Hard Rock

Earth Rocker

Matthias Stepancich — Tue, 24 Sep 2013 22:49:55 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Stoner

Hard Rock

Etichetta:

Weathermaker Music

Anno:

2013

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Neil Fallon - vocals, guitar, harmonica, additional percussion
Jean-Paul Gaster - drums and percussion
Dan Maines - bass guitar
Tim Sult - guitars

Tracklist:

1. Earth Rocker - 3:31
2. Crucial Velocity - 3:59
3. Mr. Freedom - 2:43
4. D.C. Sound Attack! - 4:37
5. Unto the Breach - 3:29
6. Gone Cold - 4:20
7. The Face - 4:22
8. Book, Saddle, & Go - 3:43
9. Cyborg Bette - 3:13
10. Oh, Isabella - 5:17
11. The Wolf Man Kindly Requests… - 5:02

Clutch

Earth Rocker

Passati i vent’anni d’attività non-stop, il quartetto del Maryland sembra non presentare alcun segno d’invecchiamento né voglia di riposarsi. Il decimo album in studio, Earth Rocker, è anzi un passo avanti in ferocia e tiraggio rispetto al (valido) precedente Strange Cousins from the West, del 2009.

Aperto dalla title-track, è già da subito un manifesto del credo esistenziale dei Clutch, e di cosa significhi vivere, suonare, respirare lo spirito del rock: “What’s this about limits? Sorry, I don’t know none [...] If you’re gonna do it, you better take it to the stage, or don’t do it at all [...] I will suffer no evil: my guitar will guide me through“; il chorus, con i suoi vocalizzi voodoo, è un esplicito omaggio a Screamin’ Jay Hawkins, mentre le parole forse più d’effetto e rappresentative dell’intero album arrivano dopo il secondo chorus, urlate dalla sempre incredibile voce di Neil Fallon su di un muro sonoro di chitarre e basso ultradistorti (“I don’t need your sticky laminate, I don’t need your VIP. I don’t need your validation, ’cause I wear mine on my sleeve. / So don’t look to me for answers, ’cause I don’t got-a-one. I just came to have a good time, and I’m gonna have one. / Yes, I’ve lost many battles, and even more days. But if I had to do it over, I’d do it just the same“).
Le armoniche e le tinte blues che avevano trionfato su From Beale Street to Oblivion (2007) tornano qui, in un travolgente hook, solo su D.C. Sound Attack! (dominata alle pelli dal tocco bonhamiano del professionale e sottovalutato Jean-Paul Gaster), ma i momenti epici, trainati da melodie vocali e riff memorabili, ci sono e si avvicinano senza problemi a quei fasti, e, seppur in modo più diretto ed essenziale, brillano nelle varie Crucial Velocity (con una citazione di Rocket 88, la canzone del 1951 tradizionalmente considerata la prima registrazione rock’n'roll), Mr. Freedom, Unto the Breach (col riff più tagliente di Tim Sult), Cyborg Bette, The Face, e Oh, Isabella; la necessaria e ben riuscita variazione di Gone Cold è guidata invece da chitarra acustica e classica in stile western-morriconiano, basso languido, e da un cavernoso crooning di Fallon che poi va a ricordare il miglior Mike Patton nel chorus.

In mancanza di miglior definizione, anche stavolta si può parlare di un moderno e peculiare stoner, sebbene manchino totalmente (ed ora più che mai) delle influenze psichedeliche: il centro vitale del Clutch-sound è costituito da un assorbimento di tonnellate di classici del rock’n'roll, dell’hard rock più classico (Led Zeppelin, Thin Lizzy, AC/DC), southern (ZZ Top) e blues-prog (Captain Beyond), intinto nell’alternative metal di inizio anni ’90, e, qui in particolar modo, attento allievo delle modalità con cui i Motörhead hanno saputo dare una tinta più feroce al proprio stile nel trittico Inferno, Kiss of Death e Motörizer, e forse anche allo stile più pestato, diretto e senza fronzoli adottato dai “colleghi” Fu Manchu in Start the Machine e We Must Obey.

La produzione è più compatta e ricca di bassi, merito della mano di Machine; è sintomatico che i Clutch abbiano richiamato il producer di Blast Tyrant (2004), visto che Earth Rocker sembra riprenderne il discorso sotto vari aspetti, tornando a bordate più aggressive, massicce e terra-terra, allontanandosi da, ma allo stesso incorporando in piccoli momenti, sia l’immersione nel blues di From Beale Street to Oblivion, sia il più moderato e “maturato” Strange Cousins from the West; rispetto a ques’ultimo, i pezzi sono più semplicistici ed essenziali nella struttura e nell’esecuzione, ma probabilmente l’efficacia delle melodie, del sound (corposo, feroce, definito) e della schiettezza generale gli pone Earth Rocker un gradino sopra.
Pochi avrebbero scommesso su di un riuscito ritorno allo stile di Blast Tyrant dopo una progressiva deviazione da esso e parecchi anni in più sul groppone, ma i Clutch ci sono riusciti in modo conciso e soddisfacente.

Un piccolo, grande disco di puro rock "terreno", che conferma ancora una volta la possibilità di poter guardare alla tradizione rock, blues e hard rock in maniera né nostalgica né passatista, ma invece costruendovi sopra tirando fuori una formula esplosiva, personale e moderna. Speriamo che le attuali generazioni ne prendano il più possibile esempio.

Anuseye

Giulio Magliulo — Tue, 01 Nov 2011 17:24:03 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Stoner

Hard Rock

Grunge

Etichetta:

Interbang

Anno:

2011

Line-Up:

Claudio Colaianni (chitarre, vocals)

Luca Stero (chitarre)

Michele Valla (basso)

Antonello Carrante (batteria)

Tracklist:

Side A

01. The Girl At The Corner Of My Heart 3:50

02. Head 3:34

03. Au Dela Du Ciel 5:01

04. Voodoo Lesson #1 2:46

05. All Is In Your Eyes 9:50

Side B

06. Fine Needle 3:55

07. Still 4:15

08. The Betryal 3:27

09. Song For The Trees 4:41

10. Primary Love Blues 5:43

Anuseye

Vent'anni fa furono i That's All Folks, seminale cult band barese a lasciarci intendere che anche noi potevamo dire la nostra in termini di rock and roll. Il termine 'stoner' ancora non lo avevamo mai sentito che i That's All Folks lo avevano già superato con la loro mistura psicotropa a base di hard-rock blueseggiante e psichedelia garage.

Non è possibile ora ricostruire analiticamente la loro carriera perchè è giusto lasciare spazio alla nuova creatura Anuseye, ma pochi semi gettati lì a caso - Nebula, Nasoni Records, Beard of Stars, Sun Dial, Malleus - basteranno a far germinare lussureggianti piante allucinogene nel vostro giardino.

Gli Anuseye nascono da una costola di quei That's All Folks e son qui per illuderci – con somma gioia ed al contempo con una vena di amarezza - del ritorno di certo rock in Italia.

Tempi di batteria secchi e squadrati; riffs stoogesiani drammatici, avviluppati in soliste serpentine, ossessive nella loro simmetricità; voce fredda, utilizzata per affrancarsi dalla stessa noia bipolare che affliggeva l'iguana e che nasce da quello stesso substrato emotivo riletto sotto la luce più moderna del grunge psicotico dei '90 degli Skin Yard, dei My Sister's Machine e – definitivamente – del post-metal dei Tool.

Intro acustiche e ipnotiche per ballate malsane, arpeggi che lasciano le dita sporche ed odorose, smarriti in un sogno 'garage' multicolor che culmina nel nero più nero; contemplazioni acido-psichedeliche su una mappa della California incisa su lastra di metallo; anatemi di proto-punk votato ai culti più oscuri delle musiche heavy degli ultimi 40 anni.

Scosse violente interrotte da pause riflessive di voci filtrate, trame circolari e wah hendrixiani collocati su possenti muri chitarristici di calde vibrazioni valvolari; poi la fuga verso lo stesso deserto mentale dei fratelli di fede Fu Manchu ed Atomic Bitchwax ed un veloce ritorno al chaos urbano tutto neon ed eroina dei fratelli Asheton (per gli orecchi più fini anche un bellissimo richiamo ai mai troppo incensati The Bags di Chicago).

Fino ad oggi pochi son riusciti ad esprimere con convinzione quel 'missing link' tra grunge e stoner (gli statunitensi Abdullah si sono avvicinati abbastanza, ma la loro bilancia pendeva troppo vistosamente verso gliAlice In Chains); gli Anuseye non solo ci riescono pienamente, ma, come in passato con i T.A.F., superano questo traguardo andando ad inglobare nel loro suono tutta una serie di ricordi garage ed underground dei decenni passati che riusciranno finalmente a colmare spazi vuoti ed inguardabili nello scaffale "rock italiano altro", quello in cui coesistono Not Moving ed Ufomammut come se in mezzo non ci fosse stato altro.

Rispolverate quindi il piatto dell'hi-fi per questi 180 gr. di spesso vinile, bellissimo anche nella grafica dell'artista Gurnari: Interbangs non sbaglia un colpo!

David Comes to Life

Emanuele Pavia — Sun, 31 Jul 2011 22:00:37 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Punk Rock

Hard Rock

Etichetta:

Matador Records

Anno:

2011

Link correlati:

Fucked Up @Myspace.com

Line-Up:

- Pink Eyes (Damian Abraham) – Voce
- 10,000 Marbles (Mike Haliechuk) – Chitarra
- Gulag (Josh Zucker) – Chitarra, Voce
- Young Governor (Ben Cook) – Chitarra, Voce
- Mustard Gas (Sandy Miranda) – Basso
- Guinea Beat (Jonah Falco) – Batteria, Chitarra, Tastiere

Guests:
- Madeline Follin - Voce
- Jennifer Castles - Voce

Tracklist:

1. Let Her Rest
2. Queen of Hearts
3. Under My Nose
4. The Other Shoe
5. Turn the Season
6. Running on Nothing
7. Remember My Name
8. A Slanted Tone
9. Serve Me Right
10. Truth I Know
11. Life in Paper
12. Ship of Fools
13. A Little Death
14. I Was There
15. Inside a Frame
16. The Recursive Girl
17. One More NIght
18. Lights Go Up

Fucked Up

David Comes to Life

Venuti alla ribalta del fenomeno hardcore punk con una serie di promettenti demo che avevano spianato la strada al debutto su full-length, avvenuto nel 2006 con la pubblicazione di Hidden World, e affermatisi tra i massimi esponenti (e innovatori) del genere nell'ultimo decennio grazie all'hardcore "progressivo", sinfonico e riccamente arrangiato presentato nel successivo The Chemistry of Common Life del 2008, i canadesi Fucked Up ritornano nel 2011 presentando il grandioso David Comes to Life - pubblicato il 6 giugno scorso dalla stessa Matador Records che aveva pubblicato il loro ultimo album in studio - dopo un lungo concepimento di ben tre anni.

