Electro Goth

Pulse And Treatment

Giulio Magliulo — Sat, 19 Apr 2014 10:12:38 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Synth Pop

Electro Goth

Etichetta:

Seahorse Recordings

Anno:

2014

Line-Up:

Cristian Battiato - guitar, synth, sampler, effects
Patrick Guerrera - voice, synth, sampler, effects
Santo Trombetta - guitar, synth, sampler, effects

Tracklist:

She Walks

Last Time

Moon In Blue

Flow

My Own Friends

Beautiful Words

Misanthropy

Feel Into The Void

A Modern Way To Die

Pulse And Treatment

Dalla metà degli anni ottanta una delle missioni che il rock avrebbe dovuto portare a compimento, riuscendoci, è stata quella di diradare le nebbie del post-punk allora imperante.

Diversi poi sarebbero stati i modi di dissolvere la dark music e la new wave.

Il primo, più eclatante, è stato quello di cercare realmente la luce attraverso aperture anthemiche ed universali. I primi crepuscolari U2 potrebbero essere un buon esempio, ma anche i Sisters Of Mercy terminali sempre più coinvolti dal ritmo sintetico rendono l'idea.

Un altro modo, forse più sottile ed intrigante è stato quello di contaminarsi con il guitar rock che da lì a breve sarebbe stato denominato shoegaze. Non parlo di quello acidamente pop di Jesus & Mary Chain, penso semmai a certe chitarre sospese e circolari, vagamente psichedeliche di gente come The Church o House Of Love, in qualche modo sempre oscuri persino quando non volevano esserlo, scotto da pagare per gli psichedelici fuori stagione.

Rievocare tali scenari nel 2014 evitando il rischio di cadere nella sterile imitazione è stata la sfida, innegabilmente stravinta, da A Modern Way To Die.

E se il trio catanese perviene a tale risultato è perchè non fa nulla per nascondere le sue influenze più riconoscibili, anzi la convinzione che caratterizza Pulse And Treatment fa di esso un album che non sfigurerebbe tra i capolavori del periodo. L'immediatezza - che non sempre è un pregio – diventa qui punto di forza e se la voce fredda ed evocativa di Patrick Guerrera ci ricorda i primi onirici Litfiba o il Nick Cave più sermonico se non l'ultimo Peter Murphy, esteta estremo, è perchè essa va per diritto naturale ad insinuarsi lì in mezzo. Ed anche la 'fase electro' è fondamentale per gli A Modern Way To Die, non bisogna dimenticarlo, ed ecco che quei synth cari ai Soft Cell o ai New Order allora ritornano utili.

Un album pieno, carico, intenso, dall'inizio alla fine, in cui si attraversa una galleria di specchi dai quali si affacciano i profili severi di Ian Curtis e di Andrew Eldritch, dove le gesta decadenti di Clan Of Xymox e Bauhaus hanno ancora asilo, dove è possibile essere rapiti da chitarre sature ed acidissime ma al contempo piombare sui più oscuri dancefloors ove sorridere ubriachi pensando che se nel rock è già stato detto tutto, a volte basterebbe solo che fosse ridetto bene. Come avviene in Pulse And Treatment, un disco magnificamente ossessivo, paranoico ed epico.

Stridulum

admin — Sat, 07 Aug 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Electro Goth

Etichetta:

Sacred Bones Records

Anno:

2010

Link correlati:

Line-Up:

- Nika Roza Danilova - tutti gli strumenti e le composizioni

Live band:
- Alex Degroot
- Nick Turco
- Shane Verwey
- Nick Johnson

Tracklist:

1. Night
2. Trust Me
3. I Can't Stand
4. Stridulum
5. Run Me out
6. Manifest Destiny

Zola Jesus

Stridulum

Sotto il nome d'arte di Zola Jesus si cela Nika Roza Danilova, giovane e prolifica compositrice russo-americana di classe '89 e che in solo un anno e mezzo ha dato vita a due album, altrettanti EP ed un side-project con Jamie Stewart degli Xiu Xiu, i Former Ghosts - che risentono anche del suo stile.
I suoi primi lavori consistono in un originale noise minimale e dissonante, quasi privo di melodia e fortemente alienante (a volte ai limiti dell'ascoltabilità). Occasionalmente emergevano piccole influenze dark a particolareggiare la musica, ma esse sono diventate consistenti (e addirittura predominanti) solo nell'ultimo e più maturo disco The Spoils, mescolate a richiami della no-wave e nascosti riferimenti al dream pop, al punto che l'album è stato definito "lo-fi goth".
Il suo nuovo EP, intitolato Stridulum, mantiene le strutture e il mood tetro del predecessore, ma abbandona i droni rumoristici privilegiando queste tinte dark per costruirci attorno 6 brani atmosferici e spettrali, costituiti prevalentemente da beat secchi e sintetici di drum-machine, riempimenti ambientali di tastiera cupi e spettrali, arrangiamenti scarni ma fortemente evocativi e soprattutto la voce tenebrosa e sofferente di Nika. La registrazione soprattutto si fa più pulita, per conferire maggiore maggior vigore alle atmosfere a scapito di quell'attitudine lo-fi ritenuta inadatta, mentre viene mantenuta l'attitudine intimista e un po' minimalista sempre impegnata in una ricerca mistica e introspettiva insieme.

Si inizia quindi con Night, cupissima, scandita da un battito ripetuto ripreso dall'ebm e sostenuta in lontananza da tappeti di strings puramente dark ambient, pochi ma efficaci elementi su cui si adagia Nika con la sua voce melanconica che diventa particolarmente espressiva nel climax centrale (voci campionate in lontananze a dare un effetto onirico, beats incalzanti che mutano leggermente diventando più metallici e riverberati, picchi vocali decise e vissute). La musica generalmente sembra essere pervasa da un senso di sepolcralità che rievoca in parte Nico, lo si nota soprattutto nella successiva breve Trust Me soprattutto per quanto riguarda le linee vocali, ma il gioco di chiaro-scuro costruito con l'ausilio delle tastiere tende a fargli acquisire connotati più sacrali e a sua volta i beats sintetici, che nel frattempo si sono trasformati in un ebm più spedito, lo trasfigurano ulteriormente proiettandolo in una dimensione più urbana. Per questo, nonostante l'esecuzione relativamente placida, il mini assume retrogusti angoscianti molto sentiti.
I Can't Stand è particolarmente malinconica nonostante i tappeti eterei di tastiera (che sembrano rievocare e al tempo stesso negare i Cocteau Twins), ma essi vengono resi meno "teneri" dalla drum-machine ossessiva e dalla voce dolente facendo loro assumere sfumature funeree. Forse è il brano più vicino agli anni '80 per certi spunti nelle atmosfere e nei ritmi della drum-machine che questa volta si avvicinano al periodo wave, nonostante il timbro secco e cupo tradisca l'origine contemporanea degli stessi.
La successiva Stridulum è forse la più depressiva, con string tenebrose, i battiti gotici e ripetuti d'accompagnamento e le linee vocali disperate di Nika, mentre il finale campiona canti liturgici che enfatizzano il lato sacrale della musica. Se si eccettua qualche piccolo beat sul finire, la rarefatta Run Me Out è quasi interamente incentrata sulla tastiera, che la proietta verso atmosfere inizialmente macabre (nonostante il banalissimo sample midi utilizzato) che via via si fanno più celestiali, comunque oscure.
Infine abbiamo Manifest Destiny, densamente contaminata da un'angoscia mistica come se ci si trovasse di fronte a qualcosa di incommensurabile e incomprensibile, mentre il battito intenso emerge solo nel corposo ritornello.

