Folk Metal

Where Greater Men Have Fallen

Stefano Pentassuglia — Thu, 04 Dec 2014 14:08:15 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Doom Metal

Black Metal

Folk Metal

Etichetta:

Metal Blade

Anno:

2014

Line-Up:

Alan Averill "Nemtheanga" - Voce

Ciaran MacUiliam - Chitarra

Michael O'Floinn - Chitarra

Pol "Paul" MacAmlaigh - Basso

Simon O'Laoghaire - Batteria

Tracklist:

1. Where Great Men Have Fallen
2. Babel's Tower
3. Come The Flood
4. The Seed of Tyrants
5. Ghosts of the Charnel House
6. The Alchemist´s Head
7. Born to Night
8. Wield Lightning to Split the Sun

Primordial

Where Greater Men Have Fallen

Ne è passata di acqua sotto i ponti.

Già a partire dai paesaggi evocativi e chiaroscurali di “The Gathering Wilderness”, i Primordial hanno intrapreso un cammino estremamente personale, che si distanziava sempre più dalle sue origini black metal verso un suono simile alla forma vivente di uno spirito guerriero profuso dal loro sangue celtico. “Imrama” e “Journey’s End” ormai sono un lontano ricordo, mentre quei semi che “Spirit The Earth Aflame” aveva sparpagliato iniziavano ormai a crescere e a germogliare senza più fermarsi.

Sempre più passionali, sempre più epici, sempre più inimitabili. Ma soprattutto, sempre più veri. Il 2007 fu l’anno d’oro, con quel “To The Nameless Dead” che si ergeva fiero ad emblema della loro nuova personalità e summa di un certo modo di intendere il metal e di una intera filosofia sul senso della guerra, del sacrificio, del concetto di “morire per il proprio Paese”. Il “morto senza nome” era colui che si immolava per una patria che lo inviava al massacro, senza che nessuna generazione risorta dalle sue ceneri potesse ricordarsi il suo nome, il suo viso, i suoi sogni, le sue speranze. La gloria è solo un’illusione e questo i Primordial ce lo fecero capire con canzoni impregnate di dolore e di un’epicità struggente, con chitarre che mettevano a tacere la retorica patriottarda di tante metal band che si fingono battagliere ma che non si sono mai davvero fermate a riflette sul vero significato della morte, fosse anche di una sola persona. E il successivo bellissimo album “Redemption At The Puritan’s Hand” non fece che proseguire su questa strada, leccando le ferite del disco precedente attraverso un ritorno alla terra e al più autentico folklore celtico.

Adesso, riposte le cuffie dopo l’ascolto di “Where Greater Men Fallen”, sembra quasi che quel ciclo iniziato nel lontano 2005 (anno di pubblicazione di “To The Gathering Wilderness”) si sia chiuso per sempre. Il nuovo lavoro dei cinque di Dublino è quello che potremmo definire il più “drammatico” della loro carriera. Non che prima la drammaticità non fosse presente, e basterebbe far riferimento al basso mortifero e agli scenari di assoluta desolazione di Gallows Hymn per ricordarlo; ma se un disco come “To The Nameless Dead” era anch’esso, a suo modo, “drammatico”, si trattava di un elemento che non avrebbe mai perso di vista la speranza in un futuro diverso, la convinzione che è possibile risalire dal fango, la ricerca di un senso in mezzo alla miseria.

Tutto questo è assente, ora. Le canzoni del nuovo album rimandano a sentimenti di sconfitta e rassegnazione, come se tutte le energie si fossero esaurite negli album precedenti e non fossero rimaste più lacrime da versare. La battaglia è finita e non conta se il nemico ha vinto o ha perso, ciò che conta è che quei valori in cui ancora speravamo sono sprofondati con noi nella fine del mondo, nell’abisso dell’assurdo. La band non può fare altro che ritirarsi e meditare in solitudine.

Where Greater Men Have Fallen, saggiamente scelta come opener del platter, è una chiara dichiarazione di intenti in tal senso, non fa prigionieri e non lesina sentimenti di rabbia e frustrazione, in una cavalcata in cui Alan Averill sembra buttare su nastro non tanto la sua voce quanto la sua stessa anima. Eppure, paradossalmente, è proprio la title-track a risultare il brano più "tradizionale" rispetto agli altri, con la sua classica struttura di strofa e ritornello che punta tutto sulla magnificenza delle chitarre e su riff che rimandano a sensazioni di eroica sofferenza.

Babel’s Tower, però, cambia completamente registro. Si rimane stupiti dall’iniziale arpeggio distorto, in cui sembra persino di cogliere le influenze di un certo swedish black metal figlio di Watain e Marduk, che pian piano si attenuta in una ballata ovattata e avvolgente. Risulta chiaro come i Primordial, adesso, abbiano deciso di mettere un po’ da parte le loro influenze più celtiche, per avvinarsi non solo al black quanto soprattutto al doom metal, con ritmi più pacati e atmosfere decadenti che in certi frangenti sembrano richiamare la sensibilità dei My Dying Bride. L’immagine di un uomo che si ritrova di fronte alla desolazione di un mondo ormai in declino è il tema portante del brano, perfettamente rappresentato dall’oscuro videoclip diretto da Gareth Averill.

Ma se i primi due brani ci hanno già ammaliato a puntino, è con la successiva Come The Flood che l’album spicca il volo in modo definitivo. A parere di chi scrive, si tratta della traccia migliore del disco, l’espressione più alta di quel sentimento di rassegnazione a cui, tuttavia, sembra che la voce di Alan non voglia arrendersi. Già solo l’intro affascina, prima di gettarci in atmosfere dove si respira molto più doom rispetto al passato. Averill si mostra così il più significativo cantastorie di questa nuova decadenza, mentre le chitarre sorreggono ritmiche cadenzate e oscure, che si trascinano inesorabili verso un finale da pelle d’oca, fatto di sangue, lacrime e pura emotività.

The Seed of Tyrants e Ghosts Of The Charnel House si rivelano francamente i brani meno ispirati del platter, ma pur sempre molto interessanti nella loro carica innovativa: la prima traccia è un chiaro ritorno alle origini più prettamente black metal che ormai sembravano dimenticate, con un furioso Simon O’ Laoghaire che mai aveva sfruttato così a fondo il doppio pedale; la seconda traccia imbastisce un riffing forse un po’ troppo stiracchiato e convenzionale, ma non per questo meno energico ed esaltante; ammirevoli comunque gli arpeggi finali intrecciati con il basso che riescono ad infatuare con la loro seducente pacatezza, anche strizzando leggermente l’occhio al post rock.

The Alchemist’s Head è indubbiamente uno dei brani più sperimentali che i Primordial abbiano mai composto; tendente anch’esso al black metal, particolarmente dissonante (soprattutto negli atmosferici riff che anticipano la fine) e sostenuto da ritmiche spezzate, si incastra perfettamente con lo screaming di Averill, mai così maligno nella tipica espressività che lo contraddistingue. Non si tratta certo di un brano facile da ascoltare, ed è più che probabile che qualche fan di vecchia data possa rimanerne spiazzato. In ogni caso, l’esperimento pare ben riuscito e per quanto il brano possa stonare nel contesto epico/drammatico dell’intero album, è da ammirare il coraggio con cui la band è riuscita a provare qualcosa di diverso e nuovo senza spostare di un millimetro quella personalità che l’ha resa unica.

La lunga e ispirata introduzione di Born To Night, di oltre tre minuti, stende un velo di arcana meditazione, come un cielo plumbeo che anticipa la tempesta, prima che uno dei migliori riff degli ultimi Primordial faccia il suo ingresso in campo. Chitarre mai così rocciose e decise gettano l’ascoltatore nell’headbanging più sfrenato, e quando Averill irrompe sulla scena lo vediamo subito prendere in mano le redini di un doom metal nordico, in parte memore dei sempre splendenti Candlemass, che invita chi lo accoglie a sognare ad occhi aperti.

Degna conclusione di questo viaggio ai confini dell’anima, Wield Lightning To Split The Sun emana odore di leggenda celtica da tutti i pori, avanzando in ritmi cadenzati e in echi lontani sperduti nel bosco, con un lirismo malinconico che sembra il canto di antichi guerrieri irlandesi in ricordo dei propri compagni morti in battaglia.

Certo, evitare il confronto con il passato è di fatto impossibile. Ma questo non è un male, anzi. Ci permette di comprendere come “Where Greater Men Have Fallen” rappresenti una naturale prosecuzione, non solo del suono ma soprattutto dell’anima dei cinque irlandesi, che forse sarà diventata più cupa e malinconica ma proprio per questo permette di riscaldare meglio le emozioni di chi sa ascoltarla. E se qualcuno alzerà il dito al cielo, pronto come al solito ad affermare che “To The Nameless Dead" era meglio, non sarà difficile zittirlo affermando che non è possibile migliorare la perfezione. Del resto, non era un disco “migliore” che ci aspettavamo dai Primordial; quello che volevamo era un disco bellissimo come sempre, nuovo, diverso, che continuasse quell’epico cammino di autenticità fatto di melodie sognanti e di sentimenti puri. Lo abbiamo avuto.

Finite le danze, se da un lato non possiamo affermare che “Where The Greater Men Have Fallen” sia un vero e proprio capolavoro, dall’altro non possiamo nemmeno negare che si tratti di un altro meraviglioso disco di una band che ormai è un’assoluta garanzia di qualità, passione ed emozioni sincere, degno stendardo di un’isola che non dimenticherà mai le sue radici e di un metal suonato prima con il cuore e poi con voce e strumenti. E scusate se è poco.

Chapeau.

