Gothic Metal

Construct

Alessandro Mattedi — Sun, 02 Jun 2013 11:55:54 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Death Metal

Gothic Metal

Etichetta:

Century Media

Anno:

2013

Line-Up:

Mikael Stanne - voce
Niklas Sundin - chitarra
Martin Henriksson – chitarra, basso
Anders Jivarp – batteria
Martin Brandstrom – tastiere, elettronica

Tracklist:

1. For Broken Words
2. The Science of Noise
3. Uniformity
4. The Silence In Between
5. Apathetic
6. What Only You Know
7. Endtime Hearts
8. State Of Trust
9. Weight Of The End
10. None Becoming

Bonus tracks:

11. Immemorial
12. Photon Dreams

Dark Tranquillity

Construct

Il nuovo album dei Dark Tranquillity si intitola Construct ed è anticipato dalla dipartita di Daniel Antonnson, il bassista subentrato a Nicklasson per le registrazioni del precedente We Are the Void. Al suo posto ritorna al basso dopo il 1999 Martin Henriksson, comunque presente anche nella chitarra ritmica.

L'album segna un quasi improvviso recap nella carriera del gruppo. Forse anche per rispondere alla povertà di idee espresse con il disco precedente e alla tendenza ad assestarsi su dei fondamentali comuni nell'ultimo decennio di full-lenghts, gli svedesi decidono di rispolverare e rimescolare diverse attitudini esplorate nel corso della loro carriera. Quelle che risaltano di più sono senza dubbio quelle provenienti dai famigerati "dischi di metà carriera", ovvero Projector ed in parte Haven, dai quali emergono in maniera più preponderante che mai alcuni spunti gotici e melodici molto presenti nel songwriting, in parte nei soundscape atmosferici realizzati con gli strumenti e nelle digressioni più tenui. Non c'è però il costante ricorso alla voce pulita del primo e all'elettronica del secondo, lasciandoli come complementi di un disco fondamentalmente sempre legato al consueto trinomio chitarra-basso-batteria; è però evidente il tocco di Brandstrom in diversi arrangiamenti, molto melodic-oriented soprattutto nella struttura.
Il lavoro riprende qualcosa anche dai primi album, soprattutto nella prima parte del disco dove ritroviamo molti spunti veloci e graffianti come nello stile degli esordi (ma senza sfociare nell'imponenza di un The Gallery, preferendo invece un approccio più oscuro e a volte cadenzato).
Questo apparente ritorno al passato suona paradossalmente molto più fresco, originale e creativo, dato che la fusione delle due anime riesce senza stonare e che ciò introduce molti più spunti e molta più varietà rispetto a We Are the Void, oltre che risultare un'inversione della tendenza stilistica che si era venuta a consolidare a partire da Damage Done.

Parte della critica ha accolto con scarso entusiasmo il disco, trovandolo ugualmente piatto. In realtà Construct lancia effettivamente idee, riff e giochi melodici, non suonando piatto ma anzi più ispirato e fresco di quanto possa sembrare; ciò che ha deluso è più che altro il suo approccio "rallentato", alla lunga non molto coinvolgente. L'album difatti manca anche di grandi hit trascinanti e di picchi che rimangono impressi nella mente, risultando da questo punto di vista deludente rispetto ad un Fiction (manieristico, ma strapieno di pezzi coinvolgenti) o ad un Damage Done (ricchissimo di melodie d'impatto e trascinanti), quelli che sembrano essere i due dischi ricordati maggiormente con nostalgia. In questo senso è comprensibile la ricezione negativa dell'album, anche se in questa sede ci allineiamo con chi l'ha recepito con più ottimismo e piacevole constatazione del variare il discorso.
Per contro Construct si assesta anche su di un unicuum compatto ed omogeneo raramente scadendo in momenti compositivamente sottotono.

La prima parte dell'album è tendenzialmente più vicina alla particolare e personale varietà di melodic death metal che i Dark Tranquillity avevano introdotto nei primi album, rinnovandola con piccoli giochi elettronici e preferendo un approccio più immediato e atmosferico agli eleganti intrecci e duelli chitarristici che alle volte si potevano incontrare.

L'iniziale For Broken Words è un aggiornamento ed ammodernamento di stilemi passati, con riff ronzanti e atmosfere cupe che si riallacciano ai primi due album, coadiuvati da arpeggi clean malinconici che non avrebbero stonato su The Mind's I e piccole digressioni in mid-tempo che si riallacciano leggermente agli intermezzi più calmi di Haven (ma con meno elettronica, che comunque puntella gli arrangiamenti come ciliegina sulla torta).
Gli umori sono abbastanza cupi, si nota che gli svedesi giocano più sull'atmosfericità che sull'approccio d'impatto (pur non rinunciando a riff taglianti e a una batteria incalzante), l'aver scelto una traccia del genere come opening invece di qualcosa di molto più scatenato scopre immediatamente le carte.
The Science of Noise prosegue su questi binari, sfociando in un vero e proprio tuffo nel passato mescolando ai riff thrashy a la Character delle chitarre ronzanti in stile Skydancer, soprattutto da metà brano in poi. Gli umori sono molto cupi e a tratti alienanti, a parte che nel melodicissimo tapping dell'assolo.
Veniamo ora al primo singolo, Uniformity, mandato avanti principalmente da piacevoli tastiere melodiche ed atmosfere dark-wave, sfociando in una power-ballad che si riallaccia questa volta a Projector, ma con un atteggiamento più cavernoso spezzato dal canto pulito di Stanne nel ritornello dolceamaro, un contrasto generato anche da alcuni riff magmatici e spettrali nel pre-chorus. Risulterà di sicuro un brano controverso, dato che gli ascoltatori più legati al metal duro potrebbero schifarlo.
La successiva The Silence in Between inizia ricordando un po' troppo gli Amorphis, per poi trasformarsi in un orecchiabile punto d'incontro fra l'impeto veloce ed aggressivo dei primi Dark Tranquillity e alcune strutturazioni chitarristiche melodiche più vicine ad Haven.
Apathetic in tutto e per tutto sembra uscita da The Mind's I, difatti il songwriting è il medesimo, con tanto di attacco thrashy iniziale su sfondo di chords. Suona troppo di già sentito, però è abbastanza veloce e d'impatto.

La seconda parte dell'album è invece quella più "gotica", sia per quanto riguarda il contorno atmosferico/elettronico, sia per le composizioni chitarristiche, che coniugano sapientemente melodia, oscurità e aggressività anche nei momenti più prevedibili e un po' manieristici, sfruttando la cura certosina riposta dal gruppo in fase di arrangiamento.

Veniamo ora all'altro brano più controverso, What Only You Know, un pezzo melodicissimo con riff goticheggianti relativamente morbidi, melodie intense e romantiche, ritornello irresistibile e dal retrogusto malinconico, intermezzi attenuati dove le chitarre svaniscono per lasciar spazio di nuovo alla voce pulita e ad arpeggi melodici di supporto; lo stile compositivo emerge direttamente da Haven ma come sempre con meno elettronica rispetto al disco del 2000; è un brano emozionante che potrà schifare i puristi del lato più duro del gruppo oppure risultare la perla melodica dell'album.
Endtime Hearts rimescola le digressioni melodiche di Haven con parti più aggressive, risultando molto orecchiabile ma meno trascinante ed emozionante del precedente brano, in alcuni casi sembrando anzi un derivato dei gruppi goth melodici nordici. L'assolo intenso la salva comunque dal risultare un po' piatta.
Una delle canzoni migliori è sicuramente State of Trust, che inizia con un riff inquietante per poi evolversi in un intrigante connubio fra dark-wave soffusa e malinconica, goth metal bruciante e lievi spruzzi di elettronica che suonano un po' prevedibili ma amplificano l'atmosfera. Risulta particolarmente efficace il contrasto fra i refrain in voce pulita di Stanne e i chorus dove quest'ultima si rimescola ad un growl/scream aggressivo, salvo poi lasciar sfociare tutto in un soffuso electro-goth retto da linee vocali deliziosamente pop/dark nell'intermezzo dopo metà brano.
Per contro Weight of the End è molto più chitarristica, riff groovy dalla corda a vuoto (già visti in alcuni casi su Fiction), bridge vagamente industrialoidi, nuovamente i riff ronzanti nel sottofondo del ritornello che si riallacciano all'inizio del disco e pregevoli spunti melodici che sanno leggermente d'accademismo ma conferiscono un tocco di classe.
None Becoming è infine la consueta traccia di chiusura che enfatizza malinconia, effettistica ed imponenza sonora, sfociando alcuni degli spunti sonori più efficaci dell'album e mantenendo sempre una sensazione inquietante di conclusione di sottofondo.

Fin da subito è presente anche due bonus tracks: la bruciante Immemorial consistente in un efficace pezzo goth dove si mettono in luce in particolar modo le melodie portanti (più vicine alla tradizione di melodic death metal cupo di metà anni '90), la chitarra acustica nascosta e l'assolo; e la strumentale Photon Dreams, dal sapore decadente e allucinogeno, anche se un po' monotona.

In definitiva un disco ben scritto, pregevolmente arrangiato e con diversi spunti melodici molto interessanti, un po' di mestiere (ma è naturale) e che probabilmente deluderà chi cercava la collezione di hit trascinanti, ma che consideriamo una gradita variazione di tono rispetto ad una fossilizzazione sulle coordinate dei precedenti album.
A quando un disco con sola voce pulita oppure a la Host dei Paradise Lost?

The Essence Remains

Stefano Pentassuglia — Tue, 10 Apr 2012 21:13:15 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Post Rock

Post Metal

Gothic Metal

Etichetta:

My Kingdom Music

Anno:

2012

Line-Up:

Voce e Chitarra : Ugo Ballisai

Basso: Alessio Caruso

Batteria: Luca Costanzo

Tracklist:

01. Snowstorm
02. The Fairies’ Circle
03. Silence
04. Lilith
05. Holy Mountain Pt1 (The Alkemist’s Frode)
06. Holy Mountain Pt2 (The Rebirth)
07. 24 Megatons
08. Equilibrium
09. The Essence Remains

L'Alba Di Morrigan

The Essence Remains

Dev’esserci qualcosa, nell’aria di Torino, che infonde sensazioni profonde e malinconiche mentre si attraversano i suoi portici e le sue vie solenni, o si osservano le foglie gialle dell’autunno confondersi con il colore di palazzi e monumenti. Non mi meraviglierei che una città affascinante come questa possa ispirare anche la musica delle numerose band che vi risiedono e che ne traggono giovamento per le proprie opere. Il fatto che, in Italia, fosse Roma ad attirare il maggior numero di gruppi dediti ad un gothic metal estremamente intimista e melanconico (e, su tutti, penso ai Klimt 1918, ai The Foreshadowing e soprattutto ai fenomenali Novembre) non ha impedito che fosse proprio la ex capitale dell’800 la culla di una nuova promessa per questo sempre più interessante filone musicale tipicamente italiano.