Aperto omaggio ai grandi doppi album del passato del calibro di Zen Arcade degli Hüsker Dü (di cui riprende anche l'estetica del doppio vinile), David Comes to Life porta a compimento il progetto che i Fucked Up avevano già abbozzato con il concept di The Chemistry of Common Life. L'album è infatti un'ambiziosissima rock-opera in quattro atti, ambientata nell'Inghilterra degli anni '80, che narra la love story tra l'operaio impiegato in una fabbrica di lampadine (da cui la copertina del disco) David Eliade con la giovane rivoluzionaria Veronica Boisson, seguendo una narrazione complessa, talvolta indecifrabile, erede dei testi metafisici dylaniani; a questo plot arzigogolato si aggiunge inoltre uno studiato e impegnativo lavoro strumentale, che riesce nell'obiettivo di mitigare la visceralità punk dei precedenti full-length con i massimalisti arrangiamenti delle grandi opere rock del passato (Tommy su tutte) e con la forte enfasi emotiva dei testi figlia tanto di Bruce Springsteen quanto dei Replacements.

Love, then the tragedy strikes the town.
Il primo atto rappresenta probabilmente quello più solare di David Comes to Life. L'overture Let Her Rest, con le eteree melodie di chitarre che ricalcano quelle sognanti delle ninna nanne, introduce alla vera apertura della narrazione con la successiva Queen of Hearts, in cui la voce roca, volgare e tipicamente hardcore di Pink Eyes (aka Damian Abraham), voce narrante, dipinge le rosee aspettative nel futuro dei due amanti, contrapponendosi prima alle ineffabili melodie di chitarra quasi shoegaze, e successivamente alla voce angelica di Madeline Follin (dei Cults), che invece si cala nei panni della giovane Veronica. Le premesse vengono portate alle estreme conseguenze in Under My Nose, dove i vitali riff di chitarra (che questa volta ripescano dal punk-pop degli Hüsker Dü più melodici) incorniciano la gioia del giovane David, alle prese con la vita che finalmente si dimostra generosa nei confronti di un operaio della working class; The Other Shoe è invece, come dimostrato anche dalle sessioni strumentali più dure (che si rifanno principalmente agli Who), il primo segnale della fine dell'idillio, che arriva definitivamente con Turn the Season, dove, riprendendo il tessuto sonoro più hard rock del pezzo precedente, viene descritto il tragico scioglimento della love story: Veronica, infatti, muore in un fallito attentato alla fabbrica, lasciando David nella più totale disperazione e chiudendo dolorosamente il primo atto della rock opera.

David loses Veronica, and then himself, as he succumbs to guilt and despair.
Alla morte della ragazza succede inevitabilmente la disillusione dell'amante: introdotto da un significativo How could have we been so blind?, Running on Nothing prosegue sulla scia del rock alla Who, tra duri riff di chitarra e melodie orecchiabili, illustrando tutta la delusione e i sensi di colpa di David per la fine della sua gioia, esemplificata ancor di più dalla successiva Remember My Name (in cui i riff hard rock e i motivi pop diventano funzionali alla voce di Pink Eyes). Il dialogo di chitarra e batteria a chiusura del pezzo conduce quindi l'ascoltatore alla volta di A Slanted Tone, che introduce il personaggio di Vivian Benson, ex-fidanzata di David, e successivamente a Serves Me Right (uno dei pochi pezzi considerabili hardcore punk di tutto il concept album), in cui David rimette in discussione il suo dolore per la morte di Veronica, attribuendovi invece il significato di una meritata punizione per aver creduto nell'amore.

Another character is revealed, putting the responsibility for Veronica's death into question.
Dopo la pessimista chiusura hardcore del secondo atto, il concept del disco vira verso lidi più cervellotici: a partire dalla ballata Truth I Know (con intro acustica e piglio punk-pop nuovamente debitore degli Hüsker Dü), infatti, entra in scena Octavio St. Laurent, narratore delle vicende di David Comes to Life in preda a deliri di onnipotenza nonché coinvolto nella morte di Veronica. Tra David e Octavio comincia, a partire da Life in Paper, un rapporto conflittuale e quasi metafisico (come dimostrato sia dalle aspre accuse di David nei confronti del narratore/dio, sia dai riff di chitarra che sembrano elevarsi al cielo) che sfocia infine in un aperto scontro nell'hardcore vivace e straripante di arrangiamenti di Ship of Fools: l'esito della battaglia è fallimentare per David, che nella sfuriata punk rock di A Little Death perde definitivamente la voglia di vivere e di amare ancora, raggiungendo il culmine di dolore del disco e decretando la morte interiore del personaggio.

A revelation from Vivian sheds more light on Veronica's death; Octavio and Vivian explain their motives, and David is reborn.
Ma la redenzione arriva con l'atto finale della punk rock opera. Infatti, in I Was There Vivian afferma di aver assistito agli ultimi istanti di vita di Veronica, e descrive minuziosamente (accompagnata da camaleontici riff hard rock e vorticose distorsioni di chitarra) il momento della morte della giovane attivista. A ciò seguono quindi la confessione westerbergiana (sia nei testi, sia nelle soluzioni musicali che riportano alla mente il punk rock cantautorale dei Replacements) di Octavio in Inside a Frame, dove ammette il suo fallimento come narratore onnisciente e quasi divino quale aspirava ad essere, e la melodica e solare Recursive Girl, in cui Vivian proclama il suo proposito di ritornare a vivere e ad amare, per sopportare il dolore del passato. E finalmente, David riesce ad ammettere il suo unico errore, ovvero aver cercato invano di dimenticare l'amore perduto, e ritornare a vivere, sostenuto dai riff nuovamente solari e gioiosi di chitarra di One More Night (un rock energico e magniloquente negli arrangiamenti, dove ritorna il contrasto tra voce hardcore maschile e voce celestiale femminile della cantautrice Jennifer Castles) e della conclusiva Lights Go Up (che segna la fine del travagliato percorso interiore di David con i suo riff hard rock liberatori e sontuosi, che riprendono ed esasperano la gioia presente nel primo atto).

Nel lungo percorso che rappresenta il concept di David Comes to Life, i Fucked Up riescono a inserire un'energia e una vitalità inedita anche rispetto ai loro precedenti dischi. La loro musica non è più semplice hardcore, ma ne recuperano il vigore per infonderlo nei sontuosi arrangiamenti e nei melodici fraseggi strumentali che sono ormai più vicini all'hard rock che al punk, ed è proprio questo grande studio musicale a costituire il punto di forza del disco. L'unico neo di tutto il tessuto sonoro è però una monotona voce sguaiata di Pink Eyes (unico elemento veramente hardcore rimasto in David Comes to Life) che non sempre è adatta al concept narrato o al lavoro strumentale che lo accompagna; ma riuscendo a soprassedere a questo difetto, il monumentale doppio album dei Fucked Up non mancherà di affascinare coloro che decideranno di ascoltarlo.

Failing

Giulio Magliulo — Wed, 19 Nov 2014 19:46:03 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Stoner

Hard Rock

Etichetta:

Autoprod.

Anno:

2014

Line-Up:

Ferdinando 'Nando' Puocci: voce, chitarra

Bartolomeo 'Oreste' D'Angelo: synths

Luciano Corvino: basso

Costantino Oliva: batteria

Tracklist:

1. Failing

2. Raise Your Hands

3. Down From A Mountain

4. We Wanna Know

5. Don't Anyone

Miriam in Siberia

Failing

Per non farci fuorviare dai nomi diciamo subito che i Miriam In Siberia non fanno new-wave e vengono da quella parte di provincia casertana che è già Napoli.

Benchè questo Failing sia il loro terzo album, il loro nome ci era del tutto sconosciuto.

Mettendoci sulle loro tracce per capire com'è che una band dal nome così freddo, proveniente da una zona così calda suoni un rock così bollente, scopriamo che questo prodotto è il frutto di una sicura evoluzione e non avendo modo di sapere com'erano prima, al di là delle descrizioni che si possono leggere, ci siamo affidati a Spotify ed abbiamo trovato due brani all'interno di compilation relative ad un paio di edizioni dell'Atellana Festival.

Ci esimiamo dal giudizio su quei lavori poiché non è questa la sede deputata ed anche perché un eventuale opinione non potrebbe che essere ingiustamente e superficialmente parziale ma vi abbiamo raccontato tutto questo perché se dovesse venirvi la curiosità, dovete sapere che oggi i Miriam In Siberia sono tutt'altra cosa.

A cominciare dal cantato in inglese, funzionale a sonorità proprie della moderna scena psych-rock nord americana.

Questo già indica che la nostra Miriam non inventa nulla di nuovo, ma le riconosciamo il merito di un nobile ispirarsi rispetto alla maggior parte delle formazioni nostrane inclini a suoni hard di matrice stoner/doom-rock troppo spesso limitate ai soli panorami desertici mid-nineties.

E' dal triangolo Arbouretum/Black Mountain/Dead Meadow che il quartetto campano trae linfa e lo fa anche molto bene, abusando finalmente dell'hammond oltre che del fuzz, pestando sulle pelli con il vigore necessario e correndo liberi negli ariosi e grandi spazi dell'odierna psichedelia hard.

