Emo

S/T

Giulio Magliulo — Thu, 09 Mar 2017 19:24:10 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Emo

Etichetta:

Faro Record

Anno:

2016

Line-Up:

Gabriele Terlizzi: basso e chitarra

Danilo de Candia: chitarra basso e Microkorg

Davide Pasculli: batteria

Tracklist:

1.Elm Row

2.Everyday Gets Worse

3.Exit Flowers

4.SKK9

5.Kangoo

6.Deadalus

7.Pier

The Pier

S/T

The Pier sono tre ragazzi pugliesi completamente immersi nel più sano spirito emo-core '90, neanche Molfetta fosse Washington D.C.

Niente di nostalgico per fortuna, i nostri hanno assimilato anche influenze successive come certe soluzioni math, mai convulse o nevrotiche (sembra che tra i loro preferiti ci siano i Don Caballero) o parentesi post-rock che precedono sempre grandi esplosioni melodiche.

Attitudine college e romantici deliqui in questo esordio davvero coinvolgente, come nei giorni felici di Cap N'Jazz, Braid e Burning Airlines.
Cappellini in aria dunque per questo potente debutto.

Blood Maker

Matthias Stepancich — Sun, 25 May 2014 09:56:45 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Progressive Metal

Metalcore

Emo

Etichetta:

Brutal Panda

Anno:

2014

Link correlati:

Website

Line-Up:

Josh Holland - guitar/vocals
Noah Burns - drums
Jeff Johnson - bass

Tracklist:

1. The Wrecking Ball Unchained (06:19)
2. Shadow Deserts (04:44)
3. Blood Maker (05:15)

Wild Throne

Blood Maker

Il trio dei Wild Throne è composto da ferrati musicisti di Bellingham (Washington, USA) con alle spalle un decennio a testa di attività in varie band solidamente affermate a livello locale.
Le varie esperienze hanno portato ad un certo punto Josh Holland (chitarra e voce), Noah Burns (batteria) e Jeff Johnson (basso) alla decisione di unirsi in un progetto che superasse in originalità e impatto ogni cosa da essi fin lì fatta.

Possiamo dire che l’obiettivo per il momento pare raggiunto: l’EP Blood Maker (che può essere considerato il loro vero esordio, dopo due release underground introvabili nei due anni precedenti), uscito per la Brutal Panda (nome di label migliore di sempre), può indubbiamente già essere collocato tra i migliori EP metal del 2014.

I tre pezzi di cui è costituito sono farciti d’idee brillanti e convoglianti stili diversi, ma soprattutto hanno ben chiara la necessità di darsi una misura per mantenere una struttura coerente ed esteticamente appagante: tra i punti musicali di riferimento del trio vi sono infatti, a orecchio, sicuramente The Mars Volta e Protest the Hero, ma le influenze che da loro prendono arrivano in dose controllata, e si ritrovano ad essere sostenute e ben bilanciate da un impianto hardcore massiccio, caldo e quasi sludge, strizzante l’occhio ai Mastodon.

Un altro punto che i Wild Throne segnano decisamente a loro favore sta nell’efficacia melodica, derivante da una ormai mutata geneticamente tradizione emocore (che si riconosce nell’intensità drammatica dei vocalizzi e nelle dissonanze metalliche dei riff), ed espressa magistralmente grazie alla notevolissima capacità vocale di Holland: il memorabile chorus di Shadow Deserts ne è l’esempio più immediato, ma ancor di meglio si trova nella più complessa title-track.

La tecnica strumentale dei tre, assolutamente degna di nota, poteva finire per farli strafare ed esagerare (sia nella struttura dei pezzi, sia nei giochetti virtuosistici di facile impressione), ma viene usata in maniera nobile e pragmatica per trovarsi un proprio stile, che prende dal prog metal come dallo sludge, dal thrash come dal post-hardcore, e mettere sempre in primo piano passionalità e schiettezza.

Alla riuscita del “pacchetto” concorrono due nomi ben noti come Ross Robinson (la riuscita produzione, in bilico tra hardcore e metal senza abbaracciare né l’uno né l’altro) e Orion Landau (il gran bell’artwork).

Non resta che attendere con curiosità e buone aspettative il debutto su full-length.

Vacanza/Gabbia

Giulio Magliulo — Mon, 19 Jun 2017 20:29:40 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Emo

Etichetta:

Labellascheggia

Anno:

2017

Line-Up:

Vincenzo Gramegna – voce

Leonardo Albanese – chitarre

Maurizio Cavaliere – basso

Felice Addeo – batteria

Tracklist:

01. Privata
02. Estate
03. Routine
04. Milano
05. La Baia
06. Il freddo
07. Intermezzo
08. Giuda
09. Un alone
10. Vodka Lemon
11. Carver
12. La neve in tv
13. La neve

Montauk

Vacanza/Gabbia

A quattro anni dal debut omonimo i Montauk continuano a mantenere un basso profilo, a non prendersi saggiamente troppo sul serio e a rinunciare a quella dimensione epica che spesso appesantisce la scena post-hc/emo/screamo nazionale a cui essi per la costante tensione che pervade

http://canadian-cialis.com/

le loro tracce di diritto appartengono.

Sembra che i Montauk vogliano 'cantare' l'assenza di gloria nelle nostre vite e raccontare piccole cose con la giusta dose di rabbia, circondati e suggestionati da una sorta di esistenzialismo provinciale, da buona letteratura e tanto vuoto.

Che questa disperazione compressa (Milano e Privata gli esempi migliori) sia capace di arrivare alle finali di Arezzo Wave che prima era una roba grande, poi è scomparso e oggi si sta cercando di farlo rinascere come cosa altra mi piace molto.
E che siano gli emiliani Montauk a portarcela mi piace ancora di più.

Rescue

Damiano Cembali — Mon, 09 May 2011 16:08:22 +0000

Voto:

4.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Metalcore

Emo

Etichetta:

Hopeless Records

Anno:

2011

Link correlati:

Silverstein @ MySpace.com

Line-Up:

Shane Told – lead vocals, rhythm & additional guitars, keyboards
Neil Boshart – lead guitar
Josh Bradford – rhythm guitar
Billy Hamilton – bass, backing vocals
Paul Koehler – drums, percussion

Tracklist:

01. Medication (4:30)
02. Sacrifice (2:37)
03. Forget Your Heart (3:45)
04. Intervention (3:06)
05. Good Luck with Your Lives (3:24)
06. Texas Mickey [feat. Anthony Raneri of Bayside] (2:41)
07. The Artist [feat. Brendan Murphy of Counterparts] (3:06)
08. Burning Hearts (3:02)
09. Darling Harbour (2:53)
10. Live to Kill (2:35)
11. Replace You (3:25)
12. In Memory Of... (4:46)

Silverstein

Rescue

Quando le premesse sono tanto negative, troppo negative, augurarsi una pronta smentita è molto spesso un’illusione bruciante. E’ con profonda tristezza, infatti, che ci tocca constatare come anche gli esperti Silvestein, che attendevamo con grande interesse a 2 anni di distanza dal più che positivo A Shipwreck In The Sand, non sfuggano alla precedente, amara considerazione statistica: Rescue – questo il titolo del loro nuovo nonché quinto studio album – conferma appieno le magre aspettative annunciate dall’EP Transitions, uscito 5 mesi fa per la loro nuova etichetta Hopeless Records, dal quale ha il demerito di recuperare la raggelante Sacrifice e l’impalpabile Darling Harbour, trasformandosi così in una cocente delusione. Proprio il clamoroso abbandono della storica Victory Records, con la quale la formazione canadese aveva condiviso la sorte di ben quattro pubblicazioni internazionali, avrebbe dovuto rappresentare una grande occasione di rinnovamento, se non proprio di innovazione, sulla stessa scia di quanto proposto dai conterranei Alexisonfire, il cui ultimo Old Crows / Young Cardinals, nonostante una comprensibile sensazione di incompletezza generale, aveva dimostrato la chiara intenzione di spostare i propri orizzonti stilistici verso una dimensione più intima ed esistenziale. Chi aveva condiviso con noi la speranza che una svolta di questa portata stesse per bussare anche alla porta dei Silverstein potrà certamente capire la situazione di totale frustrazione in cui sta veleggiando la stima, dimezzata ormai, che nutrivamo nei confronti di questi cinque musicisti originari dell’Ontario.