L’Alba Di Morrigan, infatti, è una realtà tutta torinese che aveva già mostrato le unghie nel 2009 con l’album “The Circle” (che a suo tempo ascoltai e di cui mi innamorai al primo ascolto). Non abbastanza, evidentemente, dal momento che i tre ragazzi hanno deciso di ri-registrare il vecchio demo aggiornandolo, ri-arrangiandolo e rendendolo degno dell’attenzione di un’etichetta non da poco come la My Kingdom Music come il loro primo esordio ufficiale vero e proprio.

Fatta eccezione dell’inedita e notevole title track, le canzoni sono rimaste quelle di “The Circle” ma si sente che questa volta qualcosa è cambiato. I vecchi brani, che all’epoca erano contornati da quel tipico fascino che si deve alle registrazioni autoprodotte, sono stati ripuliti e ridefiniti con una luce nuova e sonorità finalmente in grado di far risaltare la bellezza delle composizioni. Questa volta la chitarra graffia sul serio, la voce riscalda, il basso avvolge e la batteria è potente e fa finalmente il suo lavoro come si deve (parole di Ugo: “nel vecchio disco la batteria sembrava quella dei Beatles!”).

I brani sembrano seguire un filo conduttore che li lega attraverso le emozioni iniettate nelle vene dell’ascoltatore. Quando inizia “Snowstorm”, tutto si placa, il basso disegna linee nell’aria che si sposano con una chitarra delicata e una voce sommessa, che sembra introdurci nell’antro di un mondo decadente. Presto però si rintraccia anche la variabilità delle strutture e un approccio che non scade mai nell’autolesionismo del gothic metal ma, al contrario, rimane sempre ancorato alla dinamicità di un rock visionario e ispirato. Arpeggi, assoli, cambi di tempo e melodie suadenti che non annoiano mai e inducono piuttosto a riascoltarle con piacere.

Lo stesso discorso vale per tutte le canzoni qui presenti, con una “The Fairies’ Circle” grintosa ed estremamente emozionante nelle sue divagazioni post-rock, o una “Silence” che avvolge i sensi e se ne impossessa, rilassando le membra, la testa ed il cuore. La successiva “Lilith”, isola felice con il suo testo in italiano, si avvicina maggiormente alla drammaticità dei Novembre, mentre la coppia “Holy Mountain” Parte 1 e 2 scatenano tutto l’estro creativo del combo: basso pulsante e chitarre variegate, in un rock intenso ed estremamente coinvolgente che spinge più volte a ripremere il tasto play per riascoltare determinati passaggi e certe melodie che meritano particolarmente.

“24 Megaton” preme sul pedale dell’acceleratore senza aggiungere molto a quanto ascoltato in precedenza, mentre “Equilibrium” placa i sensi in una suite di sensazioni soffici da trip mentale che si sposano ad un post metal intenso e decadente. Con la conclusiva “The Essence Remains”, i tempi rallentano e si dilatano, regalando momenti di musica intimista e melodie che mi hanno ricordato molto da vicino i migliori Katatonia.

Si chiude così un vero e proprio viaggio, avvolgente e delicato, che sembra quasi riassumere quello che è l’approccio italiano alla materia gothic metal di terra scandinava. Tutto questo, però, senza dimenticare un concetto importante: la forza di questi ragazzi sta anche nel non avere una sola ma più fonti di ispirazione che si completano, ed è un piacere osservare come l’amore per la band di Jonas Renkse possa unirsi a tonalità post-rock o a sonorità che ricordano da vicino il post metal autunnale dei Callisto… Un dettaglio non da poco per chi è affamato di questo tipo di sound e apprezza tanto “Viva Emptiness” e “Tonight’s Decision” quando “Providence” e “Noir”.

Unica pecca dell’album: il fatto di essere ancora acerbo per ovvie ragioni, essendo il primo (seppur notevole), induce il gruppo ad adagiarsi molto nelle strutture che gli sono più congeniali, con il risultato che a volte le canzoni tendono ad assomigliarsi un po’ troppo le une con le altre. Se non fosse stato per questa omogeneità di fondo, probabilmente un disco del genere, pur essendo un debutto, avrebbe meritato addirittura un 9 pieno! In ogni caso, i margini di miglioramento e progresso sono ampi e ciò non può far altro che farmi incuriosire e sperare nella futura pubblicazione di un vero e proprio capolavoro, dal momento che i requisiti per farlo ci sono tutti.

Ugo, Alessio e Luca, i tre ragazzi dei L’Alba Di Morrigan, ho avuto il piacere di conoscerli dal vivo e devo dire che non me li aspettavo così affabili e simpatici come poi si sono dimostrati; ma, andando al di là del loro lato meramente umano, si tratta di persone che credono davvero nella musica che suonano e che, a mio parere, meritavano che qualcuno si accorgesse di loro e non posso far altro che ringraziare la My Kingdom Music se ora posso godermi in pieno il loro disco. Tra l’altro, uno dei brani inediti che ho ascoltato durante il loro ultimo concerto nella città di Cavour mi ha fatto davvero ben sperare che il prossimo album possa raggiungere, se non superare, le vette raggiunte dal questo esordio.

Un gruppo che può fare la differenza in questa Italietta dove le band talentuose si contano a centinaia ma sono poche quelle che davvero riescono ad affermarsi. Se saranno una band fondamentale per il futuro della scena metal italiana, questo potremo capirlo solo con i successivi album; sicuramente, per ora, si tratta di una realtà importante e da tenere assolutamente d’occhio.

Preziosi.

One Way Out

Corrado Penasso — Fri, 16 Dec 2011 15:54:06 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Gothic Metal

Etichetta:

Worm Hole Death

Anno:

2011

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My Space

Line-Up:

Giulia Stefani - Voice

Paul Raimondi - Guitar

Mauro Paganelli - Guitar

Andrea "Fagio" Fagiuoli - Bass Guitar

Simon Carminati - Drums

Tracklist:

01 Calliope

02 Elements Dance

03 Nobody

04 A Starless Night

05 Redemption I - Rainy

06 Redemption II - Reflection

07 Redemption III - Far Away

08 Embrace

09 Journey

10 Back to Hell

11 This Funny Dangerous Game

12 My Bitter Tale

Ravenscry

One Way Out

Nati a Milano nel 2008, i Ravenscry con questo One Way Out arrivano alla pubblicazione del loro primo album. Il combo che suona gothic metal si era già presentato sulle scene con l’omonimo EP nel 2010 ed ora sono arrivati al grande passo. Mauro Paganelli e Paul Raimondi alle chitarre, Fagio al basso, Simon Carminati alla batteria e la romana Giulia Stefani alla voce si sono appoggiati all’instancabile Worm Hole Death per produrre questo nuovo lavoro che ora andremo ad ascoltare.

L’introduzione è potente grazie al riffing groove delle chitarre in occasione di Calliope, prima canzone dell’album. Presto la voce di Giulia si fa notare a contrastare con le parti chitarristiche sempre abbastanza ruvide. La tastiera ricrea la giusta atmosfera ed alcuni stacchi possono ricordare parecchio gli Evanescence o i Lacuna Coil. La band mi perdonerà per il paragone che ormai viene abusato nelle recensioni in generale. Le influenze metal comunque sono qui maggiormente presenti, soprattutto nel succitato riffing di chitarra che non abbandona mai la scena e si scontra con la parte maggiormente suadente del sound, composta dalla voce e dalle tastiere. La successiva Elements Dance lascia trasparire un tocco melodico leggermente più accennato anche se non si cade mai nella banalità ed anzi, il sound pare sempre molto delicato e volutamente mai ruffiano. Le influenze elettroniche e la profondità musicale di Nobody risultano essere molto convincenti anche per chi, come me, non è avvezzo al genere e si potrebbe aspettare la solita minestra riscaldata. Nulla risulta lasciato al caso e l’andamento lento non puzza di nu-metal ma si nutre di melodie raffinate e soluzioni ad ampio respiro in un sound sempre leggermente decadente e tenebroso.

A Starless Night continua questa predilezione per le atmosfere oscure, principalmente costruite su una base di tempi medi con riffs a tratti veramente rabbiosi e di una pesantezza che non viene riscontrata parecchio nei gruppi moderni che suonano un genere simile. Qui la voce di Giulia muta con più facilità e gli stacchi di piano contribuiscono anch’essi al mood generale. La trilogia Redemption, ovvero tre brani che seguono lo stesso filone logico, mostra un’ottima interpretazione della cantante. Il tutto accompagnato dai suoni di violini e tastiere che mi ricordano molto i Macbeth migliori (quelli di Vanitas, ad esempio). Embrace non si distacca molto da quanto proposto dal gruppo finora e possiamo rimarcare l’ottimo assolo chitarristico, anticipato da break nel mezzo ove tra arpeggi e voci filtrate l’atmosfera ne giova. Journey mostra un riffing più deciso e presente per una traccia che strutturalmente parlando mostra segni di dinamicità maggiore, il tutto sempre e comunque accompagnato dalla profondità delle tastiere e dalla voce suadente e teatrale della dotata singer.

Avvicinandoci alla fine dell’ascolto troviamo una Back to Hell più accessibile durante il ritornello anche se la distorsione delle chitarre rimane il punto più pesante della musica, grazie anche ad alcuni break molto decisi e di indubbia potenza. This Funny Dangerous Game ci presenta sempre un ottimo bilanciamento tra partiture melodiche ed aperture rabbiose ove il DNA metal viene allo scoperto, supportato alla grande dalle tastiere. La finale My Bitter Tale mostra un groove roccioso che si distacca (in bene) da ciò che la band ci ha proposto sinora e dona dinamicità grazie anche ad un tocco moderno di tutto rispetto che non dà fastidio o annoia. Sicuramente la traccia più rabbiosa e movimentata del lotto per chiudere degnamente un disco di valore. Per essere al debutto, i Ravenscry mostrano di saperci fare nel genere. Un song writing molto curato, una rabbia strumentale mica da ridere e tanta passione fanno sì che la band possa ricevere consensi ad ampio raggio.

Ultime due note di lode per il libretto curato e per l’ottimo video di Nobody a mettere la ciliegina sulla torta.