Sons of the North

Corrado Penasso — Wed, 30 May 2012 10:56:37 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Folk Metal

Etichetta:

Stygian Crypt

Anno:

2011

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Marios Koutsoukos Lyrics

Gianluca Tamburini Guitars, Bass

Filip Vučković Vocals

Jaco Guitars, Bass

Juan Pablo "Juskko" Churruarin Accordion

Emily Cooper Soprano Recorder, Piccolo, Tenor Recorder

Metfolvik Vocals

Dennis Schwachhofer Drums

Nostarion Cello

Rhode Rachel Vocals

Robert Downing Fiddle

Kyle Freese Drums

Anaïs Chevallier Vocals (female)

Michaël Fiori Lyrics, Vocals, Bass, Electric guitars

Hildr Valkyrie Vocals (female), Keyboards

Tracklist:

1. Sons of the North 06:53

2. Rider on the Winds 03:54

3. Taking Arms 04:05

4. Lord of Serpents 03:56

5. Wind of Conquest 04:30

6. Ravens on the Wing 04:28

7. Odin Wills It 04:00

8. Black Knights 04:19

9. To Vinland We Sail 03:43

10. Defying the Storm 04:38

Folkearth

Sons of the North

Folkearth è un progetto molto ambizioso. Il suo nome lascia trasparire una sorta di alleanza mondiale sotto il nome del folk metal e così é. Musicisti da tutto il mondo prendono parte al progetto nato nel 2004, il quale si é prolungato sino al 2011 con questo Sons of the North, nono album in una carriera molto produttiva. La formazione vede elementi provenienti da Paesi come Grecia, Lituania, Monaco, Francia Argentina, Stati Uniti, Italia, Croazia e Germania per un totale di quindici persone.

Tante teste da unire, tante tradizioni da fondere e tante influenze da amalgamare non è affatto cosa semplice. I diversi tipi di folk derivanti da tanti Paesi lontani creano un gran lavoro e non sempre il gruppo si è dimostrato all’altezza del progetto. Musicalmente, possiamo dire che, come da prassi, la base musicale del disco è fornita di elementi chiaramente derivanti dalla scuola black metal nordica con puntate sul death melodico, ai quali vengono sovrapposti sporadici intervalli tipicamente folk con l’uso degli strumenti del genere: arpe, flauti, violini e tamburi. Il growl maschile sovente viene alternato alle suadenti tonalità femminili che meglio si adattano alla tessitura folk, a tratti sostenuta da un tappeto power metal. A tale proposito citerei in particolare Rider on the Winds, traccia che mostra molte meno inflessioni estreme rispetto all’opener.

Procedendo all’ascolto del disco, le prime debolezze vengono allo scoperto. Il growl continua nella sua timbrica inespressiva e c’è una disomogeneità di base che non è da sottovalutare: troppe le influenze e non si riesce a seguire il filo conduttore. Ogni traccia possiede un’anima diversa dalle altre e ciò crea un impatto non del tutto buono, quando si sarebbero potute unire tutte queste idee al fine di creare un genere vero e proprio, ascoltabile in ogni singola canzone. Il disco, con il passare dei minuti, non mostra segni di vitalità ed originalità rendendo difficile l’ascolto. Quasi impossibile citare una canzone migliore dalle altre perché tanto gira che ti rigira si ascoltano sempre le solite note con un condimento diverso che, come detto prima, può variare al massimo dal power all’extreme metal.

Sinceramente, mi sento di raccomandare questo lavoro solamente ai più accaniti ascoltatori di folk metal e a nessun altro. Personalmente, non trovo nulla di eccezionale in questo progetto che forse si regge in piedi solamente per il nome che si porta dietro ed al suo numero di collaborazioni.

Tales of Endless Night

Corrado Penasso — Sat, 17 Dec 2011 19:05:01 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Folk Metal

Etichetta:

Stygian Crypt

Anno:

2011

Link correlati:

My Sapce

Line-Up:

Khepry Bass

Marchello Drums

Krumr Guitars

Freyr Guitars

Solveig Keyboards

Alien Vocals

Tracklist:

1. Intro 01:42 instrumental

2. Warrior of Justice 03:42

3. Revenge 04:20

4. Fighting the Dark 03:17

5. Mystery 01:31 instrumental

6. Merciless 04:29

7. Tale of the Endless Night 04:12

8. The Doomed in Despair 04:27

9. Outro 01:34 instrumental

10. Windrider (Ensiferum cover) 05:30

Last Wail

Tales of Endless Night

Facendo parte dell’ormai sempre più affollato gruppo di band sotto la Stygian Crypt Production, anche i Last Wail devono incorporare elementi folk da opporre ad un approccio che sovente strizza l’occhio al death metal melodico. Nati solamente nel 2009 ad Omsk, Russia, il sestetto debutta con questo Tales of Endless Night, composto da dieci tracce.

L’introduzione mostra da subito influenze epiche nelle tastiere e negli arpeggi delle chitarre, avvicinandosi stilisticamente a cosa proponevano gli imbattibili Falkenbach alla fine degli anni 90. La prosecuzione si ha con Warrior of Justice eRevenge, ove le melodie tipiche del folk vengono miscelate con il tocco melodic death metal, tra voci gutturali/scream della graziosa Alina e linee soliste a tratti epiche da parte delle chitarre. I tempi sono generalmente dinamici a sostenere sia i flauti che le ripartenze più pesanti. Il taglio thrash nel riffing dona dinamismo alla proposta e la registrazione pulita ma a tratti old school fa sì che il prodotto risulti puro e non pompato. Veramente buona l’atmosfera oscura che ammanta la proposta dei nostri musicisti ed evita di tramutarla in qualcosa di troppo “leccato” e commerciale come spesso accade nel genere.

In Fighting the Dark e Merciless possiamo notare una netta prevalenza di atmosfere folk di sottofondo ed anche le chitarre si lasciano andare maggiormente in questo stile ma senza dimenticare frangenti in tempi medi di chiaro stampo death/black svedese di inizio anni 90. Intermezzi come Mystery e Outro sono due ottimi esempi di come si possa suonare folk senza essere pretenziosi ma, anzi, riuscendo ad essere evocativi senza proporre nulla di nuovo. Veramente buono il riffing serrato ma sempre accessibile di Tale of the Endless Night, da opporre alle prolungate sezioni a base di linee soliste delle chitarre che apportano la giusta atmosfera epica senza strafare. La grinta e la rabbia tipica del melodic death metal meno commerciale vengono sempre preservate. In chiusura di album abbiamo anche il piacere di trovare Windrider, riuscita cover omaggio agli Ensiferum.

Tirando le somme dell’ascolto, posso dire con tranquillità di trovarmi al cospetto di un lavoro piacevole ed onesto. Magari non brillerà per fantasia ma la sua attitudine old-school mi è piaciuta e comunque i Last Wail musicalmente ci sanno fare per cui non vedo motivo di bocciatura.

De Ferro Italico

Corrado Penasso — Mon, 22 Aug 2011 11:31:52 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Black Metal

Folk Metal

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2011

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Svafnir - Vocals
Triumphator - Guitars
Helsior - Keyboards
Stolas - Bass
Jonny - Drums

Tracklist:

1. Dove l'Italia Nacque - 02:10
2. The Vitulean Empire - 02:17
3. L'Augure e il Lupo - 05:54
4. Ver Sacrum - 04:37
5. Suovetaurilia - 09:25
6. Legio Linteata - 06:03
7. Ballata d'Autunno - 01:42
8. Inverno - 07:33
9. Roma Ferro Ignique - 06:27
10. De Ferro Italico - 10:35

Draugr

De Ferro Italico

Draugr è una parola che deriva dal linguaggio Tolkeniano (che a sua volta prende un termine dalla mitologia norrena) e significa “lupo”. L’animale in questione è il simbolo dell’Abruzzo, regione di provenienza di questa band che in pochi anni si è giustamente guadagnata tutta l’attenzione da parte del settore e che velocemente sta spargendo il suo nome tra gli appassionati di metal estremo. Il quintetto di Chieti con questo De Ferro Italico giungono alla pubblicazione del secondo album dopo Nocturnal Pagan Supremacy (2006) e già ora esso si conferma come un must della scena. Il gruppo in questi anni di attesa ha profuso una quantità incredibile di idee e potenza al fine di creare un’opera magna del genere, con riferimenti storici di incredibile pathos e accuratezza.

“Nell’anno bastardi 392, l’Imperatore Teodosio dichiara guerra al mondo Pagano. Attraverso i decreti, il fuoco avvolge ciò che rimane dell’antico culto, e le fiamme allungano l’ombra della croce e sotto di essa ogni resistenza annega nel sangue… Solo pochi uomini osarono sfidare la potenza della Chiesa, e questa è la loro storia…”

Questa introduzione, recitata ad inizio disco e che ritroviamo anche nel libretto curato del CD ci spalanca le porte ai Draugr, alla loro potenza musicale e alla loro voracità che ben si coglie dalle pesanti scudisciate black/death ad accavallarsi alle atmosfere folk. Una sensazione apocalittica ci avvolge durante l’introduzione a base di epiche melodie alternate a rumori di spade e scudi che si infrangono: Dove L’Italia Nacque ha inizio, per proseguire con la veemenza delle sezioni black a dividere la scena con elementi folk e riffs più melodici di una stupenda The Vitulean Empire. Esaltanti le basi di flauto a cura di Maurizio dei Folkstone di L’Angure e il Lupo, canzone con testi in italiano a scagliarsi violentemente contro la Chiesa, esaltando il culto Pagano. In molte sezioni la voce si mantiene su tonalità pulite al fine di essere maggiormente interpretativa, tuttavia alcune sezioni black metal si possono sempre riscontrare, seppur dal tocco melodico ed epico. Nei cori, tra gli ospiti, Kirion degli Sturmkaiser e Bonasone, proveniente dai Ciementificio.

Il contrasto black/folk si può nuovamente trovare nella complessa, da brividi Suovetaurilia. Base di batteria e linee soliste di chitarra in puro stile power metal, cadute nel black metal melodico e successivi break a base folk da antologia. Ver Sacrum con il suo tempo ritmato e le sue atmosfere medievali esalta le terre natie del gruppo, tra leggende di antiche battaglie e banchetti in oscuri castelli. Si prosegue nell’ascolto di quest’opera con la cornamusa suonata da Lore dei Folkstone in una a tratti velocissima Legio Lineata, perfetto connubio di black/thrash metal, epic metal e folk, in grado di regalare fortissime emozioni e sprigionare una forza indescrivibile. Le quiete ed evocative atmosfere di Ballata D’Autunno ci distendono prima che i blast beats di una vorace ma sovente melodicaInverno, fortemente debitrice allo stile scandinavo,Immortal e primi Ulver su tutti. Avvicinandoci alla fine del disco posso consigliarvi ancora la possente ed ispirata Roma Ferro Ignique, ove le classiche atmosfere dell’Antica Città vengono sapientemente addizionate alle influenze metal per un risultato stellare, anche a livello dei contenuti dei testi.