Si tratta senza alcun dubbio di un prosieguo evolutivo sul sentiero imboccato con The Spoils, che probabilmente farà da trampolino di lancio verso un nuovo album nerissimo e ancor più metabolizzato nelle sue sofferenze, con cui cercare la risposta ai dilemmi interiori raccontati nel disco e abbracciare le aperture più speranzose ed eteree.

Deus ex Machina

admin — Sun, 10 May 2009 22:00:00 +0000

Voto:

4.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Electro Goth

Etichetta:

Swanlake Records/Massacre/Co

Anno:

1998

Line-Up:

- Liv Kristine Espenæs Krull - voce, testi
- Günther Illi - tutti gli strumenti e gli arrangiamenti, produzione

Tracklist:

1. Requiem
2. Deus ex Machina
3. In the Heart of Juliet
4. 3 AM
5. Waves of Green
6. Take Good Care
7. Huldra
8. Portrait - Ei Tulle Med Oyne Bia
9. Good Vibes, Bad Vibes
10. Outro

Liv Kristine

Deus ex Machina

Liv Kristine Espenæs Krull esordisce già a 10 anni nel coro della propria città e dopo aver studiato pianoforte nel 1994 si unisce al gruppo metal Theatre of Tragedy col quale rilascia due dischi prima di questo debutto solista nel 1998.
L'album, intitolato Deus ex Machina, è stato interamente composto e suonato dal produttore Günther Illi, la cantante norvegese si limita a scrivere i testi e a cantarli.
Il lato negativo è che la musica si rivela abbastanza piatta e povera in contenuti, in quanto consiste in una lunga sequenza di elementi dark ambient, elettro, goth e persino new age triti e spersonalizzati, se non anche allungati con manierismi come lirismi ampollosi e stratificazioni di tastiera particolarmente derivative. Come suggerito anche dai titoli delle canzoni, l'intero disco è permeato da una insipida banalità nel songwriting che emerge a più riprese come effetto collaterale del tentativo non molto velato di far risultare il disco mesmerizzante, sacrale e "mistico". Purtroppo il risultato sfocia in un gira-la-moda di cliché stilistici provenienti da diversi settori dell'elettronica cupa.

Requiem è una semplice intro di vocalizzi lirici adagiati su tastiere spettrali.
La prima canzone è la titletrack, lunga e ripetitiva canzone in cui avvolgenti tappeti di tastiera fanno da sfondo a giochi melodici oscuri; le atmosfere sono dal sapore generalmente decadente ma "modernizzato" da piccoli spruzzi elettronici (e che sul finire catapultano in un inquietante scenario urbano minimalista grazie soprattutto al battito sintetico), mentre i riferimenti al goth ottantiano si inseriscono fra le strings e le linee vocali eteree. Il tutto è confezionato in modo probabilmente suggestivo, sicuramente molto artificioso, e la ripetitività del brano ne stempera il potere evocativo rendendolo piuttosto soporifero.
In the Heart of Juliet è un po' un punto d'incrocio sbiadito fra Cure ed Enya, filtrando il risultato con un mood malinconico dal sapore tipicamente scandinavo e persino spunti chitarristici blueseggianti in un contesto che suona monotono e blando.
3 AM naviga su territori più catchy e ispirati, variando la proposta stilistica (riciclo in maniera graffiante di stereotipi come ritmo trip hop, atmosfera post-industriale, elettronica a la Ultra, continui mini-assoli bluesy di sottofondo, duetto con voce maschile - in questo caso Chris Holmes della gothic-metal band Paradise Lost) ma suonando ancora più derivativa, e di conseguenza artificiosa e impersonale, come altra faccia della guadagnata efficacia melodica.
Waves of Green è un celestiale, medievaleggiante, ripetitivo mescolamento di arpa, piccoli interventi di pianoforte, vocalizzi cristallini a la Elizabeth Fraser, climax emotivi dai toni epicizzati e strings-melassa a iosa. Si tratta di un brano rilassato, incentrato sugli acuti speranzosi di Liv e sui riempimenti sonori di contorno per fare atmosfera, ma è anche abbastanza prevedibile.
Take Good Care è una melodiosa canzone che riprende lo stile degli One Dove enfatizzando i fondali ambientali di tastiera per cercare di dare un tocco più "onirico". Nonostante le chitarre acustiche siano un po' monotone, il pezzo suona più fresco dei precedenti; sfortunatamente la successiva Huldra è una parentesi con samplings, campionamenti d'archi e voci da soprano in lontananza, che dovrebbe risultare drammatica in qualche modo, ma che affoga nella banalità più totale. Portrait, cantata in norvegese, parte da queste tonalità più "tragiche" per portare avanti un mix di musica sacra ed ambient stile Era unito ad elettronica industrial/ambient/trip hop dove trionfa ancor di più la pacchianeria a offuscare i pochi riusciti spunti melodici.
La canzone conclusiva è Good Vibes Bad Vibes, una rivistazione in chiave dark di certa new age, perché Outro non è altro che un'inutile ripresa di Requiem.

Il lavoro svolto da Illi in fase di composizione è povero di idee come anche di personalità, mentre il talento vocale di Liv Kristine viene diluito in un mare di soluzioni sonore artificiose che ne appiattiscono le capacità espressive e la flessibilità canora; e la partecipazione di Chris Holmes nel quarto brano è abbastanza sprecata.
Non c'è molto da salvare nell'esordio da solista di Liv, che si rivela a conti fatti una delusione.

Ashamed Of Yourself

admin — Mon, 29 Dec 2008 23:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Filippo Morini

Genere:

Electro Goth

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2008

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White Pulp Official Website

Line-Up:

- Sonny - voce, chitarra, synth
- Nuke - basso, sampler, synth
- Charles - chitarra
- Archelao - batteria (solo live)

Tracklist:

1. Blackout
2. Peace Of Mind
3. 80’s
4. Scared Eyes
5. Highest Star
6. God
7. I Hate You
8. A Short Fall
9. I’m So Sorry
10. Crows’ Love
11. Got A Reason
12. Sinking So Deep

White Pulp

Ashamed Of Yourself

Da un'idea del cantante/tastierista/chitarrista Sonny (già nei Posthuman, tributo a Marylin Manson) nascono i White Pulp, che uniscono chitarre iper sature alla Nine Inch Nails con frammenti di crepuscolare elettronica di stampo new wave, arrivando nel 2008 a pubblicare Ashamed Of Yourself sotto distribuzione Jestrai.