Dai primi mutuano il tiro pachidermico mentre quelle pause, quelle sospensioni sono tipiche del gruppo di Dave Heumann, di cui hanno imparato fin troppo bene la lezione. Dei Dead Meadow è invece il passo pesante, la coltre densa e fumosa entro cui si muovono. Questo vale per 4/5 del disco e tutto scorre bene, molto bene, fin troppo. E' solo la terza traccia, Down From A Mountain a non convincere e non perché sia un pezzo brutto, affatto, ma solo perché i nostri cadono esattamente nel paradigma – finora abilmente scongiurato – delle altre bands che richiamano quelle sonorità a cavallo tra grunge e stoner, un po' come gli Abdullah per chi li ricorda o gli Acrimony meno misticheggianti. E questo cambio d'atmosfera messo proprio lì al centro rovina un po' la festa, ma non bisogna farne un dramma visto che i Miriam In Siberia per essere una band in transizione son stati fin troppo bravi e nel finale di Don't Anyone ci regalano perfino una cavalcata space hawkindiana che chiedere di più è da irriconoscenti.

Failing è stato registrato a Napoli e masterizzato in analogico a New York, è in edizione limitata in vinile 12” e lascia presagire belle cose a venire.

Misantropus

Giulio Magliulo — Wed, 07 Aug 2013 19:19:51 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Doom Metal

Hard Rock

Etichetta:

Doomymood

Anno:

2013

Line-Up:

Andrea Vozza - Drums

Vincenzo Sanniti - Bass

Alessio Sanniti - Guitars

Tracklist:

1. Noeh

2. Woodarc

3. Green (The Animalspact)

4. Birds

5. Seas

6. The Deluge

7. Filantropus (Sun)

Misantropus

Continua la partnership tra la label Doomymood ed i Misantropus che grazie ad essa hanno cominciato a pubblicare anche su cd i loro lavori (sebbene l’etichetta rispetti sempre l’idea originaria del vinile propria del trio di Latina).

Misantropus, terzo disco della band in quindici anni è in realtà del 2012 ma visti i tempi ‘comodi’ dei ragazzi, giunge a noi soltanto adesso (ed immaginiamo che ad altri non sia arrivato molto prima) e quindi possiamo considerarlo a tutti gli effetti ‘rilasciato’ quest’anno.

Come già si intuiva dal precedente lavoro, i fratelli Sanniti (più Andrea Vozza alla batteria) stanno approfondendo sempre di più le loro tematiche spirituali e filosofiche legando i brani che compongono l’album in una sorta di concept, incentrato questa volta su un altro archetipo, Noeh.

La necessità della salvezza quindi, necessaria quando la decadenza morale raggiunge il suo nadìr, vuole essere il filo conduttore di queste tracce in cui si affacciano – inevitabili implicazioni – elementi naturali e cosmici che nella narrazione biblica trovano poi sempre figure aderenti ed esplicative.

Una concezione quasi pagana più che religiosa dunque, ma in controtendenza rispetto ad altri archetipi – questa volta musicali – tipici del mondo metal.

‘Positive doom’ potremmo quindi ribattezzare l’evoluzione dei Misantropus, evoluzione che comincia ad essere anche formale oltre che concettuale (cover a parte che non è dissimile dalle precedenti e che sottolinea nella sua scarnezza una continuità con i trascorsi del gruppo): di atmosfere plumbee ed opprimenti proprie del più classico doom-metal qui non ce ne sono.

L’energia quasi ‘solare’ che al contrario i Misantropus vogliono trasmettere trova in tempi leggermente più veloci e sostenuti della media doom la sua espressione primaria ed anche le sequenze di accordi che formano i riff sono più in maggiore che in minore.

Sembra che la musica, pur restando un rock essenziale, basico, guardi stavolta più all’hard-rock e all’heavy metal primario, i suoni sono più caldi e corposi ed anche la chitarra solista è più evidente in alcuni episodi, più acida.

Il discorso che i Misantropus portano avanti li sta trasformando definitivamente in ‘Filantropus’: ‘la tenacia delle pietre e delle piante’ – per citarli direttamente – sembra essere dalla loro.

Presence

Giulio Magliulo — Mon, 18 Feb 2013 16:48:21 +0000

Voto:

9.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Hard Rock

Heavy Metal

Etichetta:

Swan Song Records

Anno:

1976

Line-Up:

Robert Plant - voce, armonica

Jimmy Page - chitarre

John Paul Jones - bassi

John Bonham - batteria, percussioni

Tracklist:

Achilles Last Stand (Jimmy Page, Robert Plant) - 10:25

For Your Life (Page, Plant) - 6:24

Royal Orleans (John Bonham, John Paul Jones, Page, Plant) - 2:58

Nobody's Fault but Mine (Page, Plant) - 6:16

Candy Store Rock (Page, Plant) - 4:12

Hots On for Nowhere (Page, Plant) - 4:44

Tea for One (Page, Plant) - 9:27

Led Zeppelin

Presence

Il 1976 è un anno davvero emblematico per il rock.

Le avanguardie anti-rock della ‘no wave’ fanno il possibile per tirare fuori il rock dalla palude in cui è piombato, ma saranno decisivi gli esordi dei Ramones, Radio Ethiopia di Patti Smith e il Bowie di Station To Station a dare una forma compiuta a quelli che dopo poco saranno definiti punk rock e new-wave.

Ma non è questo l’unico versante su cui picconare; l’esordio di Tom Petty & The Heartbreakers e Desire di Bob Dylan contribuiscono anche a portare nuova linfa ‘roots’ alla faccenda. In qualche misura anche il reggae comincia ad assumere un ruolo diverso all’interno della cultura popolare occidentale, per non parlare della rivoluzionaria disco-music che scombina le carte su un tavolo già di per sè molto confuso.

Quello che si voleva cambiare nel rock and roll era quindi quell’attitudine parruccona da un lato, marchettara dall’altro, che mostrava il suo fianco debole nelle manifestazioni più barocche di certo progressive – e non è un caso che in quell’anno uscirà il primo album dei Genesis senza Peter Gabriel, cambiando definitivamente la fisionomia al genere – o lasciando al rock il solo compito di riempire le arene, decadendo dalla sua funzione sociale, di veicolo di messaggi ; Rocks degli Aerosmith e Destroyer dei Kiss sono il nemico da abbattere.

Non bisogna ovviamente pensare a certe pietre miliari dell’hard rock con la considerazione che meriterebbero oggi, si richiede qui lo sforzo di calarsi nel clima dell’epoca.

Gli ultimi esempi ci avvicinano alla nostra trattazione. Anche i Led Zeppelin nel 1976 sono tra i possibili avversari da far fuori per la rinascita del rock. Però i Led Zeppelin sarebbero stati molto più difficili da uccidere, sia per gli elementi fino ad allora compresi nella loro musica, sia per una serie di questioni personali che trasformavano in forza la loro presunta fragilità del momento.

Non occorre ribadire in questa sede l’importanza dei primi quattro albums dei Led Zeppelin. Le capacità di sintesi hard rock, folk e blues ed un’inclinazione alla psichedelizzazione propria degli anni 69-71 rendono immortale la band proprio come la storia ci ha detto. Dopo, la critica inizia ad intravedere dei segnali di cedimento per certe aperture funky o per certe leggerezze che in realtà erano il modo di portare avanti il discorso ‘Led Zeppelin’, una naturale evoluzione. Era il tempo che lo chiedeva ed il dirigibile ne è stato all’altezza come pochi altri.

Poi un incidente d’auto che costringe Robert Plant su una sedia a rotelle a tempo indefinito, l’alcool di John ‘Bonzo’ Bonham e l’eroina di Jimmy Page che diventano una realtà oggettiva.

Questo è il 1976 in cui i Led Zeppelin pubblicano Presence, facile immaginare che sarà il loro album più fiacco. Niente di più sbagliato: Presence, come II ma diversamente da esso è l’album più potente, carico e roccioso del quartetto inglese.

Lo stesso 1976 di 2112 dei Rush, già proiettati in un altro futuro hard-prog ma soprattutto, lo stesso 1976 di No Heavy Petting degli UFO, di Rising dei Rainbow, di Jailbreak dei Thin Lizzy. E di Sad Wings Of Destiny dei Judas Priest.

Non ci vuole molto a questo punto comprendere che se da un lato l’hard rock americano sta creando le basi per tutto quel filone di rock and roll che vedrà la sua glorificazione negli standards street-glam-hair metal, l’ala inglese sta battezzando l’ultimo grande movimento davvero conservatore del rock, la New Wave Of British Heavy Metal. Che a giudicare dai suoni freddi e taglienti dei Judas Priest si può dire già compiuta.

La grandezza dei Led Zeppelin forse è tutta qui, in nuce nella prima traccia di Presence, Achilles Last Stand, brano che più di ogni altro rappresenta quel momento magico e divino in cui l’hard rock diventa heavy metal senza perdere la sua paternità, la sua epicità, la sua distorsione calda, il passo da cavalcata sul cui stampo tutto il metal a venire - fino al thrash ed in certi casi anche durante - sarà forgiato.

Un’overdose di elettricità, di sovra incisioni, di morphing sonoro tra l’ugola a sirena del biondo cantante e la chitarra lamentosa di Page che resteranno fissati in un momento al di fuori del tempo, come il monolite di Kubrick che in copertina richiama l’attenzione verso le astrazioni esoteriche del quartetto. Un superamento quindi - e non solo concettuale - delle più moderne tendenze delle musiche hard & heavy dell’epoca ad opera di costoro che vengono da quel passato che si vorrebbe cancellare.

Ad ascoltare i brani successivi, si potrebbe anche per un ‘assurdo cronologico’ pensare che tanta magniloquenza elettrica, selvaggia e al contempo controllata potrebbe essere un ritorno alle radici del rock da parte di una band che l’heavy metal lo ha già immaginato, disegnato e suonato tutto e sia andata oltre sebbene l’heavy metal sia lì ancora nel suo nascere.

