Alternative Rock

S/T

Giulio Magliulo — Sun, 29 Oct 2017 07:23:14 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Alternative Rock

Indie Rock

Emo Rock

Etichetta:

More Letters Records

Anno:

2017

Line-Up:

Federico Montevecchi (chitarra e voce)
Edoardo Nanni (batteria)
Iacopo Bianchi (basso e voce)

Tracklist:

01. The Matter With You
02. Robert Goes Too Fast
03. Twenty-four
04. Anna And I
05. Sleepwalker
06. Frail

Mt. Zuma

S/T

Forse non ci si riconcilia con il mondo ma almeno un po' con certi ascolti dei primi novanta sicuramente sì.

Mt. Zuma è sana attitudine emo/college rock con l'icona Bob Mould nel cuore. Trait d'union tra Buffalo Tom e Hüsker Dü. Possibili commissionati da Lou Barlow

http://newcialisonline.net/

se un giorno quest'ultimo dovesse perdere l'ispirazione. Qualcuno ha anche detto Guided By Voices. L'epica dei bostoniani capitanati da Bill Janovitz con delle chiuse coideiniane a graffiare l'anima.

Questo e.p. omonimo del trio bolognese è uscito in cassetta (yeah!!!) e in streaming per More Letters Record; ora i Mt. Zuma hanno anche la nostra benedizione.

Give A Glimpe Of What Yer Not

Giulio Magliulo — Sat, 12 Nov 2016 09:05:08 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Alternative Rock

Indie Rock

Etichetta:

Jagjaguwar

Anno:

2016

Line-Up:

J Mascis – chitarra, voce

Lou Barlow – basso, voce

Murph – batteria

Tracklist:

1. Goin Down
2. Tiny
3. Be A Part
4. I Told Everyone
5. Love Is…
6. Good To Know
7. I Walk For Miles
8. Lost All Day
9. Knocked Around
10. Mirror
11. Left/Right

Dinosaur Jr.

Give A Glimpe Of What Yer Not

Un riff semplice ed energico come quello di Goin Down in mano a qualsiasi altra band passata (o anche futura) sarebbe soltanto ridicolo. Riuscire poi a preservare la purezza pop - dopo 33 anni e 11 album – in una traccia quale Tiny ha semplicemente del miracoloso.

E nella scaletta dell'ultimo Dinosaur Jr. ovviamente non potevano mancare quelle struggenti macchie di Barlow (Love is.., Left/Right), sintesi dell'equilibrio raggiunto dopo anni di scazzi, che significa accettazione dei ruoli, riconoscimento e tante altre belle cose che hanno a che fare con il complicatissimo rapporto tra arte, relazioni umane e business, ma che sappiamo essere fragili e precarie. I Walk For Miles, il suo riff, è davvero pesante, un vero ritorno alle origini dalle quali alla fine non ci si è mai distaccati e passano i decenni ed ogni nuovo disco dei Dinosaur Jr. ci sembra sempre indispensabile, fintanto che avremo ancora la voglia di ascoltare queste vecchie storie.
E a proposito di ‘vecchio’, il tirare sempre in ballo Neil Young quando si parla di J.Mascis questa volta ha una sua legittimità nella traccia Mirror: di emuli innocenti e consapevoli ce ne sono stati e ce ne saranno tanti ma di erede può essercene soltanto uno e visto che Jason Molina non c’è più..

Heed

Stefano Pentassuglia — Fri, 04 Sep 2015 18:39:56 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Progressive Metal

Post Metal

Alternative Rock

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2015

Link correlati:

Pagina Facebook della band

Line-Up:

Alessandro Ciccolella: Voce

Giordano Bufi: Chitarra

Gabriele Terlizzi: Basso

Gilberto Bufi: Batteria

Tracklist:

1. The Second Fish Curse

2. The Elephant Walk

3. E(b)sence

4. Inverse

5. Chirals

6. Doppelganger

7. Complexion (ft. Glanko)

8. Heed

Ginkgo Dawn Shock

Heed

Sembra che la Puglia non abbia alcuna intenzione di fermarsi. Dopo aver dato i natali a un’infinità di band tra le migliori del panorama metal nostrano (Cast Thy Eyes, Nontoccatemiranda, Natron, Disguise, Dewfall… la lista è lunga) nuove formazioni continuano a nascere, senza mai cedere a compromessi a livello compositivo e dimostrando come la qualità della musica proposta sia il dogma assoluto a cui rifarsi prima di imbracciare gli strumenti.

La prima edizione del Breaking Sound Metal Fest di Mesagne è stata emblematica in tal senso. Un festival metal è sempre un’occasione per fare il punto sulla situazione, nonché un laboratorio di osservazione sulle nuove realtà musicali della regione che l’organizza. Così, forte della partecipazione dei parmensi Dark Lunacy, chi ha partecipato a quel concerto ha potuto spulciare alcuni tra i gruppi più interessanti in ogni città del tacco d’Italia: Brindisi si è data al nu metal con gli Headaxe, Lecce è restata fedele al post metal con le atmosfere sludge degli Izo, Taranto ha puntato sull’estremo con il black/death degli Alldead, mentre la proposta della provincia barese ha saputo destreggiarsi in un territorio originale come quello del progressive che sposa l’alternative rock. Molfetta non è solo Caparezza, a quanto pare: proprio dalla città del simpatico rapper riccioluto arrivano infatti i Ginkgo Dawn Shock, band dal nome impronunciabile che a una prima analisi superficiale si potrebbe definire come “la risposta italiana ai Tool”, ma che ad un ascolto più attento rivela molte altre qualità che la rendono particolarmente interessante e degna di attenzione.

“Heed” è il primo album della band e segue l’EP “3:24”. Registrato a Lecce nel “Sudestudio” di Angelo Buccolieri e forte di una produzione di alto livello, questo delizioso platter viene pubblicato nel Marzo del 2015 e inizia timidamente a farsi conoscere nei mesi successivi, grazie a una serie di concerti in giro per la Puglia; così, proprio in occasione del Breaking Sound Metal Fest, la band sembra avere finalmente un’ottima occasione per farsi conoscere dagli addetti ai lavori e per uscire da quell’anonimato che sembra star stretto a composizioni di questo calibro.

In effetti, ciò che più stupisce di questo disco è proprio il fatto che si tratti di un esordio, vista la maturità che sprigiona da tutti i pori. A dispetto del minutaggio non proprio elevato, la carne al fuoco è davvero tanta e sembra adatta a soddisfare sia i palati più avvezzi alla distorsione facile che quelli in cerca di un metal più raffinato e intellettuale, senza dimenticare i patiti della sperimentazione e delle atmosfere più ipnotiche e ammalianti.

