Dream Pop

Wash the Sins Not Only the Face

Giulio Magliulo — Wed, 27 Feb 2013 20:01:16 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Dream Pop

Gothic Rock

Etichetta:

Matador

Anno:

2013

Line-Up:

Thomas Fisher: electronics, keys, guitar

Daniel Copeman: electronics, guitar

Rachael Davies: vocalist, percussionist

Tracklist:

Iceland Spar
Slow Wave
When The Head Splits
Shimmering
Deathwaltz
Yellow Wood
Despair
Putting Down The Prey
The Fall of Glorieta Mountain
Smashed To Pieces In The Still Of The Night

Esben and the Witch

Wash the Sins Not Only the Face

Uscire dal loop degli ascolti compulsivi che scatena Wash The Sins Not Only The Face, ultimo lavoro di Esben And The Witch, forse è anche possibile; cercare di uscire da quella foschia, da quella nebbia onirica che durante quegli ascolti tutto avvolge, proprio non si può.

Il trio di Brighton, qui alla seconda prova su lunga distanza dopo Violet Cries del 2011, compie un passo di grande valore artistico ma con grazia ed in punta di piedi, senza destarci da quel dormiveglia dorato in cui colmi di speranze, paure e desideri, ci confondiamo.

Abbiamo così lasciato quei paesaggi oscuri ed affascinanti, densi di suggestioni post-punk e di riferimenti ad un passato dark wave (comunque già allora metabolizzati in un presente sonoro lontano da tentazioni revivaliste) per addentrarci in un’altra foresta apparentemente meno spettrale ma non meno ricca di simboli.

Se prima le lezioni dei maestri del gotico (soprattutto musicale) erano già ben presenti nelle trame dei brani di Rachel, Thomas e Daniel, ora, in chiave più letteraria, poetica e fors’anche filmica, continuano lo stesso ad esserlo, ma con più grande respiro. Ora si comprendono meglio le differenze tra gotico e goth cui alludono i ragazzi. Meno Cranes e più David Lynch per esemplificare in qualche modo.

Già lo spumeggiare impetuoso di Iceland Spar sembra significativo per inaugurare questo nuovo corso: finalmente si riutilizza una grammatica shoegaze senza fini retorici, senza la necessità di glorificare alcunché. Le successive Slow Wave e When That Head Splits fanno ancora meglio con il loro vocabolario dream-pop dal quale sottraggono le pagine più tronfie per restituirci una versione asciutta e disincantata dei Cocteau Twins.

In questo percorso la vegetazione che si incontra ed i cieli che sovrastano queste distese non hanno i colori acidi del primo album; tutto sembra piuttosto stemperarsi nelle calde tonalità seppiate, quasi ruggine, della copertina e negli smalti blu che riflettono preziose screziature nella voce di Rachel.

Il primo episodio sensibilmente più cupo, Shimmering, è al contempo anche il più etereo fin’ora e quell’arpeggio struggente che lo sorregge, se da un lato non può non far pensare alle vestali del dark rock di ogni tempo, dall’altro rimanda ai mondi lontanissimi di Meg Baird e dei suoi Espers, a quella narrazione fiabesca e silvestre dagli antichi toni folk, con il vantaggio che Esben and The Witch lo fanno qui ed ora, senza perdersi in nessun remoto bosco della memoria.

Deathwaltz a dispetto del nome ha un’anima quasi pop talmente ben velata che la struggente cavalcata in cui viene abilmente condotta dai nostri allontana da ogni cattivo pensiero. Si arriva senza fiato nello Yellow Wood che è invece un giardino delle delizie, un posto stregato in cui sembra di scorgere le sagome dei Black Tape For A Blue Girl e dei Pink Industry fare capolino dai rami; saremo poi risvegliati dalla lieve rugiada elettronica, björkiana di Despair e di nuovo inquietati dai grandi spazi vuoti di Putting Down The Prey che sospendono in un silenzio gravido di presagi il lamento di Rachel.

The Fall Of Glorieta Mountain è forse l’episodio più convenzionale dell’album poiché la sua struttura semplice e scarna può ricordare più di una songwriter contemporanea del panorama alt-folk, ma il suo grado di dolcezza è tale da amalgamarla perfettamente nel contesto del disco.

D’accordo, non c’è ‘nuova musica’ in Wash The Sins Not Only The Face, album dal titolo draconiano, ma c’è finalmente una raccolta di canzoni che rapisce dall’inizio alla fine in uno stile sobrio ed essenziale che non rinuncia ad una narrazione sognante.