Darkly, Darkly, Venus Aversa

admin — Sat, 20 Nov 2010 23:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Gothic Metal

Etichetta:

Peaceville/Nuclear Blast

Anno:

2010

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My Space

Line-Up:

Dani Filth - Vocals
Paul Allender - Guitars
James McIlroy - Guitars
Dave Pybus - Bass
Ashley Ellyllon - Keyboards, Backing Vocals
Martin Škaroupka - Drums

Guest members:
Lucy Atkins - Female Vocals
Dora Kemp - Backing Vocals
Mark Newby-Robson - Orchestration
Andy James – Guitars

Tracklist:

1. "The Cult of Venus Aversa"   7:07
2. "One Foul Step from the Abyss"   4:53
3. "The Nun with the Astral Habit"   4:55
4. "Retreat of the Sacred Heart"   3:56
5. "The Persecution Song"   5:34
6. "Deceiving Eyes"   6:32
7. "Lilith Immaculate"   6:12
8. "The Spawn of Love and War"   6:19
9. "Harlot on a Pedestal"   5:09
10. "Forgive Me Father (I Have Sinned)"   4:33
11. "Beyond Eleventh Hour"   7:16

Cradle of Filth

Darkly, Darkly, Venus Aversa

Criticati, amati, odiati, protagonisti delle più disparate burle da parte dei sostenitori del “true black metal”, i Cradle of Filth ritornano tra di noi. Ormai sotto l’ala protettrice della Peaceville Records dal precedente album, Godspeed on the Devil's Thunder, Dani Filth e soci si ripresentano con questo nuovo Darkly, Darkly, Venus Aversa; album decisamente più maligno se comparato alla opere precedenti dal gruppo. Dani aveva espresso più volte le sue intenzioni “bellicose” in occasione delle registrazioni dell’album e sicuramente non si può dar torto allo storico leader dei vampiri Inglesi.

Pur non distaccandosi moltissimo dalla redici extreme gothic metal degli ultimi anni, il nuovo sforzo discografico vede un ritorno parziale alla vecchie sonorità del gruppo: le chitarre sono maggiormente presenti ed i tempi più tirati, anche se non deve mancare la componente sinfonica che diede loro tanta fama. Insomma, ci sono tutte le carte in regola per un buon ritorno dopo alcune scialbe pubblicazioni del passato. La registrazione è potente ma non eccessivamente pomposa (un nome a caso, Dimmu Borgir) e la proposta è ancora una volta ben bilanciata tra estremismo e melodie darkeggianti e crepuscolari. Per di più, Darkly, Darkly, Venus Aversa si presenta come un concept album su Lilith, creatura dalla varie incarnazioni a seconda delle credenze, da ribelle che non voleva sottostare al maschio durante la creazione dell’uomo e della donna ad opera di Dio a creatura demoniaca che rapiva i neonati, causandone l’immediata morte.

A testimonianza di un ritrovato dinamismo musicale, troviamo in apertura The Cult of Venus Aversa, song dall’introduzione a base di arpeggi e voce femminile che sfocia successivamente in prolungati up tempo con la voce di Dani a raggiungere picchi altissimi, come nel suo miglior stile. Le orchestrazioni sono molto buone e mai, come detto in precedenza, sovrastanti. Anzi, il loro taglio barocco ad oscuro si sposa bene nel contesto musicale creato dalla sezione ritmica e non mancano stop nei quali la componente sinfonica si lancia in brevi soli dall’impronta molto oscura. Un’ottima introduzione all’album. Seguono gli egregi arrangiamenti in apertura di una tagliente One Foul Step From the Abyss, la quale segue grossomodo lo stesso stile dell’opener grazie ad un riffing crudo e ad una doppia cassa che martella quasi in continuazione. Finora si ha l’impressione di trovarsi al cospetto di canzoni sì ben arrangiate ma anche scorrevoli e senza eccessivi fronzoli che avrebbero potuto appesantire la proposta, rendendola ostica. Più votata ai semplici up tempo la successiva The Nun with the Astral Habit, anche se è da rimarcare l’ottimo crescendo operato dalla tastiera in più occasioni, con ottimi cambi di atmosfera ad ammantare un composizione sempre veloce e tagliente con un Dani in ottima forma.

Il riffing su Retreat of the Sacred Heart possiede un’impronta decisamente thrash metal e ciò non può che far piacere, riuscendo a creare il giusto impatto mentre le solite, brevi sezioni sinfoniche sporadicamente invadono il sound, arricchendolo. I toni si calmano in occasione dell’articolata The Persecution Song, emozionante grazie alle melodie poste in apertura e prontamente riprese in molte sezioni centrali. La buona versatilità di Dani, unita ai vari cambi di atmosfera creano un’ottima atmosfera che si sostiene principalmente su tempi medi. Si ritorna ad un riffing maggiormente improntato al thrash metal con la lunga Deceiving Eyes, ottima nei duetti vocali e nel riffing centrale, decisamente più accessibile. Lilith Immaculate è maggiormente improntata al gothic classico in diverse sezioni, specialmente se si considera l’uso della voce femminile a duettare con una versione più malleabile della voce del frontman, nonostante più parti seguano uno stile più impulsivo mentre la veloce batteria trascina tutti dietro di sé. Imponente ed inquietante l’andamento The Spawn of Love and War, caratterizzata anche da buone sezioni in up tempo a spezzare barocchi e spettrali arrangiamenti delle tastiere.

Ci avviciniamo alla fine del disco con lo stile sempre diretto di Harlot on a Pedestal, caratterizzato dal solito buon riffing a base thrash; seguito a ruota dalla gotica ed in qualche modo originale Forgive Me Father (I Have Sinned) che si distingue per essere più cadenzata della canzoni precedenti, con una predilezione per le linee soliste di chitarra e l’utilizzo della voce femminile. Chiude il platter la variegata Beyond the Eleventh Hour, una sorta di “summa” di tutti gli elementi trovati finora su disco, dai passaggi di voce femminile alle veloci sferzate di doppia cassa, senza dimenticare i momenti più doom a confermare la bontà di questa nuova uscita ad opera dei Cradle of Filth. Senza gridare al miracolo e farci trascinare da facili euforie, Darkly, Darkly, Venus Aversa è da considerarsi come un lavoro discreto, nettamente migliore delle uscite precedenti, ma anche non eccessivamente vario. Diciamo che manca quella canzone veramente esaltante, anche se non ci si può assolutamente lamentare.

Promo 2009

admin — Mon, 26 Apr 2010 22:00:00 +0000

Voto:

6.2 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Gothic Metal

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2009

Link correlati:

Weeping Silence @ MySpace.com

Line-Up:

- Rachel Grech - voce
- Toni Farrugia - chitarra
- Mario Ellul - chitarra
- Sean Pollacco - basso
- Alison Ellul - tastiera
- Angelo Zammit - batteria

Tracklist:

1. Promises Broken (06:37)
2. Dark Waters (05:23)
3. Within White Walls (06:12)
4. Innocent Cris (07:20)

Weeping Silence

Promo 2009

Direttamente da Malta, ecco che arrivano i gothic metallers Weeping Silence con questo nuovo Promo 2009. Autoprodotto e distribuito dalla Alkemist Fanatix questo nuovo lavoro consta di quattro tracce molto sinfoniche e dal tocco decisamente melodico.
Comunque, prima di addentrarci nel lavoro è buono sapere che questa band non è di recente formazione ed ha già alle spalle ben due album, essendosi formata nel 1995. Dopo alcuni cambi di line-up li ritroviamo ancora qui dopo ben quindici anni e con un album praticamente pronto per essere lanciato sul mercato a breve.

Promises Broken segue una struttura molto semplice con stacchi arpeggiati e sinfonici da essere alternati a momenti sempre doomeggianti ma con l’entrata delle chitarre elettriche. Il tempo non è assolutamente veloce e si assesta in questo modo per dare completo rilievo alle melodie ad alla voce soave di Rachel. Il mood è decadente e le influenze di band come i Tristania o Tristitia si sprecano.
Segue Dark Waters che aumenta leggermente in termini di tempo e segna una discreta prova da parte delle cantante anche se a volte il suo timbro risulta essere fin troppo alto e non così deciso. D’altro canto, questa canzone vede anche un aumento delle parti sinfoniche ed un allungamento di esse, attraverso arpeggi sostenuti dalle tastiere o alcune linee soliste. Arpeggi che diventano l’introduzione nonché parte importante di Within Silence che solo proseguendo sfoggia alcune linee prettamente più doom,anche come pesantezza degli strumenti.
Ad ogni modo, alcuni ritorni al sinfonico sembrano d’obbligo e stanno ad annunciare l’oscura ma sempre melodiosa Innocent Cries. Molte volte queste soluzioni musicali mi hanno riportato in mente i Macbeth di Romantic Tragedy’s Crescendo anche se non siamo assolutamente sugli stessi livelli.

Ad ogni modo, anche se non ci troviamo al cospetto di un prodotto rivoluzionario, questo promo si lascia ascoltare e risulta essere senza infamia e senza lode. Ovviamente, consigliato solo a gothic metallers dai gusti più melodici.

Misere Mortem

admin — Tue, 23 Mar 2010 23:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Gothic Metal

Etichetta:

Napalm Records

Anno:

2010

Link correlati:

Mortemia @ MySpace.com

Line-Up:

:
- Morten Veland - vocals, all instruments, programming

Tracklist:

:
1. The One I Once Was
2. The Pain Infernal And The Fall Eternal
3. The Eye Of The Storm
4. The Malice Of Life's Cruel Ways
5. The Wheel Of Fire
6. The Chains That Weld My Mind
7. The New Desire
8. The Vile Bringer Of Self Destructive Thoughts
9. The Candle At The Tunnel's End

Mortemia

Misere Mortem

Dicevamo, in occasione della precedente presentazione del nuovo album degli Elysion, che il gothic metal più propriamente inteso stava attraversando un periodo piuttosto difficile, di aridità propositiva e mediocrità compositiva, avendo assistito ad un tracollo pressoché generalizzato, fra prove discografiche al limite della sopportazione e cambiamenti di formazione oramai sintomatici di un prossimo scioglimento. Avevamo portato, a supporto delle nostre conclusioni, gli esempi lampanti offertici da Sirenia e Tristania, ed è proprio da queste band scandinave che germoglia, oggi, una delle proposte più interessanti degli ultimi anni in fatto di gothic e dintorni: stiamo parlando, infatti,dei Mortemia, creatura solitaria del compositore norvegese Morten Veland, già fondatore di entrambi i gruppi precedentemente citati e, in assoluto, una delle menti più acute e illuminante del panorama decadente europeo.