Così si spiegano For Your Life, rock and roll blues tagliente, secco e sincopato che trasposto in una chiave ritmica meno rispettosa dei silenzi, dei grandi vuoti pieni di pathos caratteristici degli Zeppelin, sarebbe semplicemente funky, mostrando tutta la sua androgina esasperazione e la sua viziosità (don't you wanna cocai-cocai-cocaine?) o Royal Orleans, magnifico esempio di elettrica negritudine tutta scossa da sussulti e fremiti.

L’altra grande song del disco che inaugura la seconda facciata è Nobody’s Fault But Mine, non dissimile dalla sorella maggiore Whole Lotta Love per capacità di penetrazione e groove. La chitarra di Page, distorta al punto da compenetrare la voce di Plant oltre ogni immaginazione, l’assolo di armonica, la sua dissolutezza complessiva la renderanno un episodio sacro negli annali dell’hard-blues.

Che l’origine e la fine del rock sarà il rock and roll stesso, quello archetipico, i Led Zeppelin lo esplicitano in Candy Store Rock, superba prova rockabilly in un tempo in cui qualunque forma di buon senso la avrebbe sconsigliata; i critici aridi ed intenti a misurare con occhi tristi e disincantati, insieme alla successiva Hots On For Somewhere, ritenuta altra sciocchezza da poco non la perdoneranno mai.

L’album si chiude con un altro capolavoro, Tea For One, nuova vetta di cupo lirismo e frustrazione, dolcissimo affresco di malinconia e depressione in cui il drumming di Bonzo sembra stia li a centellinare ogni attimo di quell’attesa silenziosa, di quelle maledette 24 ore, blues elettrico ante-litteram e precursore di ogni slow-core a venire, inutilmente paragonata in uno sterile esercizio agli altri blues precedenti della band con lo stesso stupido metro di una critica rock ingessata e fintamente revisionista.

Ritornando all’inizio del disco, riascoltando l’arpeggio iniziale fatto da quei due accordi minori e gravido della tempesta che presto scatenerà, si può intuire sia lo stato d’animo del gruppo al momento, sia il fenomenale approccio risolutivo che esso ha utilizzato per venirne a capo in un momento d’impasse come quello che viveva. Alla luce di tutto questo, come si può continuare ad ignorare Presence o a considerarlo opera minore?

Night of the Corn People

Giulio Magliulo — Tue, 12 Feb 2013 16:51:38 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Punk Rock

Hard Rock

Etichetta:

Stanton Park/Helter Skelter

Anno:

1991

Line-Up:

Jim Janota – Drums

Crispin Wood – Guitar/Vocals

Jon Hardy – Bass/Vocals

Tracklist:

"Amsterdamned"

"The Mole"

"September"

"A Pile of Money"

"Covered Up"

"Who's Laughing Now"

"Naked Lady"

"I Smell a Rat"

"Movin' to the Country"

"Barb Jones"

"L. Frank Baum"

"Matter of Time"

"Hey Maloney"

"The Shower"

"Refrigerator Song"

"In My Headphones"

"Meanwhile"

"Maloney's Trip"

"The Grand Mythooza"

"Dr. Lb."

"Frilly Underwear"

The Bags

Night of the Corn People

The Bags, da non confondere con l’omonima formazione punk settantasettina di Los Angeles, son stati un formidabile power trio che sul finire degli anni ottanta agitò la scena bostoniana.

Forti del primo album pubblicato nel 1987, Rock Starve, ben accolto dalla critica grazie alle indubbie capacità della band, dopo qualche emissione sotto falso nome Swamp Oaf tanto per confondere le acque, daranno alla luce nel 1991 il loro terzo album per la label Stanton Park, The Night Of The Corn People. L’album sarà poi pubblicato poco tempo dopo in una versione più estesa in doppio vinile colorato dalla italiana Helter Skelter.

Il momento storico in cui operano The Bags è molto fertile per la scena underground; il grunge ancora non domina il mondo, il metal comincia a scoprire il fianco molle nei suoi aspetti più risibili ed infantili ed anche il punk è ormai da tempo stato soppiantato da una ben più solida verità hardcore.

Contemporaneamente ci sono forti pulsioni revivaliste a spingere già da qualche anno: il garage e certa psichedelia pesante invadono sia l’Europa che l’America.

E’ in questo scenario che vanno compresi i Bags, abili musicisti dal punto di vista tecnico al servizio della dissacrazione del rock and roll. Il formato in cui essi riescono nel loro intento è quello della rock-opera, del concept, delle mini-suites, elementi che solo i folli avrebbero preso in considerazione in quel tempo.

Probabilmente The Bags folli lo erano davvero poiché quelle composizioni, al di là della forma, erano un compendio che andava poi a negare nella sua sostanza la pomposità che solo in apparenza propugnavano.

La buffonesca veste simil-prog serviva insomma a nascondere i rocciosi attributi hard rock, l’immediatezza del garage del tempo, il pop riflesso nelle esperienze più acide che la psichedelia aveva insegnato e le vertiginose e brutali accelerazioni hardcore punk: strampalate digressioni zappiane al servizio di un grande ‘fuck off’ al sistema del rock di quegli anni. Eppure i Bags il rock lo amavano tanto e lo conoscevano ancor di più.

Essi avrebbero saputo suonare ‘seriamente’ qualsiasi sottogenere del rock ma non volevano essere ingabbiati in alcun movimento, non volevano esser parte di una setta e lo strumento con cui hanno deciso di suggellare la loro opera è stata una grassa ed articolata forma di ironia. Un’ironia che si serviva però della perizia, della potenza e della tecnica. Per questo non sarà strano che una band così profondamente underground nelle intenzioni e nell’animo sarà poi successivamente riconosciuta e consacrata più da un ristretto pubblico di ascoltatori maturi avvezzi alle cose ‘tecniche’ che non da un generico pubblico giovanile, ‘indie’, usa e getta.

Bella e strana creatura The Bags, surreali da far invidia a Captain Beefheart, dalla notevole ispirazione letteraria (L.Frank Baum, The Wizard Of Oz), dal falsetto acuto molti anni prima dei Darkness, dalle schizofreniche sfuriate che affiorano inaspettate dopo momenti di placida bucolicità, dalle chitarre iperfuzzate, iperpompate, ipergasate eppure sempre composte sul grande arazzo di fondo i cui singoli frammenti vanno a collocarsi.

Ogni eccesso in quest’album fatto proprio di eccessi e delirio non è mai inutilmente fine a sé stesso. I suoni sono sempre pulitissimi, sebbene anelino al caos. L’immaginario a tratti freak e a tratti glam, da finto-horror e da b-movie sancisce anche il suo legame con le varie teen culture punk-garage oriented ma è sempre riflesso da una psichedelia hard fuori di testa nel suo movente letterario, se così si può dire. L’ibrido è eccitante per quanto straniante.

Tra fusioni impossibili di Ramones e Jethro Tull, rocciosi hard rock tellurici dal passo pesante alla Blue Cheer e grondanti acido lisergico negli assoli, barocche ouverture hard-prog culminanti in rocambolesche cadute sui Misfits più disinibiti, tra Led Zeppelin meno alcool ed eroina e più lsd e bizzarrie da orchi del riff, si consuma uno dei dischi più avventurosi e sconosciuti dell’undergorund U.S.A. dei primi ’90. Mai soffocanti, sempre disposti a grandi aperture melodiche di ampio respiro persino negli episodi più serrati, l’unico riconoscimento che verrà loro tributato – ma di grande valore - sarà da parte dei Sebadoh che nel loro Harmacy faranno una cover molto vicina all’originale di I Smell A Rat.

Everything Is Changing

Alessandro Mattedi — Mon, 04 Feb 2013 17:28:30 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Pop

Hard Rock

Gothic Rock

Etichetta:

Agua Recordings/PIAS

Anno:

2012

Line-Up:

Anneke Van Giersbergen - vocals, piano, guitar
Daniel Cardoso - keyboards, guitars, bass

Rob Snijders - drums
Dennis Leeflang - drums on track 5, 9, 11
Rudolf "Ruud" Adrianus Jolie - guitars on track 1, 2, 4, 7, 12
Ferry Duijsens - guitars on track 9
Joost Van Haaren - bass on track 2
René Merkelbach - keyboards on track 9, grand piano on track 6
Camilla Van Der Kooij - violins on track 6

Tracklist:

1. Feel Alive
2. You Want To Be Free
3. Everything Is Changing
4. Take Me Home
5. I Wake Up
6. Circles
7. My Boy
8. Stay
9. Hope, Pray, Dance, Play
10. Slow Me Down
11. Too Late
12. 1000 Miles Away From You

Anneke van Giersbergen

Everything Is Changing

Dopo l'uscita di In Your Room (che se non fosse per l'eccellente voce della cantante risulterebbe uno dei dischi pop-rock più scialbi degli ultimi anni) e alcune collaborazioni con nomi blasonati (come Danny Cavanagh degli Anathema, Devin Townsend o gli Ayreon) ritorna nel 2012 l'ormai frizzante Anneke van Giersbergen.

L'ultimo suo album si intitola, nomen omen, Everything Is Changing, a imporre con forza il fatto che la vita, musicale e non, della cantante olandese è ormai drasticamente diversa rispetto al passato.
E che tutto sia cambiato rispetto al passato (anche prossimo!) della cantante è evidente fin dalla copertina. Oltre alla presenza del solo nome della cantante, senza il monicker Agua de Annique ad accompagnarla, c'è da chiedersi: davvero quella stessa donna, che un tempo provò disagio per il tentativo dell'etichetta Century Records di promuoverla come ragazza-immagine, ora scende in primo piano giocando sul contrasto fra i nuovi eleganti boccioli d'oro e i vecchi tatuaggi sul braccio?
Ancor più emblematico il video del singolo d'apertura I Feel Alive, tutto un primo piano del suo mezzo busto (scoperto dal cuore in su, è un trucco visivo dei video musicali per dare l'illusione della nudità e fascinare senza scadere in facile erotismo gratuito), con gli occhioni azzurri penetranti, il rossetto brillantissimo, la gamma espressiva imbarazzata ma entusiasta che suscita una tenerezza un po' furbetta...

