Elettronica

Hopelessness

Giulio Magliulo — Sat, 08 Oct 2016 08:29:03 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Elettronica

Etichetta:

Secretly Canadian

Anno:

2016

Line-Up:

Anohni - Keyboards, Beat Programming, Vocals

Hudson Mohawke - Keyboards, Beat Programming

Oneothrix Point Never - Keyboards, Beat Programming

Tracklist:

Drone Bomb Me

4 Degrees

Watch Me

Execution

I Don't Love You Anymore

Obama

Violent Men

Why Did You Separate Me From The Earth?

Crisis

Hopelessness

Marrow

Anohni

Hopelessness

Chi non ha amato l'universo angelico e poetico di Antony Hegarty quando operava con il suo ensemble pseudocameristico a nome Antony & The Johnsons? Chi è riuscito a restare impassibile di fronte a quella novità musicale e di costume, a quell'artistico tentativo di fuga da un mondo torbido e borderline?

Ci si è avvicinata Baby Dee, forse più teatrale ed estrema, ma con minore capacità di penetrazione, così confinata in quella sua dimensione fumosa ed esoterica laddove Antony l'abbiamo applaudito anche nell'Arena di Verona con il Battiato nazionale o l'abbiamo ballato in disco con gli Hercules and Love Affair.

Con buona pace degli estimatori di tutto questo, Antony è definitavamente morto per risorgere meglio di un'araba fenice.

Anohni non è soltanto un nuovo monicker, Anohni è un'altra persona, di sesso femminile, che produce altra musica, con suoni differenti e liriche che vanno ben oltre il guscio del sè.
Come una crisalide che rompe il bozzolo per diventare finalmente sé stessa, Anohni è la manifestazione dell'affermazione di un essere come persona, dell'essere artistico e dell'essere politico.
Perchè questa prima emissione, coprodotta con Hudson Mohawke e Daniel Lopatin (Oneothrix Point Never) è formata da una serie di atti politici poiché è impossibile chiamare diversamente brani quali Drone Bomb Me nel cui video ufficiale una Naomi Campbell mai così bella, demoniaca e commossa, si sostituisce al protagonista con altri performer, tutti di colore, in un j'accuse contro il sistema 'guerra al terrorismo'.
Come in 4 Degrees, in cui la nostra impassibilità, indifferenza e impotenza di fronte alla catastrofe del cambiamento climatico ci rende tutti complici dello sfacelo.
Come in Watch Me in cui il monitoraggio delle nostre vite giustificato da motivi di sicurezza genera paradossali mostruosità.
Come in Execution in cui si sottolinea la grande contraddizione della pena di morte negli U.S.A., paladini della civilizzazione ma del tutto assimilabili ai paesi in cui i diritti civili sono del tutto inesistenti.
Come in I Don't Love You Anymore, traccia che sembra prendere le distanze dalle altre per il suo testo in apparenza personale mentre se lo si universalizzasse si potrebbe benissimo ricondurre non al rifiuto di un singolo individuo per un altro, ma quello di un'intera società che rifiuta l'amore per chi ha fatto scelte di vita diverse a cominciare dalla propria sessualità.
Come in Obama, sogno infranto di libertà e di democratizzazione in chi ci ha creduto.
Come in Violent Men, ulteriore accusa ad un mondo maschile e maschilista che sembra proprio non funzionare per il suo generare esclusivamente violenza (e che si ricollega al già annunciato movimento del Future Feminism nella seconda traccia 'spoken' dell'album Cut The World ancora a nome Antony & The Johnsons).
Come in Why Did You Separate Me From The Earth in cui il dolore immenso per il solo fatto di essere su questo pianeta morente giunge a formulare un'invocazione nichilista ad un padre che può essere simbolicamente sia quello celeste che quello terreno.
Come in Crisis, in cui Anohni ingenuamente ma anche ragionevolmente indaga su come si possa interrompere la spirale di distruzione tra noi umani se il sentimento conseguente alla morte o alla tortura dei nostri cari non può che essere reazione.
Come in Hopelessness in cui la mancanza di speranza per il genere umano consegue una tragica riflessione: noi (razza umana) siamo un virus.
E come la conclusiva Marrow, allegorico riepilogo apocalittico che utilizza il cancro del sistema capitalistico come unica forza che unisce il mondo in un indistinto e disgustoso insieme destinato ad implodere ed annullarsi.

Una visione semplicistica e senza speranza? Se vista con gli occhi di un bambino a cui si deve spiegare il mondo in cui viviamo, forse l'unica possibile e corretta, senza mezzi termini. Se senza speranza invece, sta a noi deciderlo; l'arte non risolve i problemi, tutt'al più li può denunciare.

Eppure ancor prima dei testi è stata la musica di Hopelessness a farci drizzare le antenne, oscura e celeste, fragile, delicata e drammatica, con il suo incipit cristallino, con la sua voce diàfana, con i suoi suoni elettronici che puntano alla trascendenza.
Anohni è una versione evoluta di casta diva che utilizzando le intuizioni di Moby può arrivare fino alla disperazione degli Algiers.

Bruno Belissimo

Giulio Magliulo — Sun, 28 Aug 2016 17:54:41 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Elettronica

Etichetta:

Locale Internazionale

Anno:

2016

Line-Up:

Produced and recorded by Bruno Belissimo

Mixed by Marco Caldera at Glashaus Studio, Bologna (IT)

Mastered by Mike Marra at Joao Carvalho Mastering, Toronto (CA)

Saxophones when present by Gaetano Santoro

Tracklist:

El Origin De Todo
La Violenza
Pastafari
Esercizio 21
French Riviera
Suavecito
La Violenza - Cease - Fire
5000 Anni Luce
El Fin De Todo

Bruno Belissimo

E' il bassista di Colapesce ma anche un dj producer attivo nel Low Frequency Club.

Il debutto dell'italo-canadese attecchisce alla voglia d'estate in maniera pressochè perfetta se è vero che l'estate è anche infradito e belle ragazze e clubbing leggero e pastasciutte e mojito e cinema di retrospettiva con suggestive soundtrack perché non si ha sempre vent'anni.

Smooth funk ai confini con la chillout, italodisco, synth balearici, discomusic '70, la leggerezza del french touch, suoni gommosi e la sensazione di essere intrappolati in un fotogramma di Discoring.

Grasso e provocatorio, piacione e ironico, droghereccio e iconografico, questo prodotto non dovrebbe passare inosservato.

Salsedine

Giulio Magliulo — Mon, 23 May 2016 13:01:44 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Elettronica

Indie Rock

Etichetta:

Autoprod.

Anno:

2015

Line-Up:

Cesare Barbieri – voce, elettronica

Edoardo Gobbi – chitarre, voce, synth

Mattia Santoni – basso

Lorenzo Gobbi – batteria, percussioni

Tracklist:

La Musica Elettronica

Krauti a Merenda

Perec

l'Infanzia e la Maturità di mio Fratello

Intermezzo

Orbite

Plutone

Odisseo

Il Giovane Niccolò e il Ritorno dell'Uguale

Lungomare

Bibiena,19

Ono

Salsedine

Tra oscure linee di basso post-punk ed effetti elettronici casuali racchiusi tra chitarre che sembrano parentesi, gli Ono srotolano memorie senza nostalgia e senza rabbia ma anche pacate riflessioni sulla fisicità della musica.

L'approccio vocale è quello di chi cresciuto con l'hardcore al momento non ha nessuna voglia nè intenzione di suonarlo e la linea narrativa non mutua proprio nulla dai mentori dell'alternative italiano che fu, né tantomeno da chi usa l'odierno hip-hop in chiave di rottura, eppure si pone in qualche punto lì in mezzo non ancora mappato.

