere dalla sua ispirazione o dalla necessità di tali svolte.
La conclusiva Where the Wild Wind Blows si apre nuovamente con un arpeggio (preceduto questa volta dal rumore del vento per aggiungere atmosfera al tutto), e anche l'entrata in scena della voce sembra ricalcare pedissequamente The Man Who Would Be King, seppur l'evoluzione del pezzo risulti decisamente più affascinante... almeno per quanto riguarda la prima parte: è infatti poco dopo aver superato la metà che il brano comincia a perdere tutto il suo carattere, risultando eccessivamente lungo e forzatamente portato avanti, rovinando le buone idee che si erano notate nei primi cinque minuti, per poi chiudersi banalmente con l'arpeggio iniziale.

Difficilmente qualcuno non si sarà aspettato una delusione da questo ultimo lavoro, contando la mancanza di idee e il progressivo peggioramento da ormai un decennio a questa parte di una formazione che seppur storica non è più capace di mantenere un livello qualitativo abbastanza alto da giustificare tutto l'hype intorno a ogni loro recente uscita.
Questo disco è deludente sotto ogni punto di vista, le poche idee veramente buone vengono screditate dall'ultima svolta pseudo-progressive che costringe a una dilatazione eccessiva dei pezzi, e anche ciò che più ha reso caratteristico la musica dei Maiden (come gli squilli vocali di Dickinson o le cavalcate di basso di Harris) sono in questa release semplicemente sottotono, monocordi o semplicemente abusate da risultare come semplici cliché e deja vù. Consigliato solo ai collezionisti fan della band.

Ibridoma

admin — Mon, 01 Mar 2010 23:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Heavy Metal

Etichetta:

SG Records

Anno:

2009

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Sito Ufficiale

Line-Up:

- Christian Bartolacci - Voce
- Marco Vitali - Chitarra
- Simone Mogetta - Chitarra
- Leonardo Ciccarelli - Basso
- Alessandro Morroni – Batteria

Tracklist:

1. Red 03:33
2. I’m Not Sorry 04:05
3. Ibrido 04:07
4. Alone In The Wind 06:15
5. Jenny 03:42
6. Night Falling 03:43
7. Night Of Crow 04:54
8. Page 26 06:09
9. Lady Of Darkness 13:42

Ibridoma

Ma quanto sono bravi questi Ibridoma?! L’avevo già detto in occasione della mia recensione di Page 26, il demo del 2008 e lo riconfermo ora alla luce del loro debutto ufficiale in forma di full-length. L’omonimo album si avvale finalmente di una registrazione all’altezza e la SG Records ha visto bene ancora una volta, producendo questo ottimo lavoro che come al solito accosta il classico heavy metal dei nostri musicisti a quelle tinte dark che solo loro riescono a creare. Questi influssi darkeggianti, complici l’atmosfera e la struttura delle canzoni che non si lanciano mai su tempi veloci, ammanta le canzoni in modo incredibile e le melodie che qui potete trovare non si lasciano mai andare a tentazioni commerciali. Esse, invece, danno quel tocco oscuro e a volte malinconico alla struttura della canzone, denotando un ottimo livello di songwriting ed una maturità invidiabile.

Bene, dopo avere praticamente anticipato tutte le mie emozioni all’inizio della mia recensione, lasciandone ben poche per il termine, addentriamoci in questo nuovo album per carpirne ogni particolare. L’apertura è affidata ad una delle tracce più dinamiche del disco, ovvero Red. L’ossessiva marcia della batteria sostiene ottimi riffs groove con sporadiche entrare delle linee soliste a sostenere partiture arrembanti e veramente catchy. I riferimenti ai primi Iron Maiden sono evidenti ma anche questa impronta oscura è degna dei migliori Mercyful Fate. Lo stampo più marcatamente hard rock esce con la catchy I’m Not Sorry, praticamente un clone del classico heavy metal che spopolava in Italia negli anni 80 tra Vanexa, Crying Steel e X-Hero. Il timbro acuto ma mai eccesivo del singer Christian si amalgama alla perfezione ed ancora una volta, in occasione della partitura solista dal tocco epico, i riferimenti alla Vergine d’Acciaio sono più che evidenti, pur mantenendo uno stile personale all’interno della composizione. A dir poco magnifica ed inebriante la malinconica Ibrido, dal tocco così decadente ma allo stesso tempo deciso. Finale da pianti con il primo testo in italiano di quest’album.