Non c'è dubbio che Anneke si trovi a suo agio e spigliata come non mai, ciò si riflette nella vena solare e aperta delle sue ultime pubblicazioni. Ma se in precedenza aveva peccato d'ingenuità, ottenendo risultati privi di vèrve, per questo disco riscopriamo una cantante molto ispirata nelle melodie ed estramemente spontanea, che riesce a non rinunciare all'attitudine radiofonica e a tradurla in un'opera dal forte impatto melodico. In realtà, il disco è stato scritto in collaborazione con il produttore Daniel Cardoso; e questo ci lascia ancora qualche dubbio sulle doti compositive da solista di Anneke.
Il risultato rimane comunque un estroverso insieme di canzoni molto orecchiabili e d'impatto, che possiamo a grandi linee suddividere in due parti: la prima, più "hard pop", composta principalmente da anthem frizzanti e gioiosi, la seconda che si orienta invece verso certo goth un po' commerciale. Nel mezzo troviamo alcune digressioni più soft, ballate di pianoforte e momenti più distorti che confondono ancora un po' le idee per il contrasto che generano. Ed è significativo notare come le chitarre elettriche siano abbondantemente presenti con le loro distorsioni, seppure con poca attitudine riffocentrica, piuttosto accompagnando le riuscite melodie vocali di Anneke.

Se la già citata I Feel Alive è un singolone che sprigiona felicità da tutti i pori, in aperta opposizione a canzoni come These Good People che la stessa Anneke cantava una decina di anni fa (ma anche solo a Beautiful One, con cui ha ufficiosamente esordito come solista), la successiva You Want to Be Free entusiasma con schitarrate ottantiane a stelle e striscie ed uno dei ritornelli più efficaci mai cantati dall'olandese; questa enfasi antemica prosegue con Take Me Home, che però suona più anni '90 e cita l'Inghilterra anche nell'effettistica. In mezzo però c'è la parentesi della titletrack, che imita i Massive Attack del periodo di 100th Window in una versione più "mild", e subito dopo abbiamo I Wake Up che sembra coniugare il big beat britannico con i chitarroni di certo metal melodico nord europeo. L'energia viene interrotta con Circles, una classica ballata di pianoforte malinconica ed abbastanza dozzinale, ma viene ripresa da My Boy (sic), con brucianti chords chitarristici a sostenere l'intenso impatto vocale della Van Giersbergen, veramente trascinante ed entusiasmante.
La sensazione è che si tratti tutti di brani facilmente assimilabili e perfetti per l'esecuzione live, dove promettono cori partecipati da parte del pubblico.
La parte finale dell'album si fa più metallica e vagamente "gotica", però nel settore di certi gruppi più mainstream come gli Evanescence: Stay, Hope Pray Dance Play, Slow Me Down e Too Late sono tutti brani corposi ma molto melodici, che però abusano troppo dei cliché del genere, risultando prevedibili e davvero stereotipati, più che nel resto dell'album; la stessa Van Giersbergen risulta poco credibile in questa sua evoluzione.
La conclusiva 10000 Miles Away from Home segue le stesse atmosfere dei brani immediatamente precedenti ma mettendo un po' da parte le chitarre per concentrarsi sulle atmosfere, sempre con poca originalità.

Everything Is Changing è un album scorrevolissmo che si lascia ascoltare tutto d'un fiato, ma superato l'entusiasmo per la grinta e l'energia dimostrate da Anneke, si rivela minato da una mancanza di personalità non indifferente.
Ma anche se non rimarrà certo negli annali, di certo si canticchierà ancora a lungo dal lettore portatile o in macchina...

King Animal

Giulio Magliulo — Sat, 08 Dec 2012 14:34:03 +0000

Voto:

5.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Hard Rock

Grunge

Etichetta:

Universal

Anno:

2012

Line-Up:

Chris Cornell – voce, chitarra

Kim Thayil – chitarra

Ben Sheperd – basso, voce

Matt Cameron – batteria, percussioni

Tracklist:

Been Away Too Long- 3:36
Non-State Actor- 3:57
By Crooked Steps- 4:00
A Thousand Days Before- 4:23
Blood on the Valley Floor- 3:48
Bones of Birds- 4:22
Taree- 3:38
Attrition- 2:52
Black Saturday- 3:29
Halfway There- 3:16
Worse Dreams- 4:53
Eyelid's Mouth- 4:39
Rowing- 4:12

Soundgarden

King Animal

Fino a qualche anno fa la notizia di un nuovo album dei Soundgarden ci avrebbe scosso nel profondo, oggi ci lascia pressoché indifferenti e forse qualcuno in cuor proprio avrebbe preferito anche che questo King Animal non fosse mai uscito.

Il motivo è presto detto: se Chris Cornell - sia da solo che con le sue tante collaborazioni - ha incrociato ed abbracciato le varie strade del mainstream, a volte centrando il bersaglio, altre deludendo, con il nome Soundgarden che è stato tra i promotori della restaurazione del rock in quel decennio di confine tra tante cose, un certo target di pubblico, quello adulto, non vuole scherzare.

Perché decidere di giocarsela sul terreno dell’hard rock moderno, mainstream (si, diciamolo ancora), da stadio, più popolare del pop (che alla fine è lo stesso terreno dei Foo Fighters e dei Queens Of The Stone Age) può essere una scelta economicamente vincente, ma sul piano artistico è possibile che oggi quel match i Soundgarden lo perdano. E che già da Badmotorfinger i Soundgarden fossero diventati altro da ciò che sono stati prima è un conto, forse inevitabile, forse necessario, in una certa misura anche giusto, ma che diventassero poi gli alfieri della volgarità spiattellata dell’iniziale Been Away Too Long è altro. Come a dire che si comincia molto male.

Parlare così di coloro che hanno insinuato il dubbio ‘alternative’ nel doom con Beyond The Wheel e Gun, che hanno trasformato in acido puro sia il blues di Smokestack Lightnin’ che l’hardcore di Full On Kevins’ Mom e che sono stati la nemesi ‘plantiana’ con Ugly Thruth è un paradosso anche per chi scrive, ma vediamo cosa si può salvare da cotanto amore anche perché se continuiamo a considerare come pietra di paragone il passato della band, la recensione di questo album diventa del tutto inutile.

Non-State Actor ad esempio conserva una buona dinamica, le chitarre sono spiraliformi quanto basta ed il ruggito del leone sembra ancora quello. Anche in By Crooked Steps c’è una discreta prova vocale (con quel po’ di ottave di cui è capace quell’ugola del resto non è difficile) ma quella chitarra è così retorica che la metà basterebbe.

A Thousand Days Before si sforza di apparire innovativa nel trasformare in ‘elettrico’ l’anima country del brano e Blood On The Valley Floor invece ha un piglio epico che in questo caso si traduce sostanzialmente in noioso: tra le peggiori sequenze dell’album.

Bones Of Birds è il classico ‘lento’ alla Soundgarden, scontato quanto si vuole, ma è proprio in questo tipo di tracce che essi dimostrano che in un’altra vita sono appartenuti ad una casta superiore ed è qui che – vostro malgrado - vi ritroverete ad alzare il volume dello stereo e a canticchiarla, cosa che potrebbe succedere anche con la ‘catchy’ Worse Dream, brano tra i più divertenti dell’album.

Taree, con quel suo mood un po’ Alice In Chains è forse tra le migliori del lotto perché è in questi oscuri midtempo che i Soundgarden di oggi riescono a dare il meglio.

Poi ci sono Attrition che vuole essere il brano stoner del disco ma che a causa del fastidioso groove diventa traccia inutile e l’interessante parentesi semiacustica di Black Saturday con i suoi intermezzi di chitarra un po’ spettrale. Ambedue i brani, senza quella manciata di piacioneria di troppo, sarebbero stati migliori.

Halfway There rappresenta la senilità dei Soundgarden: se ritornassero ancora, tra venticinque anni, suonerebbero un disco tutto così.

Ci sono infine la barocca Eyelid’s Mouth condannata dalla dura legge di gravità del riff a trasformarsi in qualcosa di molto ampolloso, quella è la sua intenzione e molti troveranno in ciò il suo fascino e Rowing, una delle cose più distanti dalla natura dei Soundgarden (se si eccettuano i divertissement dub del Fopp e.p.) ma è anche una delle tracce più riuscite (del resto dopo tutte le esperienze extrafamiliari di Cornell cosa si può ormai dire distante dalla natura dei Soundgarden?).

Se pensate che in qualche modo questo disco possa ancora darvi qualche sussulto hard, acquistatelo pure, sapete di cosa stiamo parlando (manierismo!) e non resterete delusi ma sappiate che i brividi ‘grunge’ - oggi che tra l’altro sta ritornando di moda poiché il giusto numero di anni è trascorso per far si che acquisisca il fascino del vintage - li proverete nel ‘sottobosco’, non certamente qui.

Per quanto mi riguarda, immaginavo che il disco ‘suonasse’ esattamente così come è ancor prima di ascoltarlo e questa non è cosa buona.

Lulu

Corrado Penasso — Sun, 06 Nov 2011 07:01:52 +0000

Voto:

4.5 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Rock

Hard Rock

Heavy Metal

Etichetta:

Warner Bros.

Anno:

2011

Link correlati:

Metallica My Space

Line-Up:

Lars Ulrich - Drums

James Hetfield - Guitars, Vocals

Kirk Hammett - Guitars (lead)

Robert Trujillo - Bass

Lou Reed - Vocals (lead)

Tracklist:

Disc 1

1. Brandenburg Gate - 04:19

2. The View - 05:17

3. Pumping Blood - 07:24

4. Mistress Dread - 06:51

5. Iced Honey - 04:36

6. Cheat on Me - 11:26

Disc 2

1. Frustration - 08:34

2. Little Dog - 08:01

3. Dragon - 11:08

4. Junior Dad - 19:29

Metallica & Lou Reed

Lulu

La collaborazione tra Lou Reed & Metallica è sicuramente la notizia che ha tenuto maggiormente banco in questo periodo. L'idea dell'album nacque nel 2009, quando Reed e i Metallica si incontrarono al venticinquesimo anniversario della Rock and Roll Hall of Fame. In quell'occasione si diffusero diverse voci di corridoio su una possibile collaborazione tra il cantautore ex-leader dei Velvet Underground e la band californiana per la realizzazione di un album. La conferma arriva a maggio del 2011, quando Kirk Hammett annuncia che il prossimo album dei Metallica non sarà 100% Originale. Il nome di Lou Reed è stato rivelato solo a giugno e le polemiche sono iniziate. Lulu quindi è nato come lavoro dalla dubbia appartenenza. La sua musica è a cura dei Four Horsemen, mentre i testi vengono dalla penna di Reed. Lo suo stile risulta essere una miscellanea di hard rock, noise rock ed influenze metal per un risultato finale volutamente spiazzante e frastornante.