Misere Mortem, questo il titolo dell'atteso debutto, è un disco che davvero restituisce al gothic una dimensione artistica che, sebbene non del tutto innovativa, ugualmente acquista uno spessore difficilmente riscontrabile altrove, dove prevalgono oggi canoni stilistici pre-confezionati che potranno dare soddisfazione solamente ai più irriducibili estimatori. Era praticamente impossibile sfuggire del tutto ad un passato musicale così ricco e formante come quello del nostro compositore proveniente dalla Terra dei Fiordi, eppure Morten Veland è riuscito ad offrire a Misere Mortem una caratterizzazione sacrale, quasi messianica, particolarmente suadente e voluttuosa, in grado di fondere con particolare sagacia i growls più tenebrosi con sezioni strumentali di particolare raffinatezza e abilità, espandendosi in orchestrazioni senza mai tradire la propria innata vocazione metal ma fondendola con un'anima oscura mai così presente, tangibile, dominante. Fra le ruggenti accelerazioni di The Pain Infernal And The Fall Eternal o il groove velenoso di The Malice Of Life's Cruel Ways, uno degli episodi più convincenti del platter in questione, l'elemento meno riuscito di questo ambizioso progetto sono certamente i cori, talvolta invadenti e spesso difficili da assimilare (l'opener The One I Once Was ne costituisce esempio lampante) anche per via di una particolare scelta di volumi sonori che finisce per esaltarli in maniera forse eccessiva, sovrastando del tutto il lodevole compartimento strumentale.

In maniera sintetica ed il più possibile esaustiva, Misere Mortem è quel classico album costituito da alti e bassi che, compensandosi relativamente a vantaggio dei primi, conquista però con quel fascino del tutto abbacinante che attornia le prospettive future, gli orizzonti inesplorati, la luce fuori dal tunnel, lontana sì ma capace di rischiarare anche un presente ancora incerto. In altri termini, il debut album dei Mortemia, già prontamente accasatisi sotto Napalm Records, è ben lungi dal poter essere giudicato un capolavoro, tuttavia racchiude in sé tutti i crismi per un proseguo decisamente raggiante, ed è anche per questo che ci riesce naturale guardare con più generosa benevolenza a questo brillante tentativo solista di Morten Veland: tracce quali The Eye Of The Storm o The New Desire, miscelando growls furenti e cori baritonali, tastiere cristalline e assoli di chitarra perfettamente equilibrati, evocativi stacchi orchestrali e roboanti riffs metal, sono destinate ad entrare di diritto nel repertorio storico di qualunque ammiratore delle sonorità gothic.

Proprio quest'ultimo, al di là degli ovvi e altrettanto sterili paragoni con la precedente discografia del musicista norvegese, saprà certamente trovare sollievo e ristoro dal mirabile lavoro di una figura ormai storica della musica decadente del Vecchio Continente, un uomo che, pur guardando e al contempo celebrando il proprio vissuto artistico (in occasione di Misere Mortem Morten Veland si è travestito da polistrumentista, singer e produttore allo stesso tempo), ha saputo recuperarne gli aspetti più semplici e pregevoli per riproporli, più forti e più vivi, nella sua nuova personificazione che si cela sotto il moniker di Mortemia.

We Are the Void

admin — Fri, 05 Mar 2010 23:00:00 +0000

Voto:

5.8 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Death Metal

Gothic Metal

Etichetta:

Century Media

Anno:

2010

Line-Up:

- Mikael Stanne - voce
- Niklas Sundin - chitarra
- Martin Henriksson - chitarra
- Daniel Antonsson - basso
- Anders Jivarp - batteria
- Martin Brandstrom - tastiera

Tracklist:

1. Shadow in Our Blood
2. Dream Oblivion
3. The Fatalist
4. In My Absence
5. The Grandest Accusation
6. At the Point of Ignition
7. Her Silent Language
8. Arkhangelsk
9. I Am the Void
10. Surface the Infinite
11. Iridium

Dark Tranquillity

We Are the Void

Ritornano gli svedesi Dark Tranquillity, veri e propri veterani della scena metal nordica, con We Are the Void, nono album studio di una carriera ormai ventennale.
Il disco, scritto nel secondo semestre 2008, vede l'entrata in formazione del nuovo bassista Daniel Antonsson, subentrato a Nicklasson partito per motivi personali.
L'attesa è stata sicuramente molto alta per via della popolarità enorme del gruppo, punto di riferimento importantissimo in ambito metal e circondato da aspettative sempre più crescenti. Troppo crescenti, forse, per le effettive ambizioni del gruppo.

Senza girarci troppo attorno, si tratta del disco più debole e meno ispirato della carriera degli svedesi (nel complesso anche più di The Mind's I che almeno aveva alcune perle melodiche che risplendevano molto). Seriamente, Stanne & soci dopo tanti anni sembrano ormai essere precipitati in una fase di stagnazione creativa fulminante, che li porta semplicemente a svolgere il compitino con un lavoro di mestiere, per carità sì magistralmente eseguito, ma annacquato da composizioni eccessivamente monotone e stantie, come se si fosse privilegiata la forma alla sostanza.
Se magari è vero che il gruppo stia procedendo per inerzia lungo un sentiero collaudato e sicuro che loro stessi hanno tracciato, un qualcosa che potrebbe almeno garantire delle produzioni di buona fattura anche se non si diventa punte di diamante della scena; è però fin troppo deludente la carenza del songwriting, non solo scontato e prevedibile come mai era capitato, ma anche poco incisivo di suo, con alcuni dei riff meno coinvolgenti e dei chorus più ripetitivi in assoluto del gruppo. Con una produzione oltretutto relativamente meno ricercata, mancano anche molti dei contrappunti sonori che impreziosivano Fiction e i refrain graffianti di Character, che pure non erano certo innovativi.
La sensazione è che i Dark Tranquillity si siano limitati ad operare al massimo per non fare una fotocopia precisa, giusto con qualche piccola influenza qua e là (qualcuna più americaneggiante, qualcuna più europea) ed un timido accenno a mettere la tastiera maggiormente in primo piano, seppur di poco, come boccate d'ossigeno sfiatate per variare un minimo la riscaldata minestra.
Ma a discapito di questo i momenti in cui sembra di sentire la solita solfa abbondano e si assiste persino a ripetizioni di uno stesso riff, in un generale riciclo di stilemi assolutamente necessitanti di un'immediata iniezione di nuova linfa vitale. Menzione particolare va per il lato elettronico/tastieristico, che urla ad alta voce il suo sottoutilizzo e il potenziale inespresso: il talento di Martin Brandstrom andrebbe impiegato con più partecipazione e ambizione, piuttosto che per ripetere meccanicamente una breve sequenza melodica di contorno... che inoltre svilisce la concretezza del fraseggio stesso, come se non si riuscisse fare altrimenti per generare singulti emotivi o picchi melodici con idee più concrete da mettere dentro la canzone.

L'iniziale Shadow in Our Blood presenta giochi sonori arabeschi molto interessanti, ma purtroppo vengono relegati ad un mero sporadico contorno: il pezzo alla fine si risolve in un melodic death metal veloce ed incalzante ma anche molto piatto e ripetitivo, salvato solo dallo stile personale del gruppo alla base di tutto - certo molto più apprezzabile di tanti cloni.
La successiva Dream Oblivion esplode subito con il riff principale, un groove metal magmatico sostenuto dal pedale frenetico e dagli inserti di contorno (refrain elettronici, attacchi melodeath, distensioni più melodiche). Nulla però che non sappia di già sentito e le piccole intuizioni melodiche alla fine rimangono solo accennate.
Accade lo stesso con The Fatalist, che però suona comunque più ispirata: c'è un rimescolamento di sonorità più vicine alla Gothenbug degli anni '90 e altre ben più moderne, usando come collante la tastiera atmosferica di Brandstrom, impegnata ora in edificare soundscapes malinconici e ora ad accompagnare i riff con note esotiche.
Invece In My Absence è semplicemente uno stanco melodic death metal, di quello a tratti più melodic che death, in ogni caso fin troppo banale. In confronto suona enormemente più apprezzabile il parziale esperimento di The Grandest Accusation, dove riff secchi e bassi presi dall'alternative metal americano vengono impiantati sul consueto stile DT, quindi con giochi di tastiera melodica di contorno e attacchi tenui ma decisi di chitarra che evolvono in sfuriate più rocciose seguite da distensioni melodiche e atmosferiche. Nulla che faccia gridare al miracolo, ma almeno è la canzone che suona relativamente più fresca fino ad ora. Peccato che la voce pulita di Stanne sembri troppo di maniera, come messa per accontentare i fan.
La successiva At the Point of Ignition sviluppa questa strada indugiando però troppo con i muri sonori di sostegno al semplice motivo principale di tastiera, comunque piacevolmente melodico (anche se è palese che senza la solita sequenza di note di tastiere i chorus si assomiglierebbero troppo suonando più che anonimi), e finendo per suonare un po' prevedibile.
Her Silent Language riprende atmosfere romantiche che non si sentivano dai tempi di Projector (eccetto che per qualche nostalgica parentesi su Fiction), tant'è che la voce pulita prende le redini del brano salvo poi lasciar posto al growl nel ritornello. Ma è tutto troppo scontato.
Arkhangelsk è probabilmente il brano migliore del lotto assieme all'ultimo per via del ritornello oscuro e terrificante, reso tale dalle inquietanti tastiere di sottofondo alle distorsioni ronzanti e al growl rabbioso di Stanne. Non mancano i soliti stereotipi coniati dagli svedesi, come i brevi intermezzi atmosferici o il connubio potenza+melodia.
Ora però c'è una brusca caduta con I Am the Void, che sembra una b-side delle sessions di Character, e Surface the Infinite, che almeno ha qualche gioco melodico in più a rendere più vario il discorso; certo, se si cerca proprio questo allora si rimarrà soddisfatti, ma da un gruppo come i Dark Tranquillity che ci avevano abituati a cambiare e a non concedere compromessi ci si aspettano molta più ispirazione, inventiva e freschezza (la classe invece almeno rimane, per fortuna).
Conclusione affidata ad Iridium, introdotta da un arpeggio gotico vicino ai Katatonia di metà carriera ad accompagnare la voce pulita mesta e misteriosa di Stanne, impegnata in linee vocali molto più ricercate di un mero ripescare un tòpos stilistico per fare contenti i fan. L'esplosione distorta del ritornello invece ricorda di più gli Hypocrisy. La lunga consueta coda atmosferica di chiusura in ogni caso termina il disco in maniera egregia con evocatività e malinconia. Si tratta di una delle canzoni migliori grazie alla sua maggiore raffinatezza e ricercatezza, fattori in ogni caso amplificati anche dal contrasto con pezzi molto più banali come i due precedenti.

Ad assistere dall'alto, è evidente la parabola discendente dei Dark Tranquillity nel corso degli ultimi dischi, da cui speriamo che loro si risollevino con un disco molto più efficace, vitale e creativo. Il loro percorso nella seconda metà di carriera è iniziato con la potenza coinvolgente e irresistibile di Damage Done, speriamo che se We Are the Void è la sbiadita chiusura di questa fase allora è perché gli deve seguire un nuovo ciclo, quello finale, speranzosamente molto più intrigante. Perché dai primi della classe non ci si aspettano insufficienze per compitini fatti di maniera, ma le lodi.