La lunga Alone in the Wind, se per alcuni versi si distingue per il riffing roccioso su tempi medi, é anche vero che si possono trovare elementi più melodici come il coro di un refrain da brividi per carica emotiva. Ottima la sezione centrale con un assolo che ne riprende la trama melodica e l’amplifica attraverso note prolungate ed evocative a gettare forti tinte dark sulla composizione. La ballad Jenny entra all’improvviso proprio dove le note malinconiche della canzone che la precedeva stavano finendo, continuandone l’intento di farci riflettere ed emozionare. Eccelsa nella sua semplicità, questa canzone mette anche la voce in rilievo quando la seguente Night Falling pone l’accento sul riffing metallico. Pur essendo di buon fattura, questa canzone non mostra idee esaltanti, complice anche una posizione su disco non felice, dopo una doppietta da urlo. Sempre buono il refrain ma per esempio una più particolare Night of Crow si fa notare maggiormente. La struttura non muta molto rispetto ai canoni Ibridoma tuttavia il riffing si fa sovente più cupo e penetrante. Page 26 è ripresa dall’omonimo demo ma grazie ad una registrazione più potente, i suoni si sono fatti più profondi senza che la classica atmosfera delle tastiere in sottofondo venga meno.

Come ultima canzone troviamo il secondo tributo al passato stesso della band con il rifacimento di Lady of Darkness, tratta dall’omonimo demo del 2005. Di lunga durata, la canzone è una specie di summa degli elementi che caratterizzano il sound dei nostri musicisti. L’inizio è in forma di ballad dal chiaro sapore drammatico e romantico allo stesso tempo. Le tastiere conferiscono al sound un tocco decisamente decadente, anche quando la distorsione degli strumenti si fa più evidente. Le varie cadute nel sinfonico sono a dir poco emozionanti, col basso ad accompagnare a braccetto con gli arpeggi. Il lento svanire degli strumenti preannuncia una traccia fantasma alla fine del disco, cantata in italiano e con un chitarra acustica come solo accompagnamento a termine di un viaggio veramente emozionante ad opera di un band che farà strada. Almeno, è ciò che mi auguro.

The Reaper

admin — Sat, 06 Feb 2010 23:00:00 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Marcello Zinno

Genere:

Heavy Metal

Etichetta:

GUN Records

Anno:

1993

Link correlati:

Official Site

Line-Up:

- Chris Boltendahl - Vocals
- Uwe Lulis - Guitars
- Tomi Göttlich - Bass
- Jörg Michael - Drums

Tracklist:

1. Tribute To Death
2. The Reaper
3. Ride On
4. Shadows Of A Moonless Night
5. Play Your Game (And Kill)
6. Wedding Day
7. Spy Of Mas'on
8. Under My Flag
9. Fight The Fight
10. Legions Of The Lost (Pt.2)
11. And The Devil Plays Piano
12. Ruler Mr.H
13. The Madness Continues

Grave Digger

The Reaper

Dopo ben 7 anni e più dall’ultimo album studio ed una manciata di EP i Grave Digger tornano alla ribalta con un nuovo lavoro.
Questo potrebbe essere l’inizio di un racconto secolare scritto per anticipare le grandi gesta di una band che ritorna sulle scene per regalare le stesse emozioni degli esordi ma purtroppo ciò solo in parte corrisponde a realtà visto che non possiamo presentarlo come un picco della carriera dei GD: durante i 7 anni infatti è avvenuto un cambio di moniker abbreviando quello vecchio in Digger e dando alla luce Stronger Than Ever oltre ad uno stravolgimento della line-up che vede il solo Chris Boltendahl tenere le redini del becchino con al proprio fianco Uwe Lulis che dall’87 lo accompagnerà fino alla fine del millennio e la presenza alla batteria di Jörg Michael (futuro drummer degli Stratovarius).