Attenti – o meglio coscienti – senza darlo a vedere di tutto ciò che avviene nelle galassie dell'elettronica a bassa intensità e della wave, gli Ono senza seguire nessun trend si avvicinano accidentalmente ad una forma di electrorock o in ogni caso a qualcosa di nuovo e di spiazzante e che dopo ripetuti ascolti non annoia. Finalmente.

All In All

Giulio Magliulo — Tue, 14 Jul 2015 10:16:58 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Elettronica

Etichetta:

Domino

Anno:

2015

Line-Up:

Jimmy Vallance
Tom Howie

Tracklist:

01. Far From The Tree

02.Winter's Song

03. All I Want

04. Interloper

05. Stealing Fire

06. Hands to Hold

07. Hands To Hold - Acoustic

08. Too Close For Comfort

09. Val

10. It’s Gone

11. I Ain't Gonna Be The First To Cry

12. Grace

Bob Moses

All In All

Bob Moses, il duo composto da Jimmy Vallance e Tom Howie operanti dall'asse Canada/New York, ha prodotto fino a oggi solo singoli ed e.p. che sono tutti raccolti nel disco di cui state leggendo, mentre il vero debut album, Days Gone By, è previsto per settembre 2015.

Il materiale qui contenuto risulta però troppo interessante per non parlare adesso dell'elettronica di Bob Moses, a cominciare dalla traccia numero uno, Far From The Tree, straniante downtempo in cui sembra quasi che il duo voglia dare una sua personale visione easy di certe istanze ambient sperimentali che da Alvin Lucier ad Aphex Twin han sempre investito la musica elettronica.

Del resto se la formazione fosse dedita alla sola e semplice deep house non avrebbe goduto dei favori di una label come la Domino.
Una certa tendenza out-clubbing si riscontra anche in tracce come Winter's Song o All I Want, ipnotici electro-pop di stampo cantautorale forse spendibili anche su raffinatissimi dancefloor a bassa intensità.

Ma c'è anche spazio per l'electrolounge oscura e post-ibizenca di Interloper, le malinconiche chitarre slow di Stealing Fire, l'elegante deep house di Hands To Hold (seguita dalla sua omologa acustica), le camere d'eco di Too Close For Comfort e i seduttivi post-soul/errebì di I Ain't Gonna Be The First To Cry e Grace.

Quasi dispiace immaginare che l'album di settembre possa oscurare questa raccolta senza la quale difficilmente queste perle avrebbero visto luce, ma si sa, bisogna batter ferro finché è caldo, e per Bob Moses ora sembra che lo sia.

The City That Disappears

Emanuele Pavia — Tue, 16 Dec 2014 22:40:37 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Industrial

Elettronica

Etichetta:

Black Basset Records

Anno:

2014

Line-Up:

- Grégoire Fray - Voce, chitarre, tastiere, compositore
- Hugues Peeters - Pianoforte, tastiere
- Julien Forthomme - Basso
- Gil de Chevigné - Batteria, elettronica

Tracklist:

1. HTRZ
2. Rhythm.Hope.Answers
3. Keepers
4. Dédale
5. Blank Street
6. Negative Buildings
7. Traces
8. Citizen Pain

Thot

The City That Disappears

Da circa dieci anni i Thot (creatura ideata e guidata dal belga Grégoire Fray) sono impegnati in una interessante rilettura della musica industrial rock anni Novanta. Con due full-length all'attivo, vari EP pubblicati tra il 2008 e il 2012 e soprattutto grazie a remix di brani di musicisti del livello di Nine Inch Nails e Depeche Mode (indubbiamente due tra le fonti di ispirazione più evidenti per Fray, specie nel primo caso), uniti a show che conciliano musica e arte visuale, i Thot sono riusciti a farsi un nome nell'affollato underground alternativo odierno.

The City That Disappears, pubblicato dalla Black Basset Records nel 2014, è il terzo full-length del collettivo belga, e offre una proposta estremamente avvincente che recupera le sonorità dell'opera maggiore di Trent Reznor (quella compresa tra Pretty Hate Machine e The Fragile - il remix di The Hand That Feeds pubblicato nel 2010 fu realizzato proprio a causa della cocente delusione di Fray al cambio di rotta operato su With Teeth -), fatte di atmosfere aliene, suoni distorti e pesanti ben organizzati in sofisticate stratificazioni musicali, ma comunque sempre aperte a hook melodici e ritmi ballabili mutuati dalla musica elettronica e synth pop anni Ottanta.

Quel che permette a The City That Disappears di trascendere la condizione di mero oggetto per collezionisti e fan irriducibili di Reznor, oltre ovviamente all'intrinseca bontà dei pezzi e a una produzione professionale che dona potenza ai momenti più compatti e profondità alle sezioni elettroniche più distese, è comunque la creatività e l'eclettismo mostrati nell'attingere alle più disparate sonorità lungo il lavoro. Fray si dimostra infatti un divoratore di gran parte delle proposte alternative più dure degli anni Novanta, dal nu metal dei Korn (di cui recupera in particolare, oltre che la violenza in certi frangenti, soprattutto lo stile vocale eclettico e camaleontico di Jonathan Davis, per quanto non altrettanto emotivamente profondo e tormentato), allo schizofrenico mash-up di generi dei Faith No More per giungere ovviamente alla musica industriale, swingante e contaminata, di J.G. Thirlwell, oltre che conoscitore della scena elettronica e delle sue evoluzioni durante gli anni Duemila.

Così, The City That Disappears alterna agilmente esplosioni industrial rock minati da intermittenze elettroniche e sample (HTRZ, Dédale), ad aperture quasi radiofoniche (Blank Street, con pulsare elettronico, hook melodici da rave nord-europei, coda in stile The Fragile, e Negative Buildings), ad anthem elettrici come Rhythm.Hope.Answers. e Citizen Pain che, sospesi tra hardcore digitale, electro-industrial e arrangiamenti ben più sofisticati della media (sottotrame pseudo jazzate del pianoforte, strabordanti esplosioni di chitarra e synth e parentesi melodiche disturbate da glitch instabili) da far pensare addirittura a una versione per discoteche alternative dei Mars Volta, rappresentano molto probabilmente il meglio che l'album abbia da offrire.
Ovviamente, c'è spazio anche per ballate secondo la lezione del Reznor più intimista, come Keepers (con pianoforte stravolto da beat elettronici, distorsioni di chitarra e delay applicato alla voce) e Traces (ben più dura e stratificata, evolvendosi ben presto da una ballata per piano ed elettronica in un intrecciarsi di tastiere e chitarre culminante in una muraglia di distorsioni sul finale). Se non si può soprassedere sugli evidenti debiti stilistici nei confronti dei Nine Inch Nails, meno si può rimproverare ai Thot per quanto riguarda la loro capacità di realizzare un approccio all'electro-industrial creativo e sempre sorprendente, come da tempo non si sentiva.

The Cold Summer of the Dead

Giulio Magliulo — Sun, 14 Dec 2014 07:49:50 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Rock

Ambient

Elettronica

Etichetta:

Blinde Proteus/Trovarobato

Anno:

2014

Line-Up:

Paolo Raineri - trumpet, flugelhorn, fx

Michelangelo Vanni - electric guitar, fx

Simone Calderoni - electric bass, fx

Simone Cavina - drums, fx

Tracklist:

In
Days Are Numbered
The Maze
On Canvas
The Quiet Sparkle
As One
Below The Belt
In Circles

Junkfood

The Cold Summer of the Dead

La scelta di dare per titolo alla seconda opera di Junkfood la traduzione dell'ultimo verso della poesia di Pascoli, Novembre (quella sull'estate di S.Martino tratta dalla raccolta Myricae) è già di per sé esercizio eloquente e raffinato.