Silent Scr3am

admin — Tue, 02 Mar 2010 23:00:00 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Gothic Metal

Etichetta:

Massacre Records

Anno:

2010

Link correlati:

Elysion @ MySpace.com

Line-Up:

:
- Christianna - vocals
- Johnny Zero - guitar
- FXF - bass
- Petros Fatis - drums

Tracklist:

:
01. Dreamer
02. Killing My Dreams
03. Never Forever
04. Weakness In Your Eyes
05. Don't Say A Word
06. The Rules
07. Bleeding
08. Walk Away
09. Loss
10. Far From The Edge
11. Erase Me

Elysion

Silent Scr3am

Affrontare un genere musicale come il gothic metal, oggi, significa letteralmente visitare un cimitero di elefanti: se i Lacuna Coil non ne hanno mai fatto parte in maniera del tutto inequivocabile, mentre formazioni del calibro di Within Tempation, Epica o Nightwish appartengono più propriamente al symphonic metal, l'unico riferimento più evidente per identificare questa corrente artistica appartiene certamente a band sciolte o recentemente cadute in disgrazia quali Tristania, Sirenia, Xandria, persino gli Evanescence. L'unico episodio realmente convincente, da parte di una formazione storica ma rinata a nuova vita appena 2 anni fa, consiste nell'album The Kingdom Come, da parte dei tedeschi Flowing Tears. Per il resto, elettrocardiogramma piatto. A raccogliere il testimone arrivano quindi, in questo finora deludente 2010, 2 act nuovi di zecca ed appena arrivati alla ribalta mainstream: i Krypteria, gruppo teutonico guidato dalla suadente vocalist coreana Ji-In Cho, recentemente approdati a Roadrunner Records, e soprattutto gli Elysion, giovane compagine greca capitanata dalla singer indigena Christianna, arrivata alla seconda prova sulla lunga distanza presso Massacre Records.

Questi ultimi ci propongono quindi un lavoro che, nella sua schietta semplicità, non fa che riproporre in maniera precisa e curata tutti i canoni principali del proprio genere d'appartenenza: Silent Scr3am è, infatti, un album estremamente gradevole, che saprà regalare notevoli soddisfazioni a quanti da sempre apprezzano un certo tipo di metal decadente, ma che non propone nulla di nuovo in grado di scaldare i cuori di quanti, finora, non hanno mai gradito particolarmente questo genere di sonorità, come risulta lampante da una traccia sostanzialmente convenzionale come The Rules. Il campionario canoro è abbastanza vario, alternando con buona inventiva soluzioni più dinamiche e spigliate (Never Forever, Loss) a passaggi più avvolgenti e teneri (Weakness In Your Eyes, ballad semi-acustica dall'intrigante impatto emotivo, o la più intima Bleeding, al pari della dolcissima Far From The Edge) e, anche nel corso degli ascolti, difficilmente riesce a stancare, soprattutto avvalendosi della perfetta interazione fra atmosferiche tastiere synth e riffs intuitivi ma graffianti, talvolta sfocianti in assoli brevi ma determinanti, come nel caso della convincente Killing My Dreams, in assoluto l'episodio più aggressivo e vibrante del platter, o della già citata Loss. Va precisato che la natura della band presenta una rock attitude piuttosto spiccata, ragion per cui raramente capita di trovarsi di fronte ad architetture particolarmente elaborate così come ad effetti ambientali sconvolgenti, ma piuttosto a pezzi volutamente ruvidi aventi un maggiore riscontro in fatto di immediatezza e facilità di assimilazione, come nel caso di Don't Say A Word o Walk Away, dove spicca qualche abbellimento vocale di chiara ispirazione orientale, sulla scia di quanto già proposto da Cristina Scabbia, leader dei milanesi Lacuna Coil, in Comalies.

Al di là della ferrea appartenenza di genere, scelta che inevitabilmente ne restringe il campo degli estimatori possibili, Silent Scr3am ci presenta una band matura, padrona di un proprio stile e di una propria natura artistica, che, piaccia o non piaccia, la identificano come uno dei principali esponenti di un gothic metal in netto declino ma che, proprio grazie a formazioni capaci e solide come quella greca, dimostra di avere ancora qualche scintilla da regalare. Ugualmente, non si può trascurare il fatto che l'indubbia canonicità della loro proposta finisca per fare di Silent Scr3am un episodio estemporaneo, gli ultimi fuochi di una battaglia che pare ormai perduta: agli Elysion, ora, l'arduo compito di capovolgerne le sorti.

Lend Me Your Wings

admin — Mon, 14 Sep 2009 22:00:00 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Marcello Zinno

Genere:

Gothic Metal

Etichetta:

Dark Balance Records

Anno:

2009

Link correlati:

VelvetSeal @ MySpace

Line-Up:

:
- Gabriella - voce
- Csaba - chitarra
- David - basso
- Balazs - batteria

Tracklist:

:
1. Opening
2. Lend Me Your Wings
3. The One
4. Desperati
5. Torn Within
6. Where Statues Cry
7. The Divine Comedy?
8. Freefall
9. This Tragic Overture

VelvetSeal

Lend Me Your Wings

Fautori del gothic metal, questo è un album pensato per voi. Sì, perché nonostante il gruppo si incoroni con l’etichetta di “Symphonic Dark Metal band” non si tratta altro che dell’ennesimo album con voce femminile costellata da notevoli influenze di violini e tastiere dipinti su un letto di riff corposi come un qualsiasi gruppo nu metal sarebbe in grado di fare. Figli dei Nightwish, ma con delle chitarre dai tempi più rilassati (più alla Evanescence), decisi come gli After Forever e meno orchestrali dei Within Temptation (nonché lontani dalle vette altissime di Sharon den Adel), i VelvetSeal ripropongono proprio il gothic metal che gira tra i cinque continenti da anni e che da sempre esalta cerchie molto ristrette, seppur fedelissime, di fan. Insomma per dirla in altri termini tutte le caratteristiche già incluse nel nome Delain.

L’album non risulta per nulla spiacevole ma l’intento di trovarci delle idee concrete ed originali su cui costruire un futuro a nome VelvetSeal richiede davvero molte energie; anche la ricerca di una qualsiasi forma di azione pretenziosa per la quale potrebbero essere additati di eccessiva immaturità, ma che al contempo li differenzierebbe dal marasma di band già ascoltate, risulta opera vana. In alcuni passaggi si sentono echi addirittura alla Therion (qualche passaggio di The One è solo un esempio), ma nulla comunque che possa solo infastidire una delle band prima citate per qualità compositiva. C’è da dire che si apprezza una notevole attenzione verso la produzione e, seppur le chitarre risultino talvolta un po’ caotiche, è chiaro il notevole lavoro svolto al fine di incastrare e far risaltare ogni singolo strumento.
Nessuna traccia che risalti sulle altre ma uno stato d’animo unico, la cui piattezza viene resa ancora più stabile da brani con delle strutture quasi inamovibili; probabilmente l’unica degna di citazione potrebbe essere The Divine Comedy? con i suoi tempi stoppati, il bridge corposo ma non esuberante e la sua maggiore coerenza ad un sound metal che potrebbe essere valorizzato se suonato da un palco. Solo per appassionati.

Almost a Dance

admin — Sat, 22 Aug 2009 22:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Gothic Metal

Etichetta:

Foundation 2000

Anno:

1993

Link correlati:

Line-Up:

- Niels Duffhues – voce
- Jelmer Wiersma – chitarre
- René Rutten – chitarre
- Hans Rutten – batteria
- Frank Boeijen – piano, tastiere
- Hugo Prinsen Geerligs – basso, flauto

Guests:
- Martine van Loon – voce

Tracklist:

1. On a Wave
2. The Blue Vessel
3. Her Last Flight
4. The Sky People
5. Nobody Dares
6. Like Fountains
7. Proof
8. Heartbeat Amplifier
9. A Passage to Desire

Gathering, The

Almost a Dance

Col secondo disco Almost a Dance assistiamo ad una sensibile evoluzione dei Gathering, che raffinano la loro musica metabolizzando e diluendo gli elementi doom metal e soprattutto death metal in uno stile più compatto, liscio ed assimilabile. Ciò che caratterizza (e melodicizza) particolarmente il disco è però l'accentuata influenza dal periodo post-punk ed in particolare dal goth rock, integrando nomi come Sisters of Mercy o Christian Death (ma anche Nick Cave and the Bad Seeds o gli Swans di Children of God), all'impianto metal che ne risulta così rinfrescato oltre che rifinito negli arrangiamenti. Rimane un'influenza filtrata con un'ottica più diretta e meno ossessiva, che conferisce un tocco decadente più interiore e vissuto alle canzoni.
Ma a risaltare su tutti in ogni caso è la voce di Niels Duffhues, subentrato a Bart Smits, poiché si tratta di una voce pulita dal timbro tipicamente new wave, soluzione innovativa nel gothic metal e che più di tutti gli elementi introdotti in quest'album mette in risalto il distacco del genere dalle sue origini death-doom per imboccare un sentiero proprio: il genere s'è ormai affrancato dalle proprie radici death-oriented ed inizia ad evolversi, ramificarsi e sfaccettarsi in realtà diverse.
Ciò non toglie che in Almost a Dance permangano riff più duri e passaggi marcati con attacchi aggressivi e granitici, ma è notevole la progressione melodica rispetto al debutto Always, così come la cura per il songwriting fattosi più rifinito, orecchiabile e aperto a contaminazioni di tastiera (oltre che ad un'atmosfericità più densa ed esotica) maggiori che in passato.

Le iniziali On a Wave e The Blue Vessel, poste l'una dopo l'altra senza soluzione di continuità, introducono essenzialmente questa evoluzione stilistica, non disdegnando anche stacchi più veloci e refrain epicizzati dalle tastiere di sottofondo. Ma è la successiva lunga Her Last Flight a porre in risalto le influenze più goth rock con distensioni melodiche, tappeti atmosferici di supporto, presenza di chords rallentati a fare da muro sonoro per melodie malinconiche.
The Sky People si pone idealmente a metà strada fra le due canzoni precedenti: le tastiere melodiche, la comparsata di voce femminile e l'intermezzo placido si miscelano ad altri elementi più metallici come l'assolo tagliente, ricercando fra l'altro un'orecchiabilità apprezzabile ed enfatizzata, rispetto a Her Last Flight, anche dalla minore lunghezza che la fa apparire più immediata.
Nobody Dares è una parentesi acustica mesta ed intimista, una sorta di placida e piacevole ballata che distende l'atmosfera dopo le canzoni precedenti.
Le trombe campionate di Like Fountains e le tastiere esotiche di sottofondo si ricollegano al lato più solenne e cerimoniale dei Dead Can Dance, impiantato su di una batteria decisa e su di cadenzati chords di chitarra che cedono poi il posto a riff più thrasy. Gli interventi femminili nel ritornello sono invece da angelica voce dream pop.
La successiva Proof si riallaccia ad Her Last Flight, ma contiene stacchi più brucianti e riff arabeschi, comunque diluiti e dosati fra lunghi riempimenti ambientali di tastiera di sottofondo su cui si inseriscono bassi pulsanti, placidi assoli prolungati ed arpeggi delicati in lontananza.
Heartbeat Amplifier a questo punto non aggiunge molto al discorso dell'album, mentre A Passage to Desire sfuma in un'outro atmosferica oscura e depressiva.