Roma cristiana brucia a termine del disco e la title-track ben ce lo descrive con tutta la cattiveria e l’ardore di una missione compiuta. IDraugr ora brindano e festeggiano la rivincita del Paganesimo con un disco epocale non solo per il nostro antico Paese. Il combo barbaro dall’Abruzzo merita tutta la vostra attenzione e le loro intenzioni sono tutt’altro che pacifiche. Già ora papabile candidato a miglior disco dell’anno in campo metal.

Chertovorot

Corrado Penasso — Mon, 28 Feb 2011 16:17:25 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Folk Metal

Etichetta:

Stygian Crypt Productions

Anno:

2009

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Owl - Bass

Chortovrog - Drums

Ann "Zuks"- Fiddle

Redgoat - Guitars

Sergey Frontline - Vocals

Tracklist:

1. At Sundawn (Intro) 00:59

2. Firtree's Bark 02:36

3. By The Paths Of Leshak 06:45

4. Chertovorot 04:05

5. Shulikuns' Dances 03:26

6. Dark Forests Are From The Land Up To Sky 06:59

7. Sunset (Outro) 01:00

8. Was Wollen Wir Trinken (Adorned Brood cover) 02:51

Leshak

Chertovorot

La Russa Stygian Crypt Productions è famosa per il suo impegno nel diffondere la musica folk delle gelide lande Siberiane. Il suo roster annovera una marea di piccole band nascenti da un underground di difficile crescita causa la posizione geografica infelice che porta ad una minore visibilità a livello internazionale. Certo, sovente la qualità delle band coinvolte non favorisce tale sviluppo, tuttavia alcune eccezioni sono da far notare. Ad esempio, prendiamo questi Leshak da Mosca. Attivo dal 2006, il quintetto propone un folk death/thrash che risulta piacevole all’ascolto, pur senza apportare nulla di nuovo a quanto altre band proposero anni orsono.

Chertovorot è l’album di debutto di questa giovane realtà ed esso si pone già in modo piacevole se si considera il confezionamento del prodotto: un libretto curato ed una originalissima decorazione sul CD ci predispongono bene all’ascolto. La melodia folk del flauto ci accoglie nella breve introduzione, prima che la base di metal estremo introduca la successiva Firtree's Bark. Il riffing è di chiara derivazione estrema ed il growl del cantante ben si amalgama col lato folk della band. Le canzoni sono brevi, scorrevoli e piacevoli all’ascolto grazie a questa commistione difficile ma ben proposta. Ottime, ad esempio, le entrate melodiche di By The Paths Of Leshak, epiche al punto giusto e perfettamente incastonate nel tessuto groove delle chitarre.

A tratti la band decide di pigiare sull’acceleratore e qui il tempo di batteria riprende molto quello utilizzato per le ballate folk delle regioni Slave. Anche le chitarre, seppur a tratti usate come mera base per il flauto, si distingono per il loro tocco melodico e mai fuori luogo. Passando attraverso la strumentale Shulikuns' Dances, dotata di un ottimo groove dal tocco epico appena accennato, si arriva alla lunga Dark Forests Are From The Land Up To Sky, canzone dagli svariati cambi d’atmosfera. Essa si snoda attraverso momenti maggiormente improntati al death/doom ed aperture melodiche ad opera del flauto, degli arpeggi chitarristici oppure grazie a cori in voce pulita per un risultato finale coinvolgente e capace di catturare sempre l’attenzione del recensore.

Giungendo ala fine di questo breve disco, possiamo citare l’outro, ancora una volta a base di flauto e l’ottima cover Was Wollen Wir Trinken degli Adorned Brood. Insomma, i Leshak non saranno il gruppo rivelazione degli ultimi anni e mai lo saranno a parer mio ma il potenziale c’è ed il gruppo non si deve scoraggiare. Il disco, come detto anticipatamente, scorre senza troppe pretese e si lascia ascoltare volentieri nella sua semplicità ed immediatezza.

Battlecry

Corrado Penasso — Sat, 19 Feb 2011 20:31:19 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Folk Metal

Etichetta:

Stygian Productions

Anno:

2010

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Marios Koutsoukos - Lyrics

Simon Müller - Electric guitar / Mandola / Vocals / Tin whistle / Bass / Flute / Guitars (acoustic) / Music

Munngu Beyeler - Deger pipe / Vocals / Tin whistle

Metfolvik - Music / Soprano recorder

Matthew Bell - Music / Electric guitar

Forneus - Harp

Simon Batley - Vocals

Hralien - Drums

Michaël Fiori- Music / Vocals / Bass / Electric guitars

Anaïs Chevallier - Vocals (female)

Rhode Rachel - Vocals / Bass / Tin whistle / Jew's harp

Holger Funke - Bagpipe / Hurdy-gurdy / Nyckleharpa

Tracklist:

1. Eagle’s Blood 05:01

2. Battlecry 04:08

3. Blood-Red Axes 04:19

4. The Celestial Giants 03:12

5. Hunter In The Wild 04:32

6. The Celestial Host 04:48

7. The Oath Of Runes 04:17

8. Invoking The Sidhe 04:21

9. Pale Prince On A Moonlit Shore 04:40

10. The Hour Of Wrath 04:41

11. Sword In Hand 05:09

Folkodia

Battlecry

Folkodia, un nome che lascia poco spazio all’immaginazione. Nato come una ramificazione dei Folkearth e formatosi in Lituania nel 2007, il numerosissimo gruppo (si contano dodici componenti a seconda dello strumento suonato e della traccia) si cimenta in un Folk/Viking metal classico e senza troppe sorprese.

Gli esordi si hanno con l’album Odes from the Past, datato 2008 e con questo Battlecry il gruppo arriva alla pubblicazione del quarto lavoro. La Stygian Production se li è accaparrati ed il gruppo per conto suo pare pure abbastanza motivato, seppur penalizzato da una registrazione poco potente ed alcune sezioni abbastanza ripetitive. Dopo una convincete opener dal nome Eagle’s Blood, ove i membri si cimentano in un Viking classico dalle tinte leggermente oscure, l’eccessiva presenza della cornamuse nella successiva title-track stordisce addirittura l’ascoltatore. Un intrecciarsi strumentale eccessivo denota non tanto bravura ma ripetitività, accompagnato anche da una registrazione, come dicevamo, abbastanza deficitaria a livello di volumi. La chitarra ritmica e la batteria sono ridotte ai minimi termini per donare risalto alle linee soliste ed ai vari strumenti folk.

Le linee vocali si intrecciano tra growl profondi e momenti nei quali il canto pulito segue meglio lo stile musicale. Nella veloce Blood-Red Axes troviamo anche aperture melodiche che lasciano spazio al canto femminile ed ad alcune linee soliste abbastanza curate da parte della sei corde, seppur sempre allungate con varie sbrodolature. Tra gli episodi che chiamano maggiormente in causa il puro folk medievale possiamo citare The Celestial Giants e la successiva Hunter In The Wild. A base di cori puliti la prima ed influenze Power la seconda, entrambe le canzoni donano spazio al flauto ed alle chitarre arpeggiate per un risultato ormai lontano dall’essere originale, ma di discreta fattura. Assolutamente da cancellare, invece, le melodie fuori luogo (e troppo pasticciate) di una decisa The Celestial Host.

Sorpassando la metà del disco possiamo persino trovare melodie alla Wyrd dalla convincente The Oath of Runes, seguite dal piglio deciso di una Invoking The Sidhe che fonde con buon gusto Metal e Folk. Tra gli episodi migliori del disco. Ritornando al discorso della base Power metal, troviamo a tal proposito Pale Prince On A Moonlit Shore, song dal buon impatto caratterizzata ancora una volta da prolungati assoli chitarristici ed interventi a base di flauto. L’orecchiabile The Hour of Wrath rallenta l’esecuzione e si focalizza sulle melodie folk per un ottimo risultato, fortemente influenzato dai Bathory di Nordland. Si giunge così al termine del disco con il ritorno di linee vocali più estreme in Sword in Hand ad accompagnare le onnipresenti influenze folk.

Tirando le somme di questo ascolto, si può dire che il gruppo lituano si destreggi discretamente nel genere e che alcune composizioni risultino di buona fattura. Non sarà sicuramente un capolavoro ma Battlecry si lascia ascoltare con piacere e voglio raccomandarlo a tutti gli estimatori del genere. Da non sottovalutare.

Damnati Ad Metalla

admin — Sat, 03 Apr 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Gioele Nasi

Genere:

Folk Metal

Etichetta:

Fuel Records

Anno:

2010

Link correlati:

Sito Folkstone

Line-Up:

- Lore – Voce, Cornamuse, Bombarde, Bouzouki, Chitarra
- Teo – Cornamuse, Bombarde, Cori
- Ferro – Basso, Cori
- Andreas – Cornamuse, Percussioni, Cori
- Lucas – Chitarre, Cori
- Fore – Batteria
- Roby – Cornamuse, Bombarde, Voce femminile
- Clara – Arpa, Sonagli

Tracklist:

01. Ol bal di òss
02. Longobardia
03. Aufstand!
04. Anime dannate
05. Frerì
06. Un'altra volta ancora
07. Luppulus in fabula
08. Terra Santa
09. Senza certezze
10. Vortici scuri
11. Dall'alto cadrò
12. Vanità di vanità
13. Rocce Nere

Folkstone

Damnati Ad Metalla

Secondo disco per i bergamaschi Folkstone, oramai divenuti il gruppo di punta della scena Folk Metal nostrana grazie al buon riscontro ottenuto sia dal disco di debutto omonimo (Fuel Records, 2008) sia dai numerosissimi concerti in giro per il Nord Italia e l'Europa Centrale negli ultimi tre anni, in formazione acustica od elettrica.
Sostituita la seconda chitarra (Lucas subentra a Ghera) e l'arpista (Clara al posto di Becky), l'ottetto orobico si ripresenta al pubblico forte dell'esperienza maturata in questi anni passati “tra palco e realtà” (i lettori metallari mi perdoneranno l'ardire d'aver infilato una citazione di Ligabue in una recensione a loro destinata): “Damnati ad Metalla” risulta in generale un disco più maturo a livello compositivo e meglio rifinito come suono rispetto al disco di debutto, assestandosi comunque su un valore qualitativo similare per quanto riguarda l'efficacia delle varie canzoni.