Ma che genere suonano questi ragazzi? Loro lo definiscono “Post Progressive Rock” (o forse “Progressive Post Rock”?), e se ai più questa definizione potrà sembrare inconsistente, bisogna ammettere che ritrae in maniera coerente la valanga di note che provengono da “Heed”. I Ginkgo Dawn Shock sono infatti “post” nel modo in cui sanno rimodellare l’attitudine post metal di certe band (Russian Circles su tutti), trasportandoli su territori più propriamente rock; sono “progressive” per come piegano la tecnica al servizio della creazione artistica, in un’evoluzione continua del suono alla ricerca della costruzione più adatta, fatta di riff che si intersecano con le melodie in modo del tutto inaspettato, con buona pace della forma canzone; sono “rock” quando stuprano l’alternative più semplice (melodia) per piegarlo alle forme della sperimentazione (tutto ciò che non è melodia); sono “post rock” nel sapiente dosaggio delle atmosfere e delle sensazioni emotive che scaturiscono da certi passaggi del disco d’esordio.

Non si può descrivere la proposta dei Ginkgo in maniera efficace senza citare il nome della band che più di tutti ha ispirato la loro musica: Tool, Tool e ancora Tool (e in misura minore, anche degli A Perfect Circle). L’ombra della band di Maynard Keenan aleggia su ogni composizione del lotto e la sua influenza è palese già a partire dalla graffiante voce del cantante Alessandro Ciccolella, autore di un timbro caldo e avvolgente che tanto ricorda quello dello stesso singer californiano. Non che questo sia un demerito, anzi: Ciccolella sa il fatto suo e sembra reinterpretare alla perfezione quella straordinaria voce che ogni fan dei Tool sa riconoscere alla prima nota, modulandola e ben adattandola a quelle che sono le dinamiche compositive dei suoi Ginkgo. Allo stesso modo, il basso pulsante di Gabriele Terlizzi e la tecnicissima chitarra di Giordano Bufi riescono a creare atmosfere avvolgenti che ben si sposano con le melodie e gli intrecci progressive che le accompagnano. In tutto questo, la batteria di Gilberto Bufi si destreggia egregiamente tra cambi di tempo continui e ritmiche che fanno il bello e il cattivo tempo, senza mai perdere la concentrazione e muovendosi in un labirinto di sensazioni chiaroscurali, sempre in bilico tra riff cervellotici e refrain quasi catchy nella loro immediatezza.

L’influenza dei Tool, dicevamo. Il fatto che questo non sia un indice di scarsa originalità ma, al contrario, della voglia di uscire dagli schemi, possiamo trovarla proprio nella particolarità insita nella musica del quartetto di Los Angeles. A tal proposito potremmo scomodare le illuminanti parole di Martin Lopez, ex batterista degli Opeth; nel rispondere alle accuse che volevano la sua nuova band, i Soen, talmente simile ai Tool da ritenerli quasi dei cloni, Lopez replicò “Ci ispiriamo ai Tool, ma più che una band, noi li consideriamo come un genere musicale a sé stante.”

Se questa affermazione sembrava perfetta per rispecchiare i Soen, è anche altamente rappresentativa del sound dei molfettesi (che molto hanno in comune anche con il sound degli stessi Soen): più che cullarsi tra le braccia di una band importante come quella di Keenan, infatti, i Ginkgo Dawn Shock sembrano piuttosto voler approcciarsi a qualcosa di più “difficile” e ricercato, come impone ogni sonorità che voglia anche solo vagamente ispirarsi a quella dei Tool. Non si tratta quindi di suonare “come una band”, ma di suonare un preciso genere musicale, talmente particolare che nessun’altra band può essere usata come termine di paragone all’infuori di chi l’ha creata, o di chi ad essa si ispira.

Proprio per questo motivo è difficile trovare altre band a cui il lavoro dei molfettesi possa essersi ispirato, a eccezione degli A Perfect Circle (che altro non sono se non un prolungamento degli stessi Tool) e dei Soen (che per molti sono quasi dei "cloni" dei Tool). Possiamo tentare di cercare qualche termine di paragone in base ai richiami vari che si possono percepire nel disco. L’anima prog del combo sembra avere una sua matrice nel gusto delicato dei Porcupine Tree, mentre le atmosfere post rock hanno un incedere che qualcuno potrebbe ritrovare nell’appeal mistico dei Godspeed You! Black Emperor. Forse potremmo addirittura scomodare i Mars Volta per le meccaniche particolarmente intelligenti di certe composizioni, gli Audioslave per le parti più immediate e catchy, o magari anche i primi Russian Circles per il rincorrersi incessante dei giri di chitarra più post metal. E se poi vogliamo proprio cercare il pelo nell’uovo, potremmo dire che la band sembra in parte ammantata di una certa poetica deftoniana, per quanto si tratti più di un approccio di forma che non di sostanza (niente nu metal o suoni simili, ma solo una vaga ispirazione di intenti al mondo di Chino Moreno). Tuttavia, una volta che mettiamo da parte i Tool, ogni altro rimando ad altre band sembra superfluo, in quanto la personalità dei Ginkgo Dawn Shock emerge prepotente dal loro songwriting: qui abbiamo a che fare con una band che “suona lo stesso genere musicale dei Tool”, ma che lo fa sempre e comunque a modo suo.

Musica di qualità, prima di tutto. Se non possiamo affermare che i Ginkgo siano una band del tutto originale, è opportuno quantomeno riconoscere la grande ispirazione che pervade ogni minuto di “Heed”, in un turbinio di note che non annoiano mai ma anzi esaltano, sorprendendo l’ascoltatore sempre in modo ragionato e con cognizioni di causa, con cambi di tempo piazzati strategicamente nei punti giusti e la voce di Ciccolella che avvolge il lavoro di una profondità non indifferente.

Composizioni come Chirals e soprattutto l’iniziale The Second Fish Curse (da cui è tratto un videoclip) sono testimonianze di un particolare gusto nella ricercatezza melodica: non appena parte l’album, gli intrecci chitarristici di Bufi si rincorrono tra loro, prima di distendersi su un letto di distorsioni e di saliscendi tra note basse e note alte, su cui la voce si stende languida prima di sfociare in una squisita apertura melodica. La prima traccia è quindi già sufficiente per intuire la maturità del combo, prima che la successiva The Elephant Walk sfoghi sull’ascoltatore i suoi impulsi post metal, fatti di una chitarra mai sazia di note nuove, con l’accoppiata basso/batteria che non cede un filo di tregua all’ascoltatore.

Eb(s)ence è forse il pezzo più propriamente “post rock” del disco, per i suoi arpeggi autunnali e profondamente emotivi, sapientemente sostenuti da un Ciccolella che si stacca per un po’ dalla pesante influenza keeniana per mostrare la sua anima più malinconica e sognante. L’esplosione finale del pezzo avvolge e prepara il terreno per Chirals, una delle migliori canzoni del platter (preceduta dall’interludio Inverse), per quanto sia anche quella dove l’impronta dei Tool è più marcata: alternative rock della migliore qualità, quello colto e intelligente che può far breccia nel cuore dei metallari più raffinati, sia che lo si ascolti su disco sia dal vivo, dove può sprigionare un’energia non indifferente. Davvero un brano notevole.

Tool a palate anche su Doppelganger, pezzo forse un pochino più debole e ruffiano dei precedenti, ma che tuttavia compiace le orecchie con le sue schitarrate al limite dello stoner. Cambi di tempo, tecnicismi e melodie rockeggianti fanno il loro dovere egregiamente, sfornando un’altra traccia interessante e coinvolgente.