C’è poi – come valore aggiunto - l’idea che l’asfittico linguaggio dark ottantiano che fino ad oggi ha campato di rendita dovrà (finalmente) confrontarsi con qualcosa ed al momento non trovo nulla di più appropriato di quest’album. Allo stesso modo le pulsioni passatiste di shoegazers impenitenti e pop-dreamers fuori tempo massimo, grazie agli Esben dovrebbero (almeno lo si spera) essere ridimensionate.

Guardare sì alle vestigia del passato, alla casa Usher che non crolla perché è dentro di noi, ma da lontano.. possibilmente.

The Ghost in Daylight

Giulio Magliulo — Wed, 24 Oct 2012 07:54:46 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Dream Pop

Folk Rock

Etichetta:

Warp

Anno:

2012

Tracklist:

Circadian
The Prize
Fitzrovia
In Miniature
Carousel
Islands
The Foundry
Peacock
The Ghost Of Saint Paul
Three Fires

Gravenhurst

The Ghost in Daylight

Dopo una lunga sospensione di cinque anni dalla sua ultima produzione, Nick Talbot resta esponente di rilievo nel passaggio di consegne tra il mondo ancestrale del folk inglese e le più moderne tensioni post rock/dream-pop che di volta in volta si sono affacciate nei suoi lavori, fino a pervenire ad un linguaggio ormai più che ben amalgamato e personale che va a delinearne il suo mondo.

Ed una lunga sospensione è l’impressione che sorregge l’intero impianto dell’album fin dalla iniziale Circadian, rarefatta, lenta, circolare ed ipnotica, inusuale veste sonora per uno slow-core dalle screziature luminose e dolci da folk d’altri tempi ma che sa anche incresparsi nelle sue pieghe elettriche. Come in The Prize, etereo dream-pop tra i Low e certe timbriche vocali proprie del pop britannico che cresce nel finale, prima con profonde volute d’archi e poi con belle chitarre distorte, standard immutabile ma sempre di sicuro effetto.

Ma è nel mood di brani come Fitzrovia l‘anima dell’album, in quell’acustica che procede mesta senza però nascondere quei baluginìi di drones come deboli luci filtrate dai fitti rami di un bosco immerso nella foschia autunnale, sembra sentirne l’odore e ricorda i primi lavori degli Hood come anche il breve intermezzo della spettrale Carousel.

In Miniature è un bozzetto alla Nick Drake, quanto mai appropriato in tale contesto mentre in Islands affiora il retaggio sperimentale di una Bristol immersa in un liquido amniotico, che galleggia in uno spazio occupato da uno shoegaze senza chitarre in cui si cammina rallentati in benzodiazepiniche ritmiche downtempo.

La bellezza triste e drammatica di The Foundry ci riporta a terra prima della chiusura di The Ghost of Saint Paul e Three Fires dall’arpeggio ‘ a tutto tondo’, metà nenie metà filastrocche di gusto arcaico, segno che The Ghost In Daylight sa essere disco ‘senza tempo’ capace di librarsi magicamente e fluttuare a dispetto delle leggi di gravità che ci legano al piombo dell’attualità musicale.

Dopo Broken Man di Matt Elliott, è un un altro artista di Bristol a far uscire uno dei dischi di folk trasversale più interessanti dell’anno, conferma che la città baluardo del trip-hop sa andare oltre e riservare ancora gran belle sorprese.

Within and Without

Gabriele Bartolini — Wed, 06 Jul 2011 14:33:33 +0000

Voto:

7.1 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Dream Pop

Elettronica

Etichetta:

Sub Pop

Anno:

2011

Link correlati:

Sub Pop records

Line-Up:

-Washed Out - Compositore musiche

Tracklist:

1. Eyes be Closed
2. Echoes
3. Amor Fati
4. Soft
5. Far Away
6. Before
7. You and I
8. Within and Without
9. A Dedication