Il suono, difatti, è ora più organico e meglio bilanciato: bombarde e cornamuse, pur rimanendo il marchio di fabbrica e il tratto distintivo del gruppo, sono meno preponderanti a livello di mixing e risultano meglio integrate alle poderose chitarre ed alla potente e forzatamente epica voce del singer Lore.
Confermate, per il resto, le caratteristiche sonore del gruppo: riffing compatto di matrice Heavy e una batteria solida formano l'impianto ritmico del gruppo, mentre la voce, le bombarde e le cornamuse si occupano dei momenti solisti e melodici, duettando e duellando; come accompagnamento, al posto dell'inflazionata tastiera, i Folkstone confermano la scelta di utilizzare un'arpa (“Vortici Scuri”).

A livello di bontà dei singoli pezzi “Damnati ad Metalla” riesce a mantenere un'ottima qualità lungo tutta la propria durata, cedendo solo ogni tanto in momenti meno incisivi (“Frerì”, penalizzata da un refrain claudicante, è uno di questi). Assolutamente meritevole, comunque, la maggior parte della tracklist, che ricalca quella del disco precedente nella scelta di inserire sia un brano strumentale d'ispirazione medioevale (il tambureggiante “Luppulus in Fabula”) che un momento alcolico e festaiolo (“Un'altra volta ancora”, trascinata da un guizzante tin whistle celticheggiante).
Più consoni alla già delineata proposta del gruppo gli altri brani, tra cui emergono la bella “Anime Dannate”, giustamente scelta come singolo di lancio per via del convincente ritornello, la battagliera “Aufstand!”, sostenuta dal bouzouki oltre che da bordate elettriche, e l'orientaleggiante e cadenzatissima “Terra Santa”.
Chiudono il disco due brani anomali: la cover di “Vanità di Vanità”, classico di Branduardi trasformato in un buffo e roccioso Folk-Metal, e la versione per solo coro alpino di “Rocce Nere”, una delle migliori hit del disco omonimo.

Valutazione numericamente simile a quella del debutto, tutto considerato, per “Damnati ad Metalla”, un disco valido che quindi non mancherà di piacere agli appassionati di Folk Metal, specialmente se amanti delle diramazioni più rustiche, tedesche ed Heavy del genere, e non a quelle più patinate, scandinave e Power Metal-oriented. Tutte le canzoni inoltre danno l'impressione di poter rendere ancora meglio durante uno spettacolo dal vivo, situazione che probabilmente rimane l'occasione migliore d'approcciare la musica dei Folkstone da parte del pubblico Metal con un'inclinazione per questi suoni.

LINKS PER L'ASCOLTO
- Sample mp3 e testi @ Folkstone.it
- Video in HD di "Anime Dannate" @ Youtube.com

Everything Remains (As It Never Was)

admin — Sun, 28 Feb 2010 23:00:00 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Folk Metal

Etichetta:

Nuclear Blast

Anno:

2010

Link correlati:

Eluveitie @ MySpace.com

Line-Up:

- Meri Tadic – vocals, violin
- Chrigel Glanzmann – vocals, mandola, tin and low whistles
- Anna Murphy – vocals, hurdy gurdy, flute
- Pade Kistler – bagpipes, tin and low whistles
- Sime Koch – guitars
- Ivo Henzi – guitars
- Kay Brem – bass
- Merlin Setter – drums

Guests:
- Torbjorn “Thebon” Schei – additional vocals on (Do)minion
- Brendan Wade – uillean pipes on Otherworld, Setlon and The Liminal Passage
- Dannii Young – spoken voice on Otherworld and The Liminal Passage

Tracklist:

01. Otherworld (intro) – 1:57
02. Everything Remains As It Never Was – 4:25
03. Thousandfold – 3:20
04. Nil – 3:43
05. The Essence Of Ashes – 3:59
06. Isara (instrumental) – 2:44)
07. Kingdom Come Undone – 3:22
08. Quoth The Raven – 4:42
09. (Do)minion – 5:07
10. Setlon (instrumental) – 2:36
11. Sempiternal Embers – 4:52
12. Lugdunon – 4:01
13. The Liminal Passage – 2:15

Eluveitie

Everything Remains (As It Never Was)

La prova offertaci in occasione di Evocation I - The Arcane Dominion, quasi 10 mesi or sono, aveva destato numerose perplessità, oltre a qualche insondabile dubbio: al di là della stessa decisione di cimentarsi in un album prettamente acustico, tanto opinabile quanto estremamente naturale per una formazione dall’anima prevalentemente folk, era stato il risultato finale di questa operazione a lasciare in particolar modo perplessi, in quanto gli Eluveitie avevano dato alle stampe un album piuttosto spento e monocorde, ben lontano dal trionfo internazionale conquistato col suo predecessore, l’acclamato Slania. Appresa solo in parte la lezione, visto che il progetto di dare un seguito a Evocation I - The Arcane Dominion non è stato affatto accantonato ma, al contrario, troverà suo compimento proprio nel corso dell’anno corrente, la band svizzera è però tornata sui propri passi riproponendo le medesime sonorità elettriche del suo precedente capolavoro, del quale il loro nuovo album non è che l’ideale completamento.

Everything Remains (As It Never Was) è, sotto tutti gli aspetti, il manifesto programmatico degli Eluveitie: nonostante sia il terzo capitolo discografico, forse proprio perché del terzo capitolo discografico si tratta in effetti (Evocation I - The Arcane Dominion ha inaugurato, a prescindere dalla sua reale consistenza e dalla sua opinabile ragion d’essere, una sorta di percorso artistico parallelo), l’ultimo lavoro della band elvetica ne sintetizza ed esprime, nella loro più vivida pienezza, tutte le caratteristiche essenziali, come mai prima d’ora era accaduto, nemmeno in occasione del gemello Slania. Questa affermazione potrà certamente andare incontro a parecchie remore, soprattutto da quanti si aspettassero da una qualsiasi band sempre e comunque qualcosa di nuovo e diverso, nel caso specifico costituito dagli Eluveitie in maniera ulteriormente decisa alla luce dello straordinario successo ottenuto proprio dal succitato Slania. Oltre alle analogie più superficiali, riscontrabili sin dalla struttura stessa della tracklist (soliti intro ed outro strumentali, così come 2 brillanti intermezzi ogni 2-3 song), non si può negare che Everything Remains (As It Never Was) non faccia che riproporre in toto quanto già espresso all’epoca di Slania: oramai si sa che gli Eluveitie propongono un melodic death metal fortemente contaminato da echi folk di chiara ispirazione gaelica, è questa la via stilistica che hanno intrapreso, è questa la loro dimensione più congeniale, è questa la loro natura artistica, ed è ampiamente giustificabile, lecito, giusto addirittura che non abbiano voluto abbandonarla.

E’ evidente che non possiamo sapere a priori quali siano le ragioni ultime di questa precisa decisione, tanto più che si potrebbe tranquillamente sospettare, in maniera positiva o negativa a seconda della prospettiva personale, che abbiano avuto un po’ di comprensibile timore a proseguire imperterriti su una direzione acustica che si era rivelata un vero e proprio e fallimento, preferendo di conseguenza riconquistare l’affetto dei propri estimatori riportandosi sui sentieri già battuti. Tuttavia, ciò che più conta è che una simile impresa, giacché superare la qualità di Slania non era assolutamente compito abbordabile, sia stata completata in maniera pressoché perfetta: se qualcosa poteva effettivamente essere migliorato, gli Eluveitie l’hanno fatto nella maniera migliore possibile, facendo di Everything Remains (As It Never Was) una versione aggiornata, riveduta e corretta del suo eccellente predecessore. Tecnicamente più ispirato, emotivamente più coinvolgente, strumentalmente più curato e gradevole, melodicamente più vario e raffinato, l’ultima fatica della formazione elvetica va a costituire un punto di riferimento determinante per quanti vorranno, d’ora in avanti, inserirsi lungo il cammino tracciato dalla formazione originaria della terra dei Quattro Cantoni. Poco importa che sia di fatto la bella copia di Slania, poco importa che quest’ultimo sarà sempre e comunque considerato l’album firmato Eluveitie per eccellenza in quanto superlativo e seminale allo stesso tempo: Everything Remains (As It Never Was) gli è superiore in tutto e per tutto e non riconoscerne il merito sarebbe certamente una grave ingiustizia nei confronti di un gruppo assolutamente fondamentale della scena folk metal moderna.

Difficile, a nostro avviso, trovare punti deboli in questo imprescindibile gioiello musicale moderno, a partire dagli stessi episodi strumentali: intro ed outro sono essenziali e ammiccanti allo stesso tempo, grazie a spoken words intuitive e fascinose sin dal primo ascolto, mentre Isara e Setlon mantengono ben desta l’attenzione promuovendo linee melodiche intuitive ed ammalianti che, sebbene ripetute, non sfociano mai nella noia o nel desiderio di skippare brutalmente – proprio questo era uno degli aspetti, seppur relativamente insignificanti, in cui difettava Slania, i cui intermezzi strumentali evidenziavano una prolissità davvero deleteria. Le songs vere e proprie, del resto, alternano situazioni musicali che, sebbene mantengano sempre saldo un preciso filo conduttore, non offrono mai il fianco a cali di tono, momenti di stanca, attimi di delusione o noia, con la sola eccezione di quella titletrack che davvero pare brano incerto, incolore, impalpabile: Thousandfold, infatti, giustifica perfettamente la scelta discografica di primo singolo estratto, accompagnandosi a Nil con grande potenza sonora e spaventoso coinvolgimento emotivo, entrambe recitando un ruolo pressoché speculare alle Inis Mona e Slania’s Song del secondo capitolo discografico degli Eluveitie; lo stesso discorso trova accoglimento anche nel caso di Kingdom Come Undone, più asciutta e brutale delle precedenti, mentre l’anima folk più delicata e sognante riemerge nei momenti conclusivi, come Sempiternal Embers e Lugdunun. Non mancano nemmeno situazioni più solide e bellicose, dotate di quella compattezza epica tipicamente mitteleuropea che, in alcuni frangenti, quasi si lascia andare ad intriganti reminiscenze simil-viking, come nel caso di The Essence Of Ashes, Quoth The Raven o (Do)minion, pezzo straordinariamente trascinante ed evocativo, in assoluto l’episodio più interessante e profondo del platter in questione.