Diviso in due CD, Brandenburg Gate inaugura il lavoro-collaborazione con le influenze country e la voce calda di Reed, reminiscente del compianto Johnny Cash. Dopo pochi secondi, l’accompagnamento dei Metallica a base di roccioso hard rock entra e dona profondità con riffs melodici ma anche decadenti ed oscuri. La produzione eccellente offre potenza al sound mentre le voci di Hetfield e Reed si intrecciano. A lungo andare non troviamo mutamenti a base della struttura e sembra che la traccia sia solo una mera introduzione, più che un vero inizio. Il groove roccioso ed oscuro ci introduce alla successiva The View, canzone che vede un Reed recitare il testo come una sorta di predica, con tono quasi maligno e minaccioso ma del tutto privo di mordente. Le strutture sono semplici, il drumming di Lars impeccabile solo perché procede a rilento. I pochi momenti maggiormente dinamici si ritrovano in occasione dell’entrata della voce di James ma tutto scorre lentamente e senza emozioni. La base di violini e violoncelli ci trascina nella successiva Pumping Blood, traccia che gioca sui chiaroscuri delle sezioni acustiche da opporre ai momenti maggiormente metallici o dissonanti. In entrambi i casi predomina la voce di Reed, a dire la verità alquanto scialba, ripetitiva e slegata dal sound.

Per ricercare un minimo di velocità bisogna aspettare sino all’inizio di Mistress Dread anche se una base rituale ricreata dalle tastiere si sovrappone alle sfuriate dei Metallica e va a braccetto con la voce sofferente di Reed in quest’abbinamento strambo. La struttura non muta e vede i Metallica suonare riffs veloci ma del tutto privi di fantasia in una durata che sfiora i sette minuti. Iced Honey potrebbe essere tranquillamente liquidata come una sorta di seguito di The View perché lo stile ed i riff si assomigliano incredibilmente e se fosse interamente cantata da James potrei anche dire che sembra una canzone estrapolata da ReLoad grazie al suo incedere elefantesco ma anche leggermente melodico e del tutto privo di mordente. Giunti alla fine del primo CD, affrontiamo gli undici minuti di Cheat on Me, la quale vuole essere sofisticata grazie alle basi di violino che fungono da interludi tra arpeggi e distorsioni in un sound mistico, di difficile assimilazione e del tutto presuntuoso nel suo incedere banale e quasi irritante, oltre che del tutto anonimo.

L’inizio del CD numero due ci presenta una Frustration che punta molto sulle atmosfere a tratti noise, quasi sempre supportate dallo sludge semi-melodico delle chitarre. Gli intermezzi recitati da Reed mostrano sempre quell’impronta schizoide per una struttura dark ma come al solito senza sorprese degne di nota. Influenze country dal tocco oscuro fanno nuovamente capolino in Little Dog, canzone dall’andamento molto lento e dal mood introspettivo. L’unica cosa che brilla è la totale mancanza di idee e di convinzione in quello che si fa. La lagna che viene fuori dall’ugola di Reed continua anche con gli undici minuti della successiva Dragon, composizione che dal punto di vista strumentale mostra distorsioni di sottofondo che si trasformano in groove molle, stantio e del tutto privo di novità. So di ripetermi ma queste sono le uniche sensazioni che l’album mi fa provare e non avrei mai pensato che il secondo CD fosse persino peggio del primo. La finale Junior Dad con i suoi venti minuti di arpeggi melodici intervallati dall’entrata delle chitarre elettriche aggiunge solo un senso di pesantezza (noia) al disco ed il tutto si esaurisce come in un’esperienza estraniante e completamente disturbante.

La collaborazione tra i Metallica e Lou Reed ha così fine e le parole scarseggiano. Trovo davvero difficile descrivere quest’ascolto. Da un lato, posso dire che il disco funziona abbastanza se si prende in considerazione il mood complessivo delle composizioni, le somma delle atmosfere. Esso tuttavia fallisce totalmente dal punto di vista strettamente musicale. La carenza di idee è spiazzante e non si tratta di un problema di velocità d’esecuzione. Non si possono basare delle composizioni che spesso superano i dieci minuti su due o tre strutture diverse poiché è impossibile che la noia non si impossessi dell’ascoltatore. Disquisizioni a parte sulla validità commerciale del prodotto (i Metallica dovevano avere la spinta definitiva nel mainstream musicale e Reed necessitava di farsi nuovamente vivo per non cadere nel dimenticatoio), Lulu è un lavoro di difficile assimilazione; un’agonia che non consiglio agli ascoltatori.

Cuore Blues e Rock'n'Roll

Corrado Penasso — Tue, 06 Sep 2011 13:34:30 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Rock

Hard Rock

Etichetta:

Jolly Roger

Anno:

2011

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Rolando Cappanera Site

Line-Up:

Rolando Cappanera - Drums

Andrea Castelli - Bass

Morby - Vocals

Fabio Cappanera (R.I.P. 1993)- Guitars, vocals

Tracklist:

1. Ecstasy

2. Chi Ha Deciso Per Noi

3. Rinascerei

4. Lei Sarà Con Te

5. Vivrò In Lui

6. Un Tipo Speciale

7. Musica e Sogni

8. Solo Mai

9. Non Perderti Mai

10. Depressione (Al Rumba Jazz)

11. Borea

Cappanera

Cuore Blues e Rock'n'Roll

Ritorno sulle scene importante questo dei Cappanera da Livorno, band formata all’inizio degli anni 90 dai fratelli Roberto e Fabio Cappanera, ex- Strana Officina. Un incidente stradale nel 1993 tolse la vita ad entrambi i musicisti ma la voglia di continuare questo progetto non venne meno. Rolando Cappanera (figlio di Roberto) e Dario Cappanera (nipote dei fratelli) decisero di continuare il sogno iniziato anni prima e così, dopo il debutto del 1991 Non C’è più Mondo che vedeva ancora la presenza dei Cappanera ex-Strana Officina, un altro album vide la luce nel 1998: Materializin’ Dream.

Anni di silenzio aspettando delle voci a proposito di un loro imminente ritorno ed ecco che finalmente possiamo gustarci questo Cuore Blues e Rock'n'Roll, album che vede la partecipazione del solo Rolando accompagnato da Andrea Castelli al basso (già presente nell’album di debutto del 1991) e da Morby, storica voce dei Sabotage. L’album in questione che presto andremo a descrivere è importantissimo per il fatto che si tratta di un’opera iniziata nel passato da Fabio e ripresa ora da Rolando con l’aiuto dei guests sopra elencati. Le parti di chitarra e voce furono incise nel 1993 dallo stesso Fabio e da Morby, mentre basso e batteria sono state registrate lo scorso anno rispettivamente da Andrea Castelli e Rolando Cappanera. Un testimonianza, quindi, importantissima per ogni fan del metal italiano e quando si tratta dei fratelli Cappanera c’è da essere sicuri sulla qualità del prodotto.

Sin dalle prime intime note di Ecstasy si può comprendere la qualità del prodotto. Blues, rock e groove convergono sulla voce calda di Morby. Una semi-ballad intima, dal sapore antico ed impreziosita dal cantato in italiano che la rende maggiormente comprensibile e vicina a noi. Più grintosa la successivaChi Ha Deciso per Noi, fa sfoggio del solismo deciso della chitarra da opporre a quello malinconico presente sulla traccia precedente. La presenza del suono di un organo in sottofondo dona il suo contributo ad una traccia fortemente influenzata dagli anni 70. Organo ancora presente nell’introduzione oscura ma sontuosa di Rinascerei per proseguire con melodie sempre improntate al dark, striscianti e notturne. Interpretazione magistrale del mitico Morby. Sempre forti le influenze dei primi Strana Officina (come non accostare questa canzone alla famigerata Luna Nera, traccia del 1984).

La grintosa ma pur sempre melodica Lei Sarà Con Te strizza l’occhio allo stile Class Metal tanto in voga in Italia alla fine degli anni 80 e le principali fonti di paragone si possono trovare negli ultimi Vanadium, nei Drama, negli S.P.A. o nei Crying Steel per una traccia che si fa ricordare. Un crescendo di emozioni e di buon musica, passando attraverso la ballata Vivrò in Lui, le inflessioni southern blues della grintosa Un Tipo Speciale ed il groove roccioso con base melodica di Musica e Sogni. L’introspettivo rock melodico di Solo Mai e Non Perderti Mai contribuisce a fare crescere la tensione emotiva, completata da testi di canzoni molto personali, provenienti dritti dal cuore. Presto ci troviamo quasi ala fine del disco e possiamo ancora descrivere la grinta ritrovata del rock sporco, sudista di Depressione (Al Rumba Jazz) e la strumentale, emozionante Borea; canzone completamente basata su arpeggi di chitarra accompagnati dagli archi in sottofondo.

Un disco di tutto valore che riporta in vista un nome leggendario nel metal/hard rock italiano. Un prodotto musicale profondo ed emozionante che vi farà fare un bel tuffo nel passato e che oggi suona ancora più malinconico e nostalgico sapendo del destino beffardo che interruppe due vite in un attimo.