Per chi, come noi, era stato sfiorato più d’una volta dal pensiero stupendo che Rescue avrebbe finalmente rappresentato il primo passo verso un sound più personale, più maturo, più creativo, del tutto indispensabile per una formazione oramai giunta a raschiare il barile dell’ormai datata vena emocore, potrà rendersi immediatamente conto di come questo scialbo disco non soltanto si limita a sminuire quanto di buono realizzato nei suoi quattro illustri predecessori (in sintesi, si salva la sola Intervention, soprattutto per effetto di un chorus old school ancora effervescente), ma direziona quei pochi cenni di presunto cambiamento (leggasi: apparente indurimento, almeno stando alle dichiarazioni di presentazione, al solito enfatiche) verso sentieri stilistici già battuti prima, e nettamente meglio, da altri: il ridicolo aumento numerico di break down, spesso totalmente artificiali e completamente avulsi per tempistica e collocazione, così come l’inserimento forzoso di fastidiose accelerazioni uptempo, fabbricate ad arte per offrire una risibile parvenza di hardcore melodico, non aiutano certo a rinfrescare e risvegliare un sound totalmente statico e stantio, ancora rigidamente vincolato all’emocore della prima ora, genere ormai inflazionato e che anno dopo anno ha perso evidentemente appeal e significato. Proprio il fallimento così clamoroso da parte di una della formazioni che meglio ne avevano interpretato forma e sostanza potrà, ci auguriamo, fungere da pietra tombale su un movimento musicale che nel tempo ha perduto la propria spinta e ragion d’essere, che oggi rischia persino di perdere la faccia e che, pertanto, necessita seriamente di una concreta e drastica ridefinizione: gli Alexisonfire, ad esempio, l’hanno capito in tempo, i Silverstein evidentemente no.

Chi possa essere stimolato da un lavoro sostanzialmente nullo come Rescue, davvero, ci sfugge: al di là degli affezionati più intransigenti, ai quali probabilmente non sarà poi così indigesto, è realmente difficile individuare una frangia specifica di ascoltatori che possano trovarvi un qualunque barlume di piacere, perché chi conoscesse già i Silverstein non vi troverebbe nient’altro se non una tragicomico canto del cigno mentre chi non li conoscesse (e quindi non conoscesse sostanzialmente il genere, assumiamo) farebbe meglio ad approfondire i capitoli precedenti della loro discografia (soprattutto, nell’ordine, Discovering The Waterfront e A Shipwreck In The Sand), altrimenti avrebbe senz’altro tutti i motivi per eliminare direttamente entrambi - i Silverstein e con essi l’emocore – dal proprio elenco d’interesse. Che amarezza.

Welcome Home Armageddon

Gioele Nasi — Thu, 14 Apr 2011 22:03:24 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Riccardo Carcano Casali

Genere:

Emo

Etichetta:

Distiller Records

Anno:

2011

Link correlati:

Sito Ufficiale Funeral for a Friend

Line-Up:

Matthew Davies-Kreye - lead vocals

Kris Coombs-Roberts - guitar, backing vocals

Gavin Burrough - guitar, backing vocals (previously bass)

Ryan Richards - drums, unclean vocals

Richard Boucher - bass

Tracklist:

1. "This Side of Brightness"

2. "Old Hymns"

3. "Front Row Seats to the End of the World"

4. "Sixteen"

5. "Aftertaste"

6. "Spinning Over the Island"

7. "Man Alive"

8. "Owls (Are Watching)"

9. "Damned If You Do, Dead If You Don't"

10. "Medicated"

11. "Broken Foundation"

12. "Welcome Home Armageddon"

Funeral for a Friend

Welcome Home Armageddon

I gallesi Funeral For a Friend sono stati uno dei gruppi cardine della scena emocore di inizi 2000. Il loro primo full length Casually Dressed & Deep in Conversation è ritenuto un disco seminale dagli appassionati, che ne apprezzarono, durante la terza wave della storia dell’emo, il connubio tra melodiche orecchiabili e aggressività hardcore. Negli album che hanno seguito la vena core è andata assottigliandosi sempre più, in un progressivo ammorbidimento del suono simile ad acts come i Finch, causando l’indignazione dei fan della prima ora. Almeno secondo last.fm, “nelle esibizioni live, i brani degli ultimi album vengono spesso snobbati dal pubblico, che torna a mostrare partecipazione e energia soltanto nelle esecuzioni dei brani storici della band”.

Il loro quinto album in studio, Welcome Home Armageddon, cerca di ripresentare, almeno in parte, l’anima più heavy del gruppo, affiancando alle strutture melodiche del punk rock/ emo americano e canadese da American Pie alcune digressioni che strizzano l’occhio all’hardcore. In realtà di hardcore qui ce n’è poco.
È vero che certi pezzi (Front Row Seats To the End of the World, Spinning Over the Island) esibiscono un’alternanza di screaming e parti di chitarra che strizzano l’occhio agli antecedenti heavy della band, ma l’impressione generale è quella di una proposta complessivamente volta più all’orecchiabilità che all’headbanging.

In ogni caso la resa complessiva dell’album risulta piacevole: i Funeral for a Friend, pur non brillando di originalità in quanto a songwriting, sono esperti e competenti, e allineano una serie di pezzi che si fanno ascoltare, cercando di non rinchiudersi in strutture troppo prevedibili, senza puntare con troppa faciloneria sulla linearità.
È indicativo che la ballad dell’album, Howls (Are Watching), sia uno dei pezzi più elaborati del’album, che nemmeno manca di pezzi coinvolgenti, come la opener Old Hymns, davvero catchy.

Nel complesso, l’ultimo lavoro dei gallesi, pur non perdendosi nella banalità grazie a una notevole orecchiabilità, si rivela però poco pretenzioso, e manca di quell’incisività e personalità che servirebbero a distinguerli in modo netto dalle altre band con cui condividono un genere piuttosto inflazionato. Si aspetta ancora un netto salto di qualità .

Promo 2006

admin — Sat, 18 Sep 2010 22:00:00 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Emo

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2006

Link correlati:

Line-Up:

- Pietro "Peter" Ventimiglia - voce, chitarra
- Andrea "Drew" Vinciguerra - basso, cori
- Davide Caggeggi - chitarra, cori)
- Andrea Normanno - batteria

Tracklist:

I Cant' Sleep Tonight Two Years Are Not Enough To Cut Small Heart Last Note I Wrote With Blood A War I Cannot Fight

A Last Failure

Promo 2006

Eccola lì, una casetta su una spiaggia notturna, ragazzi che ballano e si ubriacano, amori che si consumano o vanno a monte, la folle corsa della giovinezza verso il mondo, un qualcosa che li faccia sentire più adulti. E l'ennesimo fallimento (o, se preferite, "a last failure"). Sembra di scorgere ragazzi in skateboard per le strade di una città assolata, palme dappertutto, ragazzi che si incontrano nei college, sudore e sangue giovanile, tutto assolutamente, estremamente americano.
Tutto negli A Last Failure trasuda sangue americano. I riff di chitarra, la voce, le melodie, il modo di usare il palm-mute, tutto, persino i colpi di batteria. Sembrano i Funeral For A Friend a tratti, con quelle melodie ora ruffiane ora malinconiche, che attanagliano alla gola, lasciano spesso impietriti. No, stop, fermi tutti. C'è un piccolissimo, insignificante dettaglio che li contraddistingue: gli A Last Failure sono italiani. Ma nemmeno di una città dove la scena è nutrita fino alla saturazione, come Roma o Milano, no no. Qui si parla di Palermo, della Sicilia, del Sud Italia. Si parla di 4 ragazzi che se avessero avuto la fortuna di nascere in Florida, nel Massachusetts, a Boston o anche nella più sfigata e nascosta città americana, probabilmente ora avrebbero un lussuoso contratto e migliaia di kids sotto il palco ad impazzire per loro, invece di faticare tantissimo ogni giorno e con nemmeno una lira per stamparsi decentemente un demo. Spero solo che non imbocchino mai la strada della commercializzazione forzata...

Dato che la loro passione trasuda da ogni nota, hanno imparato bene la lezione dei Taking Back Sunday: tutto qui è emocore di qualità sopraffina. A volte velata di hardcore e di screaming vocals del bassista Drew, sulla scia di From Autumn To Ashes et similia. Senza contare i testi, basati spesso sull'idea che il fallimento produce nella nostra vita, soprattutto nell'amore (classico tema emo) ma non solo.
Spesso ricordano i My Chemical Romance e la loro attitudine spiccatamente romantica, come in I Can't Sleep Tonight, una canzone dall'impatto emotivo assolutamente travolgente, per quanto derivativa e intrisa di sudore giovanile. Certo, se qualche detrattore volesse muovere una critica al gruppo, sarebbe proprio questa, cioè che si sente che sono cresciuti a pane ed emocore e necessitano di maturare ancora un po' per trovare la definitiva personalizzazione. C'è poco da fare, si vede in tutto, anche nella stessa attitudine che li rende così "americani".

Eppure stiamo parlando di una band italiana, una band che rispecchia la realtà dei nostri ragazzi, di giovani ventenni che parlano la lingua del bel paese e che potrebbe tra qualche anno rivaleggiare con i mostri sacri del genere.
Una realtà in cui i giovani italiani possono rispecchiarsi, con le difficoltà, i contrasti e le contraddizioni della loro età e del loro mondo.
Se ciò che conta è il sentimento, qui c'è né a bizzeffe: una canzone come Last Note I Write With Blood sarà ancora acerba e derivativa, ma è indubbiamente efficace...