I fan della sperimentazione saranno felici di sapere della partecipazione del producer Glanko nel brano Complexion, dove l’elettronica più ipnotica funge da pausa ideale per rilassare le membra prima di chiudere in bellezza il trip. La title-track, posta strategicamente a conclusione del disco, rappresenta la summa ideale di quello che è il suono della band: senza scomodare per l'ennesima volta i Tool (ormai abbiamo capito quanto conti la loro influenza sul sound dei molfettesi), basti dire che Heed (la canzone) conclude l’album con un concentrato di distorsioni, ritmiche serrate e melodie sognanti, tutto al servizio di un’atmosfera profondamente emotiva e quasi catartica.

In definitiva, “Heed” è un disco maturo per una band matura, una gran bella realtà che vale la pena continuare a seguire e sostenere. Se per ora i Ginkgo Dawn Shock sembrano essere una delle band tra le più interessanti della nuova scena musicale pe(n)sante pugliase, li aspettiamo ora al varco del prossimo disco (o meglio, dei prossimi dischi): se sapranno plasmare ancora meglio la loro personalità, togliendosi un pochino di dosso la (troppo) pesante influenza dei Tool e gestendo in maniera ancora più matura la loro ispirazione, avranno tutte le carte in regola per diventare uno dei nuovi orgogli nazionali nel panorama rock e metal. Pochi dubbi su questo.

Speriamo in bene nel futuro. Nell’attesa, continueremo a far girare “Heed” nel lettore. E a godere.

Algiers

Giulio Magliulo — Wed, 19 Aug 2015 08:41:50 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Blues

Alternative Rock

Gothic Rock

Etichetta:

Matador

Anno:

2015

Line-Up:

Franklin James Fisher - lead vocals, backing vocals, guitar, piano, rhodes, cello, drums, percussion, sampling
Ryan Mahan - bass, synthesisers, piano, backing vocals, percussion, drum programming
Lee Tesche - guitar, prepared instruments, percussion, loops, backing vocals
Matt Tong - drums, backing vocals

Tracklist:

1.	"Remains"	3:05
2.	"Claudette"	3:31
3.	"And When You Fall"	3:41
4.	"Blood"	5:38
5.	"Old Girl"	4:24
6.	"Irony. Utility. Pretext."	4:30
7.	"But She Was Not Flying"	3:58
8.	"Black Eunuch"	3:39
9.	"Games"	3:49
10.	"In Parallax"	8:20

Algiers

Il soul apocalittico degli Algiers è l'ultima new thing foriera di entusiasmo collettivo nella comunità internazionale della musica indipendente.
Questo unanime giudizio positivo non può che essere condivisibile data l'oggettiva forza espressiva che promana da quest'album.

Se nuovi non sono i riferimenti musicali, facilmente intuibili in Algiers, rinnovato è lo spirito con cui il trio americano originario del sud degli States (Atlanta) ma operativo tra New York e Londra li gestisce.
Innanzitutto la musica afroamericana al di là della sua spettacolarizzazione, intesa come strumento di protesta, come verbo che incarna tutto il dolore eterno di una razza che parte dai campi di lavoro e arriva all'ultimo morto ammazzato di colore per mano di un poliziotto bianco.

Tematiche non nuove se si pensa a tutta la storia del soul di rivolta (dal gospel all'avant-hop è solo la direzione stilistica a mutare, quasi mai i contenuti).

Eppure gli Algiers non sono una band 'politica' in senso stretto, nei loro testi non ci sono proclami e non si sbandierano messaggi ma le ideologie più o meno sottese di cui si sente forte più di un alito sono tutte quelle che in qualche modo contrastano (o hanno cercato di contrastare nel corso della storia) questa immutata condizione, questo status di minoranza con le sue odiose conseguenze.

E' l'energia, anche oscura, cupa e negativa dunque la grande novità che Franklin James Fisher, Lee Tesche e Ryan Mahan (dal vivo è Matt Tong di Bloc Party ad accompagnarli alla batteria) veicolano nel mondo moderno e urbanizzato da un profondo sud magico, rituale, già metabolizzato in post-punk era da chi ha voluto codificare anche in musica certe pieghe del gotico americano.

Di quel periodo gli Algiers prendono però in prestito anche le nevrosi wave-industriali, i lampi intermittenti e le affilate chitarre per fendere l'indifferenza mediatica.
Se gli Algiers rappresentino il possibile mattone di nuovo edificio musicale/ideologico non si sa, ma la spallata che danno all'utopia post-colonialista è davvero potente.

Tied to a Star

Giulio Magliulo — Tue, 16 Sep 2014 20:38:58 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Alternative Rock

Indie Rock

Etichetta:

Sub Pop

Anno:

2014

Line-Up:

J Mascis	Vocals, Guitar
Mark Mulcahy	Vocals
Ken Maiuri	Piano
Chan Marshall	Vocals

Tracklist:

Me Again

Every Morning

Heal The Star

Wide Awake

Stumble

And Then

Drifter

Trailing Off

Come Down

Better Plane

J Mascis

Tied to a Star

La sensazione che Mascis abbia riformato i Dinosaur Jr. per soddisfare le sue intemperanze elettriche, ascoltando gli album solisti a suo nome, è ormai più di un indizio e Tied To A Star ne è la conferma, fin dall'iniziale Me Again in cui è la quiete totale a dominare l'ascolto.

Più pop la successiva Every Morning ma non sarà quell'assolo elettrico a farci cambiare idea. Perchè è in questo modo che Mascis è diventato un classico, al di là del 'dinosauro', pur partendo da esso, raccogliendone tutte le migliori intuizioni e diluendole in quel flavour mascisiano unico ed inimitabile. Ad oggi la sua ipotesi di 'folk-rock meets indie-pop' resta una delle più credibili, a dispetto dell'età.

Non è questa musica di sensazioni forti, mai.

Il suo appeal, il suo punto di forza è nelle penombre in cui si rifugia, nei pastelli acidognoli di cui si colora. Accordi sospesi per canzoni sospese, ed Heal The Star è qui ottimo esempio di come temperare le emozioni a gradazioni crepuscolari.

Un altro filone interessante da seguire di questo nuovo Mascis sempre uguale a sé stesso è quello che lo vede alla prese con degli spunti che diremmo 'spirituali'. La seconda parte della già citata Heal The Star presenta degli orientalismi più vicini a Ben Chasny che non ad una generica idea di indie-rock, e se Chasny è legato a sua volta ai primitivisti americani come Fahey o Kottke, abbiamo la chiusa del cerchio.

Questa che potrebbe essere solo una suggestione, in verità è ancora più forte nel country raga di Drifter e seguendo questa traccia abbiamo scoperto che il nostro ha partecipato alla soundtrack del pluripremiato documentario One Track Heart – The Story Of Krishna Das (cioè il vocalist del nucleo embrionale dei Blue Öyster Cult che negli anni '70 dopo abusi di droghe e depressione lasciò Long Island per l'India e dopo intense frequentazioni di guru e maestri spirituali è diventato a sua volta maestro di fama mondiale di kirtan, particolare stile di canto devozionale indiano).