Ecco, proprio questo è forse il modo migliore per concludere questa meritata celebrazione, ovvero provare ad ipotizzare quali potrebbero essere gli scenari futuri della band svizzera, perché, dopo l’enigmatica ouverture del debutto, ovvero Spirit, ed il fragoroso crescendo di Slania, con Everything Remains (As It Never Was) gli Eluveitie possono finalmente dire di aver completato l’opera. Molto dipenderà dalla riuscita di Evocation II, seconda parte di un lavoro poco più che discreto, seguito di un episodio discografico che in parte rischia di aver già precluso loro un possibile nuovo orizzonte: non ci augureremmo di certo un secondo tracollo, al contrario, tuttavia non possiamo certamente trascurare il fatto che quella stessa vocazione acustica potrebbe essere tranquillamente incanalata ed espressa in un album più misterioso e non a lei interamente dedicata, magari proprio in compagnia di quei fuggevoli squarci che ci suggeriscono come la band rossocrociata potrebbe serenamente oltrepassare il ristretto confine dell’irish folk tradizionale e del melodic death metal di pragmatica provenienza svedese. Solida consapevolezza tecnica, comprovata maestria compositiva, invidiabili abilità strumentali e una sensibilità melodica discreta e mai retorica: tutto questo sono gli Eluveitie, tutto questo è Everything Remains (As It Never Was).

Samurai

admin — Mon, 13 Jul 2009 22:00:00 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Marcello Zinno

Genere:

Folk Metal

Etichetta:

Nuclear Blast/Audioglobe

Anno:

2004

Link correlati:

Die Apokalyptischen Reiter Official Site

Line-Up:

- Fuchs - chitarra, voce
- Pitrone - chitarra
- Volk-Man - basso
- Dr. Pest - tastiera
- Sir G. - batteria

Tracklist:

1. Wahnsinn
2. Eruption
3. Rock N Roll
4. The Silence Of Sorrow
5. Der Teufel
6. Reiter Maniacs
7. Barmherzigkeit
8. Per Aspera Ad Astra
9. Lazy Day
10. Die Sonne Scheint
11. Roll My Heart
12. Hey-Ho
13. Northern Lights

Die Apokalyptischen Reiter

Samurai

Altro prodotto targato Die Apokaliptyschen Reiter ed altro miscuglio di death, black e folk con l’ineguagliabile dose sinfonica che da sempre li contraddistingue. La band tedesca infatti non accetta compromessi e sembra saper rispondere alla triplice regola che garantisce lo “status-of-art” in musica (coerenza/costanza/fedeltà), anche con il presente Samurai, partorito dopo solo un anno dal precedente Have A Nice Trip che aveva segnato il parziale abbandono del growling. La tendenza all’uso del tedesco, comune solo nel secondo periodo della loro discografia (ed aspetto marginale delle prime uscite) diviene sempre più forte e si tramuta ormai in uno dei tratti salienti del sound della band, sound che in questa uscita diviene talvolta più rock, talaltra più thrash attingendo dalla seconda generazione del fenomeno.

La formazione risulta sicuramente in forma. Le prime due tracce rappresentano la normale prosecuzione del precedente album: sonorità forti, voce prevalentemente clean, appeal “rockeggiante” ed uno speed incalzante. Rock n Roll invece risulta essere la prima puntata delle classiche saghe (chi ricorda Metal Will Never Die e Heavy Metal?) che i Nostri mettono in scena per rinforzare l’imponenza del metal e della propria musica oltre che per diffondere energia in sede live. Il titolo ovviamente dice tutto ed anche i testi restano in linea con gli ideali pomposi (e tipicamente tedeschi) dei loro autori ma l’accoppiata è con Reitermaniacs che prende il nome da un loro celeberrimo brano contenuto in All You Need Is Love (nome usato anche per il sito ufficiale della band nonché per i propri fan) e che con la propria magnificenza lugubre porta l’intera composizione a livelli molto alti. Stessa ambientazione crepuscolare contenuta in Der Teufel che mette in mostra l’influenza profusa (ma anche ricevuta) dal Symphonic Black Metal.
I brani scorrono e pur mancando delle tracce davvero immortali i DAR riescono ancora a dire la loro puntando stavolta su atmosfere più epiche (Per Aspera Ad Astra) nonostante la tastiera di Dr.Pest risulti a volte in secondo piano rispetto alle precedenti produzioni.
Ma ciò che stupisce più di tutti è Lazy Day che rappresenta il passaggio stravagante quasi sempre presente nelle creazioni a nome DAR (e qui ci balza in mente Baila Conmigo): bossa nova con un ritornello reggae fanno intuire che la riproposizione dal vivo sarà quasi impossibile ma la sua presenza (ancora una volta) fa luce sulla indiscutibile trasversalità artistica della band.

Sicuramente un prodotto meno complesso dei primi lavori, al pari del precedente, ma non per questo meno interessante. Un insieme ben amalgamato di riff ed idee finalizzati ad un impiego prevalentemente live dove l’impatto devastante è assicurato.

Karkelo

admin — Tue, 30 Jun 2009 22:00:00 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Gioele Nasi

Genere:

Folk Metal

Etichetta:

Nuclear Blast/Audioglobe

Anno:

2009

Link correlati:

Korpiklaani Official Site

Line-Up:

- Jonne Järvelä - Voce, Chitarra
- Cane - Chitarra
- Jarkko Aaltonen - Basso
- Matti "Matson" Johansson - Batteria
- Hittavainen - Violino, Jouhikko, Cornamusa, Flauto
- Juho Kauppinen - Fisarmonica

Tracklist:

01. Vodka
02. Erämaan Ärjyt
03. Isku Pitkästä Ilosta
04. Mettänpeiton Valtiaalle
05. Juodaan Viinaa
06. Uniaika
07. Kultanainen
08. Bring Us Pints Of Beer
09. Huppiaan Aarre
10. Könnin Kuokkamies (bonus track)
11. Vesaisen Sota
12. Sulasilmä
13. Kohmelo

Korpiklaani

Karkelo

L'estate arriva quando si verificano due eventi: il festeggiamento del solstizio e la pubblicazione del nuovo album dei Korpiklaani, evento che ha puntualmente scandito la tarda primavera dell'ultimo lustro.
Il 2009 non fa eccezione ed ecco pronto “Karkelo”, sesto disco della Folk Metal band finlandese capitanata come sempre da Jonne Järvelä, che non sembra voler presentare grosse novità rispetto al predecessore, il poco entusiasmante “Korven Kuningas”: stessa line-up, stessa label e stessa strategia promozionale (con un singolone rilasciato un mesetto prima del disco vero e proprio).
E, sostanzialmente, stessa musica.

Rispetto al poco brillante disco del 2008, però, il nuovo “Karkelo” ritrova una certa qual verve compositiva, riconoscibile proprio dal già citato singolo: mentre l'anno scorso come 'assaggio' del disco venne scelto “Keep on Galloping” (brano letteralmente orripilante), quest'anno abbiamo una ben più convincente “Vodka”: tema alcolico, una sviolinata e due giri di fisarmonica, ritmo incalzante e melodie catchy, voce roca ed esaltante, il controcoro 'wodka' che accompagna ogni verso del bridge e un refrain che si stampa in testa in un tempo inferiore al millisecondo.
Tutto secondo il manuale della perfetta party-song targata Korpiklaani.

Per il resto, a livello di stile “Karkelo” viaggia sulla falsariga degli ultimi dischi, se si eccettua una maggiore concentrazione sul suono delle chitarre, più solide e fondamentali nello sviluppo dei pezzi – ne risulta un disco leggermente più lineare e spigoloso a livello di ritmica rispetto a cose più Folk fatte nel recente passato dal gruppo finlandese, in cui violini e fisarmoniche andavano sovente a dettare legge non solo nel reparto melodico ma anche in quello ritmico.

Poche sorprese ad inizio disco, con la già citata “Vodka” e altri due brani sul loro solito stile, prevedibili ma piacevoli, mentre la fase di “Karkelo” più interessante è forse quella immediatamente successiva: “Mettänpeiton Valtiaalle” mette in mostre le “qualità” vocali di Jonne, che gioca con la sua voce rude per dare potenza a un brano ben costruito, con diverse pause acustiche a inframmezzare le esplosioni metalliche, poste su dei ritmi ballabili che preannunciano come la sagra del paese sia imminente – e “Juodaan Viinaa” ne é la colonna sonora. Scanzonata ai limiti del Folk-Punk, con divertenti coretti vocali posizionati ben oltre il limite del ridicolo, la quinta traccia è puro delirio festaiolo, e offre uno svago piacevole che sarà sicuramente apprezzato ai concerti del gruppo. Ben diversa ma altrettanto interessante è la seguente “Uniaika”, cadenzatissima e lenta, ma tenuta 'sveglia' dal vocione ruggente di Jonne, oltrechè da una parte centrale che pare presa a prestito dall'Heavy-Power anni '80.
“Kultanainen” fotocopia la precedente aggiungendo un pizzico di velocità, mentre l'ultimo pezzo veramente interessante è il successivo: “Bring Us Pints of Beer” è ovviamente un'altra party song dal tasso alcolico sopra il limite, rapida nelle ritmiche e breve nella durata, tutta adrenalina e cordialità, ennesima erede di pezzi come “Beer Beer” o “Woden Pints”.

Da qui in poi è un calare inesorabile nell'anonimato, con una lentissima “Huppiaan Aarre” a spezzare tragicamente il ritmo e segnare la fine ideale del disco: gli ultimi 4 (o 5 se possedete la versione con bonus-track) brani sono scontati e manieristi all'inverosimile, e perdono di brillantezza rispetto a quelli che li hanno preceduti, vittime anche della consueta ingordigia degli ultimi Korpiklaani, a quanto pare incapaci di fare un disco con meno di dieci pezzi, e ben convinti dell'utilità di inserire almeno una manciata di filler-tracks per disco.