Un mondo oscuro e labirintico dietro una nitidezza apparente, oltre i colori vividi e forti come le espressioni utilizzate dal quartetto per allontanarsi da queste folate di morte, da queste immagini che nella loro ambigua bellezza potrebbero essere state elaborate anche da un David Lynch.

E se la musica dei Junkfood si presta moltissimo ad un immaginario cinematografico è perché utilizza un formato strumentale in cui convivono jazz, rock ed elettronica senza la necessità di una gerarchia ben precisa e questo permette una grandissima libertà operativa senza però sfociare in soluzioni parossisticamente anarchiche.

Ora veloci e cattivi, ora riflessivi e sospesi, con la chitarra che reiterando ricorda anche cose etniche, simili a sirtaki suonati dai Birthday Party, drones che imitano didgeridoo, il passo funereo di una processione andalusa durante la 'semana santa' guidata da Bill Frisell, jazz impressionista, doom rock, sketch circensi non meno sinistri di quelli dei Coil ed ancora Morricone meets Calexico meets drone 'n' bass in calvari acustico-psichedelici.
Casse che friggono.

C'è tutto questo nel lavoro ultravisionario del quartetto romagnolo prodotto da Tommaso Colliva, tra quelli che resteranno sicuramente impressi tra gli ascolti di quest'anno.

Surfin' Gaza

Giulio Magliulo — Fri, 19 Sep 2014 19:31:57 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Elettronica

Etichetta:

Malintenti

Anno:

2014

Line-Up:

Angelo Sicurella – Elettronica e Voce

Roberto Cammarata – Chitarre

Dimartino - Basso

Tracklist:

Yuk

Walking On Stars

Waves

Nowhere

Surfin' Gaza

Dovunque Altrove

Nancy

Ahimana

Atlantico

Omosumo

Surfin' Gaza

C'è un concept alla base del debut album (solo due e.p. in precedenza) degli Omosumo che è meraviglioso e poetico.

Immaginiamo - per quanto possiamo – il mare che lambisce la striscia di Gaza affollato di corpi di palestinesi e israeliani a cavalcare tavole da surf.

Non è stato un sogno e non è stato un miraggio, ma realtà.

Grazie ad alcune organizzazioni, per un periodo l'idea di fratellanza e libertà ha attraversato il mare ed è stata portata a compimento dal vento, dalle onde e da uomini di buona volontà. Non solo missili dunque da quel lembo di terra, almeno fin quando non son ripresi i bombardamenti a riportarci le deprimenti cronache del quotidiano.

Gli Omosumo sono un trio siciliano composto dal già conosciuto Antonio Di Martino, da Roberto Cammarata e da Angelo Sicurella e Surfin' Gaza è un disco che si muove tra atmosfere stranianti non tanto per la strumentazione utilizzata o per le composizioni, ma per l'assemblaggio e per l'idea sottesa che ormai conosciamo e che suggerisce immagini dai colori surreali.

L'anima elettronica è forse quella che viene fuori più delle altre; synth e drum machine dettano le regole del ritmo, pulsazioni disco, voci acute ma lontane, vuoti pneumatici e narcotici, dolce indietronica a cavallo tra Moby e Yuppie Flu, minimal-techno con nebbioline glitch, richiami a mostri sacri come Boards Of Canada o alla falange mitteleuropea dei vari Tarwater e Notwist con tutte le implicazioni desertico-terzomondiste che una musica tanto evocativa possa contenere.

Ma anche momenti più distesi che possono ricordare la creatura di Paolo Iocca, Boxeur The Coeur, pur restando Omosumo entità assolutamente originale ed unica.

Gran bella prova.

Tomorrow's Harvest

Carlo De Donno — Wed, 08 Jan 2014 21:49:07 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

Carlo De Donno

Genere:

Ambient

Elettronica

Etichetta:

Warp Records

Anno:

2013

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Sito Ufficiale

Line-Up:

Marcus Eoin – composizione, design, artwork

Mike Sandison – composizione, design, artwork

Tracklist:

1. Gemini - 2:56

2. Reach for the Dead - 4:47

3. White Cyclosa - 3:13

4. Jacquard Causeway - 6:35

5. Telepath - 1:32

6. Cold Earth - 3:42

7. Transmisiones Ferox - 2:18

8. Sick Times - 4:16

9. Collapse - 2:49

10. Palace Posy - 4:05

11. Split Your Infinities - 4:28

12. Uritual- 1:59

13. Nothing is Real - 3:52

14. Sundown - 2:16

15. New Seeds- 5:39

16. Come to Dust- 4:07

17. Semena Mertvykh- 3:30

Boards of Canada

Tomorrow's Harvest

È il Record Store Day 2013, in un negozio di dischi di New York appare un enigmatico singolo 12'' intitolato ------ / ------ / ------ / XXXXXX / ------ / ------: è l'inizio della campagna di marketing virale per l'uscita del nuovo album dei Boards of Canada. I giganti dell'elettronica e dell'IDM tornano dopo sette anni dall'uscita, nel 2006, del loro ultimo EP Trans Canada Highway.

Tomorrow's Harvest viene rilasciato il 5 giugno 2013; segue l'ultimo album dei BoC, The Campfire Headphase, che deluse amaramente la critica nel 2005, dimostrandosi un album poco solido e, a tratti, noioso. Dopo anni di lavoro, la cui fase più importante è stata, come spiega Marcus Eoin, legare tutte le idee, le melodie, e le creazioni in un corpo unico, Tomorrow's Harvest si presenta all'ascoltatore come un album che ha tutte le carte in regola per diventare un classico della musica elettronica.

I fratelli scozzesi hanno in molte occasioni rivelato di essersi ispirati in gran parte ai maggiori compositori di colonne sonore degli anni '70. Mike Sandison cita in particolare Carpenter, Frizzi, Harrison e Isham.

E le influenze si percepiscono sin dai primi secondi: Gemini è una traccia che potrebbe essere benissimo la colonna sonora di un film sci-fi. Oscura, misteriosa e tesa, si apre con una amichevole fanfara, come per rassicurare l'ascoltatore del fatto che i prossimi, intensi e pesanti 62 minuti saranno solo un'esperienza indotta.

Segue Reach for the Dead, singolo di lancio dell'album. Questa si apre con un imponente tappeto ambient cadenzato da sicuri colpi di grancassa, fino all'esplosione della trascinante e inedita melodia del synth, intrecciata strettamente con le percussioni, per poi chiudersi nuovamente con un ambient etereo che dipinge un tocco di speranza nel “soundscape” decisamente post-apocalittico delle prime due tracce e, come vedremo, dell'album intero.

White Cyclosa può essere considerato un interludio, un break notturno, piacevole e necessario per introdurre quello che è la composizione più lunga e più complessa dell'album: Jacquard Causeway. Questa si sviluppa, su un tempo 3/2, in un electro-valzer di loop continui, ognuno leggermente diverso dall'altro, dove le melodie mutano aumentando la tensione espressa dal brano, percepita anche grazie alla particolare scansione ritmica. La drammaticità del pezzo raggiunge livelli critici a metà traccia, con melodie che potrebbero far pensare all'urlo disperato di un uomo sull'orlo del baratro, quando, improvvisamente, dal nulla emergono suoni di speranza che cambiano drasticamente il mood della composizione, la quale si chiude con uno degli episodi più ottimisti dell'album.

Un altro interludio affascinante viene posto necessariamente come chill-out: Telepath richiama le sequenze numeriche di Gyroscope in un sound molto più disteso, onirico e fuori dal tempo.

Ma è pronta ad esplodere Cold Earth, tra gli episodi migliori di Tomorrow's Harvest, un brano coinvolgente e trainato dal ritmo serrato delle percussioni. Insieme a Reach for the Dead è il pezzo più orecchiabile e accessibile dell'album; un album che se si chiudesse qui meriterebbe il voto pieno.