Rose of Jerico

Corrado Penasso — Wed, 17 Aug 2011 08:29:43 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Hard Rock

Etichetta:

Nadir Music

Anno:

2011

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Official Site

Line-Up:

Morgana - Voce

Andy Marchini –Basso

Tommy Talamanca - Chitarra, Tastiera

Alessio Spallarossa -Batteria

Ospiti:

Federica Pellizzetti (Violino)

Gabriele Boschi (Violino)

Francesco Candia (Viola)

Giacomo Biagi (Violoncello)

Tracklist:

1. Alive....

2. Love Me The Way I Am

3. Golden Hours

4. Lady Winter

5. Gio

6. Bang Bang (S. Bono cover)

7. I Will Not Turn Back

8. How Do You Feel

9. ...And Kickin'

10. Lady Winter (acoustic)

Morgana

Rose of Jerico

Tutto in segreto. Morgana ha fatto tutto in segreto. Nessuno si aspettava il ritorno della nostrana Metal Queen a ventidue anni di distanza dall’album Lady Winter, ultima raccolta di inediti prima che il suo nome svanisse fino al 2005 quando la famosa etichetta discografica LM decise di pubblicare una raccolta di brani dal nome Three Years of Maddnes.

Per chi non fosse ferrato col panorama metal italiano degli ani 80, dovete sapere che Morgana incominciò a cantare nel 1985 a Torino, periodo prospero per il metal piemontese ma di difficile appannaggio anche per una ragazzina decisa, motivata e che non ti mandava a dire le cose. Nel 1987 arriva la pubblicazione del primo demotape, Welcome in the Dark, seguito ad un anno di distanza dall’EP Morgana. Queste due opere, ormai introvabili, crearono un’aura misteriosa attorno alla figura di una cantante amante dell’heavy metal oscuro ed epico allo stesso tempo. Come spesso accadde, gli anni 90 furono terribili per coloro i quali crearono qualcosa di interessante durante la decade precedente e così il suo nome presto non venne più nominato se non dai veri intenditori e dagli estimatori di tali sonorità.

Morgana stessa durante una chiacchierata con il sottoscritto disse che le cose erano in cantiere da una paio di anni ma la sua riservatezza sul progetto fece in modo di non lasciar trapelare nulla ed ora è con sommo piacere che vi introduco alla nuova opera della cantante: Rose of Jerico. Nessun altro titolo poteva rendere meglio l’idea di “rinascita”, “ritorno” per un lavoro a detta della cantante “molto intimo”. Avvalsasi di session members di prestigio (l’intera line-up è formata dai membri deiSadist ad esclusione di Trevor), Morgana si appoggia alla Nadir Music ed ad un produttore come lo stesso Tommy Talamanca per un’opera che vuol stare al passo coi tempi pur con un occhio di riguardo verso il passato.

Alive… apre il nuovo lavoro con fraseggi di chitarra e la voce appena sospirata di Morgana per continuare con Love me the Way I Am, poderosa marcia hard rock dal riff principale di facilissima presa. Finalmente la cantante esce allo scoperto con la sua voce sempre potente e recitativa. Alcune sezioni si distinguono per essere leggermente più melodiche ma sempre pregne di quel tocco oscuro che da sempre caratterizza ogni brano della leader. Golden Hours amplifica questo tocco decadente ed a tratti al limite di un doom suadente coadiuvato da testi molto evocativi, trattanti di relazioni, amore e passione. Anche questa, per fortuna, è una caratteristica che Morgana non ha cambiato. Arrivati a Lady Winter si può fare un bel tuffo nel passato per una composizione che risale alla fine gli anni 80 e qui viene riproposta con suoni moderni. Il gran lavoro dei musicisti si sente eccome e le atmosfere che vent’anni fa catturarono tanti appassionati anche qui non sono da meno. Il ritornello epico è sempre lì, opposto ad atmosfere oscure e rafforzate dalla voce di Morgana che sembra essere impassibile allo scorrere del tempo.

Non poteva mancare una bellissima ballata che porta il nome di 610, carica di passione ed emozioni per un risultato veramente incredibile. Nel disco trova persino spazio la cover Bang Bang di Sonny Bono, riletta in chiave dark per proseguire con gli intermezzi di piano da opporre alle pesanti chitarre della successivaI Will not Turn Back. Avvicinandoci alla fine del discotroviamo la marcia decisa ma sempre melodica di How do you Feel, emozionante brano con la voce grintosa di Morgana ancora in primo piano. …And Kickin’ funge da una sorta di outro grazie a nuovi fraseggi di chitarra e la marcia decisa della batteria per terminare con la versione acustica di Lady Winter, ottima a ricreare un’atmosfera malinconica ed introspettiva.

Il disco volge presto al termine ed il tempo vola quando si ascoltano prodotto così validi, ben prodotti ed ottimamente suonati. Un ritorno di tale caratura è da è prendere in considerazione. Si sente che Morgana ha messo tutto quello che aveva nella sua creazione e non a torto la cantante sente quest’opera molto personale. Ottimo ponte tra passato e presente, Rose of Jerico è raccomandato a tutti gli appassionati di hard rock melodico che vogliono anche farsi un bel ripassino di storia.

The Hunter

Matthias Stepancich — Sat, 30 Jul 2011 16:22:01 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Progressive Metal

Hard Rock

Etichetta:

Reprise/Roadrunner/Warner Bros.

Anno:

2011

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Troy Sanders – lead vocals, bass
Brent Hinds – lead vocals, guitars
Brann Dailor – lead vocals, drums, percussion
Bill Kelliher – guitars, backing vocals

Mike Elizondo – production, mixing
Scott Kelly – lead vocals on "Spectrelight"

Tracklist:

1. Black Tongue - 3:27
2. Curl of the Burl - 3:40
3. Blasteroid - 2:35
4. Stargasm - 4:39
5. Octopus Has No Friends - 3:48
6. All the Heavy Lifting - 4:31
7. The Hunter - 5:17
8. Dry Bone Valley - 3:59
9. Thickening - 4:30
10. Creature Lives - 4:41
11. Spectrelight - 3:09
12. Bedazzled Fingernails - 3:08
13. The Sparrow - 5:30

Limited Edition:
14. The Ruiner - 3:11
15. Deathbound - 2:48

Mastodon

The Hunter

I Mastodon tornano con il nuovo full-length The Hunter (Reprise/Roadrunner/Warner Bros., 2011) a due anni dal precedente Crack the Skye, e ancora una volta riescono a stupire il proprio pubblico con un'ulteriore svolta stilistica.
Se difatti Crack the Skye aveva visto la band entrare nel territorio del concept prog-rock, con pezzi dalla durata allungata, dalla struttura complessa e in ben due casi sviluppati in suite superanti i 10 minuti a testa, con The Hunter i quattro non solo tornano ad un maggior numero di tracce, tutte dal minutaggio breve, ma utilizzano strutture più classiche e vicine alla forma-canzone, eliminano molti degli eccessi prog e molta della pesantezza metal, e addirittura si concedono alcuni pezzi in chiave maggiore.
Il songwriting di Crack the Skye, per quanto elaborato e per quanto di buon successo presso critica e pubblico, è stato un esperimento ambizioso ma troppo claudicante: se la formula era riuscita in The Czar, non si poteva dire lo stesso per l'infinita The Last Baron, caricata eccessivamente di barocchismi alla The Mars Volta, Rush e Genesis, o per i contrasti melodici troppo stridenti e sgraziati che sbucavano qui e là nei pezzi più brevi, ad esempio nel pre-chorus di Oblivion.
I Mastodon hanno evidentemente deciso di minimizzare gli elementi barocchi e più ambiziosamente prog, e di prestare una maggior cura al flusso melodico, scrivendo pezzi molto più coesi e scorrevoli. Le tracce di The Hunter sono ognuna una sintesi basilare di varie caratteristiche tipiche della band, con in più un'incrementata attenzione per l'orecchiabilità e gli hook melodici.
La base su cui i Mastodon hanno deciso di costruire il disco non è il prog-rock, e nemmeno lo sludge, ma ancor più indietro nel tempo il classico hard rock dalle tinte calde, blueseggianti e southern alla 1970s; tale fondamento viene poi trasformato completamente grazie ai vari innesti di prog-rock, hardcore-sludge e thrash metal, e fatto suonare bizzarro dal solito drumming densissimo di Brann Dailor e dalle parti vocali di Brent Hinds, ma resta comunque riconoscibile come tale.

Il fatto che rende l'album un esperimento, sebbene meno ambizioso, a conti fatti più riuscito di Crack the Skye, è che ognuna delle 13 tracce di cui è composto sfoggia un grandioso talento nel costruire brani fluidi, coesi, fulminanti grazie a delle melodie memorabili, e allo stesso tempo di volta in volta assumenti un'identità stilistica differente.
C'è difatti il pezzo più pesante e simile ai primi dischi, ovvero la cavalcata metal di Spectrelight (con ospite alla voce Scott Kelly dei Neurosis, ormai guest fisso su ogni loro release); c'è l'heavy-sludge cantato in pulito di All the Heavy Lifting, con batteria roboante e chorus che si leva epicamente nel proclama "Just close your eyes"; c'è l'heavy rock a tinte futuriste di Octopus Has No Friends (il cui chorus "I'm on my way back home" tinge di malinconia i possenti riff delle strofe) e Bedazzled Fingernails (il cui epilettico giro d'apertura sembra un bluegrass in versione metal), entrambe con parti vocali effettate alla Cynic; c'è il rock trascinante e orecchiabile di Curl of the Burl, con riff portante e chorus infettivi, capaci quasi di coniare una nuova formula musicale sludge-pop; c'è il thrash magicamente catchy di Black Tongue (con chitarre che incrociano i Metallica di Ride the Lighting e i riff di Iron Tusk, drumming forsennato, melodie vocali eccelse); c'è il lento heavy-psych quasi stoner di Thickening (con fraseggi di chitarra tra hard rock e blues, e cori vocali alla Josh Homme), l'altro pezzo che avrebbe potuto tranquillamente figurare su Blood Mountain o Leviathan assieme a Spectrelight; c'è il travolgente mix di stoner e hardcore Dry Bone Valley, cantato ottimamente dal drummer Dailor nella vena dei migliori Queens of the Stone Age, con uno dei chorus più indimenticabili dell'album; ci sono Blasteroid e Creature Lives, due dei tre pezzi in chiave maggiore (il terzo è Octopus Has No Friends), con il primo un veloce e inarrestabile mix di hard rock southern e hardcore-punk, e il secondo (cantato ancora una volta da Dailor) un lento crescendo vicino ai prog/soft-rock dei Pink Floyd, influenza che caratterizza anche l'emozionante chorus di Stargasm, pezzo che riesce a condensare in meno di 5 minuti tutto ciò che di più riuscito c'era in Crack the Skye, dalle stratificazioni chitarristiche barocche agli effetti di post-produzione, dalle influenze prog-metal alle melodie avvolgenti e quasi psichedeliche.
Ma il picco autoriale e adulto dell'album si tocca con i due pezzi restanti, ovvero la suggestiva title-track (dedicata, come l'intero disco, al fratello di Brent Hinds, morto durante una battuta di caccia), innalzata dalle vellutate parti vocali di Troy Sanders e dalle straordinarie chitarre di Hinds e Kelliher, e la magnifica conclusiva The Sparrow, entrambi due onirici lenti a metà strada tra la power-ballad e la ballad pura, capaci non solo di assorbire le migliori caratteristiche del soft-prog pinkfloydiano per aggiornarle e rivitalizzarle con innesti di hard rock moderno, ma anche di portare l'intera formula del disco verso lidi poetici, come forse solo con Hearts Alive di Leviathan la band era riuscita a fare in passato.