Il disco si rivela un'interessante ed originale evoluzione del tema primordiale del gothic metal, aperta a nuove strade (che infatti si ramificheranno traendo spunto anche da quest'album) e condita di una classe invidiabile negli arrangiamenti.
Ma è solo poco tempo dopo, quando il gruppo si distacca da Duffhues e nota in ambienti jazz una talentuosa cantante di nome Anneke van Giersbergen, che i Gathering raggiungeranno i loro vertici.

Always...

admin — Mon, 04 May 2009 22:00:00 +0000

Voto:

6.9 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Gothic Metal

Etichetta:

Foundation 2000

Anno:

1992

Link correlati:

Line-Up:

- Bart Smits - vocals, backing vocals
- Jelmer Wiersma - electric and 12 string acoustic guitars
- René Rutten - electric and acoustic guitars
- Hans Rutten - drums, wind chimes
- Frank Boeijen - keyboards, grand piano
- Hugo Prinsen Geerligs - bass, flute, triangle

Guests:
- Marike Groot - female vocals
- Henk van Koeverden - electronics, Korg MS-10

Tracklist:

1. The Mirror Waters
2. Subzero
3. In Sickness and Health
4. King For a Day
5. Second Sunrise
6. Stonegarden
7. Always...
8. Gaya's Dream

Gathering, The

Always...

Gli olandesi The Gathering vengono formati nel 1989 dai fratelli Hans e René Rutten (rispettivamente batterista e chitarrista) assieme al cantante Bart Smits, a cui si aggiungono ben presto Hugo Prinsen Geerligs (basso), Jelmer Wiersma (chitarra) e Frank Boeijen (tastiere).
Interessati e ispirati da gruppi come Paradise Lost e Celtic Frost ma anche dalle particolari sonorità del movimento goth anni '80, e quindi da gruppi come Sisters of Mercy, Dead Can Dance e Christian Death, i sei rilasciano due primi EP abbastanza grezzi e primordiali (An Imaginary Symphony nel 1990 e Moonlight Archer nel 1991) per poi pubblicare il debutto ufficiale, Always, nel 1992. Nel frattempo s'erano aggiunti Henk van Koeverden al sintetizzatore e Marike Groot come voce femminile.

Se al giorno d'oggi i Gathering del periodo metal sono più noti e rinomati per pubblicazioni successive come Mandylion o Nighttime Birds, pulite e rifinite, nel loro periodo iniziale il gruppo è invece ben diverso, molto più vicino al death-doom più macabro e oltretombale come quello dei Tiamat di The Astral Sleep e soprattutto a quello seminale di Gothic dei Paradise Lost, ma anche agli esperimenti dei Type 0 Negative; non mancano anche riff, immersi in tappeti di tastiera angoscianti, che ricordano la bay area, come nel thrash/doom dell'iniziale The Mirror Waters.
Ma pur nel suo essere maggiormente tetro, duro (soprattutto dal punto di vista ritmico) e marcio, il full-lenght d'esordio Always presenta già diverse aperture melodiche e riflessive, sia come distensioni del riffing roccioso (svettano in particolare Second Sunrise con chitarre acustiche e pianoforti o il finale di Subzero), sia come contorno tastieristico ed atmosferico. Le tastiere svolgono una funzione d'accompagnamento rilevante e partecipe, spesso sfociando quasi in un mesmerizzante death sinfonico (es. In Sickness and Health, Gaia's Dream), comunque l'unico momento in cui sono esclusivamente la base del brano è nella parentesi atmosferica della titletrack.
Anche i testi si orientano verso tematiche più romanticizzate e decadenti, "gotiche".
Ma in generale il death/goth metal del disco si mantiene su coordinate più ruvide già collaudate aggiungendoci del loro giusto nell'ispirata propensione ad arricchire le canzoni con pregevoli e ricercati contorni di tastiera, intermezzi melodici e digressioni d'atmosfera, elementi influenzati molto dalla dark-wave ottantiana ed in parte anche da Slow, Deep & Hard dei Type 0 Negative.

La principale novità è la presenza del duetto fra la voce maschile di Bart, impegnata principalmente in un canto in growling basso e cavernoso, e quella più lirica di Marike Groot, binomio simbolicamente introdotto dai Paradise Lost e proprio dai Gathering tre/quattro anni prima che i norvegesi Theatre of Tragedy ufficialmente lo "inventassero" (e che avrebbe dato il La al concetto cosiddetto del "the Beauty and the Beast's vocals", cioè del contrasto fra una voce maschile oscura e ruggita ed una voce femminile soave ed eterea). Tuttavia in questo stadio iniziale il ruolo della cantante è ancora molto marginale, a condurre le redini per la maggior parte del disco è piuttosto Smits, così come la sua voce è predominante anche nelle canzoni in cui compare Marike, come King for a Day o l'ottantiana e malinconica Stonegarden.
Se il suo growl riesce ad essere a suo modo abbastanza ok seppur banalotto, purtroppo lo sporadico aspetto canoro pulito lascia a desiderare, risultando poco espressivo.
La produzione ovviamente è sporca, data l'epoca e le risorse disponibili, ma migliore di quanto ci si potrebbe aspettare.

Nonostante un songwriting ancora acerbo ed in alcuni punti ancora derivativo non mancano spunti originali che consentono di includere i Gathering fra i pionieri del gothic metal, genere che vede la luce proprio in questo periodo ed anche con dischi come Always, fra i primi ad essere un po' meno death-doom ed un po' più gothic.

Successivamente alla sua pubblicazione i Gathering allontanano Groot e Smits perché non soddisfatti del loro operato.

Silver Bride

admin — Thu, 30 Apr 2009 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Gothic Metal

Etichetta:

Nuclear Blast/Audioglobe

Anno:

2009

Link correlati:

Amorphis Official Website

Line-Up:

:
Tomi Joutsen – vocals
Esa Holopainen – guitar
Tomi Koivusaari – guitar
Niclas Etelavuori – bass
Santeri Kallio – keyboards
Jan Rechberger – drums

Tracklist:

:
1. Silver Bride (Radio Edit) – 3.29
2. Silver Bride (Album Edit) – 4.13
3. Separated – 4.17

Amorphis

Silver Bride

In attesa del loro nuovo album Skyforger, che uscirà sul mercato europeo il prossimo 29 maggio, gli Amorphis pubblicano, come oramai d’abitudine, un primo singolo estratto destinato al solo mercato finlandese, dal titolo Silver Bride. Se queste sono le premesse, non si può attendere con ancor più impazienza l’uscita della release completa: Silver Bride è, infatti, un piccolo gioiello di semplicità strumentale applicata alla melodia più intuitiva. Non v’è dubbio che un pezzo così apparentemente infantile potrà suscitare le consuete riprovazioni da parte dei più tradizionalisti fans del prog metal, ma ciò che traspare immediatamente da questa eccellente hit è che di prog non presenta davvero nulla e certamente non è questo, ovvero dare sfoggio di particolare abilità tecnica o fantasia compositiva, il suo obiettivo precipuo: Silver Bride è una traccia di difficile catalogazione, che potrebbe facilmente inserirsi nel vacuo calderone melodic metal ma che, qualunque genere si scelga per rinchiuderlo, sarebbe sempre riduttivo, parziale, assolutamente incompleto. Un chorus di orecchiabilità estrema, dalle sfumature vocali corpose, vagamente oscure, tipicamente nordiche; un delizioso intreccio tra una soffice linea di tastiera e un riff di straordinaria efficacia emotiva (per quanto ricordi, soprattutto nei momenti iniziali, The Wings Of A Butterfly degli HIM); un sound potente, compatto ed allo stesso tempo nitido, squillante, praticamente perfetto; tutto quanto concorre a costruire un prodotto di sicuro impatto live, di grande appetibilità commerciale, un evento di assoluta portata mainstream. Tuttavia, per una volta almeno, chi se ne frega: Silver Bride cattura sin dal primo ascolto e ipnotizza l’ascoltatore in maniera ineludibile, come un incantesimo malvagio dai risvolti inaspettatamente ludici, e davvero non avremmo potuto aspettarci di meglio. Ad accompagnare questa scommessa ampiamente vinta, oltre alla versione album edit arricchita di 30 secondi di intro strumentale, troviamo la più epica Separated: atmosfere invernali e bellicose, esaltate da un cantato aggressivo e militaresco, si alternano prima ad un maligno arpeggio di chitarra pseudoacustica quindi ad un caustico giro alle 6 corde elettriche, per poi esplodere sulle solide spalle di cori autocelebrativi e spegnersi nell’incedere impetuoso di un drumming sempre heavy e puntuale.

Insomma, per quanto si tratti di un singolo e nonostante presenti di fatto soli 2 pezzi, le aspettative sul prossimo full lenght firmato Amorphis non possono che essere alte: Silver Bride e Separated trovano nella loro estrema diversità la miscela più idonea per attrarre sia gli amanti più suscettibili delle produzioni scandinave sia i più fedeli sostenitori di un metal melodico scevro di tecnicismi o vocalità eccessivamente spinte, in certi frangenti quasi à la Sentenced. A questo punto non ci resta che aspettare: fra 30 giorni ne sapremo certamente di più.