Anni quindi non semplici per gli eroi tedeschi ed i problemi vengono a galla ascoltando questo The Reaper solo sulla carta un nuovo inizio che dovrebbe rilanciarli verso le vette dell’ormai affermatissimo classic heavy metal teutonico. Infatti se The Reaper mette in luce dei passi avanti in termini di produzione, merito anche delle migliori tecnologie a disposizione, l’album si attesta su un songwriting eccessivamente in continuazione con il passato: ciascuna traccia si basa su uno o due riff al massimo che si ripetono all’infinito e di conseguenza anche i testi risultano poco variegati, segno di una ispirazione musicale limitata. Le canzoni risultano più orecchiabili, soprattutto nei ritornelli, e seppur l’album scorre tiratissimo (qua e là sono avvertibili alcune influenze speed) gli standard su cui si attesta l’album non sono come i primi tre lavori in studio della band, fisiologicamente associabili alla NWOBHM teutonica ottantiana.

Sicuramente è da segnalare la comparsa di assoli, fattore nuovo per i Grave Digger, capaci di mettere a lustro sopratutto la title-track e l’accattivante And The Devil Plays Piano in cui Uwe Lulis fa capire a tutti di non essere un novellino, mentre le doti del nuovo quartetto vengono messe in risalto tramite l’azzeccatissima Ride On, la ben costruita Spy Of Mas'On, la cavalcata dal nome Fight The Fight e l’epicissima Legions Of The Lost (Pt.2).
Le restanti tracce vivono di un’anima ribelle ma meno rivoluzionaria, scorrono statiche (Play Your Game, Ruler Mr. H su tutte), troppo legate ai vecchi stilemi classici della band e talvolta convincono solo in alcuni passaggi (Shadows Of A Moonless Night ha un riff che sembra uscito dalla chitarra di K.K. Downing e Glenn Tipton).
Sicuramente i brani stanno con gli anni assumendo una forma diversa ma il tempo della maturazione non è ancora giunto.

War Games

admin — Thu, 24 Dec 2009 23:00:00 +0000

Voto:

8.3 / 10

Autore:

Marcello Zinno

Genere:

Heavy Metal

Etichetta:

Noise

Anno:

1986

Link correlati:

Official Site

Line-Up:

- Chris Boltendahl - vocals
- Peter Masson - guitars
- C.F. Brank - bass
- Albert Eckardt - drums

Tracklist:

1. Keep On Rocking
2. Heaven Can Wait
3. Fire In Your Eyes
4. Let Your Heads Roll
5. Love Is Breaking My Heart
6. Paradise
7. (Enola Gay) Drop The Bomb
8. Fallout
9. Playin’ Fools
10. The End

Grave Digger

War Games

Ecco che in picchiata i Grave Digger, ancora una volta ad un soffio dall’ultima fatica discografica, escono allo scoperto senza stravolgere di una virgola le caratteristiche principali della propria offerta, per nulla messa a rischio dai continui cambi di line-up. La forza ed il carisma di Chris Boltendahl restano intatti precisamente come i due anni che hanno anteceduto l’uscita di questo War Games, album dalla calibratissima ed irriverente natura heavy che continua a far accumulare punti ai nostri teutonici eroi. L’album e soprattutto la copertina risultano fortemente ispirati all’omonimo film di John Badham del 1983 in cui un ragazzino si divertiva a sfidare il suo computer ad una “guerra termonucleare globale”, investendo alla fine anche interessi ed organismi internazionali.

I testi di War Games, un po’ come da tradizione, parlano di musica (Keep On Rocking, Let Your Heads Roll), di battaglie per affermare sé stessi e del bilico tra vita e morte, topic quest’ultimo che garantisce un sicuro fascino nella proposta musicale heavy ottantiana; il sound sempre rocciosamente imperniato in un riff centrale per ciascuna canzone si ripete non già fino allo sfinimento bensì fino al cedimento neuronale: Heaven Can Wait può tener cattedra in questo, con un refrain che resta inciso ed una cattiveria capace di sfidare il diavolo (curiosità: registrato nello stesso anno in cui gli Iron Maiden pubblicano l’omonimo pezzo nell’album Somewhere In Time…un caso?!) ma che è solo di un atomo inferiore alla cattiveria sprigionata da Fire In Your Eyes nella quale Albert Eckardt è ad un passo dallo sfondare il rullante.
La vera pecca dei Grave Digger, l’elemento che non ha permesso loro di accedere all’olimpo di band culto, coincide probabilmente nel ritardo cronologico con cui la proposta musicale del “becchino” (traduzione del moniker) si accinge a conquistare il mercato discografico, soprattutto se si considerano i contenuti della scena NWOBHM (Iron Maiden, Judas Priest, Saxon). Come quasi un’ombra dei fratellastri di oltre manica, i Nostri vivono di fan già nati ad opera altrui pur fornendoci, attraverso War Games, le giuste motivazioni per riconoscere il contributo che Chris e la propria ciurma è riuscita a conferire al genere.