La loro proposta ruota intorno a punti di riferimenti ben saldi ma spesso ingombranti: melodie e romanticismo tipico dei Depeche Mode, atmosfere tetre e suoni disturbanti tratti dai già citati NIN sono le caratteristiche di spicco all’interno del loro suono, che comunque cerca con tutte le forze di rimanere personale e distaccarsi dalle evidenti influenza internazionali.
Questo obbiettivo viene in parte centrato grazie alla commistione di elementi spesso poco compatibili tra loro, una inaspettata concessione alla melodia orecchiabile e ai ritornelli cantabili viene infatti rivestita con suoni freddi e computerizzati, che paiono sempre manipolati o filtrati attraverso strumenti di ogni sorta creando così un contrasto che convince a tratti.
La pesantezza e la seriosità dell’atmosfera oscura aleggiante in ogni canzone pare sempre smorzata dalla struttura particolarmente prevedibile dei singoli pezzi, che sembrano concentrarsi maggiormente sul ricamare melodie ben definite piuttosto che costruire paesaggi sonori dotati di profondità e portatori di inquietudine o malessere, sensazioni che solitamente si attribuiscono all’industrial.
Il trip hop di Blackout che muta velocemente per raggiungere lidi gotici e aggressivi per poi ritornare sui suoi passi è un buon esempio della dinamica secondo cui si svolge ogni episodio contenuto in questo disco: basti ascoltare anche la spumeggiante 80’s o la valida Scared Eyes, dotata di enorme potenziale commerciale, o ancora la più banale ma comunque piacevole I Hate You seguita dall’ammiccante Crows’ Love, che sembra essere figlia dei Silverchair di Neon Ballroom.
Insomma, più della metà delle canzoni si rivelano ottimi pezzi pop da classifica, ben prodotti e dai tipici suoni lustri ma sintetici, solo “travestiti” da ciò che non sono, utilizzando una serie di ingredienti tipici di generi musicali oscuri ed angoscianti.

In fin dei conti i White Pulp ricordano più i Babylon Zoo proiettati nell’immaginario del film “Il Corvo” piuttosto che i NIN, un po’ per i sintetizzatori che si impennano spesso tra suoni vagamente House e le chitarre sempre distorte e “cattive” ma mai minacciose, un po’ per la straripante melodia che fondamentalmente rappresenta il cuore pulsante di questo lavoro.
Ciò ovviamente non intende essere un punto a sfavore del disco, che rimane comunque ben fatto, curato e adattabile a gusti differenti nonostante la sua natura, ma semplicemente una constatazione di come le prime impressioni derivanti dall’artwork e dalla dimensione stilistica scelta si rivelino molto diverse una volta conosciuto a fondo ogni pezzo di Ashamed Of Yourself.

Broken Grid

admin — Sun, 20 Jan 2008 23:00:00 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Electro Goth

Etichetta:

Synthetic Symphony/Audioglobe

Anno:

2008

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Solar Fake Official Site

Line-Up:

- Sven Friedrich - tutti gli strumenti, voce

Tracklist:

1. Hiding Memories From The Sun
2. Stigmata Rain
3. (You Think You're) Radical
4. The Shield
5. Creep
6. Here I Stand
7. I Keep My Eyes Shut
8. Hero & Conqueror
9. Lies
10. Sometimes
11. Your Hell Is Here
12. I Can't Remember

Solar Fake

Broken Grid

Solar Fake è il nuovo progetto di Sven Friedrich, personalità di spicco del panorama Dark tedesco, grazie al suo contributo nei famosi Dreadful Shadows, che cercarono di costituire un ponte tra le sonorità della Wave ottantiana e le contemporanee sperimentazioni elettroniche dello scenario gotico. Solo sette anni dopo la fine del capitolo con i Dreadful Shadows, Friedrich decide di concretizzare le sue idee musicali personali, giungendo quindi nel febbraio 2008 alla pubblicazione dell’esordio Broken Grid, album che riassume la tradizione Electro ed EBM degli anni Novanta in dodici hit maestose e cariche di ritmo.
Non mancano comunque riferimenti agli albori della nuova era elettronica, come la sensibilità tipica del Synth Pop e le follie soffocanti di un certo Industrial d’epoca.

Hiding Memories From The Sun è l’opener con cui Sven Friedrich stabilisce un legame con il sound atmosferico dei Depeche Mode più accessibili: le tastiere dominanti sono supportate da una programmazione ritmica non di certo originale, ma decisamente trascinante nel suo feeling mesto. La voce di Sven è poi un veicolo di gelide emozioni, che circondano la traccia nel suo lento incedere e che garantiscono una direzione ben diversa da quel che sarà il corso dell’album. La seconda Stigmata Rain è infatti più intrisa dei fraseggi tipici dell’EBM, ma riesce ancora a mantenere un contatto con timbri più distesi e spettrali.
Il grande calo di Broken Grid si avverte in tracce come The Shield o Here I Stand, in cui si cela un mood meno malinconico e più votato a riscoprire meandri ballabili, alquanto banali nell’approccio. Le canzoni cominciano a diventare simili una rispetto alle altre, perché le soluzioni ritmiche sono ripercorse costantemente, senza aggiungere variazioni nei patterns impostati elettronicamente da Friedrich.
Hero & Conqueror cerca di risollevare le sorti di un full-lenght in caduta ma si traduce in un episodio ordinario per il circuito Electro-Goth: addirittura Sven Friedrich conforma il proprio tono vocale a quello melodico e apparentemente elegante impiegato da numerose altre realtà del genere (con conseguenze però prevedibili e scontate).

Se si vuole stabilire un confronto con l’operato precedente del musicista tedesco, si noterà come Broken Grid, più si sviluppa verso la sua conclusione, sia abbastanza povero di idee e come Friedrich non sia riuscito a mantenere intatto lo smalto dei buoni prodotti dei Dreadful Shadows.
L’ambito musicale è certamente diverso, perché più orientato verso il filone Electro rispetto a quello Gothic Metal del progetto originario, ma Solar Fake appare come una realtà dozzinale, che può essere considerata addirittura ininfluente anche all’interno della stessa Synthetic Symphony, la divisione della SPV Records che ha creduto nelle potenzialità di Sven. Non rimane quindi che sperare in un successore più vario ed elaborato, che possa dare nuova linfa all’Electro Goth proposto da questo comunque valido esponente della scena dark tedesca.

Seelenschmerz

admin — Sat, 12 Jan 2008 23:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Federica Grande

Genere:

Electro Goth

Etichetta:

SPV Records/Audioglobe

Anno:

2001

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Blutengel Official Site

Line-Up:

- Christian "Chris" Pohl - voce e strumenti
- Gini Martin - voce femminile su Seelenschmerz e su I'm Dying Alone
- Kati Roloff - voce femminile su Soul Of Ice e su I'm Dying Alone

Tracklist:

1. Welcome to the Suicice (Intro)
2. Seelenschmerz
3. I'm Dying Alone
4. Der Spiegel
5. Schmerz 1 - Liebe (Strumentale)
6. Die With You
7. Run Away
8. Soul Of Ice
9. Schmerz 2 - Lust (Strumentale)
10. Bloody Pleasures
11. Children of the Night
12. Schmerz 3 - Einsamkeit (Strumentale)
13. Any Chance?
14. Road to Hell
15. Schmerz 4 - Tod (Strumentale)
16. After Death (Outro)

Blutengel

Seelenschmerz

Herr Chris Polh, un eccentrico vampiro teutonico, fonda i Blutengel al termine degli anni ’90. L’album d’esordio Angel Dust (1999) non suscita il clamore sperato; la band sembra destinata a diventare un semplice divertissement del cantante dei Terminal Choice.
Naturalmente Mr. Pohl e il suo complesso di narcisismo non contemplavano una sconfitta; infatti, nel 2001 esce dal cilindro di Chris un piccolo capolavoro: Seelenschemerz.