E i lunghi capelli e la barba bianca di Mascis ben si prestano all'immaginario di un santone indiano, ci può stare.

Wakin on a Pretty Daze

Matthias Stepancich — Tue, 31 Dec 2013 21:37:51 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Cantautorato

Alternative Rock

Folk Rock

Etichetta:

Matador

Anno:

2013

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Kurt Vile & the Violators
- Kurt Vile - vocals, acoustic and electric guitars, lead guitar (1 and 4), electric slide guitar (8 and 11), synths (1, 3 and 10), organ (4 and 11), wurlitzer (8 and 10), keyboards (3), tambourine (4), percussion (9), vibes (11)
- Jesse Trbovich - electric guitar (1, 2, 3, 4 and 9), lead guitar (7), arpeggio guitar (4), slide guitar (11), saxophone (4)
- Rob Laakso - bass guitar (1, 2, 3, 6, 7, 10 and 11), electric 12-string guitar (1), EBow guitar (3), fuzz and swell guitars (4), ambient guitars (7), lead electric guitar (8), baritone guitar (8 and 11), tremolo fuzz guitars (10), tap guitar outro (11), ARP 2600 (1), additional drums (1), percussion (2), drum machine (6 and 10), sequencer (3 and 10), electronics (3)

Additional Violation
- Stella Mozgawa - drums (1, 3, 4, 5, 8 and 11), waltz drums (6), percussion (5 and 8), cowbell (8)
- Vince Nudo - drums (2 and 10)
- Michael Johnson - drums (9), medieval drums (6), synth (9), Korg MS-10 (1)
- Farmer Dave Scher - lap steel guitar (4, 6, 7 and 11), melodica (3, 9 and 11), wurlitzer (4 and 6)
- Jennifer Herrema - backing vocals (7)
- Emily Kokal - backing vocals (11)
- Jeremy Earl - percussion (11)
- Dan Park - percussion (3)
- Alan Pavlica - white noise (4)
- Mary Lattimore - harp (6)

Tracklist:

1. Wakin on a Pretty Day - 9:31
2. KV Crimes - 3:57
3. Was All Talk - 7:42
4. Girl Called Alex - 6:20
5. Never Run Away - 3:25
6. Pure Pain - 5:09
7. Too Hard - 8:04
8. Shame Chamber - 4:47
9. Snowflakes Are Dancing - 3:23
10. Air Bud - 6:30
11. Goldtone - 10:26

Kurt Vile

Wakin on a Pretty Daze

Ancora per la Matador, come il precedente Smoke Ring for My Halo che l’aveva fatto esplodere in popolarità due anni prima, esce nel 2013 Wakin on a Pretty Daze, che in realtà, contando anche le autoproduzioni, è ben l’ottavo (!) full-length del cantautore di Philadelphia Kurt Vile, classe 1980; cantautore che, proprio con Wakin on a Pretty Daze, si rivela essere uno dei folk rockers più interessanti della sua generazione.
Se infatti il buon Smoke Ring for My Halo (così come l’EP poco successivo So Outta Reach, sua, comunque interessante, appendice) non rischiava scommesse nella struttura dei pezzi, e non si allontanava nemmeno così tanto dalle saldissime radici del folk rock più intenso e intimista di fine 1960s-inizio 1970s, particolarmente Fred Neil ma anche Nick Drake, Wakin on a Pretty Daze presente un passo in avanti in maturità e originalità.

Sembra che Vile abbia infatti, nel frattempo, compiuto una full immersion nella discografia dei Sun Kil Moon di Mark Kozelek, ma anche nel jangle pop degli 1980s e 1990s, traendo poi una sua sintesi personale delle due influenze ed applicandovi poi i suoi modelli di riferimento classici (il cantautorato americano 1967-1975).

Vile riprende il jangle tipico dell’alternative rock dei 1980s, ma staccandolo da molti dei debiti col periodo post-punk, e ricollegandolo al calore delle sue originarie radici (i The Byrds), allo stesso tempo spingendo invece sullo sperimentalismo per quanto riguarda la durata dei pezzi, che si dilata in un quadro perfettamente coerente alla voluta morbidezza e liquidità delle chitarre; quadro a cui contribuiscono anche una produzione a più alto budget (maggiore definizione nei suoni, sovraregistrazioni per creare un wall of sound avvolgente, effettistica dosata con attenzione quanto basta per dare sfumature oniriche) e delle scelte di pattern ritmici che, pur tempi non lenti e suoni caldi non post-punk, ripetono se stessi spesso in modo ipnotico (dunque il vero legame forse guarda anche più indietro, verso i Neu!).

L’album scodella alcuni dei suoi capolavori, ovvero la trascinante Pure Pain (con schitarrate quasi orientaleggianti che ricordano, anche se evitandone le prodezze tecniche, alcune idee armoniche in passato ben esplorate da virtuosi come Leo Kottke e Michael Hedges, e che si alternano ad una parte in arpeggiato vicina ai Red Hot Chili Peppers di Californication), la rarefatta Too Hard (con crooning profondo e arpeggianti chitarre alla Fleet Foxes), il grandioso trittico iniziale di Wakin on a Pretty Day (9 minuti e mezzo ricchi di grandi idee melodiche), KV Crimes (con una memorabile strofa) e Was All Talk (quasi 8 minuti, immersi nei riverberi), e la doppietta finale di Air Bud (6 minuti e mezzo) e Goldtone (10 minuti e mezzo).
Qualche momento di stanca si può invece trovare nei restanti, meno riusciti e un po’ apatici, pezzi (in particolare Girl Called Alex e Never Run Away), che frenano dall’eccellenza il disco nel suo complesso.

Il modello vocale di Kurt Vile è invece, ora anche più che nel precedente Smoke Ring for My Halo, decisamente Lou Reed, nel cui stile, anche se ammorbidendolo e avvicinandosi in certi momenti a melodie vocali alla Neil Young di Ambulance Blues, Vile si inserisce nel flusso compositivo in maniera leggermente sconnessa e mormorante, ma soprattutto dal sapore “stoned” (dichiarato anche in alcuni passaggi dei testi, e nello stesso "daze" del titolo) che ben si sposa con la vena a suo modo psichedelica (o semplicemente tendente all’onirico) dei pezzi più lunghi.

Con i suoi pregi e le sue imperfezioni, Wakin on a Pretty Daze resta comunque, e senza dubbio, il miglior disco folk rock del 2013.