Oltre i pezzi già citati, anche i riff di Paradise, pezzo tutt’altro che paradisiaco, ma oseremo dire infuocato da gradi centigradi a tre cifre e di Drop The Bomb, cavalcata potente dal bridge epico, stentano ad abbandonare i nostri pensieri facendo implodere nelle nostre menti un pogo sfrenato, non meno potente di una “thrash old school band”.
Ma non finisce qui perché i Grave Digger si cimentano di nuovo nella composizione di una ballad, Love Is Breaking My Heart: dopo la poco riuscita Yesterday degli esordi, Chris si sente più a suo agio con un pezzo difforme dalle sue tonalità naturali, pezzo nel quale riesce anche a creare il giusto pathos da canzone “rock ‘n’ love”. Frutto di tanto lavoro ed il risultato è più piacevole del passato.
Calda Follout, guadagna consenso grazie ad una struttura differente dal solito pezzo targato “Digger”, una grossa attenzione alla parte introduttiva che arricchisce di non poco i contenuti standard della song (stavolta è l’alone di Piece Of Mind che non riesce a togliersi dalla nostra mente), ritmi lenti ed assolo grezzo ed impeccabile condiscono il pezzo. Un passo avanti nell’evoluzione del sound, evoluzione confermata anche dal primo decimo pezzo della storia dei GD, The End (dopo l’allegra Playin’ Fools): strumentale dall’incedere maestoso che anticipa un’apocalisse prossima alla devastazione totale. Sarà questo il concetto portante del successivo lavoro?

Poets & Madmen

admin — Sun, 20 Dec 2009 23:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Heavy Metal

Etichetta:

Nuclear Blast/SPV/Steamhammer

Anno:

2001

Link correlati:

Line-Up:

- Jon Oliva - voce, tastiere, pianoforte
- Al Pitrelli - chitarra
- Chris Caffery - chitarra
- Johnny Lee Middleton - basso
- Jeff Plate - batteria

Tracklist:

1. Stay With Me a While
2. There in the Silence
3. Commissar
4. I Seek Power
5. Drive
6. Morphine Child (Cantations)
7. Rumor
8. Man in the Mirror
9. Surrender
10. Awaken
11. Back to Reason

Nota finale:

Anche se de facto è con questo disco che si chiude la lunga discografia dei Savatage, ufficialmente il gruppo è solamente "in sospeso", con Jon Oliva che ha espresso più volte l'intenzione (mai concretizzata), di pubblicare un ultimo, definitivo disco con il gruppo, magari in occasioni particolari come il venticinquesimo anniversario dalla formazione - occasioni che sono tutte trascorse senza effettive reunion d'addio.
Ma in realtà dopo molti anni, e con Jon che ha voltato pagina dedicandosi al progetto Jon Oliva's Pain a briglie sciolte, si può considerare Poets & Madmen l'ultimo capitolo del viaggio iniziato verso la fine degli anni '70 dai due fratelli Oliva.

Savatage

Poets & Madmen

Dopo la pubblicazione di Wake of Magellan, il marchio Savatage entra in una sorta di limbo, in quanto il successo riscontrato dalla Trans-Siberian Orchestra spinge Jon Oliva e Paul O’Neill a concentrarsi maggiormente sul loro nuovo progetto (sforzo che culmina nel loro album migliore, Beethoven’s Last Night, nel 2000). A questo punto però si avverte la necessità di tornare a comporre per la formazione madre. I due hanno già in mente un nuovo concept e iniziano a scrivere qualche canzone: è il preludio al dodicesimo e ultimo full-lenght dei Savatage, cioè Poets & Madmen.
Ma la genesi del disco è travagliata, perché Al Pitrelli e Zachary Stevens lasciano il gruppo. Il primo per entrare nei Megadeth (e al suo posto viene reclutato tal Jack Frost) mentre il secondo è divenuto da poco padre e non se la sente di allontanarsi dalla famiglia per un nuovo lungo tour. Comunque, neanche il tempo di dire "oh" che Pitrelli litiga con Mustaine e decide di tornare con Jon, che così con poco galateo licenzia Frost, e intanto viene contattato un giovane cantante, Damond Jiniya, con l'intento di dividere a metà le parti cantate con lui. Damond però non può partecipare alle registrazioni in studio a causa di numerosi impegni, così Jon, ormai ripresosi dai problemi alle corde vocali, sceglie di tornare completamente dietro al microfono per tutto il corso del full-lenght dopo dieci anni esatti dall'ultima occasione.