Comalies

admin — Thu, 30 Apr 2009 22:00:00 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Gothic Metal

Etichetta:

Century Media Records

Anno:

2002

Link correlati:

Lacuna Coil Official Website

Line-Up:

:
Cristina Scabbia – Voce femminile
Andrea Ferro – Voce maschile
Marco Coti Zelati – Basso
Marco Emanuele Biazzi – Chitarra
Cristiano Migliore – Chitarra
Cristiano Mozzati – Batteria

Tracklist:

:
1. Swamped
2. Heaven’s A Lie
3. Daylight Dancer
4. Humane
5. Self Deception
6. Aeon
7. Tight Rope
8. The Ghost Woman And The Hunter
9. Unspoken
10. Entwined
11. The Prophet Said
12. Angel’s Punishment
13. Comalies
14. Lost Lullaby

Lacuna Coil

Comalies

Comalies è l’album certamente più famoso dei Lacuna Coil in quanto riesce a fondere con straordinaria naturalezza ed altrettanta efficacia un’eccellente facilità d’ascolto con una buona abilità compositiva: le tracce si susseguono con estrema scorrevolezza, si lasciano memorizzare con suadente rapidità, si fanno apprezzare sin dal primo ascolto senza alcuna esitazione; allo stesso tempo, le costruzione sonore, pur trasmettendo un’innata semplicità, non risultano mai banali, scontate, prevedibile, difetto che sarebbe deleterio anche in presenza di un chorus catchy o un riff pungente, che in questo album sono prodotti a profusione e senza soluzione di continuità. Uno degli aspetti maggiormente esaltanti è senza dubbio la straordinaria maturità vocale acquisita da Cristina Scabbia: stupisce come la vocalist milanese, in un solo anno di esperienza live, sia riuscita ad affinare in maniera così evidente le proprie capacità interpretative ed il proprio autocontrollo vocale, al punto tale che quei momenti di pronuncia affettata o timbro eccessivamente metallico, che di tanto in tanto penalizzavano le tracce di Unleashed Memories, in Comalies sono totalmente assenti, al posto dei quali troviamo una vocalità femminile dinamica, a piacere aggressiva o ammaliante, avvolgente ed estremamente carismatica. Un secondo elemento da evidenziare con forza è un netto avvicinamento stilistico verso soluzioni sempre più rock, non tanto in termini di sound puro o scelte strumentali quanto nelle linee ritmiche, cariche di groove e sempre più lontane dalle fascinazioni gothic e symphonic.

Dal punto di vista della tracklist, Comalies si introduce con una tripletta veramente da brivido: Swamped è un concentrato di agonismo canoro, nel quale l’aggressività maschile si unisce alla più sottile femminilità; Heaven’s A Lie è una hit entusiasmante che gode di un ritmo sin da subito coinvolgente e senza pause nonostante i quasi 5 minuti di durata, merito soprattutto ad un riffing di matrice nu metal ed alla vocalità ipnotica di Cristina Scabbia, degnamente supportata, nel chorus, dal cantato più iroso e abrasivo di Andrea Ferro; Daylight Dancer, al pari delle prime 2 tracce, è l’ennesimo singolo potente ed estremamente catchy, in grado di distinguersi per un inciso immediatamente orecchiabile e un efficace utilizzo delle tastiere, che conferiscono al pezzo una dimensione decisamente più oscura e inquieta rispetto a i 2 episodi precedenti. Tutti questi 3 pezzi presentano, singolarmente e nel loro complesso, i germi dell’innovazione sonora che scaturirà in tutta la sua completezza nel successivo capitolo discografico, quel Karmacode che sarà fonte di una pericolosa spaccatura all’interno della fan base dei Lacuna Coil ma che se non altro è, a buon ragione, il passo più ovvio nel cammino evolutivo sempre deciso e coerente del combo lombardo. Humane rappresenta, con ogni probabilità, la prima caduta di tono di Comalies: nonostante una struttura canora fondamentalmente pesante ma mai noiosa e numerosi interventi tastieristici di piacevole banalità, è il chorus, melodrammatico sino alla sfinimento, a lasciare un pessimo amaro in bocca, giacché conferma di trovarci di fronte ad un down tempo sicuramente ben concepito ma abbastanza freddo e noioso. Il riscatto, tuttavia, è immediato: Self Deception ripropone le ritmiche rock già intraviste nella trilogia d’apertura, dove i soliti riff distorti e compatti fanno da apripista ad un chorus insolitamente sinistro e acuto ma di assoluta gradevolezza. La traccia 6, Aeon, ci consegna un breve momento di pausa: sorretta da un grazioso arpeggi di chitarra, immersa in atmosfere liquide, la vocalità eterea di Cristina Scabbia si dipana in maniera fluida ed accogliente, immergendoci in un momento di assoluta pace dei sensi. Quest’ultima viene immediatamente spezzata da uno dei momenti più coinvolgenti ed esaltanti dell’intero platter, vale a dire Tight Rope: una trama di tastiera in sottofondo ci reintroduce in un’inquietante prospettiva gotica, mentre il consueto riffing aggressivo, ben sottolineato da capziosi accenni di blastbeat, ci guida verso un chorus al solito graffiante e dinamico, durante il quale Cristina Scabbia dà prova assoluta della propria strabiliane evoluzione stilistica ed interpretativa rispetto al precedente Unleashed Memories, in quest’ultimo decisamente più acerba e glaciale. The Ghost Woman And The Hunter dimostra ulteriormente i miglioramenti vocali della nostra eroina: in una ballad dalla struttura apparentemente intuitiva, dove un riffing meno massiccio e linee di drumming a dir poco essenziali supportano alcuni efficaci interventi di tastiera, alla prestazione vocale viene demandato il compito non facile di guidare tutto l’apparato emotivo della canzone, obiettivo che la singer tricolore porta a compimento senza apparente sforzo e col massimo risultato. Alla pausa rappresentata dalla traccia 8 non può che seguire un pezzo un po’ più movimentato ed effervescente, ma Unspoken si rivela una sorpresa agrodolce: sulle spalle di un ritmo tendenzialmente saltellato e abbastanza inconsistente, persino la voce di Cristina Scabbia fatica ad esaltarsi, e così pure l’ascoltatore, che deve attendere il chorus e il valido accompagnamento di Andrea Ferro (sempre convincente come seconda voce, talvolta imbarazzante in un ruolo di primo piano: non ci si stupisca se all’epoca ci si chiedeva per quale ragione facesse parte della band o per quale astruso motivo l’attenzione si concentrasse tutta sulla sua partner femminile) per trovare finalmente un appiglio realmente convincente. Entwined ripercorre, in parte, la strada percorsa dal brano precedente, questa volta in maniera più heavy e immediata, al contempo fascinosa e atmosferica, facendo risuonare nuovamente i consueti riff in stile nu metal e lasciando riecheggiare gli inquietanti volteggi di tastiera in sottofondo. Questi alti e bassi trovano il loro punto più doloroso con The Prophet Said, brano piuttosto noioso, costruito attorno alla banale alternanza vocale fra Andrea Ferro, alle prese con l’aridità spiazzante delle strofe, e Cristina Scabbia, vittima della pochezza sconfortante del chorus; nonostante tutto, un finale decisamente ammaliante salva il pezzo da un tracollo pressoché irripetibile. A seguito di quest’ultimo, davvero un episodio di livello men che mediocre, appare uno dei momenti in assoluto più enigmatici di Comalies e, paradossalmente, dell’intera produzione discografica firmata Lacuna Coil, vale a dire Angel’s Puinishment: sullo sfondo di una litania psicotropa di cori simil-sympho, le inedite spoken words di Cristina Scabbia si lasciano cullare da un cristallino arpeggio di chitarra e acidi campionamenti elettronici, salvo poi esplodere nella loro più intima disperazione trascinate dalle grida rabbiose di Andrea Ferro. Pur trattandosi evidentemente di un esperimento, il risultato è di buon livello tecnico e di straordinario impatto live, merito soprattutto della eccellente prova da screamer del cantante meneghino, ed è proprio per questa ragione che questa traccia ci consegna un interrogativo alquanto arduo da dirimere: per quale motivo i Lacuna Coil non hanno più riproposto una simile scelta? Perché Andrea Ferro non si è più calato in quelle vesti a suo modo inattese e diverse, certamente meno convenzionali, nelle quali aveva dato una così ottima prova di sé? Il finale dell’album è affidato alla titletrack Comalies, mid-tempo italiano-inglese in cui la brillantezza minimalista delle strofe compensa la piattezza soporifera del chorus, o Lost Lullaby nella special edition, brano estremamente interessante grazie ad un sentimento di rassegnata malinconia permeante l’intera struttura canora, laddove unico neo può essere individuato nella vocalità forse un po’ asettica di Cristina Scabbia (non a caso si tratta di un brano ripescato dalle registrazioni di Unleashed Memories).

In definitiva, Comalies è certamente un album straordinario, ma che non riesce a superare la gradevolezza sonora né la varietà compositiva di Unleashed Memories: la presenza di ben 4 tracce in più rispetto all’illustre predecessore non può certamente essere trascurata, visto che aumenta considerevolmente il rischio di proporre qualche fastidioso filler, ma ciò non modifica sostanzialmente il valore di un album che, per quanto mediamente più che valido, non riesce a raggiungere le vette strumentali ed emotive toccate dal precursore. La scelta di puntare su sonorità più fluide e meno intrinsecamente metal si rivela assolutamente azzeccata, figlia di una esigenza artistica ancora fervente e del tutto spontanea, in grado di compiacere i gusti musicali di molteplici frange di ascoltatori e allo stesso tempo non compromettere praticamente mai la qualità del songwriting: il successivo Karmacode, che per molti compirà il pericoloso passo falso appena spiegato, trova proprio qui in Comalies i suoi nuclei embrionali, configurandosi così come la più logica evoluzione di una storia musicale ancora tutta scrivere.

Phoenix

admin — Fri, 24 Apr 2009 22:00:00 +0000

Voto:

4.5 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Gothic Metal

Etichetta:

Massacre Records

Anno:

2009

Link correlati:

Agathodaimon Official Site

Line-Up:

- Chris "Ashtrael" Bonner - voce
- Martin "Sathonys" Wickler - chitarra, cori clean
- Jan Jansohn - chitarra
- Till Ottinger - basso
- Manuel Steitz - batteria
- Felix Ü. Walzer - tastiera

Tracklist:

1. Heliopolis (04:36)
2. Devil's Deal (04:33)
3. Decline (05:33)
4. Ground Zero (04:47)
5. Ghost Of A Soul (04:30)
6. Winterchild (05:34)
7. Time Is The Fire (04:59)
8. To Our Ashes (06:40)
9. Amongst The Vultures (03:22)
10. Oncoming Storm (06:26)
11. Throughout The Fields Of Unshaded Grace (05:10)
12. Grey Whisper (06:50)

Agathodaimon

Phoenix

Il periodo di crisi stilistica che ha investito gli ambiti più commerciali del Black Metal sembra aver colpito anche i tedeschi Agathodaimon, da sempre considerati tra gli esponenti più di spicco nella scena underground del Black sinfonico europeo. I costanti cambi di line-up e la conseguente scarsa coesione della band hanno ostacolato il processo di song-writing da parte del gruppo originario di Meinz, non consentendo di replicare i fasti degli anni sotto Nuclear Blast.
Le soluzioni intraprese su episodi come Higher Art Of Rebellion e Chapter III sembrano ormai lontane, perché il rinnovato sestetto tedesco si è distanziato dalla componente più Black del passato, cercando con il quinto album di studio Phoenix di concentrarci sugli elementi gotici ed elettronici.