Washed Out

Within and Without

Li chiamano anni zero questi qua. In cerca di vere certezze, perse chissà dove in quell'oceano di generi, sottogeneri e next big thing, intanto ci godiamo il passato. Perché noi, del terzo millennio, abbiamo la fortuna di poterci permettere questo lusso (nemmeno così tanto democratico). L'avanguardia e la certezza vanno a braccetto, e come gli opposti hanno il vizio di attrarsi tra di loro. Le riviste (o webzine che siano) si devono continuamente aggiornare per stare al passo con i tempi, ma tutto, in musica, sta correndo più di loro. La sorgente li accomuna, la foce li divide. Eccola, la via: partire da qualcosa di certo per poi evolversi individualmente. Lo specchio di tutto ciò, nel 2011, corrisponde alla chillwave. Allacciate le cinture, si parte: elettro/pop, dream/pop, glo/fi - lo/fi, dream beat, hypnagogic pop, dream wave, balearic pop: la chillwave raddoppia e si aggiudica la vincita. Perché dire chillwave significa riprendere le ceneri quasi spente dei suddetti generi per spargerle su campi immortali quali il pop discotecaro da classifica e lo shoegaze più emotivo e nascosto. La chillwave, alla fine, non vuole essere niente di tutto questo, ma è costretta a farsi etichettare così per il suo modo di scandagliare interiore ed esteriore. E poi perché, diciamolo, ogni musica ha il bisogno di essere etichettata. Con i personaggi che ne stanno alimentando la scena sembra quasi di esser tornati ai tempi delle improvvisazioni, dove tutto partiva da una base per poi evolversi in melodie uniche.

Due nomi odierni per la quale vale spendere questo aggettivo sono sicuramente Washed Out e Twin Shadow, per il modo di miscelare le composizioni. Forse gli unici due artisti a risultare convincenti mantenendo uno status primitivo evoluto senza troppo nerbo. Gli altri sono, almeno sulla carta, qualche passo avanti. A partire da Toro y Moi, successore di Atlas Sound e leader indiscusso di questa elettronica all' ambrosia, con Underneath the Pine prima ancora che con Causers of This. Per poi citare altre zone più estreme, come lo shoegaze fiabesco di How to Dress Well, la bedroom electronic di Neon Indian e Small Black ( quest' ultima con rimandi alla claustrofobica post-punk di Joy Division), il funk filtrato dell' italiano Banjo or Freakout e tutto ciò che deriva da dream grazie a Memory Tapes e Memory Cassette. Ma, se gli ultimi nomi citati possiedono una certa passione per un' astrazione di stampo underground, Ernest Greene e George Lewis Jr. sono due esempi di pop music da alta classifica. La loro discoteca non viene abbagliata però da groove impetuosi o da stomp ritmici, ma bensì dalle emozioni. Proprio così. Within and Without non fa eccezione, innalzandosi nella sua lucentezza anni '80 grazie ad un mood etereo ripetuto fino allo sfinimento che sa parlare solo per giochi di emotività ed esigenze teenageriali. Badate bene, anche Life of Leisure, il perfetto EP registrato in precedenza ( consideriamo High Times una sorta di allenamento), funzionava all' incirca così. Si inventano due giri perfetti ( e solo per questo...) e si aggiungono altri brani più o meno mediocri per raggiungere un sufficiente minutaggio. Solo che Within and Without è il primo vero attacco ad un' etica di classifica che ragiona solo per cliché o royalties: Greene non fa altro che mettersi giacca e cravatta e pulire il suo sound dall' imperfezione lo-fi, che a questo punto sembra l' ultimo vero ostacolo per la conquista di qualcosa veramente importante. Evitando per la prima volta il paragone con l' amico Chazwick Bundick grazie al decurtamento delle movenze più baleariche, il Nostro incentra le nove tracce sull' amore, magari quello condiviso in questi mesi in spiaggia, intrise di puro spirito psichedelico accennato negli anni da Animal Collective e Ariel Pink's Haunted Graffiti, qui trasformato in una serie di bisbigli dance che non hanno eguali. Parte da basi molto vintage, quasi alla Cass McCombs, per poi ricoprire gli strati con sostanze ad alto contenuto calorico: alla fine prevarrà più la cioccolata che lo zucchero.