La musica di Poets & Madmen segna un maggiore indurimento dello stile dei Savatage rispetto a Wake of Magellan, con riff più aggressivi, stacchi più duri, minori aperture soft-oriented: insomma, un disco più genuinamente heavy. Ma ciò non impedisce che esso suoni comunque più atmosferico degli standard del genere e che le tastiere di Jon non impreziosiscano i pezzi con il loro contorno melodico. L’atmosfera che permea l’album assume tinte più oscure che nel precedente disco, un po’ anche per adattarsi al concept, e la voce cupa e caustica di Jon si sposa perfettamente con queste caratteristiche, dimostrandosi un'ugola carismatica e brillante; certo, le sue linee vocali sono diversissime rispetto agli acuti rauchi di tanto tempo addietro, ma il suo timbro di voce rimane immediatamente riconoscibile.
Inoltre produzione e arrangiamenti vengono relativamente ammodernati (ad esempio il lato più groovy/thrashy di Al Pitrelli e Caffery, vicino alla scena dei '90 grazie anche all'accordatura ribassata, sporca il riffing).

L'inizio del disco è eccellente, con l'opening Stay With Me a While (dura, aggressiva, decadente) e soprattutto l'intrigante There in the Silence con i suoi synth oscuri, i riff granitici e l'assolo caustico. Ci sarebbe da aggiungere anche Commissar per via della sua parte iniziale, oscura, inquietante e ossessiva grazie ai riff ripetuti, alla batteria macabra e alle stratificazioni vocali con coro; ma il resto del brano, più spedito e tagliente, è anche meno atmosferico e suggestivo, suonando meno convincente.
Rimedia a ciò la successiva I Seek Power, al tempo stesso bruciante e raggelante come fondendo le due parti di Commissar, anche se il risultato non è efficace come nel duetto d'apertura.
Viene ora un pezzo veloce come Drive, negli intenti adrenalinico, ma di gran lunga il meno caratterizzato fino a questo momento.
Se fino a questo momento il disco è avanzato seguendo una parabola discendente, il brano successivo spezza l'andamento poiché fa raggiungere il vertice assoluto: Morphine Child è infatti il gioiello del disco, l’unico brano che propone una struttura poliedrica ed un’intenzione maggiore di variare gli schemi. Una piccola perla di progressive metal sinfonico che passa rapidamente da un mood all’altro: emozionante, malinconica, epica, aggressiva, ora con un Jon che canta dolcemente sopra timidi giri di note, ora con imponenti cori liturgici che si sovrappongono. È anche il brano più lungo della storia dei Savatage (dieci minuti, non moltissimi in confronto ad altri gruppi però).
Rumor sembra una ballata acustica malinconica e bucolica, condita da un certo spiritualismo nelle liriche, ma ad un certo punto subentrano le prevedibili schitarrate distorte a spezzare l'atmosfera. Peccato perché poi la canzone si dipana in fraseggi ancora più intimisti e toccanti, sicuramente efficaci se non fosse per le scariche metalliche che ci vengono ficcate in mezzo per forza, probabilmente con l'intento di fare contrasto dolceamaro, ma che in realtà suonano banali e fuori luogo.
Seguono ora l'oscura e granitica Man in the Mirror (in cui si nota l'intermezzo aggressivo ed alienante) e l'intensa Surrender (con alcuni dei vertici emotivi più suggestivi dell'album nella sua coda di chiusura) a ripercorrere i binari già consolidati del disco.
La mordace Awaken non aggiunge nulla di nuovo e suona più piatta e monotona delle altre canzoni.
In conclusione troviamo Back to a Reason, una commovente ballad il cui compito è quello, sì, scontato, di emozionare, e nella sua semplicità concettuale centra il bersaglio con precisione unica; ed in particolar modo il suo crescendo emotivo (prima dolce ed atmosferica, poi via-via più impetuosa fino a diventare un'intensa rocker, contrasto significativamente più a fuoco ed equilibrato che in Rumor), formalmente banale, riesce ad essere ugualmente convincente e arrangiato con classe. Il canto del cigno dell’album.