Uso il condizionale, perché dopo questa prima parte intensa e irresistibile, i BoC si impantanano. Nella restante parte dell'album sono poche le tracce che reggono il confronto con le prime sei. Transmisiones Ferox, Sick Times e Collapse annoiano, bisogna aspettare Palace Posy, con il suo ritmo inedito e i synth imponenti affinché si risvegli un po' l'atmosfera di Tomorrow's Harvest. La seguente Split Your Infinities risulta troppo evanescente e suona come un interludio lievitato. Uritual, d'altro canto, è un altro intermezzo ben fatto e intrigante, che apre per Nothing is Real, la quale, a dispetto del titolo, è una nostalgica ballata elettronica dal sound ottimista.

La parte finale dell'album, seppur non ai livelli di quella iniziale, è comunque elettronica di altissimo livello. Sundown è un intermedio ambient dalle tonalità cupe, precede New Seeds, brano in cui il duo scozzese mette da parte il downtempo dominante in tutto il full-length, e che risulta coinvolgente già dal primo ascolto. Non sarà un “instant classic”, ma si mantiene nella media.

Tomorrow's Harvest si avvicina alla chiusura con Come to Dust, definita da Sandison un reprise di Reach for the Dead, altra traccia interessante in cui i synth disegnano belle melodie in un atmosfera che sembra segnare un nuovo inizio, la rinascita dopo la caduta. Ottimismo che però viene travolto dall'ultimo pezzo dell'album, Semena Mertvykh, alla lettera “I semi dei defunti”, in cui il duo si ispira deliberatamente ai lavori di Isham. Tomorrow's Harvest si chiude quindi con la composizione più cupa, triste e pessimista, imprimendo nella mente dell'ascoltatore uno scorcio di quelle che potrebbero essere le rovine di una civiltà distrutta da un'apocalisse.

Le prime volte che ascoltai i Boards of Canada, mi auto-imposi una regola ben precisa: non giudicare un loro pezzo prima di averlo ascoltato almeno una decine di volte. Le loro composizione sono spesso complesse e hanno bisogno di tempo per essere capite a apprezzate a pieno. Quest'album, tuttavia, smentisce questa mia regola: le tracce sono molto più immediate e orecchiabili. Tomorrow's Harvest ha tutte le carte in regale per diventare un classico del duo scozzese, un'ora di elettronica raffinata e intelligente; una finestra su un mondo post-apocalittico non molto lontano dal nostro da un punto di vista temporale. Di sicuro non musica per tutte le orecchie, ma, alla fine, meglio così.

Some Say I So I Say Light

Giulio Magliulo — Fri, 29 Nov 2013 12:46:29 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Trip Hop

Elettronica

Etichetta:

Play It Again Sam

Anno:

2013

Line-Up:

Ghostpoet (Obaro Ojimiwe)

Guests:

Lucy Rose
Woodpecker Wooliams
Charles Hayward
Gwilym Gold
Dave Okumu
Tony Allen

Tracklist:

1. Cold Win
2. Them Waters
3. Dial Tones
4. Plastic Bag Brain
5. Thymethymethyme
6. Meltdown
7. Sloth Trot
8. Dorsal Morsel
9. Msi Musmid
10. 12 Deaf
11. Comatose

Ghostpoet

Some Say I So I Say Light

E venne la musica nera e portò il ritmo. Anche la scrittura beat aveva ritmo, il ritmo del jazz, il beat dei bianchi che avrebbero voluto nascere neri. Scampoli di jazz si impastavano in quelle parole, il flow era fluido ed avvolgente, finanche euforico quando non velato da giustificate malinconie blues.

E gli animi più sensibili riuscirono comunque a generare grandi cose, grande musica, nonostante il mercato della musica e l'eroina dei bianchi stravolse il jazz che divenne un big business.

Poi qualche nero se ne accorse e decise che mentre i giovani – bianchi – potevano fare la loro rivoluzione, quella nera non era mai stata realmente realizzata. E giù botte e poesia. E grande musica. E tante parole. Last Poets, Linton Kwesi Johnson, Gil Scott Heron: musica che è sempre stata in qualche modo politica e non perchè voleva esserlo, perchè doveva!

I decenni di orge mercantili che seguirono, quelli del funk e della disco furono anni più leggeri e spensierati ma musicalmente propedeutici al rigurgito 'black' che tra poco sarebbe ritornato. Con una differenza però sostanziale rispetto agli antenati spirituali: se fino ad allora era stata la musica bianca a rubare tutto dai neri, ora sarebbero stati i neri a prendere qualcosa dai bianchi; non una cosa qualunque ma ... il ritmo! Ironia della sorte. La suddivisione del tempo - prima estetica che meccanica - che dai Kraftwerk in poi avrebbe rappresentato la musica leggera occidentale sarebbe stato il codice imperante. L'elettronica decretò ed è stato così.

Sarà l'hip-hop che con estrema consapevolezza a volte, decisamente meno in altre che svolgerà la funzione dei 'griot' in chiave moderna. E giù di spoken word e di dub-poetry. Come all'alba del be-bop prima e del free-jazz poi, dalle commistioni e dagli intrecci si svilupperanno nuovi virus e nuovi anticorpi. Eccoli. E' il nuovo millennio.

Ecco il trip-hop e ritorna la poesia. Sempre notturna. Più urbana. Sempre più alienata. Visionaria. Onirica e lacerata come una psichedelia elettronica al negativo. La lingua si inceppa ed il ritmo si spezza. E' la breakbeat, è l'Uk garage, è la dubstep.

Al culmine della tensione può seguire solo il down, l'aria si raffredda ed i colori si confondono, sempre più scuri. Ed è avant-hop. Ed è grime. Ed è abstract. E c'è anche un pò di sentimento ora che si è un po' più lucidi, mica solo i neri che fanno r'&'b hanno un cuore?

Them Waters. Plastic Bag Brain. Meltdown. 12 Deaf. Comatose. Londra, 2013. Ghostpoet. Dietro quegli occhiali degni di uno Spike Lee o di uno dei suoi neri intellettualizzati questa volta c'è un ex-assicuratore al mic e alle macchine, viene dalla City, niente politica, niente botte, solo flow che ritorna di nuovo fluido ed avvolgente.

Messe I.X–VI.X

Gioele Nasi — Wed, 11 Sep 2013 22:49:55 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Gioele Nasi

Genere:

Elettronica

Etichetta:

Jester / Kscope

Anno:

2013

Link correlati:

Ulver @ Jester

Line-Up:

Kristoffer 'Garm' Rygg
Jørn H. Sværen
Tore Ylwizaker
Ole Alexander Halstensgård

Tracklist:

1. As Syrians Pour In, Lebanon Grapples With Ghosts of a Bloody Past
2. Shri Schneider
3. Glamour Box (ostinati)
4. Son Of Man
5. Noche Oscura Del Alma
6. Mother Of Mercy

Ulver

Messe I.X–VI.X

In occasione del ventennale di carriera gli Ulver sfruttano un invito della Tromsø Chamber Orchestra e si regalano il “disco con l'orchestra”, una delle poche cose che mancava alla loro discografia – oramai estesasi a ben dieci full-length in studio ed un paio di live-album oltreché una manciata di EP, soundtracks e altre cosucce.

Grazie alla collaborazione col compositore austriaco Martin Romberg, che si è occupato di buona parte degli arrangiamenti, Rygg e compagni (senza O'Sullivan, ma con Ole Alexander Halstensgård) hanno potuto così concepire un disco ambizioso, forte di un'orchestra di 21 strumenti, ma che mantiene i toni introspettivi, cupi e malinconici che sono da sempre marchio di fabbrica Ulver.