La voce leggermente stonata di Pietro finisce col donare ancor più fascino giovanile alle canzoni, e i riff, mentre si alternano tra rabbia e dolcezza, sprizzano melodia come se piovesse, che riesce a colpire al cuore senza chiedere il permesso.
Chi ama l'emocore non farà fatica ad apprezzare questa band, se saprete fidarvi di loro...

This Is War

admin — Fri, 11 Dec 2009 23:00:00 +0000

Voto:

4.5 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Emo

Etichetta:

EMI

Anno:

2009

Link correlati:

Sito Ufficiale

Line-Up:

- Jared Leto – Voce, Chitarra
- Shannon Leto – Batteria, Percussioni, Programming
- Tomo Miličević – Chitarra, Violino, Tastiere

Tracklist:

1. Escape
2. Night of the Hunter
3. Kings and Queens
4. This is War
5. 100 Suns
6. Hurricane
7. Closer to the Edge
8. Vox Populi
9. Search and Destroy
10. Alibi
11. Stranger in a Strange Land
12. L490
Bonus Track:
13. Kings and Queens (LA Riots Main Vocal Mix)
14. Night of the Hunter (Flood Remix)

30 Seconds to Mars

This Is War

Il successo commerciale spesso dà alla testa. Da buon musicista ti trasforma in una marionetta al servizio di colossi discografici ed emittenti milionarie, ti risucchia l'anima e al suo posto vi mette denaro. Tanto, troppo denaro. Chitarre suonate con monete scintillanti al posto del plettro, voci umane filtrate attraverso quel grande gioco omicida che è il mercato musicale occidentale. Chi vi è dentro perde se stesso ma affoga in un oceano di banconote, chi ne è fuori viene rifiutato e reso un reietto, dimenticato e snobbato dalle masse. Quella dei 30 Seconds to Mars è una triste parabola che con tali considerazioni (seppur trite e ritrite) calza a pennello: nel 2002 erano la band rivelazione di un panorama alternative che non esitava a portarli fieramente in braccio; il 2005 li aveva visti ancora protagonisti con un full-lenght ben più orecchiabile e pop, tanto da venire ininterrottamente riproposto per due anni grazie al ridondante singolo A Beautiful Lie. Ora che sono quattro anni che il gruppo dei fratelli Leto è rimasto in silenzio, a far riprendere incessantemente le chiacchiere sul loro conto è This Is War, terzo studio album per il complesso americano e più che evidente prova del loro totale declino.

In quel lungo periodo di astinenza i 30 Seconds to Mars hanno però saputo come rimanere al centro dell'attenzione di un panorama musicale che, soprattutto nella sua versione femminile quattordicenne, da loro necessitava news e nuove emozioni. Allora ecco che dopo la lunghissima querelle con la EMI - l'etichetta aveva denunciato il gruppo per non aver rispettato il contratto di 9 anni (!!) precedentemente stipulato - Jared Leto e compagni cominciano a tenere summit in giro per il mondo, incontrando i fan e facendoli addirittura partecipare alla registrazione del disco campionando le loro urla di gioia e le loro parole d'amore. Il 4 Dicembre tutto è pronto e This Is War invade negozi di musica e hard disk di mezzo mondo.
Nonostante la dichiarazione di Jared Leto secondo cui This Is War sia un album profondamente diverso dal precedente, la prima impressione che si ha ascoltando il disco è che l'ultimo full-lenght targato 30 Seconds to Mars non sia altro che un ulteriore peggioramento di ciò che il gruppo era stato in grado di fare con A Beautiful Lie. A venire spudoratamente ricalcata e amplificata in This Is War è infatti la componente emo/pop del precedente album, resa ancora più appetibile da una produzione perfetta (affidata agli storici Steve Lillywhite e Mark Ellis, collaboratori di Depeche Mode, U2 e Nine Inch Nails) e da un gusto melodico ancora più orecchiabile e sfacciatamente easylistening.
Le emozionanti creazioni dell'esordio sono ormai un ricordo più che sbiadito, sostituito da un assetto compositivo molto più diretto, semplice e ancora intriso di componenti elettroniche seppur indirizzate verso obiettivi differenti.

Quello di This Is War è un synth-rock banale e di facile assimilazione basato su melodie sdolcinate e un'assoluta chiarezza espressiva; tralasciando l'opener sintetica Escape, i primi brani del disco mettono subito in luce quest'impostazione compositiva pulita e luccicante, dalla quale emerge però una scarsezza melodica di prima categoria: gli arrangiamenti ridondanti di Night of Hunter, lo squallido mood adolescenziale di Kings and Queens e di This Is War (palese strizzatina d'occhio alle sfuriate ormonali delle fan-teenager), la ballata acustica (oltre che tremendamente scontata) 100 Suns, o ancora la "bassezza" melodrammatica di Hurricane e Closer to the Edge, che riprende e amplifica l'impostazione synth-rock dei primi brani risultando al contempo il peggior episodio del disco. Sullo stesso filone Vox Populi (A Call to Arms) e Search & Destroy ricalcano senza pietà la mielosità e il cuore più easylistening dell'album, sciorinando un interminabile teatrino di blande melodie emo/pop per cuori schifosamente fragili. Una fiera della banalità che prosegue con l'introspettiva Alibi ma che conosce finalmente uno stop grazie a Stranger in a Strange Land, vera e propria scappatoia al totale ristagno compositivo nel quale This Is War affoga continuamente: molto più aggressiva e suggestiva rispetto alle precedenti canzoni, l'undicesimo brano del disco si immerge in un rituale elettronico sotterraneo e quasi oscuro, ben orchestrato e totalmente privo degli elementi più ridondanti del disco; una boccata di sana inquietudine e di emozioni più tetre che prosegue infine col toccante arpeggio chitarristico di L490 che chiude miracolosamente l'album in un avvolgente alone malinconico tutt'altro che mieloso.

This Is War è il disco che fan e critica si aspettavano da tempo: i fan volevano quest'ulteriore orientamento emo e la critica quasi lo necessitava per poter sparare con facilità addosso a Leto e compagni: probabile che entrambe le fasce siano rimaste piacevolmente soddisfatte. D'altronde, dopo A Beutiful Lie e in seguito al ritorno dalla tanto amata EMI, dai 30 Seconds to Mars non ci si poteva aspettare altro che un disco pop spudoratamente da classifica. Contenti loro, contenti tutti.

Congregation Of The Damned

admin — Thu, 10 Dec 2009 23:00:00 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Emo

Etichetta:

Roadrunner Records

Anno:

2009

Link correlati:

Atreyu Official Website

Line-Up:

:
- Alex Varkatzas - lead vocals, lyrics
- Dan Jacobs - lead and rhythm guitars
- Travis Miguel - rhythm and lead guitars
- Marc McKnight - bass guitar, backing vocals
- Brandon Saller - drums, vocals, percussion

Tracklist:

:
01. Stop! Before It's Too Late And We've Destroyed It All
02. Bleeding Is A Luxury
03. Congregation Of The Damned
04. Coffin Nails
05. Black Days Begin
06. Gallows
07. Storm To Pass
08. You Were The King, Now You're Unconscious
09. Insatiable
10. So Wrong
11. Ravenous
12. Lonely
13. Wait For You

Atreyu

Congregation Of The Damned

La carriera discografica degli Atreyu è forse in assoluto una delle più folli e difficilmente interpretabili della moderna scena metal internazionale: un andamento incostante, contrassegnato dai trionfali esordi, da tappe di dubbia qualità artistica, da passaggi a vuoto a dir poco clamorosi e persino inconcepibili (l'indecoroso Best Of del 2002). L'ultimo lavoro, risalente ormai al lontano 2007, li aveva lasciati in balia della loro natura fondamentalmente multiforme, in preda ad una tensione creativa pressoché svincolata dalle loro feroci origini metalcore e già protesa verso una dimensione più propriamente rock e decisamente meno metal: proprio per queste ragioni il più che discreto Lead Sails Paper Anchor aveva subito le accuse più ingiuste, sia da parte di una critica fortemente pregiudizievole (non sulle nostre pagine), sia da parte dei fans, che li additavano vilmente in quanto rei, a loro dire, di essersi letteralmente svenduti alle regole del mercato, alle logiche del mainstream. Veri o no che fossero questi violenti stralci, è chiaro però che soltanto il successore di questo discusso lavoro avrebbe potuto realmente sistemare la situazione, evidenziando così la via intrapresa dalla formazione di Orange County: si trattava essenzialmente di una scelta radicale, se cioè riproporre il metalcore virulento delle origini, facendo così un evidente passo indietro rispetto alla più fresca pubblicazione, o proseguire nella direzione indicata da quest'ultima, abbandonando una volta per tutte i più rigidi confini core ed entrando nella terra di nessuno che alcuni chiamano post-hardcore, altri emocore, altri ancora semplicemente musica.