L’album è stato sapientemente strutturato in modo che intro, tracce strumentali e outro accompagnino l’ascoltatore nel mondo evanescente dei Blutengel e lo rapiscano per sempre.
La title-track Seelenschmerz è senza dubbio la più coinvolgente: la voce eterea di Gini Martin e le lyrics poetiche (Kannst du in meiner Seele lesen/ In meinen Träumen bin ich jede Nacht allein, ovvero Riesci a leggere nella mia anima?/ Nei miei sogni sono solo ogni notte) si fondono con la melodia delle tastiere e regalano una dolcezza inaspettata alla lingua tedesca; con queste premesse è impossibile non ballare questa club hit, divenuta la canzone-simbolo dei Blutengel.
Inversione di rotta con Der Spiegel, qui le vocals di Chris sono velate da una sensuale crudeltà grazie al ritmo serrato e ai suoni decisamente più ruvidi.
Soul of Ice è invece caratterizzata da un beat ossessivo, che evoca la maledizione di un’algida dark lady, destinata a non volere/potere amare. Questo pezzo è il manifesto del sound made by Blutengel: synth come se piovesse, parole intonate (più che cantante) dalla voce baritonale di Chris Pohl; tutto in netto contrasto con la linea vocale femminile, lieve e armoniosa. Un marchio di fabbrica che li ha resi celebri e ha stregato i fan a tal punto che, chi ama i Blutengel, sembra destinato a non sperare troppo in una loro evoluzione artistica.
Un inno alla trasgressione (forse più psicologica che sessuale) è Bloody Pleasure: la combinazione di drums e synth dà l’illusione di esser circondati dal un mondo di tentazioni alle quali non si può rinunciare; il testo fa riferimento al mondo dei vampiri, i revenant per i quali la sessualità è legata al sangue e non ai piaceri della carne. Il vampiro-Pohl attraversa un labirinto di suoni che conducono ad abbandonare gli stereotipi della società, per valorizzare l’autenticità della propria natura (And in my world of temptation/ I will wait for you, ovvero E nel mio mondo fatto di tentazioni/ Io ti aspetterò).
Le restanti tracce appaiono inevitabilmente meno interessanti, se paragonate a queste catchy songs: canzoni che conquistano dal primo ascolto e trasmettono il desiderio ballare anche ai Goth più oziosi.

Con il loro secondo lavoro i Blutengel gettano le basi per una solida carriera, che li vedrà protagonisti indiscussi della scena electro-goth europea e headliner di numerosi festival internazionali. La consacrazione dell’esteta Chris Pohl e delle sue avvenenti vocalist-performer insinua il legittimo dubbio che a trionfare sia stata la loro immagine impeccabile, più che la sostanza. Non resta altro che rispondere con un aforisma di Oscar Wilde: “Solo le persone superficiali non giudicano dalle apparenze”.

Violent Acts Of Beauty

admin — Wed, 31 Oct 2007 23:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Iacopo Fonte

Genere:

Electro Goth

Etichetta:

Trisol Music/Audioglobe

Anno:

2007

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LAM Official Website

Line-Up:

:
- Sean Brennon – voce, chitarra, basso, tastiera, batteria, programming, produzione

Tracklist:

:
1. The Beginning of the End
2. Feeling Fascist?
3. Nothing's Sacred
4. Heaven Now
5. America's a Fucking Disease
6. Complex Messiah
7. Republic
8. Fear – 4:18
9. Pure
10. The Kids Are All Wrong
11. Love You to Death
12. The Pain Looks Good on You
13. Nothing's Sacred (Extended Club Mix)
14. Nothing's Sacred (Edit Club Mix)
15. Nothing's Sacred (Original Demo)
16. America's a Fucking Disease (Clean Edit)

London After Midnight

Violent Acts Of Beauty

Oddieties, 1998, Violent Acts Of Beauty, 2007. Ormai quasi dieci anni sono passati dall’ultima produzione discografica dei London After Midnight, la band californiana che probabilmente passerà alla storia come il complesso artistico che pagò il più alto prezzo proprio a causa della propria precoce storicità. In definitiva se oggi la band del celebre Sean Brennon è carente nel tabellino dei dischi prodotti, è colpa forse di quel capolavoro glam/goth che fu Psycho Magnet, secondo lavoro risalente al lontano 1997, che entrò brutalmente negli annali del genere, consacrando i LAM a band di culto delle schiere oscure di mezzo mondo.
Oggi invece la situazione è un poco diversa: in campo, la band californiana incontra una concorrenza decisamente più ingombrante rispetto alla metà degli anni ’90 e di conseguenza si trova a inseguire mezzi espressivi più moderni, al passo con il sound contemporaneo. Sarà stato il travolgente successo del secondo full-lenght dei londinesi notturni, sarà stato il temuto blocco dello scrittore, sta di fatto che oggi i London After Midnight sono di nuovo in pista, tirati a lucido, cambiati, ma come sempre fortemente espressivi. Il taglio di sottile ironia e la critica spesso velata che caratterizzavano le loro vecchie composizioni sono oggi presenti in piccole quantità, ma accentuate (Feeling Fascist?; America’s a Fucking Disease). Le liriche sono a questo proposito decisamente più dirette, in un platter che si presenta come diretta denuncia del sistema americano e dell’ipocrisia di tutto un sistema di potere (i caratteri stile cirillico in copertina hanno un non so che di anti-americanismo socialista).

A fianco dunque delle forti tematiche politiche e di critica sociale rimane un’architettura musicale fresca e dinamica (Nothing’s Sacred, Fear) che passa ripetutamente da loop dancefloor, a patterns di chitarra massicci, molto concreti, che allontanano decisamente il groove dei LAM dalle tonalità sfumate e romantiche dei precedenti lavori – anche se a tratti ancora tangibili in Love You To Death e The Pain Looks Good On You -. Quello che si perde in eleganza e intrigo, viene recuperato però in ritmica – molto accentuata e frammentata – e qualità del suono. Il disco si presenta insomma ben strutturato, lungo (sedici tracce – di cui quattro bonus - come a ricompensa di un eccessivo silenzio) e molto ascoltabile ed episodi come The Kids Are All Wrong e Republic, vere immagini dell’album, si candidano sicuramente per affiancare i vecchi classici delle performance live.
Non rimangono infine che due postille: la prima è la stranezza di un album che migliora qualitativamente con i minuti, conservandosi i suoi pezzi migliori, quasi timoroso, per la fine, la seconda è il leggero rimpianto per quel fascino indecifrabile e quell’estetismo dei primi lavori, ora mancante, che accompagnò fin dall’inizio la band verso il successo. Guardando al presente però non si può che essere contenti del ritorno dei Sean Brennon e dei suoi colleghi live, fiduciosi nella nuova sessione di date europee imminenti, ma consapevoli del loro cambiamento di rotta.