Yellow & Green

Stefano Pentassuglia — Thu, 25 Oct 2012 21:09:35 +0000

Voto:

9.0 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Psychedelic Rock

Post Metal

Alternative Rock

Etichetta:

Relapse

Anno:

2012

Line-Up:

John Dyer Baizley: voce, chitarra

Peter Adams: chitarra

Summer Welch: basso

Allen Blickle: batteria

Tracklist:

Disc 1
1. Yellow Theme
2. Take My Bones Away
3. March to the Sea
4. Little Things
5. Twinkler
6. Cocainium
7. Back Where I Belong
8. Sea Lungs
9. Eula

Disc 2
1 Green Theme
2 Board Up the House
3 Mtns. (The Crown & Anchor)
4 Foolsong
5 Collapse
6 Psalms Alive
7 Stretchmarker
8 The Line Between
9 If I Forget Thee, Lowcountry

Baroness

Yellow & Green

Tanti, forse troppi, hanno scritto la loro opinione sul nuovo disco dei Baroness. Ci sarebbe da chiedersi come mai, dal momento che la band di Savannah (ma originaria di Lexington, in Virginia) è una realtà ancora relativamente giovane, con soli 2 album e sue Ep all’attivo prima di questa uscita, nonché una band considerata fin troppo debitrice alla scuola dei maestri Mastodon e, più in generale, all’intera scena georgiana. In realtà, un così vivo interesse nei confronti del loro nuovo album è del tutto giustificato, ed è presto detto il motivo.

Innanzitutto, abbiamo a che fare con album diviso in due parti, o meglio, un vero e proprio doppio album. Chi conosce bene i Baroness sarà sicuramente già avvezzo ai loro titoli cromatici, che legano indissolubilmente una loro creatura ad uno specifico colore. Come ben sappiamo, se il rosso porpora del Red Album sguinzagliava uno sludge metal di matrice rigorosamente georgiana (ma non privo di una certa fantasia), il successivo blu acceso del Blue Record si muoveva invece su lidi maggiormente creativi, forse più heavy metal ma non per questo meno sporchi.

Bene, se ora i nostri hanno deciso di abbandonare la violenza di quei colori così forti e vividi, per abbandonarsi alla rilassata pacatezza del giallo e del verde (“Yellow & Green”), che guarda caso sono proprio i colori base per la formazione del blu, non è affatto una scelta casuale dettata dalla mancanza di colori in repertorio, ma una vera e propria scelta stilistica, fortemente legata alla nuova musica incisa in questo platter .

I Baroness, in una parola, sono cambiati, per quanto le fumettose copertine del leader John Baizley non abbiano subito mutazioni di sorta. Ora di sludge ce n’è poco e, a dire il vero, lo stesso si potrebbe dire per il metal in senso stretto. I suoni del nuovo album, infatti, sembrano avvicinarsi molto di più ad un certo alternative rock d’autore, legato a doppio filo sia al grunge robusto degli indimenticabili Alice in Chians o Pearl Jam, sia al post/alternative metal più melodico di band come City of Ships o, perché no, Oceansize. Queste considerazioni, tuttavia, si limitano al “disco giallo”; il suo “fratello verde”, infatti, sembra infinitamente più debitore all’intera scena psychedelic rock degli anni ’70, quella che dai Pink Floyd in avanti, ha fatto proseliti un po’ ovunque con le sue atmosfere liquide e lisergiche.

Era prevedibile, quindi, che un disco del genere abbia diviso completamente i fan. Da un lato, vediamo i vecchi ammiratori “duri a morire”, indissolubilmente legati allo sludge più viscerale, che proprio non riescono ad accettare un tale cambiamento di rotta. Le critiche più comuni? Nuovi Baroness venduti, commercializzati, senza idee, lagnosi, intellettualoidi, pallosi e così via.

Dall’altra, abbiamo non solo una nuova fetta di fan, che sicuramente si avvicinerà alla band grazie alla loro rinfrescata presa commerciale (più all’estero che in Italia, a dire il vero), ma anche una rinnovata selezione di vecchi fan che hanno compreso fino in fondo la nuova scelta stilistica della band e che hanno apprezzato e rispettato la loro evoluzione musicale, promuovendo quest’album a pieni voti. Personalmente, non posso far altro che aderire a quest’ultima visione del quartetto di Savannah e bandire ogni pregiudizio nei confronti di questo splendido doppio disco, mettendo subito in chiaro una cosa: “Yellow & Green” è un grande album, creativo, maestoso e coinvolgente, e se non è un capolavoro, poco ci manca.

Qualcuno potrà dire: ma non parliamo forse della stessa situazione vissuta dai Mastodon con “The Hunter”? Assolutamente no, rispondo io: se l’ultimo lavoro del combo di Brent Hinds dimostrava una vera e propria mancanza di creatività e inventiva, oltre che ad una commercializzazione dei suoni tutto sommato criticabile, lo stesso non accade per i Baroness, che al contrario sfoggiano un’ispirazione fuori dal comune proprio attraverso il cambiamento e “l’ammorbidimento” delle loro composizioni.

In ogni caso, se c’è qualcosa che la maggior parte dei detrattori e dei sostenitori del nuovo album ha dimenticato di sottolineare, se mai l’avesse notata, è proprio il fatto che l’evoluzione e il nuovo volto dei Baroness non costituisce affatto un cambiamento stilistico tout-court, ma rappresenta piuttosto una vera e propria continuazione con l’immagine che hanno saputo ritagliarsi in passato. Infatti, una volta superata l’introduzione del “Yellow Theme”, l’energia di “Take My Bones Away“ (non a caso estratto come primo singolo dell’album) non può non ricordarci quella di Blue Record e di Red Album. L’attitudine è diversa, certamente: la band è più melodica, più morbida, più orecchiabile e più “live” di quanto non fosse prima; eppure, è sempre lei, perfettamente riconoscibile, e la sua nuova musicalità sembra essere molto più un’evoluzione ragionata e coscienziosa, che non piuttosto una svolta assennata dettata dal successo e dalla voglia di conquistare nuovi fan. I riff circolari conquistano e gli assoli ammaliano, mentre le tastiere offrono un tappeto ideale per l’energia del combo. Lo stesso si può dire per la successiva “March To The Sea”, forte di un hard rock nervoso e di un accento bluegrass tipicamente Baronessiano, mentre la splendida “Little Things” è semplicemente ammaliante, nelle sue tinte chiaroscure, supportate da riff eleganti e psichedelici, ma che cedono volentieri anche all’insegnamento post-hardcore dei Fugazi. La delicata e soffusa “Twinkler”, perlopiù acustica, è l’introduzione migliore per la corale psichedelica punk di “Cocainum”, brano semplicemente travolgente. “Back Where I Belong” mi ha convinto un po’ meno, forse perché mi ha ricordato troppo alcuni riff di “Silent Waters” (Waeving the Incantation?) degli Amorphis, ma del resto il suo incedere melodrammatico ha sicuramente la sua presa sull’ascoltatore, soprattutto nella parte finale. I riff rockeggianti “alla Thin Lizzy” di “Sea Lungs” mettono la carica, sebbene siano più manieristici, ma la vera e propria sorpresa arriva con “Eula”, forse il brano migliore del lotto: una canzone lenta, malinconica e avvolgente, che si insinua lentamente nel cervello e lo ammalia senza via di scampo, fino ad un emozionante e sostenuto finale. Una chiusura con i fiocchi.