Congregation Of The Damned, uscito appena 2 mesi or sono per Roadrunner Records, sancisce esattamente ciò che avremmo dovuto aspettarci, ciò che era nell'ordine delle cose e che, pur suscitando infinite polemiche, merita un plauso sincero, in nome della coerenza umana innanzitutto, del risultato artistico in secondo luogo: gli Atreyu possono infatti vantarsi di aver messo a segno il miglior album emocore dell'anno, sfornando una prestazione eccellente sotto ogni aspetto, restituendo dignità ad un genere spesso confuso e ingiustamente sbeffeggiato. Dotati di una tecnica strumentale egregia e mai fine a sé stessa, che in quest'ultimo lavoro si manifesta in un riffing sempre ispirato e in brucianti assoli d'ascia, nonché di un vocalist dal timbro caratteristico e di grande presenza interpretativa come Alex Varkatzas, lontano anni luce da quegli striduli ruggiti adolescenziali che troppo spesso insozzano le più interessanti proposte musicali, gli Atreyu sono finalmente riusciti a trovare la quadratura del cerchio: Congregation Of The Damned è, infatti, una collezione pressoché inesauribile di hits di assoluta pregevolezza, spudoratamente catchy e smaccatamente patinate, nella cui semplicità, mimetica e ruffiana allo stesso tempo, risiede tutta la loro efficacia melodica ed emotiva.

Quanti avranno potuto storcere il naso alle precedenti lungaggini, è bene che si tengano alla larga tanto da questo disco quanto, nella maniera più generale, dall'intero suo genere di appartenenza, in quanto, sostanzialmente, ne rifiutano i principi cardine, e ciò li impossibilita a comprenderne la natura ultima. Non si tratta di un discorso metafisico né tanto meno pretenzioso: troppo spesso assistiamo ad aspre critiche nei confronti di formazioni mainstream contenenti al loro interno quelle stesse espressioni semplicemente capovolte di significato, ed è oramai diventato stucchevole dover ribadire come, proprio muovendo queste argomentazioni, altro non si faccia che confermare implicitamente la bontà di quello stesso lavoro che si vorrebbe al contrario demolire. Siano ruffiani, catchy, ammiccanti, patinati, gli Atreyu sono esattamente come dovrebbe essere, con orgoglio, con passione, al limite della perfezione creativa e scenica. Congregation Of The Damned, del resto, non presenta punti deboli evidenti se non forse la sola traccia Ravenous, dove un drumming in controtempo poco si addice al contesto ritmico dell'album: difficile, altrimenti, individuare episodi meglio riusciti di altri, forse la titletrack, la seguente Coffin' Nails, Gallows, Storm To Pass ed Insatiable; ad esclusione della conclusiva ballad Wait For You, zuccherosa quanto basta, o l'oscura Black Days Begin, dalle incisive sfumature glam, tutte le tracce proposte presentano le proprie peculiarità con sottigliezza ed astuzia, crescendo d'impatto e d'efficacia in maniera esponenziale agli ascolti.

Riprendendo quanto anticipato, per avvicinarsi agli Atreyu, soprattutto a questa loro ultima e definitiva espressione, è bene chiarirsi prima le idee e chiedersi cosa si vuole ascoltare davvero, perché acquistare Congregation Of The Damned e disprezzare quanto anticipato poco fa sarebbe come investire il proprio denaro in quadro astratto e giudicare l'astrattismo, per qualunque ragione possiate nutrire, un'incomprensibile fesseria. Gli Atreyu hanno proseguito con perseveranza il proprio percorso artistico, manifestando una crescita tecnica e compositiva assolutamente innegabile, e, alla luce del risultato conseguito, possiamo concludere che il loro obiettivo sia stato perfettamente raggiunto: se quest'ultimo è anche il vostro, Congregation Of The Damned è esattamente il disco che fa per voi.

Six Years Home

admin — Thu, 10 Sep 2009 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Emo

Etichetta:

Wynona Records

Anno:

2009

Link correlati:

Hopes Die Last @ MySpace.com

Line-Up:

:
- Nick - voce
- Marco - chitarra
- Jacopo - chitarra
- Becko - basso e voce
- Ivan - batteria

Tracklist:
1. Some like it cold
2. Ever the same, and always will be
3. Call me sick boy
4. An endless serenade
5. Under this red sky
6. Good mourning, honey
7. Consider me alive
8. Stuck inside
9. Johnny's light sucks
10. Six years home

Tracklist:

Hopes Die Last

Six Years Home

Se ci fosse consentito di coniare il termine experimental screamo, gli Hopes Die Last dovrebbero appropriarsene di diritto: infatti, mentre gli anglofoni di natura ci propinano un emo/screamo estivo ma piuttosto naif (The Blackout) oppure un emocore molto curato e convenzionale ma altrettanto sterile (Hand To Hand), i nostri connazionali non inseguono la via dell’easy listening a tutti i costi ma optano per soluzioni decisamente più ricercate, alternative, sicuramente personali. Fossero britannici o provenissero d’oltreoceano, a quest’ora se ne parlerebbe già come di fenomeni assoluti della musica internazionale; fatto sta che fenomeni assoluti della musica internazionale probabilmente non lo sono, ma certamente, dopo questo intrigante e curato Six Years Home, è d’obbligo annoverarli tra le più promettenti e interessanti realtà del genere emo/screamo. Daniele, Becko, Marco, Ivan, Jacopo, ovvero 5 ragazzi romani poco più che ventenni, recentemente entrati a far parte del roster della lungimirante Wynona Records, potranno certamente essere piuttosto orgogliosi del loro lavoro: per quanto manifesti ancora qualche strascico di ovvietà adolescenziali (guai se così non fosse, vista la loro giovanissima età), Six Years Home è album decisamente valido, la cui forza, più che nella completezza e compattezza delle sue 10 tracce (9 a dire il vero, visto l’intermezzo di An Endless Serenade), risiede nei numerosi spunti futuribili che offre, spaziando attraverso massicce strutture post-hardcore (la feroce successione di accelerazioni e rallentamenti dà vita ad effetti d’urto dall’eccellente resa sonora), incisi catchy in perfetto stile emo, delicati intermezzi di sole chitarra e batteria molto prossimi a certo alternative rock di provenienza americana, esplosive sezioni ritmiche in puro blastbeating con tanto di riffs dal vago (e sottolineiamo vago) sentore metallico.

Gli episodi migliori dell’album sono situati all’estremità dello stesso: nella tripletta iniziale gli Hopes Die Last passano con disinvoltura dallo screamo più intransigente (Some like it cold, con quelle suadenti linee di chitarra di cui è un vero piacere poterne seguirne lo svolgersi per tutta la durata del brano) ad un emo rock più meditativo di scuola canadese (Ever the same and always will be, con un’inattesa ma convincente apertura ai growls) ad un post-hardcore stridente e quasi metallico (Call me sick boy, con la sorprendente introduzione di qualche accordo di tastiera in appoggio alla reprise conclusiva), mentre nel finale fanno comparsa addirittura il sax (il cui assolo in chiusura di Johnny's light sucks rivaluta e sconvolge l’intera prospettiva del brano) e un inedito groove su base elettronica (Six years home, ottimamente armonizzato con alcuni deliziosi arpeggi di chitarra).

Nonostante questi evidente punti a suo favore, Six Years Home lascia però alcune sensazioni negative: per quanto non ci siano tracce palesemente deboli (forse la sola, a tratti caotica, Good Morning Honey), sembra quasi che la band che fosse incerta se prendere la via più eminentemente sperimentale, azzardando soluzioni realmente innovative ed identificative (su tutte, appunto, Johnny’s Light Sucks e Six Years Home, ma anche la raffinatissima e delicatissima ballad Consider Me Alive), oppure rimanere ancorata ai canoni dei generi sopraccitati (Under This Red Sky, al di là di uno strepitoso finale di pezzo), rielaborandoli in maniera certamente personale (semplicemente strepitosi i giri di chitarra di Stuck Inside My Head, a testimonianza di una serpeggiante indole rock tutta da scoprire) ma senza quella determinazione in grado in sconvolgerli, se non proprio rivoluzionarli. Sembra proprio che questi 5 ragazzi romani fossero sul ciglio di una scelta che, crediamo, non abbiano voluto perseguire interamente, cercando quindi una via di mezzo che consistesse nel rispettare in parte i confini del loro genere d’appartenenza introducendo però arricchimenti fortemente caratteristici così da lasciar intravedere le loro (ancora) inesplorate potenzialità. A volte si ha come l’impressione che abbiano voluto eccedere nella composizione, a volte si ha la sensazione opposta, ovvero che abbiano voluto trattenersi fin troppo: in ogni caso, si tratta comunque di una scelta discografica comprensibile e giustificabile per 5 giovani musicisti alle prese col loro debut album, in cerca quindi di una propria dimensione artistica e nella speranza di consolidare e allargare la propria fan base, finora costruita sul sudore di centinaia di concerti live, sull’eclatante numero di contatti sul proprio myspace, sul successo di un EP ancora grezzo ma certamente promettente.