L'album, piuttosto vario grazie a sbandamenti che vanno dall'elettronico all'orchestrale, è stato registrato dal vivo il 21 settembre 2012 in occasione della “prima”, ed è stato successivamente ritoccato, rielaborato e inquinato ad arte dai lupi in studio.

I riferimenti esterni sono stati esplicitati dal gruppo stesso in maniera piuttosto sincera e puntuale nella press release del disco, e ogni pezzo ha una sua anima più o meno ben definita dalla sua principale influenza (il primo pezzo è Górecki al 100%, il secondo e il terzo mescolano palesemente Coil e Terry Riley, eccetera). Tra le esperienze passate del gruppo, invece, a pesare in maniera predominante sono "Shadows of the Sun" (non a caso il disco più cameristico della loro carriera), gli EP della serie “Teachings in Silence” e le varie soundtracks realizzate nei primi duemila (“Lyckantropen Themes” e “Svidd Neger”).

La prima metà del disco è interamente strumentale, mentre nella seconda subentra la voce di Rygg in due pezzi cantati, il quarto e il sesto: due 'preghiere' più o meno ortodosse rivolte rispettivamente a un 'heavenly father' e ad una 'mother of mercy'. Più tetra ed esplosiva la prima, più suadente la seconda, in entrambe il canto di Kristoffer viene accompagnato dagli archi, dai misurati rintocchi del piano e da incursioni elettroniche che fanno da contraltare ai cori angelici che irrompono qui e là.
A separarle, la quinta traccia “La noche oscura del alma”, la più inquietante del lotto, sferzata da contrabbassi e violoncelli ai limiti della Drone Music ed avvelenata da veleni industriali che le donano un mood da film noir.

Insomma non un disco rivoluzionario in senso stretto (abbiamo già detto – anzi, lo hanno detto loro stessi – in quali territori va a parare: classica moderna; Riley e altre sonorità cosmico-elettroniche '70-'80; manipolazioni industrial-ambient tra Coil e Nurse With Wound) come d'altronde la maggior parte delle cose Ulveriane. Ma un disco comunque personale e curioso, sempre ammantato di quella nostalgia che è da sempre parte integrante dell'esperienza d'ascolto di un disco targato Ulver, nel 2013 con “Messe” come nel 1993 con “Vargnatt”.
Nonostante l'effettivo contenuto musicale delle opere dei norvegesi sia stato rivoltato come un calzino più e più volte nel corso della loro carriera, il denominatore comune a tutti i loro lavori è la sensazione di un gruppo attento nel guardarsi attorno, curioso nell'esplorare ciò che li circonda ed affascina, pronto nel tentare qualcosa di nuovo.
“Messe” non fa eccezione e non sfigura nel portare orgogliosamente il nome Ulver in copertina.

Looping State of Mind

Gabriele Bartolini — Fri, 14 Oct 2011 18:52:19 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Ambient

Elettronica

Etichetta:

Kompakt

Anno:

2011

Line-Up:

-Alex Willner - Produzione

Tracklist:

01. Is This Power
02. It’s Up There
03. Burned Out
04. Arpeggiated Love
05. Looping State of Mind
06. Then It’s White
07. Sweet Slow Baby

Field, The

Looping State of Mind

Looping State of Mind, terzo episodio per la favola The Field edito come di consueto per la Kompakt, oltre che un gradito ritorno rappresenta una svolta per il barbuto svedese, e forse anche per il mondo dell' elettronica in generale. Se infatti From Here We Go Sublime si era dimostrato un album profetico, oltre che leggendario, per i precisi dettami che seppe infondere nella musica techno, e Yesterday and Today il definitivo assestamento, una prova di forza sotto molti punti di vista, il nuovo disco cerca di installare questa consolidata dimensione nelle nuove incalzanti correnti monopolizzanti la musica odierna. Una utopia quella del signor Alex Willner quanto mai spiazzante, soprattutto se pensiamo alla piena situazione di stallo in cui sono coinvolti certi ambienti elettronici, che troverà una risposta definitiva solo col passare degli anni, quando potremo allora osservare se le teorie spericolate contenute nelle sole sette tracce di Looping State of Mind avranno imposto precise influenze.

Per adesso "accontentiamoci" di salutare l' opera come ennesima stupefacente prova di The Field, mai come adesso sbilanciato nel produrre una fascinosa arte protesa verso una forma di psichedelia, nel senso generale del termine, annichilente per proporzioni e contenuti. L' assottigliamento delle basi viene abbandonato in favore di una techno dal tiro maggiormente ambizioso che più volte deve essere fermata, limitata nell' ardore, perché davvero c'è il rischio di dilagare sul percorso di una forma precoce di deep house ( come vedremo ciò avverrà solamente in un caso), mentre ciò che per fortuna non viene a mancare è l' assetto ambient, un marchio di fabbrica consolidato. La vera sorpresa però è data dalle numerose deviazioni cui la musica di The Field verrà sottoposta: diverse componenti shoegaze e glo-fi avranno infatti il compito di intaccare le naturali leggi che fino ad ora avevano regolato il mondo di questo particolare artista, imponendo marce adesso meno eleganti e più accelerate, capaci di ritmiche fluttuanti ma al contempo maggiormente variegate ed interessanti. La sobrietà si sacrifica per fare spazio ad ulteriori tecnicismi, ma in ogni caso stupisce la capacità di sapersi accostare a generi che fino ad ora sembravano lontani anni luce dagli stilemi della club music; avvicinamento che per di più avviene con grande facilità e cinismo, capace non solo per questo di consegnare a Looping State of Mind l' etichetta di disco più eclettico del duemilaundici. Come i suoi predecessori viene recuperato l' ipnotismo cerebrale, definibile ancora mediante i tipici cicli continui - detti appunto Loop - da cui il disco prende il nome, ma se una volta la suddetta caratteristica sarebbe risultata efficace per descrivere un disco di The Field, adesso ci perderemmo tutta quella giostra di omaggi a gruppi più o meno consacrati.

Al solito però più delle parole contano i fatti, e l' incipit dell' album può costituire un chiaro esempio della visione artistica con cui stiamo avendo a che fare: Is This Power è un brano turgido e potente, figlio della musica minimalista ma capace soprattutto di omaggiare nella prima parte Detroit ( con qualche rimodellamento delle imperfezioni) e dintorni, per poi lasciarsi andare con un accenno di dance, dal piglio sicuramente istintivo quanto caciarone. Subito dopo parte It's Up There, la dimostrazione di quanto Alex Willner sia ancora voglioso di sperimentare il suo credo su piste diverse. La melodia è spietatamente indirizzata verso la house, ma è grazie a dei particolari esotismi ed ai rimandi alla funky music che il tutto non si trasforma in un anthem possente, e quindi in qualcosa che non appartiene al minimalismo di The Field, mentre sono da segnalare alcune linee marcatamente post-punk. Grandi meriti sono invece riposti nella successiva Burned Out, primo vero riferimento all' elettronica di Washed Out ed allo shoegaze di How To Dress Well: l' immaginifico risultato è impresso nei sette minuti della traccia, che condensa amabilmente una voce da crooner, simile al genietto indie James Blake, con i lineamenti cupi ed ambient della musica. Paragoni ambigui? Niente affatto. Bisogna infatti tenere presente che Looping State of Mind è il primo della serie ad abbracciare piste convenzionalmente più solcate dalla massa, nonché episodio dotato di una maggiore facilità di alternanza negli stili; in questo caso ci siamo infatti spostati su quella new wave improntata su un pop-rock d' effetto abusata in questo periodo da tanti. Per fortuna però che il disco non è composto solo da nuovi ritmi: Arpeggiated Love richiama molti dei temi portanti di Here We Go Sublime, installando lungo i ben dieci minuti di cui è composta evidenti sample di origine soul su di un tessuto minimal techno languido e soffice, mentre la title-track devia il precedente pop succulento per inoltrarsi sulla deep house, anteponendosi persino come la traccia più segnata dallo sballo elettrico del kraut. Then It's White si supera, riuscendo ad abbagliare l' ascoltatore per l' inserimento della classica su basi preparate. Ad essere precisi, per le intense atmosfere ed una certa cupezza islandese dovremo parlare di neo-classica, ma in ogni caso di questo mondo percepiamo solo il pianoforte, mentre tutto il resto è dovuto al tipico afflato delle composizioni di The Field: etichette a parte, il brano, seppur dotato di una certa staticità contro corrente al dettato di Looping State of Mind, è sicuramente uno dei più efficaci. La chiusura è invece destinata alla straniante Sweet Slow Baby, che nulla aggiunge all' opera se non un' altra massiccia dose di schemi ripetitivi, a cui va aggiunta in questo caso forse fin troppa leziosità.