Arrivati a questo punto, abbiamo solo analizzato “Yellow”. Ma il platter non finisce qui: cosa dire del suo fratello gemello “Green”? Affamati di nuovi riff, lo adagiamo nel lettore ed ecco che il “Green Theme” ci sommerge con la sue atmosfere psichedeliche, mentre il riff iniziale di “Board Up The House” ci risveglia dall’incanto, catapultandoci nuovamente nelle sonorità più tipiche dei Baroness, che però diventano ora più melodiche e orecchiabili, stampandosi immediatamente in testa. La splendida “MTNS” avvolge con il suo ritmo sostenuto e “Foolsong” non è da meno, pacata, ondeggiante, nostalgica e così squisitamente retrò. Le divagazioni acustiche di “Collapse” sono una piacevolissima pausa per la psiche, nonché la preparazione migliore per la strana “Psalm Alive”, dai ritmi bizzarri e da un’insolito uso dell’elettronica. Infine, i ritornelli hard rock di “The Line Between”, orecchiabilissimi e ipermelodici, tengono per mano, conducendo l’ascoltatore fuori da questo incredibile e lunghissimo viaggio, che si risolve nella purificazione catartica di “If I Forget Thee, Lowcountry” (usata anche come colonna sonora per il teaser dell’album).

Baroness, quindi: band talentuosa e, soprattutto, band coraggiosa. Hanno saputo prendersi i loro rischi e creare alcuni tra i pezzi sicuramente più belli e coinvolgenti della loro discografia, cambiando il loro modo di pensare e di comporre e spingendosi molto più oltre di quanto i loro “colleghi” Mastodon non abbiano saputo fare. Il tutto messo in risalto dalla produzione cristallina di John Congleton (Explosions In The Sky).

Un disco meraviglioso e coinvolgente, che ho ascoltato fino allo sfinimento come una vera e propria droga, imparando a memoria ogni sua singola traccia. Era da tanto, troppo tempo, che non succedeva una cosa del genere, e spero che la raffinata ispirazione di Yellow & Green sappia conquistare voi come ha saputo fare con me.

Per quanto mi riguarda, tra i top album del 2012.

Fellem Potoane

Giulio Magliulo — Fri, 26 Aug 2016 11:38:04 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Punk Rock

Alternative Rock

Etichetta:

Big Lakes Records

Anno:

2016

Line-Up:

Gianmarco Ciarmatori – voce/chitarra
Gabriele Fabri – voce/basso
Carlo Mengascini – chitarra
Davide Donati - batteria

Tracklist:

Preludio
Surfing (Dorika Version)
Vigor
Sentimento
Interludio (Fellem Potoane pt.1)
Mi Sento Mario
Fulmine
Passato
Tripudio (Fellem Potoane pt. 2)

Jasmine Gli Sbalzi

Fellem Potoane

Ancora una volta le Marche vincono con l'esordio su lunga distanza dei Jasmine Gli Sbalzi.
Vincono perché quel territorio impervio tra alternative e punk rock, fatta eccezione per alcune declinazioni mainstream, tutto sommato è ancora inespugnato.
E certamente non sono state le varie ondate del panorama emo o l'ironia a tutti i costi della generazione anni zero a dominarlo.

Capaci di fare canzoni straight to your face senza necessariamente inscenare screamo-drammi o peggio, intellettualizzare il punk a tutti i costi, le nove tracce di Fellem Potoane schizzano via in una ventina di minuti, il tempo giusto per apprezzarle e immaginare gli scenari che Jasmine può lasciare aperti.
Complimenti anche a Mattia Coletti per la messa a fuoco.
Mi Sento Mario best track.

Ciclo di Lavaggio

Giulio Magliulo — Sun, 10 Apr 2016 11:34:06 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Noise

Cantautorato

Alternative Rock

Etichetta:

Dry-Art Record

Anno:

2016

Line-Up:

Massimiliano Martines - Voce e cori

Vince Pastano - chitarre, cori e programmazione elettronica

Antonello D'Urso - bassi e programmazione elettronica

Max Messina - batteria e percussioni

Ignazio Orlando - basso (7)

Tracklist:

1. Amo le novità 3:33
2. Tutto uguale 3:37
3. Perla nera 5:22
4. La polvere 3:12
5. La scatola e l’inganno 5:33
6. Ciclo di lavaggio 3:36
7. La guerra dei fiori rossi 4:53
8. I colori dell’autunno 3:48
9. Mi sto preparando 2:14
10. Sogni neri 6:41

Massimiliano Martines

Ciclo di Lavaggio

Un disco scuro, cupo, questo terzo di Massimiliano Martines, pugliese attivo a Bologna dall'importante background artistico che lo vede regista, attore, poeta e direttore artistico.

In un'altra epoca lo avremmo potuto definire un manifesto di disagio post-punk allo stato puro che trova tregua dalla violenza sonica rifugiandosi nel monologo interiore senza nessuna paura di partorire immagini da incubo e determinare un senso di disfatta generale.

Le chitarre tirate e storte non sono proprio quello che ci si aspetta da un disco cantautorale, ma Ciclo Di Lavaggio invece è proprio così ed emerge quasi cattivo dal suo substrato alternative noise, sia italiano che quello midwest statunintense dei novanta.

Suoni distorti e disturbanti su un recitato nevrotico ed acido da teatro sperimentale che si alternano a distese malinconiche post-core d'autore, se possibile.
Filastrocche nere e visionarie che rimettono in gioco la parte attoriale e reminiscenze di Marlene Kuntz e CCCP ma anche lente e minacciose movenze post-rock.

Un disco di sicuro impatto, complesso ma immediato, poetico e violento, che non può passare inosservato e che rompe le dighe del cantautorato italiano contemporaneo dai colori incerti.

Necroide

Giulio Magliulo — Sat, 28 Nov 2015 11:41:05 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Sludge

Thrash Metal

Alternative Rock

Etichetta:

La Tempesta Dischi

Anno:

2015

Line-Up:

Bruno Dorella: batteria

 Giovanni Succi: chitarre e voce

Tracklist:

01 – Black Metal Il Mio Folk

02 – Slayer & The Family Stone

03 – Fascite Necroide

04 – Tarli Mai

05 – Voodooviking

06 – Apocalinsect

07 – Virus Del Male

08 – Feccia Rozza

09 – Cofani Funebri

10 – Sepolta Viva

11- Danza Macabra

Bachi Da Pietra

Necroide

Hanno ragione i Bachi a dire che quando ascoltavamo i Venom era tutto più facile.
Gli intellettuali come Pasolini, i poeti e l'arte tutta hanno sempre avuto anche una funzione di preveggenza, i Bachi non han fatto altro che estendere il concetto al rock and roll, sempre più declinato in metal senza borchia e senza pelo.
Guerra totale nel ventre d'Europa? Si, sta andando proprio così.

Slayer And The Family Stone perché ci piace il groove e il tupa-tupa di qualunque genere esso sia, comunque vada, tanto andrà male e peggio.
Non per mancare di rispetto a Totò - la morte è una cosa seria - quella propria e quella di chi ci piace e ci fa o ci ha fatto scapocciare tanto, perché con Fascite Necroide si scapoccia come con gli Slayer quelli veri e ci si può pure cantare sopra con buona pace di Jeff - ma anche prenderne le distanze con la dissacrante ironia di Succi e Dorella non è male, almeno finché crediamo di essere vivi.