Alla fine sembra che non vi sia stata molta ambizione nella composizione del disco, anzi, Jon in alcuni pare casi tornare al passato rispetto agli altri dischi del periodo post-Criss, nel senso di privilegiare un sound più d'impatto e meno orchestrato, reinterpretandolo nell’ottica attuale del gruppo.
Dietro le note un feeling che molti gruppi invidierebbero (senza contare che il tutto rimane decisamente migliore di molte uscite prive di personalità che scopiazzano lavori del passato) ed il disco è magistralmente suonato, però manca della brillantezza e dell’originalità che avevano contraddistinto altri album. Le canzoni prese singolarmente si rivelano altalenanti, alcune ottimamente pensate, altre più piatte e poco incisive.
Ne risulta un lavoro che fa un po' fatica a decollare, ma impreziosito comunque da un'atmosfera ed una personalità difficilmente rintracciabili altrove.

Fireangel

admin — Wed, 14 Oct 2009 22:00:00 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Marcello Zinno

Genere:

Heavy Metal

Etichetta:

Massacre Records

Anno:

2009

Link correlati:

Official Site

Line-Up:

Roberto Dimitri Liapakis - Vocals
Markus Pohl - Guitar
Constantine - Guitar
Connie Andreszka - Bass
Stefan Dittrich - Drums

Tracklist:

1. Across The Gates Of Hell
2. Demons Crown
3. We Kill!! You Die!!
4. Father Save Me
5. To The Devil I Pray
6. Fireangel
7. Fight Back The Light
8. Death Under Control
9. Revolution Evil
10. Gods Of War
11. Forever Betrayed

Mystic Prophecy

Fireangel

I Mystic Prophecy hanno deciso che il 2009 è l’anno giusto, l’anno per proporre un nuovo lavoro sperando che i numerosi cambi di line-up non abbiano reso instabile l’attenzione dei fan verso la propria proposta musicale. Molti infatti sono stati gli ingressi e le uscite dalla band, tra cui non può essere tralasciata quella di Gus G. (Firewind, Arch Enemy, Dream Evil) che alla terza uscita discografica ha abbandonato la baracca, fino al punto in cui oggi l’unico membro fondatore ancora operativo per i MP è il vocalist Roberto Dimitri Liapakis, noto anche per essere produttore non solo del presente Fireangel ma anche di lavori a nome Firewind, ed addirittura degli italiani Eldritch.

La proposta dei tedeschi è solidamente ancorata ad un heavy metal moderno, che attinge da radici thrash da un lato (intendendo quello pieno di make up per renderlo meno grezzo possibile) e power dall’altro (nonostante le origini qui si allude ad un power americano molto potente), genere che nonostante la storia burrascosa della band non sembra essere molto diverso dal recente passato. Le basi sono sicuramente molto solide ma prive di qualsiasi forma di intromissione di sonorità nuove rispetto al loro stile: anche le strutture delle canzoni risultano eccessivamente incentrate sulla parte vocale che tramite il classico menù “strofa-ritornello-strofa” non solo rischia di sotterrare il riffing talvolta interessante ma anche di stancare l’ascoltatore, soprattutto (e questo è peggio) in sede live.

Fireangel risulta il figlio naturale del precedente Satanic Curses dimostrando che gli anni trascorsi in giro per concerti, come headliner prima e come spalla ai Primal Fear poi, non hanno condotto ad alcuna forma di maturazione interessante per la band. E questo è un peccato perché con Savage Souls del 2006 i Mystic Prophecy avevano assunto una connotazione più chiara, il power dall’impatto bellico era più tangibile e si notavano tanti spunti che hanno sicuramente contribuito a far salire nel tempo le aspettative dei fan. Aspettative purtroppo soddisfatte solo in minima parte.

A questo punto resta solo da capire quale sia la profezia che i Nostri vogliono raccontarci.