Xenomorph Angel

admin — Sat, 20 Oct 2007 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Iacopo Fonte

Genere:

Electro Goth

Etichetta:

Decadance Records

Anno:

2007

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BBRTF Official Website

Line-Up:

- Eva K – voce
- Kyriakos P – tastiere, programming
- George P – tastiere, chitarra

Tracklist:

1. Crashed
2. Morning star
3. Xenomorph Angel
4. Burning
5. Want you there for me
6. Oxygen
7. Lovewar
8. Das maerchen
9. Monographic
10. Reisen
11. H.E.A.T.
12. Elegy

Blue Birds Refuse to Fly

Xenomorph Angel

Come sonorità provenienti da un futuro indefinito, i greci Blue Birds Refuse To Fly, scoperti in casa Decadance Records a cominciare dal 2004 con Anapteroma, ci propongono un terzo album dai toni fantascientifici, ricco di immagini ricamate, e sensazioni ancestrali. Xenomorph Angel – direttamente dal celebre film Alien-Xenomorph Angel – è un disco di puro ebm atmosferico e onirico, dal taglio raffinato, nonché profondamente sensuale. Le suggestioni suggeriteci dal trio ellenico hanno movimento ondulare, dense di vedute interstellari e situazioni etereo-spaziali – come bellamente ci testimonia Burning, brano di netta tendenza dancefloor -. Da qui il gruppo di Atene si concede passaggi electro più classici, da mainstreaming, seguendo le direttive dei leader maximi In Strict Confidence (l’introduttiva Crashed ne è un ottimo esempio).
Il tessuto sonoro, caratterizzato tutto al più da synth e tastiere, è impreziosito poi dalla voce solista della talentuosa Eva K, una sorta di poetessa-veggente che interpreta molto dolcemente, oltre che con abilità, il mood definito dalla coralità strumentale. Capitolo particolarmente ben riuscito è a questo proposito Want You There For Me: qui la band si avventura in sonorità decisamente più electro-pop, curando con attenzione i risvolti melodici della composizione, i quali si fondono perfettamente con un vocal in più punti sussurrato. L’effetto risultante è di grande piacevolezza, ma soprattutto di leggerezza; caratteristica la quale sicuramente aiuta l’assimilazione di un disco di dodici tracce. Seguono infatti a cascata brani atmosferici e malinconici, alternati a quelli più dinamici dal punto di vista elettronico: Oxygen, track cristallina e delicatissima, e Lovewar, prova di grande abilità compositiva in campo elettro-body-music.

Proseguendo il fin ora ottimo lavoro, la band propone quello che è forse il brano meglio riuscito, se non quello apparentemente più improbabile, Das Marchen. Titolo tedesco, per lyrics tedesche, che conferiscono la grande versatilità della lingua teutonica per le produzioni elettroniche. E’ qui che il trio ateniese esprime il meglio delle proprie idee, con soluzioni ritmiche e melodiche di ampio respiro, lontane da loop ripetitivi o scontati, che si rivelano quindi per nulla inferiori alle produzioni degli stessi ISC. Presa dunque la palla al balzo, i Blue Birds Refuse To Fly proseguono con espedienti da dancefloor eighties – consci forse della loro infallibilità attuale – arrivando a superare, forse troppo prolissamente, i cinquanta minuti (a nascondere tale pecca è il brano atmosferico più bello, Elegy, arricchito a sorpresa da interventi vocali maschili).
Si tratta dunque di un album valido e prodotto in modo impeccabile; la sua versatilità alle atmosfere ballabili lo aiuta se non altro a guadagnare maggiore lustro. Una risorsa da non sottovalutare a tal proposito è la possibilità di estrapolare a volontà brani al fine di un ascolto momentaneo, o in generale per un inserimento in mixaggi dj. La strada verso orizzonti sempre migliori insomma è decisamente aperta, non rimane perciò che perseguirla. Ne saranno capaci?

Opheliac

admin — Fri, 28 Sep 2007 22:00:00 +0000

Voto:

9.0 / 10

Autore:

Iacopo Fonte

Genere:

Electro Goth

Etichetta:

Trisol Music/Audioglobe

Anno:

2007

Link correlati:

Emilie Autumn Official Site

Line-Up:

- Emilie Autumn – tutti gli strumenti

Tracklist:

1. Opheliac
2. Swallow
3. Liar
4. The Art Of Suicide
5. I Want My Innocence Back
6. Misery Loves Company
7. God Help Me
8. Shalott
9. Gothic Lolita
10. Dead Is The New Alive
11. I Know Where You Sleep
12. Let The Record Show

13. Dead Is The New Alive
14. Liar

Autumn, Emilie

Opheliac

A discapito di timori e dubbi, l’eroina gotica Emilie Autumn si sta rivelando ben più di un mero fenomeno commerciale in stile revival-baroque; a tal proposito la seconda ondata promozionale e commerciale di Opheliac, secondo full-lenght risalente al 2006 e pubblicato sul mercato europeo solo a novembre 2007, ne è chiaramente il banco di prova. Da semplice ragazza californiana con una profonda passione per il violino - iniziata all’età di quattro anni - attraverso poi l’innamoramento per la musica barocca, il neo-classical, il medieval, Emilie approda alle preziose collaborazioni con la frontwoman Courtney Love (Hole) e con Billy Corgan (Smashing Pumpkins). Queste prime esperienze la portano a mettersi di nuovo in proprio, nell’ambito di Chicago, dove si dedica all’elaborazione del disco della svolta, Opheliac, la cui pubblicazione sarà preceduta da un EP di otto tracce, auto-prodotto, che le valse la firma sotto la prestigiosa teutonica Trisol Music Group. L’interesse della label europea per questo eclettico talento si dimostra ben presto un affare coi fiocchi: la prima ondata distributiva dell’album viene rapidamente esaurita, con Emilie che si candida a diventare nuova goth-symbol. In tale contesto la ristampa del primo Enchant, album d’ispirazione neo-classica, strumentale, e l’apparizione al fondamentale palco del Wave Gothic Treffen nel maggio del 2007, contribuiscono a diffondere la musica della Autumn, con oggi la conseguente, inevitabile, seconda ristampa di Opheliac. Una mossa di marketing da manuale quindi, quella della Trisol, è la proposta di una confezione digi-pack fornita di doppio disco - con materiale inedito - poster e un esaustivo booklet di quasi trenta pagine. Tutto ciò naturalmente a testimonianza di quanto l’artista americana sia probabilmente oggi la prospettiva più redditizia per la label tedesca, la quale non ha esitato a far coincidere il tour europeo, con il periodo di diffusione del disco.