Due considerazioni ancora. Innanzitutto, è d’obbligo sottolineare lo straordinario lavoro compiuto al mixaggio e, più in generale, in sede di registrazione (per questo aspetto complimenti a Daniele Autore, cantante/chitarrista dei Vanilla Sky cui è stata affidata la produzione): per tutta la durata dell’album, infatti, il sound si mantiene sempre nitido, vivido, tremendamente compatto (nel caso specifico basti ascoltare l’opener Some Like It Cold), e allo stesso tempo non mancano effetti noise, abrasioni, distorsioni che riescano a riprodurne ed esaltarne al meglio i momenti emotivamente salienti (esempio significativo ne è proprio la traccia di chiusura Six Years Home) . Al contrario, stupisce negativamente come il platter abbia una durata relativamente risicata: 10 pezzi sarebbero di per sé il minimo sindacale per offrire al pubblico una valida ragione di acquisto, se a questa considerazioni si aggiunge il fatto che traccia 4 è una semplice introduzione alla successiva (per quanto ben fatta, niente da obiettare a proposito) e che gli Hopes Die Last sembrano manifestare un grande talento ed una creatività a tratti vulcanica diventa pressoché impossibile giustificare o quantomeno spiegarsi una scelta discografica che penalizza sia la band, limitandone il repertorio, sia i potenziali acquirenti, ben più propensi ad investire i propri (pochi) quattrini per album numericamente (in termini di tracce o di minutaggio, dipende dalle circostanze naturalmente ma il significato è lo stesso) più corposi.

Alla fine della fiera il responso non può che essere positivo a metà: se da un lato Six Years Home è indubbiamente un album valido e complessivamente molto convincente, in alcuni episodi davvero esaltante, dall’altro lato ha il grave difetto di lasciare in dote una sensazione di parziale incompiutezza che certamente si ripercuote in negativo sull’intera prospettiva dell’album (per chi ama ascoltare i full length nella loro interezza, senza skip e senza stop, l’impressione artistica finale è spesso determinante). Tuttavia, sarebbe davvero assurdo pensare che quest’ultima possa offuscare i meriti di una formazione italiana che si dimostra ampiamente in grado di affrontare con competitività e assoluta consapevolezza dei propri mezzi tecnici il mercato internazionale: in un genere ancora in cerca di un padrone assoluto (forse i soli Underoath, sebbene su frequenze parzialmente differenti), con questo promettente Six Years Home gli Hopes Die Last pongono la loro più seria candidatura. In attesa del loro prossimo, vero, capolavoro.

Giudizio finale, 7+: un buon lavoro da parte di una band al debutto che mostra sin d’ora grinta e classe per un futuro più che roseo; già evidenziati con un “+” i brillanti spunti tecnici, ancora un paio di tracce sugli ottimi livelli della terna iniziale e l’album avrebbe sicuramente avuto ben altro spessore. Alla prossima, con fiducia.

Zombie Action Hauptquartier

admin — Wed, 09 Sep 2009 22:00:00 +0000

Voto:

3.5 / 10

Autore:

Paola Andriulo

Genere:

Emo

Etichetta:

Nuclear Blast

Anno:

2008

Link correlati:

Line-Up:

:
- Bastibasti - voce
- Bernhard - chitarra
- Buschy - chitarra
- Thorsten - basso
- Bodo - batteria

Tracklist:

:
1. Zahq
2. Zombiefied
3. Spiel mir das lied vom sterben
4. Und wenn der schnee
5. Mein puls = 0
6. Tanz der teufel
7. Phantomschmerz
8. Quarantane
9. Infiziert
10. Der tag an dem die schwarzeblieb
11. Fremdkorper
12. Das ende von John Wayne
13. Porn from Spain

Callejon

Zombie Action Hauptquartier

Si potrebbe partire dalla definizione che i Callejon danno di sè: una metal-hardcore-scream-emo band. In effetti, quando si ha a che fare con una band che cerca di prender qualcosa da più generi senza però creare nulla di originale, conviene usare per descriversi più etichette possibili. I Callejon, dopo due ep e un full-lenght, nel 2008 hanno realizzato questo secondo full-lenght che non dimostra purtroppo una grande maturità da parte del gruppo tedesco, data la mancanza di spina dorsale dei brani e la loro ripetitività. Ma l’intento dei Callejon sembra quello di seguire le mode del momento (abbigliamento e trucco emo e sound che si ispira al metalcore senza però abbandonare mai l’orecchiabilità) piuttosto che dar prova della propria fantasia e della propria padronanza tecnica.

Zombie Action Hauptquartier è un album di 13 tracce monotone, in cui la poca creatività si accompagna ad una scelta davvero incomprensibile: in molti dei brani, improvvisamente, la musica sparisce del tutto o quasi per dare spazio ad una voce in tedesco che pronuncia qualche frase per poi scomparire e far proseguire il brano. E’ doveroso aprire una breve parentesi su tale scelta, perchè quest’ultima a mio parere è la goccia che fa traboccare un vaso già colmo di brani che si trascinano senza colpire l’ascoltatore: nulla da obiettare all’uso del tedesco in diversi pezzi (e anche in queste parentesi vocali), ma ciò che davvero non è comprensibile è il motivo per il quale tutto l’album debba essere tappezzato di queste parentesi vocali, il cui termine perfetto per definirle potrebbe essere fastidiose. L’aggettivo fastidiosa è significativo per questa scelta, perchè l’ascoltatore è decisamente seccato dalla presenza ingombrante di questa voce che non solo è ripetuta troppo spesso, ma blocca anche il brano stesso, e frena quindi l’energia che in alcuni pezzi potrebbe essere intravista.

Zombie Action Hauptquartier è un prodotto scontato degli ultimi anni, un prodotto simbolo della moda emocore di questo periodo: i Callejon probabilmente sanno bene che il loro album non farà la storia del metal, ma ciò che forse non sanno è che, se solo avessero evitato quelle parentesi vocali, i loro pezzi sarebbero sì monotoni, ma almeno non fastidiosi. Nel calderone poco creativo dei Callejon c’è anche qualche brano che tenta di dare una svolta, tenta di far credere che il lavoro non sia così scontato, come il settimo brano Phantomschmerz, un brano lento che si distacca dai precedenti emocore molto simili gli uni agli altri; nonostante questo, il settimo brano non riesce a comunicare nulla di nuovo, nulla di convincente.

Zombie Action Hauptquartier è un album da consigliare a chi ama i moltissimi gruppi cloni degli ultimi tempi, i gruppi che tentano di fare i violenti tentando di conquistare, però, anche chi cerca il sound orecchiabile.

The Best In Town

admin — Sun, 02 Aug 2009 22:00:00 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Emo

Etichetta:

Epitaph Records

Anno:

2009

Link correlati:

The Blackout @ MySpace.com

Line-Up:

:
Sean Smith – vocals
Gavin Butler – vocals
Matthew Davis – guitar
James Davies – guitar
Rhys Lewis – bass

Tracklist:

:
01.ShutTheFuckUppercut
02.Save Our Selves (The Warning)
03.Top Of The World
04.The Fire
05.Children Of The Night
06.Said And Done
07.Silent (When We Speak)
08.I Love Myself And I Wanna Live
09.This Is Why We Can't Have Nice Things (feat. Josh Franceschi of You Me At Six)
10.We're Going To Hell... So Bring The Sunblock

Blackout, The

The Best In Town

Quando si tratta di gruppi britannici è sempre opportuno ”fare la tara”: vuoi per la proficua capacità di pompaggio mediatico cui sono avvezzi i tabloid d’oltremanica, vuoi per la risonanza pubblicitaria di cui gode qualunque formazione proveniente dalla Terra d’Albione, mai fidarsi ciecamente di quanto si sente dire in giro riguardo le cosiddette “next big thing” d’esportazione, perché tanto è il successo (costruito) oggi quanto l’infamia (possibile) domani. Ebbene, i gallesi The Blackout sfuggono in parte a questa drammatica descrizione: attivi ormai dal lontano 2003, capaci di condividere il palco con formazioni del calibro Lostprophets, Funeral For A Friend, Kids in Glass Houses, Fightstar, Avenged Sevenfold, The Used, Dredg e Thrice, questi cinque ragazzi originari Merthyr Tydfil hanno saputo nel tempo crearsi un proprio stile e soprattutto accattivarsi il favore della suddetta critica (candidati a Best British Newcomer per i Kerrang! Awards nel 2006, ma battuti, guarda caso, dai Bring Me The Horizon) e soprattutto del pubblico, sin dalle origini estremamente vicino a questi giovani e promettenti musicisti. Che i The Blackout (nome estratto da una semplice t-shirt che recava scritto “I survived the blackout”, riferendosi al celebre episodio di New York nel 1977) fossero baciati dalla buona sorte, forse al di là dei propri meriti artistici, si può notare dall’escalation di partecipazioni a tour ed eventi musicali di assoluto rilievo internazionale: dopo la release del fortunato We Are The Dynamite sotto Fierce Panda Records (2007), Sean Smith & Co. sono saliti prima sul palco del Taste Of Chaos Tour insieme ad Aiden, Rise Against, Gallows ed i già citati The Used, quindi, dopo una breve parentesi nordamericana in compagnia dei Bless The Fall, hanno preso nuovamente parte al Give It A Name Festival a fianco di Silverstein, Billy Talent e Glassjaw, prima di affrontare 4 date nella terra del Sol Levante con gli Alesana e concludere il loro percorso live ripresentandosi al Give It A Name Festival del 2008 assieme a Paramore, 30 Seconds To Mars e Alkaline Trio.