Within and Without esplora la vostra mente, la apre e ne fa uscire tutte le vibrazioni positive. L' album è facilmente malleabile dal singolo individuo, ognuno ne può trarre l' aspetto che vuole. Ed è proprio qui la sua vera forza, ovvero quella di essere un disco ad uso e consumo dell' ascoltatore, che può decidere se lasciarsi cullare dalle derive chillout, oppure ballare al ritmo di queste note posate e solo all' apparenza indolenzite. Puro romanticismo al servizio di una certa malinconia velata dietro i sinth che oggi fa molto trend. Altra nota di merito dell' album è quella di possedere una propensione alla rifinitura esagerata ma mai fuori dagli schemi, e per giunta riuscendo a non farla mostrare mai. Within and Without infatti sono semplici note, come chiede il genere, vogliose di dare spazio ad un tipo di immaginazione quasi ipnotica perché assiduamente pacifica e fuori da ogni canone da slow o fast life. Gesti comuni che con Washed Out diventano incredibilmente importanti. Si citava prima il fatto che pezzi di alto livello reggessero la corporatura di un album altrimenti troppo sterile, ed ecco che in Within and Without questa caratteristica viene puntualmente ripetuta. Amor Fati, Before e la title-track sono, in questo contesto, tre tracce fondamentali. La prima, tanto per cominciare, è il tormentone estivo annunciato, con quel tiro da falso fricchettone e l' incedere da dancefloor che preannunciano il successo dell' album in questione. Before, non fosse per l' esecuzione unicamente strumentale, sembrerebbe Blessa, con tutti gli orpelli del caso volti a nascondere tradizionalismi fini a sè stessi. Infine la title-track a definire apocalissi interiori sotto forma di spleen in formato tastiera sommessa e timida. Il resto son tutti coloranti, ma non per questo possiamo dimenticarci di citare una Soft che è la naturale evoluzione dei Deerhunter, i bassi puntellanti ed insoliti di Echoes oppure Eyes Be Closed, che sembra la versione techno di Porcelain, seguita da maracas e campanelli alla Caribou di Far Away, dai tormenti languidi di You and I e dalla finale A Dedication, con quel piano struggente, manco fosse la versione tamarra di Perfume Genius.

Within and Without stà tutto qui dentro. Semplice e affatto narcisista, regala sorrisi un pò a tutti per poi cadere in episodi di disagi infantili che se fossero un film una lacrima la strapperebbero anche. Washed Out piazza continui accenni di dance celestiale, quasi sempre mascherata, a cui poi non fornisce un seguito. E questo alla fine è il fattore più importante, ovvero quello di non prendere una posizione, oscillando da una parte all' altra ma proponendo alla fine solo degli assaggi, come vuole la chillwave. Che saranno estremamente saporiti, ma sono sempre assaggi. In ogni caso, a Within and Without va il merito di aver elevato in ambito mainstream una scena di cui gli artisti impelagati sembrano andare estremamente orgogliosi. Estivi, ma con stile.

Raven in the Grave

Luca Pasi — Sun, 01 May 2011 00:30:56 +0000

Voto:

7.4 / 10

Autore:

Luca Pasi

Genere:

Shoegaze

Dream Pop

Etichetta:

Vice

Anno:

2011

Link correlati:

The Raveonettes Official Site

Line-Up:

- Sune Rose Wagner - chitarra, strumenti, voce
- Sharin Foo - basso, voce

Tracklist:

1. Recharge & Revolt
2. War in Heaven
3. Forget That You're Young
4. Apparitions
5. Summer Moon
6. Let Me on Out
7. Ignite
8. Evil Seeds
9. My Time's Up

Raveonettes, The

Raven in the Grave

Non sono molti i gruppi che possono vantare un repertorio prolifico come i The Raveonettes, questo a livello quantitativo, figuriamoci poi quello qualitativo. Con questo Raven in the Grave i danesi raggiungono la loro settima uscita in dieci anni e nonostante ciò non sembrano aver perso alcuna traccia di smalto, differenziandosi da tutti quei gruppi pseudo revival che dopo due o tre album hanno perso mordente e il più delle volte sono finiti nel dimenticatoio.

Ma qual è il segreto per durare nel tempo? Si dice che a furia di riproporre la stessa formula per decenni si rischia di perdere appeal, di sicuro non è la strada che hanno intrapreso Sune Rose Wagner e Sharin Foo che in questi dieci anni hanno saputo costruire e distruggere un suono che si è trasformato ed evoluto nel tempo, partendo dal noise-pop degli esordi e di Lust Lust Lust, passando per il garage-rock romantico di Pretty in Black fino all'elettronica dell'ultimo In And out of Control, uscito nel 2009. Ed è proprio sulla base di quest'ultimo album che i danesi sono tornati a demolire un suono che faceva delle hit orecchiabili e tipicamente estive il suo punto di forza. Certo addentrarsi in territori non propri è rischioso, ma se lo fai con l'arguzia dei danesi che hanno saputo mantenere la propria essenziale e visibile matrice, difficilmente potrai sbagliare.