Giocando sulle proprie doti compositive, su atmosfere malinconiche e melodrammatiche, su commistioni goth e classiche, su tematiche fin troppo vendibili e vendute, ma qui rilanciate, di suicidio, rapporto esistenziale vita-morte, Emilie ha prodotto un disco di una raffinatezza pregevole, che riesce nell’impresa impossibile di addentrarsi in un sound pop ad alta dose commerciale e contemporaneamente di uscirne pura e incontaminata, oltre che esponenzialmente arricchita. Un’azione quasi di rapina la sua, che non lascia a noi spettatori nient’altro se non la possibilità di assistervi acconsenzienti e compiaciuti, instillandoci una dipendenza profonda dalla voce aggressiva, dolce, melodica e sfrontata di Emilie. L’eclettismo vocale, oltre che strumentale, davvero eclatante per tutta la durata (settanta minuti totali) delle quattordici tracce – dodici originali, più due di bonus –, ricama situazioni sonore ai limiti dell’onirismo; si ha a che fare con episodi di melodia piccante, romantica e intrigante. Soffermarsi più volte sulla toccante The Art Of Suicide diventa d’obbligo, tanto che sorge spontanea la domanda: è mai stato composto un brano dalla sensibilità più efficace? Perché in definitiva, con Opheliac, si parla di questo: totale efficacia sonora. Paradossalmente sembra che ogni nota dell’album sia stata concepita per un fine generale incontestabile e coinvolgente – non ricordo altra riflessione dai toni così rosei e sereni sull’ “arte del suicidio”- . Compiaciuti dunque da tale peculiarità, si focalizza, entusiasti, come l’album, iniziando con una sonata barocca di clavicembalo (nella titletrack), si sposti improvvisamente su toni elettro-goth dalle ritmiche trascinanti. Immersi in un corteo di frammenti elettronici, di loop, di drum machine, di stacchi di violino elettrico e soprattutto di parole grintose, sofferenti e distese, si rivela impossibile togliere il disco dallo stereo, sempre più desiderosi infatti di attingere a piene mani dalla fonte sonora. Lo spettacolo offertoci è vario, originale, delicato e imponente.
Come se poi non bastasse l’abbondanza di questo elevato traguardo compositivo, di track in track scorrono improvvisamente spezzoni di storia wave/goth, a cominciare da un tocco alla The Creatures nella maliziosa I Want My Innocence Back, fino ai contributi più recenti ebm/goth di Diva Destruction e Cruxshadows (Swallow, God Help Me). Accostamenti anche arditi emergono oltretutto negli spunti vocali growl, che creano in generale un contrasto molto piacevole con i passaggi ethereal di tastiera e con quelli classici, dal tono un po’ celtico, di violino (Shalott). L’apice di questa tempesta perfetta, emotiva e sentimentale, viene raggiunto in Gothic Lolita, titolo dal taglio da classico goth, che di sicuro farà aspettare impaziente il pubblico di tutta Europa. La tensione sonora tocca una linea sensibile inedita e profonda, l’animo dell’ascoltatore perde definitivamente qualsiasi indifferenza o incolumità rimastagli. La rabbia e un eccesso perfettamente gotico punteggiano poi le tracce finali, I Know Where You Sleep, Let The Record Show, dove l’album diventa un travolgente sfogo a metà sempre tra poesia e ballabilità, atmosfere retrò dal sapore gotico, ottocentesco, a tratti rinascimentale, e improvvise immersioni in dimensioni industrial post-moderne.

Opheliac è in definitiva, nella sua immensità, considerabile quasi come la summa di un intero genere musicale; Emilie Autumn autodefinisce questo stile come Victoriandustrial. Noi non possiamo certo dire se considerarla un’arte o no, ma una certezza per il pubblico goth sia questa: Emilie è la migliore. E questo potrete capirlo personalmente a dicembre, in occasione delle due date italiane dell’Asylum Tour.

The Plagiarist

admin — Thu, 31 May 2007 22:00:00 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Iacopo Fonte

Genere:

Electro Goth

Etichetta:

Black Rain/Capture Music

Anno:

2007

Link correlati:

Official Website

Line-Up:

:
- Matt Swayne – voce, chitarra, drum machines
- Elizabeth Reid – voce, tastiera, violino
- Denni Meredith – basso

Tracklist:

:
1. Truth Or Dare?
2. The Plagiarist
3. Nihilist
4. Escher
5. Followed (acoustic) [video]

Brillig

The Plagiarist

Avevamo già ricevuto un piccolo assaggio del nuovo lavoro dei Brillig, nell’ottima A Compilation 2 di casa Black Rain, e bisogna dire che il mini Plagiarist conferma le precedenti piacevoli sensazioni. Il trio australiano ha ormai alle spalle diversi platter (tra EP, LP e compilation) che affondano radici fino al 2000 e le quattro tracce d’anticipazione del prossimo Mirror On The Wall – di imminente uscita in Europa – sono un interessante di banco di prova della loro capacità di rinnovamento. Nonostante però il gruppo elettro-gothic si limiti a mettere solo un piedi in avanti – il materiale nuovo si limita solo alle prime due tracce – il disco, arricchito da un video di Followed in versione acustica, scivola bene per tutti i suoi quindici minuti e riempie effettivamente l’ascoltatore di interesse e attesa.

Analizzando più da vicino le novità sonore, Truth Or Dare?, in quanto brano di vera e propria presentazione per il prossimo full-lenght, non manca di colpire nel segno; il sound tipicamente brillighiano che ama unire Nick Cave, il Duca Bianco a un tocco curiano leggero quanto efficace, si sviluppa in modo autonomo e con buoni esiti anche nella title-track The Plagiarist, forte di una gamma sonora ampia e d’effetto. Un retrogusto orientale si intreccia a un mood malinconico squisitamente goth, evadendo i confini della darkwave più tradizionale, per poi immergersi nelle ritmiche maggiormente eighties di Nihilist e nella rarefatta Escher.
I Brillig dunque, realtà musicale certamente non alle prime armi, promettono bene e, supportati ottimamente dalla Black Rain come sono, non faticheranno a diffondere il loro marchio in Europa.

Willand

admin — Sun, 15 Apr 2007 22:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Electro Goth

Etichetta:

My Kingdom Music/Audioglobe

Anno:

2007

Link correlati:

Forgotten Sunrise Official Site

Line-Up:

- Anders Melts - voce, programmazione
- Renno Suvaoja - chitarra
- Andrey Voinov - basso, chitarra acustica

Guests:
- Andrus Valtenberg - tastiere
- Tiiu Kiik - tastiere
- Inger Lilles - voce femminile
- Kill Kaare - strumenti etnici

Tracklist:

1. I
2. Ropelove
3. Lo-Fi PPL In The Fade-Out World
4. Nextep Suicide
5. Dead Le Gends A Mong The Living
6. Prophylactic EUthanAsia
7. Christ Your Name
8. Manyone
9. Very De:p Shortgut
10. Hero-In-Gre:npiece
11. The Ownle: Noise
12. 0

Forgotten Sunrise

Willand

Si può affermare che la diffusione dell’Electro Goth sul territorio europeo non abbia ormai più confini, soprattutto quando si entra a contatto con una realtà come gli estoni Forgotten Sunrise, giunti alla terza pubblicazione ufficiale (la seconda sotto la nostrana My Kingdom Music) con Willand. Il sound proposto dal quartetto (diventato terzetto nel caso di Willand per la momentanea assenza di Gerty Villo alle voci femminili e tastiera) è un mix esplosivo di Electro Goth e Dark che i Forgotten Sunrise amano chiamare Deathbeat con un termine alquanto azzardato: in esso compaiono anche aperture più psichedeliche e sezioni non lontane da un approccio metal, per plasmare un’atmosfera irripetibile e molto devota all’ultimo sound dei tedeschi Crematory.