Raggiunta la fama, ottenuto il successo, coronato da un prestigioso contratto presso la famosa Epitaph Records del Bad Religion-er Brett Gurewitz, i The Blackout erano attesi al varco del nuovo album con rinnovato interesse e altrettanto sospetto, sentimenti contrastanti che in esso hanno trovato completa manifestazione e perfetta sintesi: The Best In Town è, infatti, un lavoro altalenante, che fonde emo, post-hardcore e pop-punk con brillante facilità ma anche scarsa inventiva, risultando talvolta gradevole, talvolta eccessivamente prevedibile e piatto, pregi e difetti compenetrandosi con piena evidenza e lasciando interdetti anche dopo numerosi ascolti. Per dirimere questo aggrovigliarsi di impressioni in perfetta opposizione basterebbe limitarsi all’ascolto delle prime 5 tracce: il post-hardcore metallico e trascinante di Shut The Fuck Uppercut, l’emo rock catchy e lineare di Save Our Selves e soprattutto Top Of The World, il pop-punk (fortemente) contaminato e aggressivo di The Fire e Children of The Night costituiscono un pokerissimo di tutto rispetto, diventente, frizzante e con alcuni risvolti tecnicamente ben riusciti. La stessa cosa non può certamente dirsi della seconda parte del lavoro: nonostante l’efficace e poderosa Said&Done prosegua sulla scia pop-punk dei precedenti episodi, la ballad tendenzialmente molle e melensa che risponde al nome di Silent avvia una parabola pericolosamente discendente che precipita nel prevedibile e noioso pop-rock di I Love Myself And I Wanna Live e This Is Why We Can’t Have Nice Things, senza risollevarsi affatto nella conclusiva e smodata We’re Going To Hell, che vorrebbe essere incalzante e aggressiva ma che finisce per diventare per lo più soporifera e chiassosa.

E’ chiaro allora che The Best In Town non fa altro che potenziare pregi e difetti di una band certamente giovane ma con alle spalle un background live, critico e discografico di tutto rispetto: The Best In Town esalta la perfetta interazione tra il 2 vocalist, in grado alternarsi con carisma e dinamismo in coinvolgenti botta e risposta fra clean e scream, e ribadisce lo straordinario senso melodico di una band che fa dell’immediatezza più assoluta il proprio strumento di conquista di un pubblico sempre crescente e appassionato. Proprio su questi punti cardine occorre appoggiarsi per poter formulare un giudizio completo e corretto su questa promettente formazione gallese: se da un lato, infatti, la proposta dei The Blackout non offre nulla di assolutamente nuovo, originale o almeno diverso da tanti altri gruppi clone che ormai affollano l’emo(core), dall’altro sembra proprio che non ne abbiano alcun bisogno né ne sentano la necessità, visto che ogni loro pezzo manifesta una scorrevolezza ed una facilità d’ascolto tutt’altro che banali, peraltro accompagnate da un sound moderno, squillante, decisamente ben confezionato. Che si tratti di un prodotto essenzialmente artificiale potrebbe essere una considerazione piuttosto fondata, benché figlia della diffidenza che accompagna tutti i gruppi giovanili catapultati alla ribalta del grande pubblico dopo ben poche prove discografiche; tuttavia, quel che più conta è che The Best in Town è un disco luminoso, estivo se vogliamo, dotato di semplicità e piacevolezza in egual misura, in grado di farsi ascoltare sia dagli appassionati del genere (che probabilmente rimarranno delusi dall’apparente scontatezza di certi momenti) sia dai suoi neofiti (che certamente rimarranno sorpresi dalla sua freschezza e dalla sua vitalità), la cui unica pecca è quella di lasciare in bocca quell’amaro retrogusto che si prova di fronte alla consapevolezza che, se avessero voluto, avrebbero potuto fare molto di più. 10 pezzi, insomma, di cui 6 mediamente buoni e 4 tendenzialmente scarsi: stando ai numeri…

Design the End / Follow the Horizon

admin — Fri, 10 Jul 2009 22:00:00 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Emo

Etichetta:

Lifeforce Records

Anno:

2009

Link correlati:

Hand to Hand @ MySpace.com

Line-Up:

Rob Kellom – vocals
John Radford – guitars
Arturo Matamoros – guitars and vocals
John Raudebaugh – bass
Danny Strong – drums

Tracklist:

1 - In This City
2 - State Of Emergency
3 - Last Saturday Was Way Better
4 - I Drew A Portrait In Philly
5 - Mr. Warwithin
6 - The Lion’s Den
7 - Passing Through
8 - Love Muscle
9 - Los Muertos Caminan
10 - Lets End This Album With A Party

Hand to Hand

Design the End / Follow the Horizon

D’ora in avanti, quando avremo occasione di trattare di emocore, non potremo certamente trascurare gli Hand To Hand, 5 soggetti di Orlando con un’idea folle in testa: riproporre in tutta la sua ferocia sentimentale un genere troppo spesso considerato, a torto, di secondo livello. La Lifeforce Records, detentrice delle loro prestazioni professionali, non può che essere soddisfatta di quanto proposto da questa eterogenea formazione della Florida: dopo il convincente esordio di 4 anni fa (A Perfect Way To Say Goodbye) e l’EP Breaking The Surface di appena 12 mesi or sono, gli Hand To Hand si confermano una della più solide e meritevoli realtà del panorama internazionale emo/scremo, dando alle stampe un prodotto piuttosto compatto, certamente intenso, magari di difficile assimilazione ma indubbiamente di buon valore. Sarà forse paradossale, ma ancora una volta si conferma alla perfezione l’opinione generale secondo la quale i cambiamenti di lineup producono lavori sempre migliori dei precedenti: migliore o non migliore, la rivoluzione attuata dagli Hand To Hand, con il solo Rob Kellom sopravvissuto all’ondata di rinnovamento, sembra aver nettamente chiarito le idee alla band, oramai consapevole del proprio stile rabbioso, intricato, forse poco emo, sicuramente molto core.

Ad ogni modo, il loro ultimo LP si presenta come un lavoro roccioso, a tratti brillante, a momenti piuttosto ostico, ma con quella innata scorrevolezza di fondo che fa sì che non ci si azzardi ad estrarre mai il cd dal lettore. Design The End/Follow The Horizon non apporta alcuna impensabile rivoluzione all’emocore attuale, ma nella sua semplicità ne traduce essenza e stilemi in maniera praticamente impeccabile: oltre all’imprescindibile alternarsi delle vocals scream e clean (entrambe abbastanza convincenti, seppur non facciano gridare al miracolo soprattutto nei frangenti di piena sovrapposizione), senza dimenticare i proverbiali choruses melodici e di quando in quando strappalacrime, sono i riffs a farla da padrone, con la loro nitidezza figlia di un sound molto più moderno che patinato.

Tuttavia, il problema essenziale del disco in questione emerge in maniera tanto più evidente quanto più si lascia girare il disco nel lettore: la virtù stessa delle traccie di Design The End/Follow The Horizon, ovvero la sua stretta appartenenza ad un genere ben canonizzato, finisce col ritorcersi contro ai suoi stessi autori per via di un’omogeneità francamente troppo spinta, troppo coesa, che non ammette eccezioni. La conseguenza di gran lunga peggiore, che mina alla base gli intenti stessi dell’album, è il fatto che nessun pezzo finisce con l’insediarsi nella memoria dell’ascoltare per qualcosa di veramente caratteristico, distintivo, unico: benché ciò significhi che non c’è traccia di spudorate ruffianerie, si tratta pur sempre di una difficoltà per nulla trascurabile, tenendo conto del fatto che le peculiarità dell’emo sono proprio impatto e coinvolgimento. Tutto quanto deriva indirettamente dalla più totale assenza di variazioni sul tema che riescano a catturare l’attenzione in maniera repentina ed indelebile: al di là di un piacevole intermezzo acustico e dell’interessante suite strumentale conclusiva (davvero una piacevole sorpresa), le 8 restanti tracce dell’album alternano elementi più leggeri e delicati (Love Muscle) con altri decisamente più dinamici e massicci (The Lion’s Den con le sue malcelate sfumature nu metal), scelte di assoluta purezza (State Of Emergency) con altre più alternative e forse naif (Last Saturday Was Way Better), ma non si tratta di effettiva diversità bensì di un approccio musicale che, per quanto lo si possa giudicare differente, non si esprime attraverso soluzioni di songwriting realmente eterogenee e, a loro modo, accattivanti.

Alla fine della fiera, pregi e difetti sembrano compensarsi in maniera quasi speculare, motivo per il quale se da un lato non possiamo considerare Design the end/Follow the horizon un lavoro di valore eccelso, benché sempre ragionato e ben strutturato, dall’altro non possiamo non considerare gli Hand To Hand una formazione di sicura prospettiva che già al presente può configurarsi come una realtà di tutto rispetto, seppur marcatamente di genere.