Cosa abbiamo, dunque? Esattamente quello che ci si aspettava: un disco apprezzabile dagli amanti del genere e del gruppo, divertente e con degli buoni spunti, ma inesorabilmente fiaccato dalla continua presenza di alti e bassi in una tracklist che è troppo lunga (e composta in “troppo” poco tempo) per non deficitare di qualità in qualche tratto.
Ma dubito che la cosa sia di interesse per i fan del gruppo: “Karkelo” lancia per la prima volta il tour dei Korpiklaani fin in Nordamerica, continente ancora inesplorato per il clan di Järvelä che è però già pronto alla conquista – ovviamente, con dischi ogni 12 mesi a giustificare nuovi, inarrestabili tour in cui far ballare e divertire il proprio pubblico.

The Nightlitany

admin — Sat, 23 May 2009 22:00:00 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Folk Metal

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2009

Link correlati:

Ethereal Faun @ MySpace.com

Line-Up:

:
- Marta Pierdomenici - Voce
- Marco Parlapiano - Chitarra
- Lorenzo Marcelloni - Chitarra
- Francesco Capomagi - Basso
- Alessandro Manoni - Batteria

Tracklist:

:
1. The Macabre March
2. Suffocating Night
3. Archway Of Stars
4. The Afternoon Of A Faun [Prelude: Dreams Of Nymphs]
5. Ambiguous Greeds
6. Dewforged Fairy

Ethereal Faun

The Nightlitany

Il primo aspetto che salta all’occhio stringendo in mano il primo disco degli Ethereal Faun è certamente l’affascinante cover: sia l’artwork che il layout del booklet, entrambi ad opera del geniale Gustavo Sazes (celeberrimo autore di artwork musicali, non ultimo quello di Earthsblood dei God Forbid), ci catapultano in una dimensione boschiva di assoluta purezza, laddove il folk più tradizionale trae ispirazione dall’incontaminata intimità dell’erba, delle piante, di tutte le creature che nel verde più squillante si manifestano. A partire da questa prima impressione fiabesca, di matrice tipicamente gaelica, sappiamo già cosa aspettarci ed il rischio di rimanerne delusi è alto, visto e considerato che ci troviamo di fronte un lavoro autoprodotto di una band pressoché all’esordio discografico.

“Gli Ethereal Faun, infatti, nascono nella Primavera del 2007, quando il bassista Francesco Capomagi, seguito dai chitarristi Lorenzo Marcelloni e Marco Parlapiano, decide di dar vita ad un progetto musicale che unisca elementi folk, progressive e death al metal melodico; in breve tempo alla formazione si aggiungono il batterista Alessandro Manoni e poco dopo la cantante Marta Pierdominici”. Il progetto della formazione anconetana, giunta finalmente alla sua prima espressione su cd, rispecchia effettivamente alla perfezione questo intento, dimostrando non soltanto discrete capacità in fase di songwriting, ma anche e soprattutto un’eccellente consapevolezza dei propri mezzi, unendo una buona tecnica strumentale ad un gradevole carisma emotivo. L’unico elemento che ci distrae da un giudizio pienamente positivo risiede nella loro dichiarazione d’intenti, certamente apprezzabile ma estremamente rischiosa qualora non si abbiano ancora le idee perfettamente chiare: la varietà di generi o sfumature proposte, per quanto estremamente interessante da un punto di vista squisitamente tecnico, si ritorce drammaticamente contro alla facilità d’ascolto, dal momento che talvolta sembra emergere una confusione di fondo che non ci aiuta a distinguere il confine esatto fra ispirazione musicale o esercizio puramente stilistico. Il caso più emblematico è certamente Suffocating Night, che, dopo un’introduzione estremamente promettente e al di là di un chorus catchy davvero piacevole, si lascia dominare da strutture eccessivamente varie e da una stratificazione sonora a tratti poco amalgamata, pur risultando, nel complesso, un brano piuttosto ben riuscito.

“I brani della band risentono di numerose influenze: l'anima folk che emerge dalle frasi di violino, flauto e dall'uso delle chitarre acustiche unita all'energia del metal e alle linee vocali femminili conferisce al loro sound potenza e melodia, rafforzate dall'utilizzo delle screams e growls vocals tipiche del death metal e dalla presenza di stacchi dal sapore progressive”. La descrizione proposta dalla formazione marchigiana è quanto di più esaustivo si possa affermare a sintesi della loro proposta musicale, ma nasconde un paradosso di fondo che sembra trapelare in maniera nitida da un pezzo quale Dewforged Fairy: gli Ethereal Faun risultano infatti incisivi e coinvolgenti tanto nelle parti più aggressive e roboanti, dove al muro sonoro costruito dai riff di chitarra si unisce un vigoroso drumming in blastbeat, quanto negli intermezzi squisitamente acustici, durante i quali una produzione ben più che discreta esalta in maniera cristallina gli arpeggi di chitarra e le trame di violino e gli intrecci di pianoforte, mentre diventano molto più spigolosi e caotici allorquando dei pattern di batteria dannatamente tecnicisti sembra affossare la naturale spontaneità delle partiture.

In breve, gli Ethereal Faun manifestano una straordinaria capacità ammaliatrice in ambito più tipicamente folk (Archway Of Stars), nonostante la batteria risulti a volte slegata e un po’ frastornante, e The Afternoon Of A Faun), grazie a parti strumentali che riescono a fondere in maniera estremamente avvincente la studiata ricercatezza delle composizioni e l’apparente immediatezza delle melodia, tuttavia sembrano ancora incerti se spingere in maniera più aggressiva e stordente sul pedale del death oppure adottare un approccio ancor più cerebrale e metodico verso il prog. Questa ambiguità danneggia palesemente la compostezza dei brani (Ambiguous Greeds su tutte), che a volte smarriscono la propria coerenza musicale (a torto delle ottime premesse fornite dagli intro, tutti quanti veramente accattivanti e ben realizzati) e sembrano contorcersi in preda a retoriche evoluzioni tecniche, salvo poi riprendersi più che brillantemente grazie a reprise finali davvero ben composte. L’ultima doverosa annotazione riguarda il cantato: al di là del fatto che di quando in quando risulti uditivamente inascoltabile, pressoché sommerso dalle parti strumentali, sarebbe opportuno far attenzione alla pronuncia inglese, in certi frangenti fra il deficitario e l’imbarazzante.

In definitiva, questa prima prova discografica degli Ethereal Faun offre agli appassionati di folk metal una band davvero molto promettente, già matura per una vera carriera discografica, il cui unico difetto è forse quello di avere in serbo troppe idee e non ancora del tutto nitide. Poco male, in fondo, perché nonostante si trattasse di un disco d’esordio e per giunta autoprodotto, The Nightlitany è una prova decisamente incoraggiante, valorizzata da una produzione a livelli pressoché professionali, che lascia intravedere ben più di una speranza per un radioso futuro discografico: non appena avranno individuato l’alchimia più giusta per esprimere al meglio la loro natura molteplice ed eterogenea, ancor più interessante proprio perché estremamente personale ed originale, siamo certi che gli Ethereal Faun non tarderanno molto ad ottenere il loro meritatissimo posto al sole.

Am Rande Der Welt

admin — Fri, 10 Apr 2009 22:00:00 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Folk Metal

Etichetta:

Massacre Records/Audioglobe

Anno:

2009

Link correlati:

Nachtgeschrei @ MySpace.com

Line-Up:

- Holger Franz - voce
- Sanedin Pepeljak - chitarra
- Tilman Scholz - chitarra
- Oliver Klein - basso
- Stefan Kolb - batteria
- Joachim Penc - tastiera
- Dominik Stephan - cornamusa

Tracklist:

1. Fiur (03:29)
2. Muspilli (03:35)
3. Herz aus Stein (04:10)
4. Fernweh (04:37)
5. Niob (03:20)
6. Lauf! (04:22)
7. Windfahrt (05:18)
8. Nur ein kleines Stück vom Himmel (05:26)
9. Wahrheit (03:41)
10. Der Totmacher (04:35)
11. Glut in euren Augen (04:06)

Nachtgeschrei

Am Rande Der Welt

Dopo aver esordito nel 2008 con l’opera Hoffnungsschimmer, i tedeschi Nachtgeschrei tornano a distanza di un solo anno con Am Rande Der Welt, continuando la preziosa collaborazione con la loro connazionale Massacre Records. Con un Folk Metal aperto a diverse sfaccettature Rock e a qualche intermezzo di matrice Neo-Folk, il seven-piece originario di Francoforte si è da subito conquistato un notevole responso sia in Germania (essendo previsti nel bill del prestigioso Wave-Gotik Treffen di Lipsia), sia tra gli appassionati di Pagan Metal, Folk e generi affini.

La particolarità della formazione è da ricercare nell’uso centrale della cornamusa come strumento portante delle melodie tessute nei brani cantati veri e propri; per quanto riguarda gli intervalli più atmosferici, viene invece adottata la venatura folcloristica tipica delle realtà Neo-Folk nordeuropee. Tuttavia la musica dei Nachgeschrei ha una struttura base derivata dal florido sottobosco Folk Metal che ha visto succedersi negli anni storici gruppi come Otyg, Finntroll, Asmegin o nuovi progetti come i Korpiklaani. Pur essendo coinvolgenti e suadenti, i temi tessuti dalla commistione di tastiera e cornamusa vengono sostenuti da un’architettura Metal abbastanza canonica e deludente; per tale motivo brani come Muspilli o Windfahrt convincono solo in parte, perché totalmente inscrivibili nella tradizione Folk Metal delle sopra citate bands.
Ciò che invece riesce ad attirare l’attenzione dell’amante dei timbri folcloristici è rappresentato dalle tracce in cui la chitarra classica interviene come supporto al cantato (la quarta Fernweh o certe sezioni di Herz Aus Stein), contribuendo all’evoluzione teatrale del pezzo: i Nachtgeschrei conservano infatti molti tratti comuni ad un certo filone gotico tedesco, personificato dai vari ASP o Letzte Instanz, come dimostrano la direzione del cantato e la tensione musicale che permea diversi episodi.
L’interpretazione vocale risulta sempre grintosa e drammatica e questo forse potrà non essere apprezzato dai cultori delle sonorità più impetuose ed aggressive: nelle zone più distese e dal sapore prettamente commerciale appare forte l’influenza di In Extremo e Subway To Sally, tratto non presente nei due demo precedenti il debutto discografico e appena accennato sullo stesso Hoffnungsschimmer.
Forse il punto di debolezza di un album come Am Rande Der Welt è da ricercarsi nell’eccessivo impiego della voce, che lascia poco spazio alle parti strumentali, oniriche e travolgenti.