Splendido l’incipit con Ropelove, che introduce in un alone schizofrenico e tenebroso, capace di ipnotizzare l’ascoltatore proiettandolo in meandri misteriosi e malati al tempo stesso. La tuonante elettronica guida la canzone con maestria e la voce growl di Anders Melts produce intense vibrazioni che conferiscono un tratto occulto al lavoro, già preannunciato nell’artwork della copertina.
Futuristico e cibernetico l’incedere di altre tracce come Lo-Fi PPL In The Fade-Out Would o Next Step Suicide, che fanno addentrare i Forgotten Sunrise in una dimensione Industrial a volte scontata e poco articolata e a volte straordinariamente coinvolgente.
In ogni caso le percezioni dell’immaginario corrono lontane quando si accede all'interno del vortice elettronico del terzetto di Tallinn perché si rimane rapiti dall’intreccio potente ed impetuoso delle tastiere e del basso. Difatti anche la sezione ritmica è di tutto rispetto, sia sotto il profilo della programmazione, sia per quanto riguarda le linee tessute dal basso di Andrei Voinov: si viene così trascinati dentro l’aria che si respira nei dark club europei dove i Forgotten Sunrise sono soliti esibirsi, riscuotendo un successo crescente ed inaspettato dopo il periodo di inattività che ha contraddistinto parte della loro carriera passata.
Nei suoi continui sali e scendi, Willand riesce comunque a mantenere viva l'attenzione, anche per l’inserimento di episodi lontani dal timbro Electro (meno convincenti comunque), come il sesto Prophylactic EUthanAsia, di stampo più Gothic/Doom atmosferico (gli Antimatter e gli Anathema sono qui le ispirazioni più evidenti).
Si penetra quindi in un ambito sperimentale che trova il suo apice in Christ Your Name, dove intervengono strumenti etnici e chitarre distorte in supporto di un alone lugubre e funereo che emerge gradualmente.
La fine del platter è invece riservata a nuove rivisitazioni Electro, che alimentano ed amplificano la vera fisionomia dei Forgotten Sunrise, mai così orientati verso un contesto quasi EBM e lontano dal metal.

Si deve pertanto ammettere che Willand è un’opera curata nei minimi dettagli, dotata di una registrazione eccezionale e di un fascino maligno: tuttavia la pecca più evidente all’interno del full-lenght è la non omogeneità di diverse sezioni, che certo potranno concedere una maggiore varietà stilistica, ma che spesso non permettono di trovare un filo conduttore che leghi l’intero disco.
L’impegno profuso da parte dei Forgotten Sunrise è comunque da apprezzare, come l’abilità della My Kingdom Music di assicurarsi le formazioni più promettenti della scena Dark del continente.

A Compilation Vol.2

admin — Mon, 05 Mar 2007 23:00:00 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Iacopo Fonte

Genere:

Electro Goth

Etichetta:

Black Rain/Capture Records

Anno:

2007

Link correlati:

Official Black Rain Website

Tracklist:

:
CD1
1. Die Sektor – When Porcelain Bleeds
2. Life Cried – As We Decay
3. Psyclon Nine – Anaesthetic [For The Pathetic]
4. IWR – Carnivore
5. Cyborg Attack – Stoerf***tor
6. Distorted Memory – Loss Of Faith
7. Tyske Ludder – Canossa
8. Feindflug – Ak 47
9. Dawn Of Ashes – Abyss
10. Supreme Court – Voice Of Lying
11. FGFC820 – Martyrdom
12. Vigilante – Victims
13. Tactical Sekt – Syncope
14. Violent Entity – Cold As Ice

CD2
1. Novalis Deux – When Darkness Falls
2. Rise And Fall Of A Decade – The Hope Seller
3. Predella Avant – Carbon Figures Pt. 7
4. Narsilion – Enmig Del Silenci
5. Reliquary – Dreams Torn Away
6. Brillig – Truth Or Dare?
7. Dandelion Wine – Stable
8. Killing Ophelia – I AMA I
9. Jesus And The Gurus – Holy Town
10. Kutna Hora – Holy
11. Lamia – Laudemus Virginem
12. Flint Glass – De Vermis Mysteriis
13. Oil 10 – Grand Illusion
14. Amateur God – Last Winter

AA. VV.

A Compilation Vol.2

Ecco il secondo capitolo dell’ormai salda collaborazione tra le quattro label tedesche, baluardo dell’ebm tedesca, Noitekk, Ars Musica Diffundere, Funk Welten, capeggiate dalla Black Rain. Sono presentati quindi nel 2007, sotto il rinomato moniker mitteleuropeo, due dischi contenti entrambi quattordici brani; il primo è dedicato alle diramazioni più estreme dell’elettro-body-music, mentre il secondo contiene estratti di band dal sound alquanto vario, ricche di influenze goth, wave – new e dark – e in generale di uno spiccato senso ethereal.
Detto ciò, la carne al fuoco è davvero tanta e la prima parte dell’opera è una pesante dose narcotica di oscurissima ebm, dove venature industrial si mischiano ad altre dark-techno. Le fonti citabili sono essenzialmente i due progetti, Hocico e il parallelo Dulce Liquido. Di questa tendenza, caratterizzata da uno screaming acido e atmosfere lugubri, sono i Life Cried con As We Decay e ancor meglio i Psyclon Nine con Anaesthetic [For The Pathetic]. Si allontanano leggermente da questo filone, attraverso intro più sfumati e strutture ritmiche più morbide e ovattate, i Distorted Memory, con Loss Of Faith, oltre all’ottimo pezzo dei Feinflug che interrompono la serie vocale estrema di scream, arricchendo il repertorio con un clean iniziale di grande intrigo. Da segnalare poi, sono i Tyske Ludder di Canossa e i Supreme Court (Voice Of Lying), che ci riportano direttamente all’ultima prova dei greci Siva Six (Black Will, 2006). Capitolo a parte lo occupano forse i due brani migliori Abyss e Martyrdom, rispettivamente dei più conosciuti Dawn Of Ashes e dei FGFC820; qui si conciliano con maggiore freschezza e fluidità le varie componenti sonore proposte nella carrellata musicale, sfruttando appieno le potenzialità delle atmosfere più introverse, misteriose e la componente di maggior rottura, data dai loop ritmici e dalla voce.

Il secondo disco appare sicuramente più ricco in quanto a soluzioni sonore proposte. La scelta dei singoli brani risulta puntuale e nel complesso organica, all’insegna di un progetto che approfondisce in modo efficace un sound più sfumato e leggero. L’elettronica rimane sempre elemento fondante dei tessuti sonori, anche se qui intervengono ad arricchirlo voci femminili come è il caso di When Darkness Falls dei Novalis Deux o della “waveggiante” e nostalgica Truth Or Dare? dei Brillig. La varietà si dimostra nella capacità di toccare a fondo l’emotività dell’ascoltatore, con strutture ritmiche, riff e loop di tastiera accomodanti e avvolgenti. Tutto ciò è coronato poi da una dimensione evocativa, fortemente barocca, che pervade in particolar modo The Hope Seller dei Rise And Fall Of A Decade, caratterizzati fortemente da un’anima medieval.
I brani in assoluto forse migliori di tutto il disco sono Stable degli australiani Dandelion Wine e I Ama I degli statunitensi Killing Ophelia. I primi esponenti di lusso dell’odierna scena ethereal-dream pop e i secondi delle diramazione più acide e oscure dell’elettro-goth.
Si tratta insomma di un’ottima compilation, ricca di spunti, brani e sensazioni, che nella loro varietà dimostrano quanto di buono stiano sfornando le quattro label tedesche.