Lungo lo spazio della presente recensione mi sono occupato spesso di paragonare Looping State of Mind con gli altri due episodi discografici, ma ciò che differenzia nettamente le altre uscite da questa è in particolar modo la voglia di cambiare, osare, di Alex Willner. Se con l' uscita di Yesterday and Today si aveva la necessità di rimarcare, sottolineare, una propria cifra stilistica, adesso fortunatamente la musica di The Field non si accontenta di ripetere la lezioncina a memoria, sfornando un disco bulimicamente variegato, dove ci si può aspettare di tutto e di più ed in cui appare impossibile delineare un suono chiaro da cui il tutto si svolge. Certo, molti temi minimali svolgono ancora alla perfezione il loro sporco lavoro, ma anche laddove le esecuzioni si strutturano diversamente non si assiste ad un calo ispirativo, anzi. Come dicevamo in apertura, difficile pronosticare fin da subito il ruolo ( più o meno importante) che l' opera svolgerà all' interno del mondo elettronico, in ogni caso non è da escludere che tale sfrontatezza non possa ripercuotersi positivamente sulla piattezza cronica dei nostri giorni. Speriamo bene.

Biophilia

Vincenzo Ticli — Mon, 03 Oct 2011 09:28:33 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Vincenzo Ticli

Genere:

Cantautorato

Elettronica

Etichetta:

One Little Indian

Anno:

2011

Line-Up:

Björk - Vocals, Instruments, Writing, Producing
Graduale Nobili choir - Vocals
Mark Bell - Writing, Producing
16 bit, Leila Arab - Beats, Producing
Damian Taylor, Sjón, Oddný Eir Ævarsdóttir - Writing

Tracklist:

1. Moon
2. Thunderbolt
3. Crystalline
4. Cosmogony
5. Dark Matter
6. Hollow
7. Virus
8. Sacrifice
9. Mutual Core
10. Solstice

Björk

Biophilia

Biophilia, di Björk, non nasce come un semplice album, ma come un progetto che ha la pretesa di essere mastodontico: usando chimerici strumenti musicali partoriti dalla fantasia di Björk stessa, affidandosi alla tecnologia di Ipod e Ipad al punto da costituire il primo vero app-album della storia, esplicitando intenzioni didattiche, il tema affrontato è uno di quelli da sempre a lei cari, ovvero la fusione tra Natura e Scienza, argomento spesso presente in molte altre canzoni della cantante ma qui espresso al massimo delle sue potenzialità. Infatti, descrivendo fenomeni fisici, astrologici, biochimici, si vuole celebrare l'assoluta compenetrazione di Scienza e Natura: la Scienza indaga la Natura, la Natura parla attraverso la Scienza.
Il progetto nella sua complessità è troppo presto per poterlo giudicare, ma il suo concept, che è anche il concept dell'album, è molto interessante.

Il pezzo che apre Biophilia è Moon, ipnotica e oscillante nella sua ciclicità che ricorda quella dell'astro a cui è dedicata, su cui si innesta un cantato granitico e intenso. Crystalline si basa su forsennati tintinnii di gameleste, uno strumento ibrido tra il celeste e il gamelan, e su beats improvvisi e imprevedibili. La voce è chiara, appunto cristallina, e l'intera canzone sembra quasi essere forgiata plasmando il silenzio che la pervade in maniera claustrofobica.
È proprio il silenzio, paradossalmente, il collante che tiene unite le canzoni di Biophilia: il silenzio affiancato al buio, all'oscurità che è la vera colonna vertebrale di questi pezzi. È il caso di Thunderbolt, dedicata ai fulmini e, come un fulmine, solenne e incostante, spezzata nelle sue pause improvvise e nelle sue pulsazioni quasi dubstep, tormentata nei suoi cori e nei misteriosi tratteggi sonori che simulano l'energia dei tuoni. Mutual Core ha una carica distruttiva nei violenti colpi elettronici che si alternano al lugubre organo che costituisce l'ossatura del pezzo, ma è Sacrifice, ovvero il brano migliore, la vera discesa agli inferi, il punto in cui le tenebre sembrano infittirsi. La melodia è imbastita su semplici, marmorei tocchi di sharpsichord, un enorme carillon che suona come se gigantesche campane tubolari venissero percosse da martelli metallici, un suono profondo, cupo, che accompagna il canto a tratti sussurrato di una Björk riflessiva.
Poche sono le luci che fendono il buio: Cosmogony, nella sua corale dolcezza quasi oracolare, canta dell'universo e delle sue origini con ammirata meraviglia, e Virus, dall'appeal che ricorda molto quello di Vespertine, è un delicato canto di un amore viscerale e strenuamente ricercato, cullato sulla percussione smorzata dell'hang drum, una canzone trascinante nel suo tormento imperterrito, ululato con la feroce grazia di un paziente cacciatore.

Biophilia, ad oggi, è senza dubbio l'album più ostico di Björk: il suo ascolto è spiazzante, imprevedibile. Björk si mette per la prima volta veramente a nudo, esponendo le sue debolezze che prendono forma nelle canzoni: le melodie sono molto varie, alcune sono lineari, altre dissonanti e discontinue, come nel caso di Hollow e dei suoi stranianti polirtmi, e in molti casi sembra che la linea musicale e quella vocale, come anche quella ritmica, prendano direzioni diverse. In realtà, ad un ascolto più approfondito si coglie la perfezione delle architetture, che però appaiono circondate da un'oscurità tangibile, a volte pesante, potenziata dal canto e dall'interpretazione di una Björk non addolorata nè disperata, ma gelida e impulsiva nello stesso momento. È un album fatto di tagli, di incongruenze, fatto di spigoli che non vengono ammorbiditi e che è inevitabile che ci siano, in quanto riesce ad evocare realtà immense nella sua complessiva brevità: da una parte Scienza e Natura, compagne indissolubili e indifferenti nella loro enormità, dall'altra Björk, piccola e meravigliata nella sua intima inquietudine.