Ora, immaginatevi In And Out of Control, toglieteci il sole, l'estate e le vacanze, aggiungeteci distorsioni, synth, feedback e compressori, trasportate tutto in iperuranio senza tempo ed eccovi servito Raven in the Grave. Se il primo era luce, il secondo è ombra, se il primo era solare e proclamava l'essenza del divertimento, il secondo è tetro, oscuro e funereo; due album che vanno a comporre le facce opposte di una stessa medaglia, quella dei Raveonettes. Come proveniente da una vecchia pellicola in disfacimento da oblio, il 'corvo nella tomba' propone liriche più introspettive legate sia alle imposizioni dell'esistenza umana e alla guerre interiori che imperversano l'uomo, sia a temi più leggeri riguardanti le relazioni amorose.

Questo alone mistico che aleggia lungo l'intera opera è creato magistralmente sia dall'utilizzo di pedali wah wah che intervengono appositamente a dilatare lo spettro sonoro e creare atmosfere sognanti, come nell'iniziale Recharge & Revolt, sia dall'utilizzo di un'elettronica midtempo e quasi robotica che trasporta l'ascoltatore in un mondo futuristico (Apparitions).

Queste schegge di canzoni partecipano alla sostanza dell'album che si snocciola in meno di 40 minuti. Vi sono anche guizzi più pacati in cui divampa la fiamma di sentimenti che vanno verso una rassegnazione senza uscita (Let Me On Out) in cui gli echi riverberati fanno da padrone, per ripiombare pochi secondi dopo nella diperazione e nel pessimismo di Ignite (What if I could run now / What if I could die / What if I could make my heart explode and never cry). Un piano tetro apre le porte ad una cemiteriale Evil Seeds, in cui le tinte cupe aleggiano qui al cospetto di ritmi ossessivi e chitarre lisergiche che lentamente accelerano e si rincorrono per poi affievolirsi nell'oscurità dell'oltretomba lasciando spazio ad una più riflessiva My Times Up.

I nostri si riconfermano così in un pop-gaze disteso e privo di sbavature, che attesta qui come non mai l'incredibile talento compositivo del duo danese e che riesce a mantenere alta l'essenza di una band ormai compiuta, in un lavoro che non suona mai scontato o, peggio, di già sentito.

How To Erase A Plot

Giulio Magliulo — Sat, 28 Nov 2015 09:06:55 +0000

Voto:

6.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Dream Pop

Etichetta:

Lady Sometimes Record

Anno:

2015

Line-Up:

Paola Fecarotta – voce, chitarra

Marco Bonini – chitarra,drum machine

Federico Leo - Batteria

Tracklist:

1. Him

2. Patterns

3. Ablaze

4. Spoiler

5. Common Prayer

6. Bk

7. How to erase a plot

8. Lullaby

9. Song for lovers

10. May

Armaud

How To Erase A Plot

Esiste un linguaggio le cui metriche e cadenze slow danno il senso preciso di un tempo da cui si vuol prendere le distanze; c'è una dolcezza di fondo in certe voci che non può essere cancellata dai graffi della vita; ci sono corde di chitarra che una volta svegliate mettono in guardia come a voler difenderci; ci sono momenti in cui la linea che separa innocenza e seduzione è completamente sbiadita; ci sono pulsioni scambiate per volontà di sperimentazione mentre sono solo manifestazioni di curiosità bambina.

La confusione a volte è tale solo perché non si intende il senso in cui bisogna percorrere una strada o seguire una traiettoria ma una volta scoperto tutto ritorna e può essere molto bello anche se a volte un po' triste.

La malinconia come sentimento costitutivo di certe stagioni Paola lo ha compreso e con i suoi amici Marco e Federico ne dà prova in How To Erase A Plot, un album che induce a immaginare i Cocteau Twins senza miele, i Blonde Redhead senza posa (e noise) e a dei jazzisti senza jazz.