In definitiva l’ascolto della seconda prova discografica per i Nachtgeschrei lascia nella mente piacevoli sensazioni, nonostante la pesantezza e l’aura soporifera che traspaiono in alcuni intervalli. Pur non potendo ancora essere minimamente paragonati alle celebri realtà che hanno diffuso il Folk Metal a partire dagli anni Novanta, i tedeschi conservano ottimi margini di miglioramento e con un’etichetta come la Massacre potranno anche permettersi occasioni preziose, proprio come l’inattesa ma meritata partecipazione all‘edizione 2009 del Wave-Gotik Treffen.

Two Tragedy Poets

admin — Sun, 04 Jan 2009 23:00:00 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Folk Metal

Etichetta:

AFM Records/Audioglobe

Anno:

2008

Link correlati:

Elvenking Official Site

Line-Up:

- Damnagoras - voce, chitarra
- Aydan - chitarra
- Gorlan - basso
- Elyghen - violino, tastiere
- Zender - batteria

Tracklist:

1. The Caravan of Weird Figures
2. Another Awful Hobs Tale
3. From Blood to Stone
4. Ask a Silly Question
5. She Lives at Dawn
6. The Winter Wake (versione acustica)
7. Heaven is a Place on Earth (Belinda Carlisle cover)
8. My Own Spider's Web
9. Not My Final Song
10. The Blackest of My Hearts
11. The Wanderer (versione acustica) (digipack bonus track)
12. Miss Conception
13. My Little Moon

Elvenking

Two Tragedy Poets

Gli Elvenking sono l’ennesima dimostrazione, se ancora ce ne fosse bisogno, che l’Italia, in fatto di musica “metal&affini”, non teme rivali: ascesi alla ribalta internazionale poco più di 2 anni or sono con l’eccellente The winter wake, a solo un anno di distanza dal controverso (ma pur sempre ottimo) The Scythe, infatti, il quintetto friulano ritorna in scena con un progetto a dir poco rischioso, quel Two Tragedy Poets (…And A Caravan Of Weird Figures) interamente acustico. Si tratta senza dubbio di un lavoro tecnicamente impeccabile, in grado di tratteggiare con sapienti intrecci di chitarre e violini orizzonti boreali ed atmosfere boschive, la cui maestria strumentale rifulge al ogni cambio di tempo, ad ogni diverso accordo, ad ogni inatteso arpeggio. Tuttavia, il rischio di non accorgersi di questo gioiello di incontenibile purezza è proprio dietro l’angolo: , forse proprio a causa della sua più evidente peculiarità ovvero la rinuncia alla corrente elettrica, compromette a volte una certa rapidità di assimilazione, rendendo l’ascolto talvolta difficoltoso a causa di un’impressione, del tutto estemporanea per chi supera di slancio i primi ascolti, di eccessivo manierismo. Superato questo primo impatto forse non troppo esaltante, Two Tragedy Poets (…and a caravan of weird figures) cattura l’ascoltatore immergendolo in un modo atavico e genuino, caratterizzato da riflessi crepuscolari, danze popolari, crepitanti falò e sospiranti invocazioni, concretizzando alla perfezione l’immaginario collettivo degli antichi celti, tanto desueto quanto, in questa precisa occasione, vivo e palpitante.

La conseguenza di quanto appena narrato sembrerebbe un giudizio assolutamente entusiasta e così effettivamente sarebbe qualora non comparissero, nella tracklist, alcuni elementi non propri negativi ma, con massima pignoleria, certamente deludenti. Innanzitutto, per quale ragione inserire all’interno di un album di puro e beato folk metal, per di più meravigliosamente acustico, l’improbabile cover di uno dei tanti tormentoni anni ’80 qual è Heaven is a place on earth di Belinda Carlisle (la canzone venne successivamente rivitalizzata dalla celeberrima Cindy Lauper, la bionda singer di Time after time)? Certo non si può mettere in dubbio la qualità intrinseca dell’arrangiamento del brano e della sua esecuzione, ma al contempo non si può non rimanere basiti (e, per certi versi, inviperiti) a leggere lì, in traccia sette, al centro di quella sensazionale collana di perle che è Two tragedy (…and a caravan of weird figures), un pezzo che nulla ha a che fare col mondo metal o folk o acustico.

In secondo e ultimo luogo, cosa pensare delle cover acustiche di The winter wake e The wanderer, 2 dei brani in assoluto più rappresentativi degli Elvenking? Anche in questa occasione è d’obbligo prescindere completamente da un giudizio puramente qualitativo (il livello dei brani è sempre costantemente eccellente, soprattutto nel caso di The winter wake) ed esprimere una considerazione più vicina al concetto di coerenza artistica: non sarebbe stato più opportuno, infatti, inserire queste due cover nei dischi precedenti, magari come bonus track, anziché interporle all’interno di un progetto del tutto originale, inedito e per di più estremamente caratteristico? Parrà ai più un dettaglio assolutamente marginale, ma se si ascolta l’album tutto d’un fiato (come sempre andrebbe fatto) e si conosce un minimo la discografia del combo friulano, le 3 tracce precedentemente citate, allocate in posto 6 7 e 11, spezzettano in maniera del tutto controproducente il placido scorrere dei brani, come risvegliando l’ascoltatore dall’onirico viaggio appena intrapreso.

Ad ogni modo, a livello squisitamente tecnico Two tragedy poets (…and a caravan of weird figures) si presenta pressoché impeccabile: i 5 polistrumentisti di Pordenone si scambiano ruoli e posizioni in maniera spesso inedita e sempre efficace, costruendo portentosi intrecci di chitarre (davvero deliziose nel primo singolo estratto, From blood to stone, e in My own spider’s web), pianoforte (la straziante My little moon), violino (superbo in Another Awful Hobs Tale e Ask a silly qeestion, ancora efficace nella già citata From blood to stone, in My own spider’s web e The wanderer) e batteria (decisamente in forma il buon Zender, in evidenza ancora in From blood to stone e Not my final song), alternando con inesauribile linfa vitale brani veloci e passaggi midtempo, talvolta ricordandoci le loro radici più solidamente folkloriche con qualche azzeccato rintocco di tamburello (essenzialmente in My own spider’s web). Difficile mettere in rilievo un pezzo più di un altro, giacché ci troviamo di fronte ad un album che, al di là di qualche brano di immediatezza maggiormente evidente (senza dubbio il singolo From blood to stone, davvero una scelta azzeccata, nonché la gratificante Ask a silly question, la più ricercata Not my final song o la brillantissima Miss Conception), si fa soprattutto apprezzare per il suo percorso ed il suo complesso, ricco di momenti veramente appassionanti e fraseggi oltremodo piacevoli.

In ultimo, è bene sottolineare la prestazione, al microfono, del discusso Damnagoras: pur dotato di una voce né troppo leggiadra né troppo aggressiva né troppo potente, riesce a fare di un timbro tutt’altro che eclatante un ottimo strumento interpretativo, valorizzando al massimo l’emotività della sua performance canora (mediamente valida) nonché, doverosamente, la sua precisione. Menzione speciale, a margine, merita l’encomiabile artwork: esteticamente eccezionale, simbolicamente impressionante (non a caso avevamo metaforicamente citato le radici celtiche e le ambientazioni boschive), si tratta di un aspetto senza dubbio rimarchevole e determinante qualora lo si ponga a confronto coi tanti obbrobri cromatico-figurativi che oggigiorno affollano gli scaffali dei negozi musicali, il cui scarsissimo appeal visivo troppo spesso rischia di inficiare il successo di prodotti e musicisti che certo lo meriterebbero.

In conclusione, gli Elvenking si confermano, con ogni probabilità, la migliore realtà folk metal nostrana, esprimendo nuovamente, con questo Two tragedy poets ad a caravan of weird figures, un’indiscutibile competitività anche a livello internazionale: superando brillantemente la difficoltà di presentare un lavoro completamente privo della debordante potenza dell’energia elettrica, infatti, il quintetto friulano si dimostra maestro di eleganza e sentimento artistico, sopperendo alla precedente assenza con la più totale valorizzazione di strumenti più fragili dal punto di vista sonoro ma allo stesso tempo più ricchi, secondo molte sfumature, di pathos emotivo, quali il violino (da sempre “nelle loro corde”), il pianoforte, persino il tamburello. Complimenti.

Arv

admin — Sun, 07 Dec 2008 23:00:00 +0000

Voto:

5.7 / 10

Autore:

Gioele Nasi

Genere:

Folk Metal

Etichetta:

Napalm Records/Audioglobe

Anno:

2008

Link correlati:

Sito di Asmegin

Line-Up:

:
- Erik Fossan Rasmussen – Voce, Batteria
- Raymond Håkenrud – Chitarra, Basso, Voce, Piano
- Marius Olaussen – Chitarra, Basso, Mandolino, Fisarmonica, Piano, Mellotron
- Lars Fredrik Frøislie – Hammond, Piano, Mellotron, Mini-Moog

Tracklist:

:
1.Fandens Mælkebøtte
2.Hiertebrand
3.Generalen Og Troldharen
4.Arv
5.Yndifall
6.Gengangeren
7.Prunkende, Stolt I Jokumsol
8.En Myrmylne

Asmegin

Arv

Tornano gli Ásmegin, a cinque anni da quel clamoroso disco di debutto che fu “Hin Vordende Sod & Sø”, un fenomenale mix di musiche Folk, di epico Viking Metal, di Post-Black Metal multistrato e violento Death Metal che aveva dato una sferzata terrificante ad un genere troppo spesso chiuso in sé stesso quale il Folk Metal.