Il risultato di questa sperimentazione è il raggiungimento di un sound a cavallo tra i peggiori Cradle Of Filth ed i Sirenia, che stupisce negativamente per l’estrema povertà di idee e per l’appiattimento generale subito dagli Agathodaimon. Riescono infatti solo a distinguersi per efficacia ed eleganza alcuni brevi intervalli atmosferici, frutto della mente di Martin Wickler, unico rimasto della line-up originaria e storico componente dei defunti Nocte Obducta.
Al di là dell’insignificanza della gran parte del tessuto musicale, fatto di assoli o di epiche cavalcate che tentano di emulare le realtà scandinave, il problema principale si riscontra in un approccio vocale totalmente arido ed immaturo da parte del nuovo cantante Chris Bonner.
Gli Agathodaimon con Phoenix sembrano essersi tramutati in un prodotto commerciale di grande consumo, che possa essere apprezzato da chi si accosta in modo inesperto alle sonorità più “estreme” del Metal, senza aver scavato nel passato sia della band tedesca, sia soprattutto di una meritevole scena europea degli anni Novanta.
Già dall’opener Heliopolis traspare questo nuovo feeling, rappresentato dall’alternanza di mid-tempo arricchiti da uno sfrenato uso della doppia cassa e di vacui intermezzi elettronici che risultano sospesi e senza alcuna connessione con l’anima della formazione.
Non si può certamente parlare di Black Metal per un capitolo come Phoenix, perché tracce come Devil’s Deal o Ground Zero sono accomunate al genere solo dall’orribile scream che costituisce il filo conduttore dell’album.
Sebbene siano presenti spunti di un certo spessore in brani come il terzo Decline (l’interludio centrale di pianoforte) o il conclusivo Grey Whisper, dotato del fascino dei precedenti lavori di studio, essi vengono vanificati dalla dimensione pseudo-gotica che gli Agathodaimon forzano costantemente: basti accostarsi ad Oncoming Storm per comprendere come i lidi dei vari After Forever e Sirenia siano ripercorsi in modo più insapore ed immaturo.

Dispiace pertanto constatare che il lavoro compiuto dai musicisti che tra gli anni Novanta e l’inizio dl Duemila hanno contribuito al progetto Agathodaimon sia stato offuscato e sminuito da un disco privo di gusto ed apparentemente improvvisato (nonostante la lunga assenza della band dalla scena musicale internazionale).
Si consiglia quindi di passare oltre a questo insipido capitolo discografico di un act che sembra aver esaurito tutte le sue potenzialità e che sembra essere ormai inscritto nell’ottica dei timbri commerciali di basso livello, perché i panorami Black Metal o Gothic Metal sono colmi di altermative ben più convincenti.

April Rain

admin — Fri, 03 Apr 2009 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Gothic Metal

Etichetta:

Roadrunner Records

Anno:

2009

Link correlati:

Delain Official Website

Line-Up:

:
- Charlotte Wessels - voce
- Ronald Landa - chitarra, voce
- Rob van der Loo - basso
- Sander Zoer - batteria
- Martin Westerholt - tastiera

Guests:
- Marco Hietala - voce
- Maria Ahn - violoncello
- Guus Eikens - chitarra

Tracklist:

:
1. April Rain
2. Stay Forever
3. Invidia
4. Control The Storm (feat. Marco Hietala)
5. On The Other Side
6. Virtue And Vice
7. Go Away
8. Start Swimming
9. Lost
10. I’ll Reach You
11. Nothing Left (feat. Marco Hietala)
12. Come Closer

Delain

April Rain

E’ pazzesco come talvolta la vita riservi sorprese a dir poco inattese, e come la musica sappia regalare soddisfazioni pressoché impensabili: di tutto questo i Delain sono esempio magistrale. Il progetto nato 4 anni or sono dalla volonterosa mente di Martijn Westerholt, ex tastierista dei celeberrimi Within Temptation, nasce come omaggio o risarcimento alla brusca interruzione della propria carriera musicale nelle fila della band orange, a causa di seri problemi di salute poi brillantemente superati: la nascita e la pubblicazione di Lucidity, nel 2006, sarebbero dovuti restare un episodio isolato, un doveroso tributo al valido tastierista olandese da parte dei più conosciuti e apprezzati esponenti della scena goth e symphonica internazionale, personaggi del calibro di Liv Kristine (Theatre Of Tragedy, Leaves’ Eyes), Sharon den Adel (Within Temptation, ovviamente) e Marco Hietala (Nightwish). Pur di indubbio valore tecnico e artistico (pezzi quali gli estratti Frozen e See Me In Shadow sono qui a dimostrarlo), soprattutto all’interno del proprio genere di appartenenza (quel symphonic metal dai chiaroscuri gotici che, così come lo swedecore in altri contesti, è diventato ben più di una corrente di nicchia esclusivamente olandese), nessuno mai avrebbe immaginato un successo di proporzioni considerevoli, al punto tale da sconvolgere i piani dello stesso Westerholt (ormai rassegnatosi ad abbandonare ogni proposito di resurrezione all’interno di una propria band, e dedito soltanto a comparsate e attività da producer) e convincerlo a trasformare i Delain in una nuova, notevole creatura musicale: richiamata in toto la line up che aveva supportato il keyboard-man tulipano nella sua precedente avventura (con la sola eccezione del chitarrista Ray van Lente), più che confermata la graziosa vocalist belga Charlotte Wessels, la formazione orange si presenta oggi sulla scena metal europea con rinnovate ambizioni ed una compattezza ed una consapevolezza delle proprie potenzialità estremamente solide, che traspaiono sin dalle prime note dell’eccellente April Rain.

Ciò che lascia davvero soddisfatti, all’ascolto di quest’ultimo interessante lavoro, è la spontaneità esilarante che sembra sgorgare da ogni singola traccia, la gioia ludica e spensierata di chi ancora suona per passione e, con ogni probabilità, mai si sarebbe aspettato di ricevere tanti meritati consensi; è come se il ritrovato entusiasmo di Westerholt, comprensibilmente rinnovato dalle numerosi dimostrazioni di stima e affetto da parte di colleghi e soprattutto fans, abbia contagiato l’intera band al punto tale da filtrare ogni singola traccia con la leggerezza e la luminosità di chi, appena uscito dalla tempesta, vive ogni raggio di sole come un piccolo miracolo quotidiano. E’ una sensazione dirompente che riesce a trasmettersi dalle tracce all’ascoltatore con una facilità ed una naturalezza sensazionali, che si contrappongono nitidamente a quel disgustoso senso di artificialità che sempre più spesso tinge le produzioni musicali.

Dal punto di vista strettamente tecnico, April Rain si richiama ai più rappresentativi canoni del metal gotico-sinfonico di matrice fiamminga (magari contaminato con qualche groove sensibilmente rockeggiante), fondando ogni costruzione sonora sulla base di poderosi accordi di chitarra, esaltanti tappeti di tastiera e squisiti ricami di violino, il tutto valorizzato da un senso ritmico benignamente esasperato fino a livelli pop (la delicata On The Other Side su tutte). Forse è proprio a questo a deludere maggiormente, seppur in maniera piuttosto contraddittoria: è molto difficile riuscire ad individuare, a memoria, un pezzo più interessante da uno più noioso, in quanto gli stessi elementi costruttivi sembrano ripetersi in maniera pressoché identica da una traccia all’altra, le cui variazioni dipendono soltanto dalla quantità assegnata ai singoli momenti del disco. Ciò non significa che l’intero lavoro si mortifichi in un piattume sonoro presto estenuante, al contrario, tuttavia specialmente la secondo parte del disco, da Virtue And Vice esclusa in poi, sembra perdere quell’affabile piacevolezza che esaltava le tracce precedenti, e scivola via senza acuti particolarmente rimarchevoli, non fosse per il chorus dannatamente catchy di I’ll Reach You, la raffinata introduzione strumentale di Start Swimming o la dolcezza conclusiva di Come Closer.

Altro elemento che può lasciare parecchio perplessi è lo scarso utilizzo delle voci maschili, che certamente avrebbero conferito quel tocco di varietà e profondità armonica in grado di aumentare considerevolmente lo spessore dell’album: in primo luogo, pur in assenza di uno specialista del growl, stupisce come non sia stata valorizzata la buona prova offerta dal chitarrista Ronald Landa in Virtue And Vice, probabilmente il pezzo strutturalmente più vicino al precursore di April Rain, vale a dire il più che discreto Lucidity; in secondo luogo, la presenza di Marco Hietala risulta forse, solo ed esclusivamente dal punto di vista vocale, poco sfruttata e ancor peggio integrata, ma quest’impressione può derivare dal poco apprezzamento che chi vi scrive nutre nei confronti di questa precisa tipologia vocale, stridula e ben poco coinvolgente benché certamente aggraziata. Al contrario, ancora una volta si dimostra musicista di assoluto valore la straordinaria Maria Ahn, già presente 3 anni or sono, la cui nobile partecipazione conferisce fascino e calore sia ad un pezzo apparentemente banale come On The Other Side sia ad una traccia decisamente più complessa quale la già citata Virtue And Vice.

In definitiva, risulta evidente come i Delain si inseriscano alla perfezione nel filone gotico sinfonico dei Paesi Bassi, orfani dei padrini After Forever: è chiaro come il loro intento non sia assolutamente quello di ereditare il trono lasciato vacante da questi ultimi, ruolo cui tante band in precedenza hanno aspirato ma che puntualmente non ha trovato degni successori; tuttavia, la proposta musicale firmata da Martijn Westerholt si presenta con assoluta gradevolezza e con una semplicità di fondo mai eccessivamente sciocca, in virtù di una spontaneità emotiva che ancora emerge nonostante le insidiose esigenze del mercato discografico. Merito, ancora una volta, della lungimirante Roadrunner Records, che ha creduto sin da subito e a ragione veduta nelle potenzialità dei musicisti tulipani, investendo su un progetto sicuramente interessante ma dall’avvenire incerto per non dire a brevissimo termine, scelta per lo meno inusuale per una casa discografica che, nel proprio roster europeo, non vanta certo specifiche competenze in materia di metallo gotico o sinfonico. Il nostro augurio, quindi, è che i nostri 5 tulipani ottengano presto i riconoscimenti che meritano, e che soprattutto si dimostrino in futuro ugualmente fieri, coerenti e appassionati, perché è proprio questo, forse, il più grande pregio di un album coeso e avvolgente qual è April Rain.