Old Crows / Young Cardinals

admin — Thu, 25 Jun 2009 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Emo

Etichetta:

Roadrunner Records

Anno:

2009

Link correlati:

Alexisonfire Official Website

Line-Up:

- George Pettit - voce
- Dallas Green - chitarra, voce
- Wade MacNeil - chitarra, voce
- Chris Steele – basso
- Jordan Hastings - batteria

Tracklist:

1. Old Crows (04:19)
2. Young Cardinals (03:39)
3. Sons of Privilege (03:23)
4. Born and Raised (04:03)
5. No Rest (03:39)
6. The Northern (04:30)
7. Midnight Regulations (04:13)
8. Emerald Street (03:17)
9. Heading for the Sun (03:47)
10. Accept Crime (03:16)
11. Burial (04:18)

Alexisonfire

Old Crows / Young Cardinals

Giubbe rosse dallo spirito di patata. Artefici di uno scherzo tanto sadico quando divertente, gli Alexisonfire avevano dichiarato, per mezzo del chitarrista Wade MacNeil, di essere pressoché prossimi allo scioglimento, tutti quanti pienamente assorbiti dai loro side projects: lo stesso Wade MacNeil prima alle prese coi The Black Lungs poi coi ben più quotati Cancer Bats, il pianista Dallas Green con la folk band City And Colour, il vocalist George Pettit con la hardcore band Fucked Up, infine il batterista Jordan Hastings con il supergruppo hardcore punk Hunter. Tutto falso, naturalmente: non certo i loro acclarati side project, bensì le ipotesi di un clamoroso addio alla loro comunque creatura. A 2 anni di distanza dal fortunato Crisis, la band di Ontario ritorna sulle scene internazioni con un album maturo, sorprendente, decisamente alternativo: Old Crows / Young Cardinals non è infatti il solito raccoglitore di hit emo/screamo pronte a conquistare una platea di adulanti ragazzini in estasi mistica, né mai gli Alexisonfire hanno prestato ascolto a simili richiami commerciali; in questa particolare occasione, però, i 5 musicisti dalla foglia d’acero manifestano un lato oscuro, intimista, confidenziale, che mai finora avevano esplorato in maniera così metodica, assorbita eppure fluente.

La traccia che meglio rappresenta, in assoluto, questa nuova elaborazioni musicale è la suadente The Northern, che ci regala 4 minuti e mezzo di alternative rock decadente e sognante, la cui cadenza rassegnata è almeno pari alla sottile magia che ci avvolge alla fine dell’ascolto. Parzialmente innovative, nell’ambito della discografia della formazione canadese, anche le 2 tracce che del platter costituiscono il titolo: Old Crows, snodandosi sulla base di una linea melodica di chitarra tanto essenziale quanto coercitiva, offre spunti di alt rock contaminato da costruttivi effetti noise, mentre Young Cardinals, sorretta da uno spinto drumming in controtempo, si abbandona ad un chorus dagli intriganti risvolti psichedelici, cedendo poi il passo ad un intermezzo tipicamente post-hardcore, ipnotico e minimalista.

La natura prettamente emo/screamo della band ritorna prepotente nelle tracce immediatamente successive, Sons Of Privilege e Born And Raised, le quali presentano 2 caratteristiche fondamentali che si ripercorrono durante tutto il corso del disco: la prima, ovvero che i chorus non sono mai banali, mai scontati, presentano una fruibilità non troppo spiccata che ne esalta però un sentimento mai completamente spensierato e dirompente; la seconda è proprio quest’ultima sensazione, vale a dire una vena malinconica serpeggiante che permea ogni nota attutendo la rabbia in malcelata rassegnazione e l’euforia in estemporanea esaltazione. Chiaro che queste impressioni dipendono certamente da una percezione individuale, per cui si prestano a diverse interpretazioni e letture, tuttavia sembra gli Alexisonfire abbiano raggiunto una maturità più consapevole e per questo meno esuberante del solito. Poco male, perché, subito prima dell’affascinante The Northern, la band d’oltreoceano ci offre l’ennesima dimostrazione di uno stile inconfondibile e unico: No Rest infatti, per quanto si avvicini prepotentemente ai più prossimi lidi alt rock, dimostra ancora una volta come sulla base un buon riff, dinamico e accattivante, le vocals straziate al confine fra screamo e post-hardcore sappiano veramente offrire una marcia in più all’intero corpo del pezzo.

La seconda parte dell’album ripercorre e conferma le considerazioni già sviluppate per la precedente: l’alt rock ritorna prepotente in Midnight Regulation, dove si può scorgere il senso melodico proprio di band quali i Keane, mentre due pezzi svelti e fascinosi quali Emerald Street e Heading For The Sun fanno da apripista all’ennesimo manifesto emo, quella Accept Crime che, nelle severe limitazioni imposte alle vocals straziate, sembra rendere omaggio alla lezione dei conterranei Silverstein. Speculare a The Northern, la conclusiva Burial ci offre una pseudo-ballad placida e avvolgente, un vero e proprio concentrato di malinconia distillata e pervadente.

In conclusione, non si può certo dire che quest’album ci consegni un lavoro scadente, malfatto, insufficiente, anzi: gli Alexisonfire sono da anni una garanzia assoluta di qualità e piacevolezza, il ché non ha mai implicato, nel loro caso, il ricorso a spudorati ruffianismi (perdonateci il neologismo) commerciali. Old Crows / Young Cardinals, però, non manifesta quella compattezza, quella coerenza, quell’idea nitida che sempre dovrebbe sottostare alla creazione di un album. Per quanto nessuna traccia sia manifestamente scarsa o poco efficace, è la loro disomogeneità a lasciare perplessi, non per la varietà proposta in sé, la quale, al contrario, sarebbe certamente un merito, ma in quanto si ha la netta impressione che i 5 musicisti canadesi fossero incerti se restare sulla via già battuta di un emo/screamo dominante e impeccabile, oppure volgersi ad un alternative rock autunnale e vagamente new wave, imprimendo così una svolta programmatica decisiva alla loro carriera musicale. In attesa che prendano una decisione definitiva, il nostro consiglio ai pur bravi Alexisonfire, non può essere che optare per questa seconda opportunità, perché, se qualcosa rimane tra pagine chiare di questo Old Crows / Young Cardinals, è proprio la melodia essenziale e crepuscolare di una certa traccia numero 6…

Knives

admin — Wed, 13 May 2009 22:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Emo

Etichetta:

Victory Records

Anno:

2009

Link correlati:

Aiden @ MySpace.com

Line-Up:

:
- William “WiL” Francis - voce, chitarra, pianoforte
- Angel Ibarra - chitarra, cori
- Nick Wiggins - basso, cori
- Jake Davidson - batteria, percussioni

Tracklist:

:
1. Killing Machine (02:25)
2. Let The Right One In (03:02)
3. Scavengers Of The Damned (02:42)
4. Elizabeth (02:28)
5. Crusification (02:41)
6. The Asylum (02:47)
7. Portrait (01:38)
8. Excommunicate (02:36)
9. King On Holiday (01:58)
10. Black Market Hell (12:37) - contiene una hidden track, Lori Meyer, by NOFX

Aiden

Knives

Dopo l’eccellente A Shipwreck In The Sand firmato Silverstein, è la volta dei famigerati Aiden cercare di rinvigorire un genere ormai bistrattato come l’emo con il loro ultimo lavoro dal titolo Knives: ebbene, il successore del sorprendente Conviction si rivela un piccolo campionario di commistioni eterogenee fra stili e ritmi solo apparentemente inconciliabili che il quartetto statunitense dimostra di padroneggiare con estrema sicurezza, con solida convinzione nei propri mezzi e soprattutto con idee chiarissime. L’evoluzione stilistica già ampiamente manifestata nel loro precedente capitolo discografico viene, in questa circostanza, ulteriormente rinvigorita ed estremizzata: figli della più indolente e patinata scena emo nordamericana, gli Aiden hanno saputo evadere ben presto i canonici confini dell’emo-screamo più adolescenziale e costruirsi una spiccata personalità artistica, introducendo e sviluppando elementi di punk, rock ‘n’ roll, talvolta persino di rockabilly, senza mai rinunciare ad un gusto tutto personale in fatto di look e senso melodico. Knives dimostra alla perfezione come l’emo possa ancora ridefinire la propria dimensione avvicinandosi sempre più verso lidi alternative senza dover eliminare la propria componente strettamente emozionale: l’aggressività declamata sin dal minaccioso art work si rivela tutt’altro che uno specchio per le allodole, visto che ogni singola traccia dell’album trasuda un rinnovato spirito musicale ed esprime una maturità tecnica e compositiva da leader assoluti del proprio genere, lasciando trasparire il tutto attraverso una cura maniacale del sound (a dir poco nitido), delle parti strumentali (fresche, cristalline, impeccabili), persino dei cori, mai abusati ma dai gradevolissimi effetti atmosferici.