Il secondo disco della band avrebbe dovuto essere il pluri-rimandato “Tusind Tabte Sjæles Kakofoni”, mentre a metà 2008 la Napalm annuncia l'uscita di un altro album, tale “Arv”, di cui non si era sentito minimamente parlare per tutti i cinque (!) anni precedenti. E se per “Tusind Tabte Sjæles Kakofoni” (se mai uscirà) ci stanno volendo sei anni di lavoro, per “Arv” sono bastati un paio di mesi per la composizione-registrazione-pubblicazione. I conti, a voler esser maligni, li si tira in fretta: con l'attesa per il disco nuovo che diventa insostenibile e la popolarità del gruppo che continua a salire per il numero di ascoltatori che riscopre quella gemma che è il disco di debutto, è probabile che l'etichetta abbia “chiesto” qualcosa di concreto agli Ásmegin e che questi abbiano risposto alla bell'e meglio con “Arv”.

Tutte illazioni, è vero, se non fosse che però all'atto pratico dell'ascolto si verificano i peggiori presentimenti, consolidati peraltro anche da una cover-art in computer-grafica ai limiti del ridicolo: il suono ha infatti una profondità nulla, poichè produzione e mixing sono di qualità mediocre; manco a dirlo, se n'è occupato da solo il misconosciuto Lasse Lammert, che aveva appena lavorato (per la Napalm) sul disco degli Alestorm; il disco precedente era invece mixato dall'esperto Børge Finstad, già ai servigi di Borknagar, Arcturus, Solefald, Ulver (in parole povere: la crema dell'avant-black norvegese) insieme ad un musicista del gruppo, Marius Olaussen. Allo stesso modo, è nullo il numero di ospiti, invece cospicuo sul precedente album che faceva grande conto sulla risorsa-guests.
Ma il peggio sono gli arrangiamenti: laddove “Hin Vordende Sod & Sø” aveva un meraviglioso, sfavillante gioco di concertazioni e intrecci, “Arv” è povero, scarno, sbiadito. Manca quell'interplay fantastico tra gli strumenti e tra le voci, manca la varietà straordinaria a livello di melodie, manca la magia nei momenti di quiete (molto meno indovinati rispetto al passato), manca la genuinità dei momenti Folk; a tutto ciò aggiungete le defezioni del violino sognante, della batteria rapidissima e devastante (sia la violinista Sareeta che il batterista Tommy Brandt avevano lasciato la band qualche anno fa) e la presenza di clean vocals di minor fascino (non c'è più nemmeno Lars “Lazare” Nedland) e di chitarre la cui brillantezza è irrimediabilmente affossata dal mixing.

Naturalmente, non è che gli Ásmegin siano diventati dei brocchi tutti d'un colpo, e lampi di genialità continuano ad essere presenti: “Fandens Mælkebøtte” e “Hjertbrand” contengono melodie di gran pregio, e i tocchi danzerecci di “Generalen Og Troldharen” sono discretamente godibili, così come quelli atmosferici della ballata Pop-Prog “Prunkende, Stolt I Jokumsol” che tanto ricorda i nuovi Lumsk – ma la sensazione complessiva è che il gruppo abbia lavorato approssimativamente e di fretta, ripescando magari qualche vecchissima idea e riadattandola al 2008 alla meno peggio senza lavorarci su in maniera approfondita.

In “Arv” l'atmosfera è più tetra e cadenzata, meno violenta, c'è un sentore Progressivo maggiormente accentuato (specialmente nella finale “En Myrmylne”), ma non si riesce a scrollarsi di dosso l'impressione che a questo “Arv” manchi una vera anima, e che gli attimi di maggior ispirazione siano sì notevoli, ma che avrebbero potuto rendere cinque volte tanto se ci fosse stato fatto sopra un lavoro più attento e meticoloso in fase di arrangiamento e composizione collettiva: insomma al nuovo disco degli Ásmegin manca quello che aveva reso grande gli Ásmegin.

“Arv” rimane abbastanza interessante, ma non regge neanche lontanamente il confronto con il disco di debutto e, c'è poco da fare, da un gruppo che aveva le carte in regola per rivoluzionare il mondo del Folk Metal non ci si può accontentare di un disco simile. Se dovessimo far fede solo a questo “Arv”, la bocciatura sarebbe istantanea: ma soltanto quando il “vero” successore di “Hin Vordende Sod & Sø” apparirà, senza costrizioni di sorta, si potrà valutare lo stato di salute del gruppo norvegese, e vedere se avrà saputo mantenere le straordinarie promesse fatte dal debut-album.
Deludente.

Sagas

admin — Sun, 10 Aug 2008 22:00:00 +0000

Voto:

7.4 / 10

Autore:

Gioele Nasi

Genere:

Folk Metal

Etichetta:

Nuclear Blast/Audioglobe

Anno:

2008

Link correlati:

Equilibrium Official Website

Line-Up:

- Helge Stang − Voce
- Rene Berthiaume − Chitarra e Tastiera
- Andreas Völkl − Chitarra
- Sandra Völkl − Basso
- Manuel DiCamillo − Batteria

Guests:
- Kurt Angerpower – Chitarra
- Ulrich Herkenhoff – Flauto di Pan
- Agnes Malich – Violino
- Gaby Koss – Voce
- Jörg Sieber
- Muki Seiler

Tracklist:

:
1. Prolog auf Erden (03:39)
2. Wurzelbert (04:59)
3. Blut im Auge (04:45)
4. Unbesiegt (06:19)
5. Verrat (06:05)
6. Snüffel (05:45)
7. Heimwärts (02:34)
8. Heiderauche (02:31)
9. Die Weide und der Fluß (07:21)
10. Des Sängers Fluch (08:05)
11. Ruf in den Wind (04:54)
12. Dämmerung (05:55)
13. Mana (16:23)

Equilibrium

Sagas

Approdati sotto il colosso Nuclear Blast grazie al buon riscontro ottenuto dal piacevolissimo disco di debutto “Turis Fratyr” (Black Attakk Records, 2005), i germanici Equilibrium hanno ottenuto la chance per poter effettuare un netto salto di qualità e popolarità: nonostante la giovane età discografica (e per alcuni membri, anche anagrafica), il quintetto tedesco non ha sprecato la ricca occasione - “Sagas” si propone infatti come il nome 'caldo' dell'estate 2008 in ambito Folk/Viking Metal, in attesa del nuovo Amon Amarth in uscita a Settembre.

Il discorso musicale non fa che ampliare quanto già ben messo in mostra da “Turis Fratyr” (un gran disco trascinato a livello di diffusione dalla notorietà del Finntroll-esco inno “Met”), sviluppando pertanto un Folk Metal molto tastieristico, iper-melodico ed enfatico, stilisticamente vicino alla recente scuola finlandese cui fanno capo Ensiferum e Turisas: ad essi (specialmente ai primi) li accomunano le grandi dosi di melodia, le nettissime influenze del Power Metal e l'importanza degli arrangiamenti di tastiera. Nonostante un suono che potenzialmente potrebbe sembrar costruito più per adulare l'ascoltatore che per raccontare visioni, gli Equilibrium riescono a tirare fuori un disco convincente ed interessante, oltre che (ovviamente) di facile fruibilità e di piacevole ascolto: merito del saggio equilibrio (perdonate il gioco di parole) nel dosare stili e temi musicali, evitando di diventare ridondanti o smielati a livelli insopportabili a causa dell'accentuata vena Power Metal: intelligente quindi la decisione di far succedere alla splendida “Unbesiegt” (un brano dai toni inizialmente quasi latinoamericani, vicini agli Angra più Folk di “Holy Land”) una più grezza “Verrat” (basata su un riff 'quasi' Black Metal) e di inserire poi al centro della successiva “Snüffel” una sezione ai limiti dell'Hard Rock – ottimi accorgimenti atti a mitigare la noia derivante dalla scarsa espressività del cantato in screaming, a nascondere l'estrema artificiosità sonora del disco (ben lontano dalla genuinità degli storici nomi del settore) e ad accentuare la varietà melodica (questa sì, assolutamente straordinaria) dell'album.

Estremamente mutevoli sono infatti i capitoli di questa 'saga': “Heimwarts” riprova il giochetto di “Met” con la sua folkeggiante velocità condensata in due minuti di puro divertimento, “Die Weide und der Fluß” prova la carta epica (con i cori, una cadenza più posata e una lunga durata), “Blut Im Auge” e “Ruf in den Wind” sono inarrestabili anthem Folk-Power-Metal dal tiro formidabile, “Heiderauche” è un pessimo intervallo a metà tra la new-age e la pomposità tipica di molti degli intermezzi Metal di sola tastiera, la lunga “Des Sängers Fluch” propone una bella introduzione acustica in preparazione al solito, bene eseguito, Folk Metal (si segnala la presenza di un vero – e non sintetico – flauto di Pan), e via discorrendo, fino a raggiungere la conclusiva outro “Mana”, orgoglioso e magnifico, seppur retorico, affresco di sedici minuti che con la sua grandiosa magniloquenza è il culmine della poetica degli Equilibrium: tante idee, tante melodie, tanta varietà (i sontuosi cori sostituiscono, con buonissimi effetti, il canto arcigno ma ben poco significativo di Helge Stang) e si perdona qualche passaggio di dozzinale new age celticheggiante, le forzate citazioni classicheggianti o sezioni di vero e proprio, oltremodo sontuoso, Power Metal, in quanto ben inserite in un quadro generale che fa della propria grandiosità il marchio di fabbrica: è la chiusura di una “Saga”, dopotutto.

A parte un paio di passaggi a vuoto (l'inconcludente “Dämmerung” e la manieristica “Heiderauche”), un cantante che non regge minimamente il confronto con i mostri sacri del settore (che nel Viking Metal sono nomi pesantissimi, da Vintersorg a Thomas Vaananen, da Krystoffer Rygg a Grutle Kjellson) e una malcelata tendenza ad utilizzare alcuni cliché del Power Metal (batteria con doppia cassa in evidenza e una certa leggerezza del sound delle chitarre), gli Equilibrium riescono a confezionare un disco bello, trascinante e piacente (anzi, forse troppo volutamente 'piacione' in alcuni punti), ricco di spunti melodici degni di nota e di canzoni ben scritte ed arrangiate: pur non augurando al Folk Metal ulteriori sviluppi in questa direzione così leggera, ruffiana e Power-oriented, non si può che fare un plauso ai cinque tedeschi per l'efficacia della loro ultima realizzazione, capace di rimanere tutto sommato bilanciata tra estremo e melodico, tra epico e veloce, tra il dilettevole e il serio: i fan del Folk Metal più moderno e frizzante ne saranno entusiasmati.