Nella Limited Edition sono presenti due ulteriori tracce, le brevi e furibonde The Ruiner e Deathbound, massicce e angolari come nello stile di Leviathan, ma che comunque sarebbero state B-side anche su quel disco, e che in prospettiva rovinano la chiusura perfetta rappresentata da The Sparrow; forse sono state composte e inserite solo per accontentare i nostalgici delle sonorità più pesanti della band.

The Hunter rischia infatti di essere rifiutato dai loro fan del primo periodo perché privo della pesantezza metal e delle schizofrenie strumentali più violente, ma è essenziale comprendere come i Mastodon non si siano prestati a stili musicali modaioli o trendy per rendersi appetibili: la loro è una decisione di puntare tutto sulla concisione e sul proprio talento melodico, restando al contempo ben attenti a variare approccio da traccia a traccia, senza mai ripetersi. La svolta di The Hunter è per tanto da classificarsi non come una svendita, ma come una genuina evoluzione verso territori differenti. Per il momento, il quartetto si dimostra ancora capace di inanellare sfoggi di versatilità tecnica (meno appariscenti del passato, ma comunque costantemente presenti) in misura proporzionale ad un impressionante numero di riusciti hook melodici, e finché ispirazione, equilibrio e voglia di cambiamento ad ogni nuova uscita continueranno a contraddistinguerne la carriera, sarà dura scalzarli dal dominio schiacciante sulla scena rock-metal della loro generazione.

Visions from Cosmos 11

Corrado Penasso — Thu, 14 Jul 2011 09:26:57 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Progressive Rock

Hard Rock

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2011

Link correlati:

Official Site

Line-Up:

Simone Terigi - Guitars

Alessio Calandriello - Voice

Gianluca Eroico - Bass

Paolo Raffo - Drums

Tracklist:

01. Holy Rage

02. Cosmos 11

03. Fallin'

04. In The Moment

05. Night Feel

06. Get Up

07. Underground

08. Sun And Sun

09. Through The Years

Lucid Dream

Visions from Cosmos 11

I Lucid Dream si formano nel 2009 a Sestri Levante grazie alla mente del chitarrista Simone Terigi. Reclutati presto i restanti componenti, la band inizia a lavorare per la pubblicazione del loro album di debutto, questo Visions from Cosmos 11. Lo stile che il quartetto ci propone è un hard rock progressivo fortemente votato a quello tanto in voga negli anni 80. L’album autoprodotto contiene nove composizioni dotate di pathos e tecnica per una bel tuffo nel passato. Giusto per capire come inquadrare questo sound e la perizia strumentale dei musicisti coinvolti, basti pensare che il chitarrista-fondatore ed il bassista erano compagni nel Joe Satriani Tribute ed il cantante Alessio Calandriello insegna alla Roland Music School.

Entrando specificatamente nell’analisi dell’album, sin dalla traccia posta in apertura Holy rage possiamo notare il piglio deciso delle chitarre con un batteria che sostiene il tutto attraverso tempi medi potenti e precisi. La voce potente e versatile di Alessio si fa notare da subito grazie a picchi notevoli ed un ottimo groove anche durante alcune partiture meno tirate. Le aperture melodiche chitarristiche sono di pregevole fattura, soprattutto durante le fasi soliste ed è così che si prosegue con le chiare influenze del cosiddetto glam metal anni 80 della seguente Cosmos 11. Se si vogliono tirare in ballo gruppi italiani del periodo, non si possono non citare i Drama o i Crying Steel. L’orecchiabilità ben si fonde con una tecnica strumentale superiore ed il pacchetto è ben che servito.

La strumentale Fallin’ è forse la canzone che immortala meglio la tecnica strumentale del gruppo ed allo stesso tempo è un altro esempio della passione che anima il gruppo. Il giro di chitarra principale è facilmente memorizzabile e mai la tecnica azzera il calore del sound. La grinta di In the Moment (assolo chitarristico-capolavoro) ben si oppone alla breve Night Feel, ricca di introspettivi arpeggi. Proseguendo nell’ascolto dell’album troviamo la decisa Get Up che, tuttavia, contiene alcune aperture maggiormente melodiche in occasione del ritornello per un mix sempre entusiasmante. Le melodie più accentuate di Underground lasciano spazio al groove della successiva Sun and Sun, altra traccia strumentale dalle molteplici sfaccettature. Si passa agilmente attraverso il riffing deciso per tuffarsi poi in riflessive partiture pregne del solismo raffinato delle sei corde.

Arrivati all’ultima canzone del disco, Through the years, possiamo notare l’opposizione di riffs Sabbathiani a repentini cambi di tempo che velocizzano notevolmente la proposta. La voce di Alessio spinge al massimo ed anch’essa contribuisce in modo egregio alla chiusura di un disco veramente valido. Spero sinceramente che le etichette non manchino nel far pervenire le loro proposte al gruppo perché non c’è tempo da perdere. I Lucid Dream ci sanno fare ed è tempo che tutti lo sappiano.

Ninth

Matteo Trapasso — Fri, 10 Jun 2011 09:11:58 +0000

Voto:

4.5 / 10

Autore:

Matteo Trapasso

Genere:

Hard Rock

Gothic Rock

Etichetta:

Nettwerk

Anno:

2011

Link correlati:

Peter Murphy Official Site

Line-Up:

- Peter Murphy - voce

- Mark Gemini Thwaite - chitarra elettrica

- John Andrews - chitarra acustica, chitarra elettrica

- Jeff Schartoff - basso

- Nick Lucero - batteria

Tracklist:

1. Velocity Bird

2. See Saw Sway

3. Peace To Each

4. I Spit Roses

5. Never Fall Out

6. Memory Go

7. The Prince & Old Lady Shad

8. Uneven & Brittle

9. Slowdown

10. Secret Silk Society

11. Creme De La Créme

Peter Murphy

Ninth

E' possibile invecchiare male e Peter Murphy ne fornisce una dimostrazione concreta con il suo nuovo Ninth, album che appare vecchio e già sentito. Eppure l'ex leader dei Bauhuas ci prova in tutti i modi, furbamente, sin dalla prima traccia. La prepotente Velocity Bird fa rammentare quanto siano lontani i cardiopalmi offerti negli anni Ottanta e infatti Ninth appare come un disco che mira a tratti verso un bolso e stereotipato Hard Rock, quello privo di segnali di vita.

La mancanza di idee restituisce all'ascoltatore i primi dubbi che questo sia un album mal concepito: See see Sway, pezzo che fa tirare un'altra volta un'occhiataccia verso l'oggetto che restituisce il suono all'ascoltatore. Peter Murphy si fa ancora più cattivo nella traccia seguente, Peace to Each, pezzo ancora dal dubbio valore: batteria sostenuta e chitarra che ogni tanto svolge il compitino, con sterzate e cavalcate oggettivamente insignifcanti. I Spit Roses ricorda a tratti, grazie alle urla di Murphy, qualche pezzo andato a male degli U2, mentre Never Fall Out è angoscia, ma nel senso lato del termine. Tutta la povertà del disco è racchiusa in questo misero pezzo; le idee mancano e, già a metà album, la veloce Memory Go ne è la prova, poiché non vengono elaborati nuovi elementi rispetto alle precedenti.

The Prince & Old Lady Shad cerca di far cadere maggiormente l'album nel baratro delle tenebre e ci riesce attraverso un ritornello da giovane artista che si cimenta per la prima volta con il proprio debutto. Appare quasi che sia il disco di un musicista insperto, poiché praticamente nullo è il valore di pezzi sì ascoltabili, ma insostenibili nella capacità di poter trasmettere emozioni e soddisfazione. Uneven & Brittle si apre con una chitarra quasi metal e con la solita voce di Murphy da cinquantenne ormai finito, evolvendosi poi nei riff ordinari e nel vociare possente.
L'incipit di Slowdown cerca di attirare l'attenzione, ma la traccia presto si rivela come uno dei pezzi più sgradevoli dell'album.
Secret Silk Society, forse il pezzo più tenebroso e probabilmente più riuscito dell'album, crea un'atmosfera accettabile, priva di quel piglio ridicolo delle canzoni precedenti. La conclusiva Creme de la Crème parte con il dolce suono di un pianoforte, ma dopo pochi attimi questo viene investito dal giovane e vecchio Peter Murphy, che esegue cover su cover in un album di inediti.

Una povertà musicale inaudita, quella del nuovo Murphy. Una discografia da solista molto acerba e questo Ninth ne è la prova lampante. Un album che stanca molto, privo di genialità e di classe. Ormai il cantautore britannico è giunto al crocevia della sua carriera da solista a causa di un nono album che fa scomparire la personalità splendente e cupa di trenta anni fa.
Riprovarci adesso, sarebbe solo l'ennesimo tentativo fallito.