Gli insetti che brulicano in questo lucido letamaio sono sempre tanti e sempre più corazzati di riff cattivi e storti ma Apocalinsect potrebbe anche rifarla Pharell Williams.
Thrash e sludge, growling brutale, affermazione di identità nelle memorie e nei ricordi che diventano epici fintanto che non ci si prende troppo sul serio, come in un gioco di specchi in cui ci si diverte a deformarsi la faccia. Pezzi di Melvins che si staccano e si decompongono in quel terreno umido di sangue e di nuovo vortici di nuda verità.
Forse non è questo quello che vogliamo ma è quello che meritiamo.

2+2=8

Giulio Magliulo — Sun, 27 Sep 2015 18:20:48 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A.Giulio Magliulo

Genere:

Crossover

Alternative Rock

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2015

Line-Up:

Lorenzo Lemme

Jacopo Ruben Dell’Abate

Tracklist:

01. Buleria

02. Prurito

03. Mare

04. Messa A Fuoco

05. Funambulo

06. Mandarino

07. Mandibola

08. Aprire La Mente

09. Albero

LeSigarette!!

2+2=8

Ok, il nome del duo può essere irritante perché richiama altre band e altre storie dell'italietta musicale che meno ci interessa, ma considerando le sigarette come metafora di un mercato musicale in cui tutto si consuma e si brucia velocemente, un mp3 dietro l'altro, esso ci può stare.

Andando oltre, solo belle cose per Jacopo Ruben Dell'Abate e Lorenzo Lemme.

I due romani hanno infatti il grande merito di far riemergere un capitolo importante, un filone spesso poco battuto della storia della musica indipendente che qui da noi non ha mai avuto grande seguito e fortune.

Minutemen e Firehose sono i nomi e qualsiasi tentativo di ingabbiarli in un genere è destinato a fallire.
Qualcuno lo definisce p-funk ma a me personalmente il termine non ha mai convinto poiché associandolo a formazioni più crossover, dai primi RHCP a Psychefunkapus a Limbomaniacs, mi sembrava quasi di fare un torto alla sottile genialità delle formazioni californiane dalla radice comune.

Da lì partono Le Sigarette!! e se avessero avuto qualche accenno in più all'hardcore, perché no, anche i canadesi NoMeansNo avremmo tirato in ballo.

Chitarra e batteria dunque – come tanti ormai - ma per fare qualcosa di diverso dal solito garage/blues/surf vintage e soprattutto – nonostante i ritmi serrati, spigolosi e geometrici - lontani dalla freddezza cerebrale del math rock, il tutto a favore di una divertente e prorompente energia che traspare anche dai testi in italiano scevri dalla demenzialità che ci si potrebbe aspettare e che rivelano tanta ironia, proprio come quella dei loro numi tutelari.

Demo

Giulio Magliulo — Wed, 24 Jun 2015 08:44:24 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Alternative Rock

Etichetta:

(Autoprod.)

Anno:

2015

Line-Up:

Gianfranco Maselli
Giorgio Cuscito
Antonio Jacovazzi

Tracklist:

Don't Care

Trees

From Above

Flow!

Demo

Son solo tre i brani che i Flow! presentano nel loro primo demo autoprodotto.
Tre ventenni dalla provincia di Bari che per essere al debutto denotano un notevole approccio melodico post-grunge, un attento ascolto di Jeff Buckley e la capacità di aggiungere delicati ghirigori post-rock in una cornice che ambisce però ad essere appesa nei saloni più splendenti di quell'ossimoro ormai realtà dell'alternative mainstream.

Don't Care, situata a metà tra gli Audioslave e My Sweetheart The Drunk (non è poco..); Trees, noiosetta nel suo garbato languore adolescenziale; From Above, rapita da seduzioni wave con retrogusto Editors o limitrofi, cantato e basso molto espressivi, sicuramente la più interessante.

Un pizzico di incoscienza ed emotività in più forse non avrebbe guastato, ma queste poche canzoni dicono molto dei Flow!, abbastanza da lasciarci incuriositi dai possibili sviluppi sulla lunga distanza.

Buona Sopravvivenza

Giulio Magliulo — Sun, 21 Jun 2015 14:43:18 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Alternative Rock

Etichetta:

I Dischi Del Minollo/Rumori In CantinaNel Mio Nome

Anno:

2015

Line-Up:

Roberto Magnaghi, chitarre
Manuel Cristiano Rastaldi, voce e parole
Cosimo Porcino, basso
Francesco Borrelli, batteria

Tracklist:

1. Un Oceano Di Fiati Distrutti
2. Inerti, comodi e vermi
3. Trema Carne Mia Debole
4. L'autodistruzione
5. Sette Sassi
6. Yogurt
7. Saziati
8. Come Farvi Lentamente A Pezzi
9. Buona Sopravvivenza

ZiDima

Buona Sopravvivenza

Sono band come i milanesi ZiDima (personaggio pirandelliano) a farci riflettere su vecchie questioni sempre più spesso accantonate nel dibattito musicale contemporaneo.

Siamo nel 2015 e la rabbia in musica ha trovato nuove strade rispetto all'era alternativa o anche a quella punk-hardcore. Forse non c'è neanche più la voglia di raccontarla.

Il che non implica che non ci sia sempre – anzi, forse oggi più che mai - l'esigenza di farlo.

Non è gente di primo pelo ZiDima, e questo si sente subito.
Essi provengono proprio dal momento d'oro del rock alternativo italiano, fase che ha dato tanto ma che sembra definitivamente tramontata se pensiamo all'offerta musicale contemporanea made in Italy. Certo, esistono ancora band come Massimo Volume e Marlene Kuntz, ma essi stessi sono i primi ad essere naturalmente cambiati.

ZiDima porta lo scettro e le ferite di quella scena e la loro sincerità è percepibile.
Il cantato con il sangue agli occhi che rimanda a Emidio Clementi o al megafono dei CSI è puro, le analogie sono frutto di un sentimento spontaneo che impedisce pensieri maliziosi di emulazione.
Ma l'operazione interessante a mio avviso è relativa al suono. Forse neanche allora è stato così potente e brillante.
Grazie post-hardcore. E grazie ZiDima se riuscirete a traghettare come già state facendo quelle istanze nel nostro tempo post-hardcore (vedi Marnero).

Però dovete lasciar perdere quei testi che quando non sono inutilmente ermetici e senza poesia sembrano esprimere quella visione dicotomica basata sul 'noi e gli altri', come se esistessero ancora i buoni da un lato e i cattivi dall'altro.
Questo poteva andar bene allora, la militanza di certo hardcore ce l'ha insegnato, ma oggi le cose sono molto più sottili e confuse, forse un linguaggio diverso sarebbe più efficace a raggiungere le coscienze.