Within and Without

Gabriele Bartolini — Wed, 06 Jul 2011 14:33:33 +0000

Voto:

7.1 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Dream Pop

Elettronica

Etichetta:

Sub Pop

Anno:

2011

Link correlati:

Sub Pop records

Line-Up:

-Washed Out - Compositore musiche

Tracklist:

1. Eyes be Closed
2. Echoes
3. Amor Fati
4. Soft
5. Far Away
6. Before
7. You and I
8. Within and Without
9. A Dedication

Washed Out

Within and Without

Li chiamano anni zero questi qua. In cerca di vere certezze, perse chissà dove in quell'oceano di generi, sottogeneri e next big thing, intanto ci godiamo il passato. Perché noi, del terzo millennio, abbiamo la fortuna di poterci permettere questo lusso (nemmeno così tanto democratico). L'avanguardia e la certezza vanno a braccetto, e come gli opposti hanno il vizio di attrarsi tra di loro. Le riviste (o webzine che siano) si devono continuamente aggiornare per stare al passo con i tempi, ma tutto, in musica, sta correndo più di loro. La sorgente li accomuna, la foce li divide. Eccola, la via: partire da qualcosa di certo per poi evolversi individualmente. Lo specchio di tutto ciò, nel 2011, corrisponde alla chillwave. Allacciate le cinture, si parte: elettro/pop, dream/pop, glo/fi - lo/fi, dream beat, hypnagogic pop, dream wave, balearic pop: la chillwave raddoppia e si aggiudica la vincita. Perché dire chillwave significa riprendere le ceneri quasi spente dei suddetti generi per spargerle su campi immortali quali il pop discotecaro da classifica e lo shoegaze più emotivo e nascosto. La chillwave, alla fine, non vuole essere niente di tutto questo, ma è costretta a farsi etichettare così per il suo modo di scandagliare interiore ed esteriore. E poi perché, diciamolo, ogni musica ha il bisogno di essere etichettata. Con i personaggi che ne stanno alimentando la scena sembra quasi di esser tornati ai tempi delle improvvisazioni, dove tutto partiva da una base per poi evolversi in melodie uniche.

Due nomi odierni per la quale vale spendere questo aggettivo sono sicuramente Washed Out e Twin Shadow, per il modo di miscelare le composizioni. Forse gli unici due artisti a risultare convincenti mantenendo uno status primitivo evoluto senza troppo nerbo. Gli altri sono, almeno sulla carta, qualche passo avanti. A partire da Toro y Moi, successore di Atlas Sound e leader indiscusso di questa elettronica all' ambrosia, con Underneath the Pine prima ancora che con Causers of This. Per poi citare altre zone più estreme, come lo shoegaze fiabesco di How to Dress Well, la bedroom electronic di Neon Indian e Small Black ( quest' ultima con rimandi alla claustrofobica post-punk di Joy Division), il funk filtrato dell' italiano Banjo or Freakout e tutto ciò che deriva da dream grazie a Memory Tapes e Memory Cassette. Ma, se gli ultimi nomi citati possiedono una certa passione per un' astrazione di stampo underground, Ernest Greene e George Lewis Jr. sono due esempi di pop music da alta classifica. La loro discoteca non viene abbagliata però da groove impetuosi o da stomp ritmici, ma bensì dalle emozioni. Proprio così. Within and Without non fa eccezione, innalzandosi nella sua lucentezza anni '80 grazie ad un mood etereo ripetuto fino allo sfinimento che sa parlare solo per giochi di emotività ed esigenze teenageriali. Badate bene, anche Life of Leisure, il perfetto EP registrato in precedenza ( consideriamo High Times una sorta di allenamento), funzionava all' incirca così. Si inventano due giri perfetti ( e solo per questo...) e si aggiungono altri brani più o meno mediocri per raggiungere un sufficiente minutaggio. Solo che Within and Without è il primo vero attacco ad un' etica di classifica che ragiona solo per cliché o royalties: Greene non fa altro che mettersi giacca e cravatta e pulire il suo sound dall' imperfezione lo-fi, che a questo punto sembra l' ultimo vero ostacolo per la conquista di qualcosa veramente importante. Evitando per la prima volta il paragone con l' amico Chazwick Bundick grazie al decurtamento delle movenze più baleariche, il Nostro incentra le nove tracce sull' amore, magari quello condiviso in questi mesi in spiaggia, intrise di puro spirito psichedelico accennato negli anni da Animal Collective e Ariel Pink's Haunted Graffiti, qui trasformato in una serie di bisbigli dance che non hanno eguali. Parte da basi molto vintage, quasi alla Cass McCombs, per poi ricoprire gli strati con sostanze ad alto contenuto calorico: alla fine prevarrà più la cioccolata che lo zucchero.

Within and Without esplora la vostra mente, la apre e ne fa uscire tutte le vibrazioni positive. L' album è facilmente malleabile dal singolo individuo, ognuno ne può trarre l' aspetto che vuole. Ed è proprio qui la sua vera forza, ovvero quella di essere un disco ad uso e consumo dell' ascoltatore, che può decidere se lasciarsi cullare dalle derive chillout, oppure ballare al ritmo di queste note posate e solo all' apparenza indolenzite. Puro romanticismo al servizio di una certa malinconia velata dietro i sinth che oggi fa molto trend. Altra nota di merito dell' album è quella di possedere una propensione alla rifinitura esagerata ma mai fuori dagli schemi, e per giunta riuscendo a non farla mostrare mai. Within and Without infatti sono semplici note, come chiede il genere, vogliose di dare spazio ad un tipo di immaginazione quasi ipnotica perché assiduamente pacifica e fuori da ogni canone da slow o fast life. Gesti comuni che con Washed Out diventano incredibilmente importanti. Si citava prima il fatto che pezzi di alto livello reggessero la corporatura di un album altrimenti troppo sterile, ed ecco che in Within and Without questa caratteristica viene puntualmente ripetuta. Amor Fati, Before e la title-track sono, in questo contesto, tre tracce fondamentali. La prima, tanto per cominciare, è il tormentone estivo annunciato, con quel tiro da falso fricchettone e l' incedere da dancefloor che preannunciano il successo dell' album in questione. Before, non fosse per l' esecuzione unicamente strumentale, sembrerebbe Blessa, con tutti gli orpelli del caso volti a nascondere tradizionalismi fini a sè stessi. Infine la title-track a definire apocalissi interiori sotto forma di spleen in formato tastiera sommessa e timida. Il resto son tutti coloranti, ma non per questo possiamo dimenticarci di citare una Soft che è la naturale evoluzione dei Deerhunter, i bassi puntellanti ed insoliti di Echoes oppure Eyes Be Closed, che sembra la versione techno di Porcelain, seguita da maracas e campanelli alla Caribou di Far Away, dai tormenti languidi di You and I e dalla finale A Dedication, con quel piano struggente, manco fosse la versione tamarra di Perfume Genius.

Within and Without stà tutto qui dentro. Semplice e affatto narcisista, regala sorrisi un pò a tutti per poi cadere in episodi di disagi infantili che se fossero un film una lacrima la strapperebbero anche. Washed Out piazza continui accenni di dance celestiale, quasi sempre mascherata, a cui poi non fornisce un seguito. E questo alla fine è il fattore più importante, ovvero quello di non prendere una posizione, oscillando da una parte all' altra ma proponendo alla fine solo degli assaggi, come vuole la chillwave. Che saranno estremamente saporiti, ma sono sempre assaggi. In ogni caso, a Within and Without va il merito di aver elevato in ambito mainstream una scena di cui gli artisti impelagati sembrano andare estremamente orgogliosi. Estivi, ma con stile.

Attention Please

Paolo Bellipanni — Tue, 07 Jun 2011 15:29:28 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Psychedelic Rock

Noise

Elettronica

Etichetta:

Sargent House

Anno:

2011

Line-Up:

- Takeshi - chitarra, programming, basso
- Wata - voce, programming
- Atsuo - batteria, percussioni

Tracklist:

1. Attention Please
2. Hope
3. Party Boy
4. See You Next Week
5. Tokyo Wonder Land
6. You
7. Aileron
8. Les Paul Custom '86
9. Spoon
10. Hand In Hand

Boris

Attention Please

New Album, Heavy Rocks e, finalmente, anche Attention Please. L’altro tassello della trilogia dei Boris completa il quadro stilistico del progetto nipponico, dando ancora una diversa interpretazione di questo immaginario psichedelico/onirico divenuto in breve tempo una sorta di mito underground. Uscito a ridosso di Heavy Rocks (sebbene la data di messa in commercio sarebbe dovuta essere il 26 Aprile), Attention Please esplora il lato più criptico e, per certi versi, inquietante della trilogia, filtrando alcuni episodi dei due album precedenti in una nuova ricerca strumentale e atmosferica.