Black Will

admin — Thu, 01 Feb 2007 23:00:00 +0000

Voto:

7.6 / 10

Autore:

Iacopo Fonte

Genere:

Electro Goth

Etichetta:

Decadance Records

Anno:

2006

Link correlati:

Official Website

Line-Up:

:
- Noid – tastiere, sintetizzatore
- Z – voce

Tracklist:

:
1. See The Six
2. Heart Of The Master
3. Now It’s Dark
4. Opponent
5. The Seal
6. Mister
7. Dark Night Of The Soul
8. Her Eyes Black
9. Line In… Line Down
10. Pig
11. Erevos
12. Deep Black Will
13. Dawn Revelation

Siva Six

Black Will

Ebm oscuro e potente è la prima cosa che viene in mente quando si sente parlare dei greci Siva Six. Attivi fin dalla fine degli anni ’90 (partecipano nel 1997 al “A Tribute To The Cure” con una cover di Pornography), il duo composto da Z alla voce e dal già conosciuto Noid (militante alle tastiere nei Rotting Christ per otto anni) realizza un album di dieci pezzi lineari stilisticamente e dal mood ben definito. La passata esperienza black metal del tastierista incide a questo proposito nel potenziare l’effetto di malvagità (“Never to Believe The Light”) e l’alone atmosferico delle canzoni – con oltretutto liriche anticattoliche –. A cominciare dunque dall’aulica See The Six, si entra in un mondo fatto di ombre, suoni a intermittenza che squarciano silenzi e di loop vorticanti. Con la seconda Heart Of The Master e la sua ritmica fortemente accentuata, un senso di oppressione si sviluppa di track in track.

La componente beat, resa attraverso accurate distorsioni e sfumature, è basilare e si intreccia in modo compatto con le linee vocali leggermente ruvide di Z. Il risultato è un disco davvero ben concepito, dal songwriting fino alla parte strumentale e a quella puramente della resa sonora. La registrazione è soddisfacente e funge bene ad amalgamare la vasta gamma di suoni e di giri di tastiera che si abbattono incessantemente sull’ascoltatore.
Un tocco di particolare importanza è quello mistico e aulico di alcuni brani come Now It’s Dark, o la sesta Dark Night Of The Soul, che creano atmosfere frizzanti, a volte orrorifiche, conciliando sempre l’aspetto più intrigante della musica eterea, con l’aspetto della ballabilità dancefloor tipicamente ebm. Nonostante la marchiatura del genere, i Siva Six riescono a non ripetersi mai, dando vita in questo modo a un full-lenght piacevole all’ascolto e per nulla pesante da assimilare.

The Serpent's Kiss

admin — Wed, 31 Jan 2007 23:00:00 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Iacopo Fonte

Genere:

Electro Goth

Etichetta:

Minuswelt/Capture Records

Anno:

2006

Link correlati:

Official Website

Line-Up:

:
- Dennis Ostermann – liriche, composizione
- Jörg Schelte – programmazione, composizione
- Steve – ritmiche, programmazione, batteria

Guests:
- Nadine Stelzer - voce
- Heiko Monkowsky - chitarra

Tracklist:

:
1. Fading Light (clubmix)
2. Promised Land (Re-legion Remix)
3. Rain
4. Promised Land (Matt Wood Remix)

In Strict Confidence

The Serpent's Kiss

Dopo l’enorme successo riscosso da Exile Paradise, gli In Strict Confidence vogliono regalare ai loro fan un box di 3 cd, limitato a 999 copie che verrà presto messo in vendita nei negozi di musica di tutto il mondo. The Serpent’s Kiss è dunque un assaggio di quattro brani, di cui tre remix di brani dell’ultimo lavoro, che non hanno di certo l’ambizione di aggiungere qualcosa a una carriera già luminosa, ma di fornire solo un’idea delle svariate soluzioni sonore che il monicker ISC garantisce. I brani presentati sono: Fading Light (clubmix), Promised Land (Re-legion remix), Rain e una differente Promised Land (Matt Wood Remix). Cosa significa tutto ciò? Solo e semplicemente che questa prossima uscita, preziosa per cultori delle sonorità ebm, coronerà un anno indimenticabile per la band tedesca. Oltretutto questo EP esce con ancora i lavori in corso per il completamento di un grande tour che non si sta limitando al Vecchio Continente.
Il trio tedesco, guidato dai due fondatori Ostermann e Schelte e affiancato come sempre da molteplici interventi esterni (al primo posto per importanza la voce di Nadine Stelzer), può permettersi dunque di far la voce grossa nella scena elettro goth contemporanea; dopo aver raggiunto un seguito ai livelli degli svedesi Covenant – senza però averli ancora superati in importanza storica – gli ISC si godono il momento di gloria e proseguono imperterriti con produzioni sempre più oscure e di maggior qualità.

RAN

admin — Wed, 17 Jan 2007 23:00:00 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Iacopo Fonte

Genere:

Electro Goth

Etichetta:

Decadance Records

Anno:

2006

Link correlati:

Line-Up:

- Romina Salvatori - voce
- Giorgio Ricci - sintetizzatori e campionatori

- Giampaolo Diacci - basso in 2,3,5,6,7,8
- Piero Leinardi - chitarra in 6

Tracklist:

1. Wonder
2. Anatomy
3. Collyrium
4. Kaliyuga
5. Foggy
6. See Saw
7. Oxygen
8. The Great Below
9. Call
10. Splinters

RAN

E’ davvero una piacevolissima sorpresa rincontrare sulla propria strada i RAN. E questo in seguito al loro omonimo mini del 2004, che era stato una sorta di fulmine a ciel sereno, grazie al quale il moniker di Romina (ex cantante EstAsia) e Giorgio Ricci (ex Templebeat) era esploso come una delle realtà musicali migliori fra le sonorità sperimentali italiane. Più che italiane, con questo primo full-lenght si dovrebbe parlare addirittura di livello europeo. Il carattere innovativo di questo disco di lunga durata – quasi cinquanta minuti – è infatti il fiore all’occhiello della musica del duo italiano. Le passate e diverse esperienze musicali dei due membri hanno comportato la fusione tra svariate modalità musicali a partire da un lontano background darkwave.

Queste influenze prendono forma ora, grazie al supporto della Decadance Records, in un goth/ethereal, con diversi sprazzi etnici orientali – in particolare nel vocal di Romina, che ricorda certe linee melodiche dei Dead Can Dance di Lisa Gerrard o dei più attuali Helium Vola -. Il mood dell’album è pertanto improntato fortemente dalle atmosfere e dalla metodicità del tessuto elettro-sonoro. Il lavoro dei sintetizzatori e dei campionatori è svolto in modo sopraffine. Ogni brano si sviluppa in modo autonomo secondo loop avvincenti e intriganti, come viene immediatamente sottolineato in apertura da Wonder (di cui è disponibile anche il video). Generalmente si preferiscono situazioni emotive sfumate tra l’onirico e la malinconia (le migliori sono Anatomy e See Saw). E’ insomma come una traduzione in musica del Vago leopardiano. Il senso di infinito e di indeterminato caratterizza fortemente l’opera dei RAN che si inseriscono in una vasta e gloriosa produzione goth europea che predilige l’attenzione pura per il mood. La sensazione, intesa come diretto prodotto dell’atmosfera, sta alla base di ciascuno dei dieci capitoli del disco. Si tratta insomma di un viaggio attraverso ricordi, sensazioni non ancora vissute e terre mistiche lontane. E’ oltretutto un’opera molto ricca di spunti, ma soprattutto versatile. Merita più di un ascolto attento, come anche prevede la possibilità di rimanere semplicemente in sottofondo.