Tantrum

Giulio Magliulo — Sun, 14 Dec 2014 18:41:52 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Metal

Alternative Rock

Alternative Metal

Etichetta:

Eve Recordings

Anno:

1991

Line-Up:

Vic Kemlicz – guitar, vocals

Duncan Brown - bass

Chin Keeler - drums

Tracklist:

1. Claws

2. Is That It?

3. Surgery

4. Girth

5. Hot Seat

6. Billy and Bobby

7. Gregor

8. Book One, Page One

9. Pyrosulphate

Milk

Tantrum

Meno di duecento km. quelli che separano Norwich, capitale della contea del Norfolk, dai colorati mercatini londinesi di Camden.
Quanto basta per lasciar perdere il jangle pop che ben ha attecchito nel nord del Regno Unito e far posto alla rivoluzione che nello stesso periodo negli U.S.A. ha un solo nome.

Siamo nel 1991 ed i Milk approdano dopo un paio di e.p. e diversi cambi di formazione a quello che potremmo definire un pefetto power trio.

Non sono soli i Milk a sperimentare soluzioni a cavallo tra l'alternative americano e le forti pulsioni art-rock tipiche delle terre di Albione. Purtroppo non riusciranno a far parte della schiera dei fortunati che svetteranno in alto nelle classifiche indie come i troppo filoamericani Therapy? o i leggendari prime movers God Machine, che per risapute ragioni preferiamo considerare parte del contingente inglese sebbene fossero californiani. Perfino i più noisy e caotici Silverfish ebbero maggiori riscontri commerciali.

I Milk vengono ricordati tra i minori del periodo, come i Jacob's Mouse, decisamente più variegati e schizzati nei suoni, o gli Scum Pups, completamente assorbiti dal grunge imperante oltreoceano.

Un'altra band che è bene citare per avere una piena comprensione di questo complesso quadro sono i Fudge Tunnel, che finirono poi per firmare per Earache.

Decisamente spostati quindi verso quello che potrebbe essere etichettato come art-metal o post-metal o più semplicemente alternative-metal, con Tantrum il trio realizza un lavoro definibile monolitico nel senso migliore del termine, cioè compatto e coeso, coerente ed onesto, potente ed ispirato.

L'album si apre con Claws, livido affresco metal tutto bagliori, chitarre tirate, stoppate e convulse con un chorus magnificamente romantico che non preclude chiaroscurali sospensioni, arpeggi in penombra ed esplosioni noise.
La voce di Vic Kemlicz è forse persino più graffiante e scorticata di quella di Dan Kubinski dei Die Kreuzen.
La seconda traccia, Is That It? lascia intravedere le influenze industrial della band tra le sue ritmiche serrate e le sue geometrie dissonanti.
Surgery riapre scenari decadenti all'interno di suoni oscuri e metallici e ricchi di isterici feedback in un brano che lascia ipotizzare una versione inglese dei Soundgarden.
Girth è la traccia che sancisce un legame con l'hard rock storico britannico.
Pensare ai Led Zeppelin non è però un fuorviante tentativo di far passare i Milk come dei nostalgici, quanto un ribadire che la musica heavy inglese di tutti i tempi ha sempre saputo comprimere un enorme potenziale elettrico, una carica fortissima in toni drammatici e perfino tragici. E chi meglio dei Led Zeppelin, della chitarra esoterica di Page o del teatrale Plant ha saputo far di meglio nell'assecondare quest'idea?
Hot Seat è una delle vette del disco: una cavalcata irruenta, veloce e dissonante; è l'heavy metal che anticipa il post-hardcore senza averne però nessuna cognizione.
Billy and Bobby è l'altro capolavoro: appassionata ed incredibilmente eterea per essere una traccia in cui il batterista Keeler picchia come se stesse scolpendo granito.
Gregor è poco più di un intermezzo di un minuto, la cui unica particolarità consiste nel fatto d'essere una traccia in reverse.
Nella penultima Book One Page One ritornano i Milk più cattivi, dalle impennate quasi voivodiane; ed infine c'è Pyrosulphate, ancora grumi di rabbia e gioia per uno degli album più sottovalutati e dimenticati di quell'eccitante spaccato dei primi nineties britannici.

I Milk, piuttosto che accomodarsi nella retorica grunge o cavalcare l'onda alternative a base di Hüsker Dü, Dinosaur Jr. e Sonic Youth, han preferito realizzare un disco per molti versi più vicino a quanto facevano band quali Helmet e Prong, aggiungendo però fuoco a quelle fredde collisioni post-metal e riuscendo inconsapevolmente anche a superare gli album meno ispirati di questi ultimi. Peccato che a ricordarlo siano rimasti in pochi.

Le Scimmie Urbane

Giulio Magliulo — Fri, 09 May 2014 07:11:38 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Alternative Rock

Etichetta:

Seahorse Recordings

Anno:

2014

Line-Up:

GIANNI SENES : Voce

PAOLO VODRET: Basso

MARCO CALISAI: Chitarra

PIETRO MARONGIU: Batteria

Tracklist:

1 Prigioniero

2 Nuovi giorni

3 Bla Bla Bla

4 Il Buon Padre

5 Sera d'Autunno

6 Sogno e Son Desto

7 Sopravvissuti

8 Torbido

9 Visioni d'Insieme

The Scunned Guests

Le Scimmie Urbane

Tenacemente ancorati ai nineties e all'idea che abbiamo del rock di quegli anni (forse è per questo che i quattro 'ospiti indesiderati' si sentono tali?) la formazione sarda, forte di un suono compatto, di una maturità espressiva indubbia e di un universo lirico coerente con quello emozionale, osa sfornare nel 2014 un disco fieramente fuori moda.

Fin dall'inizio certe coordinate stilistiche appaiono evidenti, come in Prigioniero in cui gli Afterhours di Germi ritornano anche in certe inflessioni vocali di Gianni Senes. E' comunque il riff pieno e 'sentito' - come la voce - a dettare legge in questo album, anche quello mutuato dal grunge di seconda generazione di area Alice In Chains/My Sister's Machine. Molto indicativa in tal senso è Nuovi Giorni.

Ne Il Buon Padre e in Torbido i rallentamenti e certe incursioni dell'ugola capace di Senes possono anche far affiorare alla mente i Faith No More. In ogni caso da quella decade non si scappa. E così per il resto dell'album, sempre impetuoso, come nell'ironica Bla Bla Bla, nel manifesto di disagio di Sera d'Autunno, nell'elettricità turbinante di Sogno e Son Desto, quest'ultima forse la meno influenzata e più personale del lotto.

In Sopravvissuti ritorna, oltre alla voglia di fuga, anche il fantasma della band di Agnelli e la conclusiva Visioni d'Insieme ha qualcosa dei Marlene Kuntz.

Se questo continuo 'citare' creasse nel lettore un sospetto di mancanza di originalità, vorrei assicurarlo che non è questo un problema: chi ama il rock sa che è già stato detto tutto e che si è sempre naturalmente influenzati da ciò che si è amato e ci ha preceduti.

Le domande da farsi semmai sono altre e vanno ben oltre le doti e le capacità già lodate ed indiscusse degli Scunned Guests: questa musica oggi cosa ci racconta? chi si sente rappresentato da essa?