Attention Please è innanzitutto il lavoro maggiormente composto da rivisitazioni e rielaborazioni passate, essendo infatti il suo esoscheletro formato da ben 5 brani ripresi da New Album (Hope, Party Boy, Les Paul Custom ’86, Spoon) ed Heavy Rocks (Aileron), ovvero una metà esatta dell’opera. Per il resto, i nuovi Boris si muovono lungo percorsi rock estremamente astratti, fumosi e colmi di una bizzarra carica onirica. Lo stoner scompare un’altra volta lasciando spazio e leggere impronte noise pop, la psichedelia si riduce ad atmosfere nebbiose ed ipnotiche, mentre l’elettronica assume un ruolo di primaria importanza nella distensione dei brani, rendendo l’intero lavoro decisamente più freddo.

Un’ipnosi sotterranea che l’omonima Attention Please scioglie attraverso un silenzioso intrecciarsi di basso, beat costante, ululati chitarristici e una voce, quella di Wata, suadente e sognante. Elementi che Tokyo Wonder Land riprende e traduce in una danza ancor più misteriosa e rituale, anticipando quello che è il capolavoro dell’album: You, episodio molto più elaborato e intelligente dei restanti, obliquo esperimento ambientale in cui si incontrano lievi percussioni in sottofondo, voci fiabesche e graffianti apparizioni elettroniche. La sfera più ambientale e d’avanguardia del disco trova poi in See You Next Week un’altra affascinante espressione, avvalendosi di suoni e atmosfere ancora più alienanti: il brano (che si snoda splendidamente lungo un contrasto di riverberi, sottili accompagnamenti di chitarra e un loop ritmico industriale e pulsante) fa toccare ad Attention Please le proprie vette sensoriali più profonde e dilatate, lasciando infine spazio a quello che è il cuore più noise-psych pop del disco, riscontrabile principalmente nelle reinterpretazioni dei pezzi di New Album. Tra queste, brillano fortemente Party Boy e Les Paul Custom ’86, filtrate in un sound ancora più distorto e alienante (è soprattutto la seconda a migliorarsi incredibilmente), mentre – al contrario – da una parte Hope non aggiunge né toglie nulla all’originale e, dall’altra, Spoon perde moltissimo in termini di vigore atmosferico e carica psichedelica. L’altra “auto-cover” Aileron riassume invece i dodici, rocciosi minuti dell’originale di Heavy Rocks in un mesto scorrere chitarristico. A chiudere il sipario vi è infine Hand In Hand, lento flusso di coscienza noise ancora una volta sopraffatto dalla voce cauta e sensuale di Wata, vera e propria sciamana dell’album.

Chiuso Attention Please, chiude la trilogia e chiudono (per ora) anche i Boris. Ciò non toglie che prima della fine del 2011 il folle progetto nipponico possa tornare a prendersi gioco del pubblico, della critica e del Rock stesso. Ma poi, è ancora giusto parlare di Rock con un gruppo come questo? Di parole, ahimè, ce ne sono troppe per poter spiegare al mondo cosa vuol dire Boris: l'unica cosa da fare è smettere immediatamente di leggere questa recensione, comprare la maledetta trilogia e divorarsela. La recensione è finita. Andate.
Forza.

Kammerspiel

Paolo Bellipanni — Mon, 06 Jun 2011 16:06:28 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Elettronica

Folk Rock

Etichetta:

Gizeh Records

Anno:

2011

Line-Up:

- Anneke Kampman - voce, tastiere, arpa
- James Scott - chitarra, basso, programming, violino, ukulele

Tracklist:

1. Maschine
2. Wasp
3. Wild Things
4. Flinch
5. Cheer
6. Bear
7. Crawl
8. Tracer
9. Neanderthal
10. Giant
11. Ira

Conquering Animal Sound

Kammerspiel

Ad oggi, esordire con un buon disco vuol dire aver messo in tasca un buon 50% del proprio futuro musicale. Un mercato cinico e una massa mai appagata come quella contemporanea necessitano di nuove leve con insaziabile crudeltà, ma soprattutto (e questo riguarda in primis il pubblico) desiderano che le realtà esordienti si consolidino e si assestino, onde evitare di perdere quel po’ di buono che raramente viene fuori durante l’anno. I Conquering Animal Sound, duo scozzese (di Edinburgo, per la precisione) che fa capo a Anneke Kampman e John Scott, sono il classico progetto giovane e brillante portato sull’altare del momento da un disco d’esordio piacevole e di qualità. Sperare che possa maturare e migliorarsi è il primo desiderio che la mente produce.

Perché Kammerspiel (titolo preso in prestito dal movimento teatrale e cinematografico tedesco degli anni ‘20) è un disco che sarebbe meglio non perdersi, nonostante si inserisca automaticamente in quel calderone definito folktronica che, più che uno stile, è divenuto un vero e proprio trend. Che la folktronicasia ormai una corrente stilistica globalizzata e profondamente stratificata è cosa nota a tutti ma, sebbene il genere venga spesso preso di mira per incapacità di rinnovamento e per caratteristiche abusate, in interpretazioni come quella dei Conquering Animal Sound tali discorsi cominciano leggermente a perdere peso e importanza. Pur senza rivoluzionare nulla ma portando a termine un piacevole connubio tra strumentazione folk e cornici elettroniche, il duo scozzese è riuscito a rielaborare il genere in chiave molto intima e naturalistica, coinvolgendo soprattutto grazie ad una vena melodica non indifferente.

La qualità c’è e si sente, il songwriting è maturo, i suoni calibrati e ben inseriti nel registro strumentale, le atmosfere dense e pure. Molto, in Kammerspiel, è giocato su lidi indietronici, il tutto arricchito da vaghi sapori post-rock e dalle contaminazioni tra folk e sfera elettrico-elettronica, continue ed intriganti. A colpire è innanzitutto il taglio contemplativo ed onirico scelto dal duo scozzese: i palesi e colti richiami ai vari Clogs, Sigur Ros e Bjork sono infatti filtrati in una sorta di soave meditazione naturalistica, onirica ma asciugata dagli effetti più psichedelici del genere: ne sono esempio Wasp (intervallo elettrico a cavallo tra mùm ed indietronica), Tracer (malinconica perla dell’album), Neanderthale Bear (vere e proprie contemplazioni naturalistiche). A questo va ad aggiungersi la grande ricchezza strumentale del duo, visto che Kammerspiel gioca infatti molte delle sue carte proprio sui contrasti timbrici e sulla varietà sonora di cui è composto ogni singolo episodio del disco. Tra arpe, loop vocali, ritmi sintetici, archi e fiati, a dominare è un onirismo estremamente delicato (i toni circensi e ipnotici di Flinch, la più elettronica Giant, la sospensione atmosferica di Wild Things), che si ripercuote in un immaginario musicale “innocente”, quasi infantile per la leggerezza, la sobrietà e l’atmosfera da casa dei giocattoli che il duo scozzese è riuscito ad evocare.

Un disco che è aria, un canto sinuoso che ha la consistenza del vento e la ruvidità dei rami. Kammerspielè un lavoro da non lasciarsi scappare e, alla stessa maniera, i Conquering Animal Sound sono un gruppo da tenere fortemente d’occhio, soprattutto a causa di un panorama ormai stantio come quello (indie)folktronico che troppo raramente riesce a proporre qualcosa di veramente convincente.