Tutte queste qualità non possono che preludere a pezzi di buon valore ed effettivamente l’ascolto di Knives non può che lasciare davvero soddisfatti: possiamo infatti riscontrare sorprendenti pattern di batteria, spesso in blastbeat sul battere (Let The Right One In, Excommunicate) o in levare (Killing Machine), linee di basso in piena evidenza e di gran classe (Crusification , The Asylum, King On Holiday), ritmiche punk di assoluto impatto (Killing Machine, King On Holiday) così come brillanti saltellamenti pseudo-rockabilly (Let The Right One In, Scavengers Of The Damned). E’ chiaro che i pezzi e soprattutto i chorus sono quasi sempre di natura prettamente emo, ma non mancano convincenti divagazioni rock’n’roll (Scavengers Of The Damned), modern rock à la Papa Roach (Elizabeth) o addirittura alternative in cui sembra di ascoltare il vocalist dei P.O.D. (Excommunicate); last but not least, la corposa Black Market Hell, traccia di chiusura più che discreta che certamente non lascerà con l’amaro in bocca.

L’unico elemento che può realmente lasciare perplessi di un lavoro come Knives è la scarsità numerica dei brani, il cui minutaggio spesso risicato finisce col rimarcare in maniera piuttosto fastidiosa, soprattutto in termini economici; per quanto una durata complessivamente ridotta eviti in gran parte il rischio di noia, grazie soprattutto ad un lavoro che non concede tregua e non manifesta cali di tono, è chiaro che qualche traccia in più avrebbe potuto incentivarne l’acquisto da parte anche dei non-fan e aumentare la soddisfazione di un investimento certamente meritevole.

Ciò che importa davvero, comunque, è che la Victory Records riesce ancora una volta a centrare il proprio obiettivo: dopo il botto discografico dei Silverstein, il cui A Shipwreck In The Sand rappresenta davvero un piccolo gioiello di qualità musicale e vendibilità commerciale, ora tocca agli Aiden fare il pieno di consensi, giacché, per quanto si tratti di un lavoro tutto sommato esiguo, proprio nella sua spudorata concretezza riesce ad esalare il suo massimo pregio, ovvero quello di aver sviluppato un genere a suo modo limitato integrando un gran numero di idee con completezza, compattezza e coerenza. Se l’emo del 2009 è quello firmato Aiden o, in precedenza, Silverstein, non ci resta che dire: ben venga davvero.

The Darker Shades Of White

admin — Fri, 08 May 2009 22:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Emo

Etichetta:

Victory Records

Anno:

2009

Link correlati:

Corpus Christi @ MySpace.com

Line-Up:

:
- Will Henry - voce
- Jarrod Christman - chitarra, voce
- Jon Pauly - chitarra
- Phil Smith - basso
- Justin Evans - batteria

Tracklist:

:
1. Parade Of Scars (03:37)
2. It’s Always Darkest Before The Dawn (03:19)
3. Marilyn (04:09)
4. Baptized In Fire (04:50)
5. Until The Day (04:52)
6. Fight For Your King (04:19)
7. Starry Nights, Cloudy Hearts (04:11)
8. Western Downfall (04:12)
9. The Sacrifice (03:59)
10. I Will Never Forget (03:49)
11. Prodigal (03:25)

Corpus Christi

The Darker Shades Of White

L’ennesima resurrezione dell’emocore? Battuta scontata quando si vuole introdurre il debut album dei Corpus Christi, ma certo non molto distante dalla realtà: The Darker Shades Of White, questo il titolo del loro primo lavoro, è infatti un raro esemplare di vero metalcore e non hardcore melodico, definizione alquanto labile ma di estrema importanza per chi, come il sottoscritto, pretende strutture canore nitide, riffing sempre in evidenza e una coerenza compositiva che non si lasci dominare da una violenza a tratti smodata e forzatamente ineffabile. Questione di gusti, naturalmente, ma oggigiorno capita troppo spesso che formazioni di evidente natura hardcore finiscano per essere calate nel torrido calderone metalcore senza averne i benché minimi tratti distintivi, in ossequio soprattutto alle formazioni che maggiormente hanno contribuito a crearlo, forgiarlo e soprattutto identificarlo.

Ebbene, i Corpus Christi, per quanto presentino evidenti richiami stilistici a band quali As I Lay Dying e soprattutto God Forbid (2 illuminanti esempi della categoria appena individuata), riescono nell’intento di plasmare una decina di brani decisamente validi e piacevoli, capaci di fondere la vibrante aggressività delle screaming vocals con l’esplosività emotiva del metal: le tracce di The Darker Shades Of White costruiscono la loro precisa identità sulla base di riffs straordinariamente carismatici e sempre rigorosamente in primo piano, sulle fondamenta di un drumming decisamente multiforme ma ugualmente grintoso e preciso, sulle spalle di vocalità irose e graffianti che esplodono poi in clean choruses sempre perfettamente inseriti nel contesto strutturale del brano, senza imporsi come elementi estranei al di sopra di un senso. E’ compito arduo riuscire ad individuare alcuni brani meglio rappresentativi di uno stile non tanto originale quanto al contrario esaltante, giacché ciò che più risalta dall’ascolto di questo debut album è un livello medio di grande qualità, nel quale il contributo delle singole tracce è distribuito in maniera pressoché uniforme. E’ evidente che un album del genere non può che vivere di alti e bassi, laddove, mentre i primi risultano ormai evidenti, gli ultimi possono essere facilmente individuati in breakdowns talvolta esasperati o troppo prolungati (The Sacrifice su tutte), che, per quanto introducano momenti di pausa pressoché necessari all’interno di una simile proposta discografica, alle volte rischiano di spezzare la continuità ritmica delle tracce con eccessiva secchezza, frustrando un ascoltatore già in procinto di esaltarsi nel successivo inciso o nel nuovo assolo. Poco male, in fondo, perché questo astuto stratagemma compositivo non fa che aumentare l’imprevedibilità complessiva dei brani e sovente prolungarne la piacevolezza senza comprometterne l’entusiasmo: nonostante 7 tracce su 11 superino i 4 minuti, infatti, The Darker Shades Of White non presenta quasi mai momenti di stanca o cali di tono, quasi mai produce attimi di scoramento o accenni di sbadiglio, se non forse proprio in conclusione del platter, dove sembra affiorare un po’ di fisiologica stanchezza (I Will Never Forget e Prodigal, per quanto non possano dirsi episodi completamente negativi, generano comunque una spiacevole sensazione di già sentito).

A questo punto è doveroso tentare di risolvere l’interrogativo posto all’inizio. Dei Corpus Christi, infatti, non si è forse detto l’elemento più caratteristico, sebbene tra le righe appaia quasi in evidenza: tutte le tracce di The Darker Shades Of White sono letteralmente dominate da un senso ritmico a dir poco devastante, fuori dal comune, in grado di assorbire mutamenti e variazioni sul tema con una naturalezza assolutamente impreventivabile per una band all’esordio discografico. In questo preciso frangente il contributo di band quali Atreyu e At The Gates è, per stessa ammissione della band, fondamentale: basta aprire il loro myspace ufficiale ed ascoltare Fight For Your King per rendersi conto immediatamente di cosa significhi proporre un metalcore in cui prevalga il metal anziché l’hardcore. Al trascinante groove di cui sopra occorre aggiungere uno spiccato gusto melodico, per quanto sempre calibrato e mai melenso, che sfocia in assoli a profusione e choruses di cristallino sentimentalismo: è questo il lato più evidente dei Corpus Christi e, proprio in virtù di quanto spesso prevalga la componente di sensibilità emotiva sulla mera violenza di derivazione core, ci fa sorgere il dubbio se l’aggettivazione emo, per quanto palesemente parziale, non sarebbe del tutto sbagliata. Chiaro, questa definizione si scontra forse con la loro dichiarata essenza christian (a cui rimanda già il nome stesso della formazione americana), ma certi argomenti è opportuno non approfondirli in maniera indiscriminata e superficiale, lasciando detto che le lyrics di The Darker Shades Of White sono disponibili direttamente sul myspace della band.

In conclusione, coloro che cercano una band innovatrice, persino forzatamente originale, che proponga uno stile inconfondibile ed assolutamente non paragonabile ad altri gruppi attualmente o precedentemente in circolazione, passino oltre: i Corpus Christi non fanno mistero delle loro più evidenti fonti d’ispirazione, laddove quest’ultimo termine non sottintende né il significato di emulazione né le conseguenze di una sciocca imitazione. Chi, al contrario, cerca una band dal sound solido e corposo, dalla produzione moderna, scintillante ed estremamente curata; chi desidera un metalcore dinamico e svelto, dalla strutture ritmiche ben sostenute e dai passaggi strumentali di grande impatto sonoro, che tenga fede più al metal che al core; chi non vuole rinunciare a clean choruses da cantare a squarciagola e a taglienti assoli di chitarra su cui compiere imbarazzanti evoluzioni d’air guitar; ebbene, tutti costoro troveranno in The Darker Shades Of White un’inattesa goduria musicale.