Tutto quello che abbiamo imparato, ascoltato, esperito nello spazio che intercala tra il dream e il sad pop è qui.

xx

Carlo De Donno — Sun, 12 Jan 2014 17:23:40 +0000

Voto:

8.2 / 10

Autore:

Carlo De Donno

Genere:

Dream Pop

Indie Pop

Etichetta:

Young Turks

Anno:

2009

Link correlati:

Sito Ufficiale

Line-Up:

The xx – design, fotografia

Romy Madley Croft – voce, chitarra

Oliver Sim – voce, basso

Jamie Smith – beat, mixaggio, MPC, produzione

Baria Qureshi – chitarra, tastiere

Tracklist:

1. Intro

2. VCR

3. Crystalised

4. Islands

5. Heart Skipped a Beat

6. Fantasy

7. Shelter

8. Basic Space

9. Infinity

10. Night Time

11. Stars

The xx

xx

La nostalgia è una brutta cosa, rende malinconici e quando si cade nella sua trappola è difficile venirne fuori. E la nostalgia intacca anche i gusti musicali: molta gente volta le spalle al nuovo, cocciuti ad affermare che non ci potrà mai essere musica migliore di quella degli anni '60 e '70. Le stesse persone tendono a credere che tutto ciò che oggi la musica possa offrire sia ciò che si vede su MTV. Grazie al cielo, non è per niente così.

Band capaci di proporre qualcosa di nuovo esistono. Tra queste, i The xx sono diventati un fenomeno mondiale in pochissimo tempo. Nel 2009, l'etichetta indipendente Young Turks propone alla band di produrre il loro debutto, xx, il quale viene accolto con favore dalla critica e arriva in vetta alle classifiche di mezzo mondo, superando gli steccati del rock indipendente e facendosi ascoltare anche da un pubblico mainstream.

L'album si apre con Intro, composizione che solo in pochi non hanno mai ascoltato, dato l'uso spropositato che ne viene fatto da spot pubblicitari di ogni tipo. La traccia è breve, ma ci rivela già cosa ci aspetta: una musica semplice, studiata e minimal. Echeggianti note di chitarra su un beat elettronico e un lieve coro cantato. Detta così sembrerebbe una purga, invece Intro è un pezzo fantastico, nonché il brano più amato e conosciuto della band.

VCR si apre con una dolce melodia e continua con il duetto di Romy e Oliver che sarà una costante di quasi tutte le canzoni dei The xx. Segue Crystalised, il singolo di lancio dell'album è un brano abbastanza fuori dal comune che ad un primo ascolto potrebbe apparire pacchiano. La chitarra offre sonorità quasi country, ma dopo pochi secondi la canzone diventa davvero accattivante e il basso di Sim regge il tutto fino al ritornello molto orecchiabile. Le due voci si intrecciano intelligentemente durante tutto l'album, e questo è uno dei punti di forza della loro musica.

Islands è uno dei pezzi migliori dell'album, i beat di Jamie xx sono semplicemente perfetti, e il riff di chitarra coinvolge sin da subito. Le melodie di Romy e Oliver ancora una volta sono orecchiabili, nonostante non cadano mai nella banalità, e il brano si chiude con uno dei momenti migliori di xx.

Heart Skipped A Beat è un'altra canzone di qualità. Gli ingredienti sono sempre gli stessi: le due voci che si rispondono a vicenda, la delicata chitarra di Romy e gli intelligenti beat di Jamie xx. Si va avanti con Fantasy, il pezzo più particolare dell'album, in cui i The xx tradiscono influenze ambient e post-rock. La canzone si apre in un atmosfera eterea e dopo il cantato di Oliver Sim, il basso permea la canzone, formando un tappeto di onde a bassa frequenza per la chitarra echeggiante di Romy. Unica pecca del brano è quella di finire troppo presto.

Shelter è una ballata e forse il brano che meno colpisce dell'album, le melodie rasentano la banalità e anche qui si può percepire una certa influenza post-rock. La successiva Basic Space non brilla più di tanto, un brano nella media, gradevole e ben fatto ma niente di speciale. Tuttavia, Infinity si rivela migliore dei due brani che la precedono, le due voci continuano il loro botta e risposta per tre minuti e la canzone si chiude con un crescendo che si dissolve con un delicato assolo di chitarra.

Night Time riporta xx agli alti livelli che avevano caratterizzato la sua parte iniziale. Un brano malinconico e orecchiabile; tornano alla grande i beat e Romy si dimostra una chitarrista davvero creativa e capace. Infine Stars chiude l'album, un pezzo piacevole, ma che, purtroppo, non aggiunge nulla di nuovo.

I The xx sono la prova che gli inguaribili nostalgici non trovano buona musica contemporanea perché evidentemente non vogliono trovarla. xx è un album che porta qualcosa di nuovo nella scena musicale dei nostri giorni. Musica minimal e a tratti enigmatica come il loro nome. Un indie pop con tocchi di elettronica e garage music. Oliver Sim e Romy Madley Croft oltre ad essere due grandi musicisti, si rivelano anche due intelligenti e talentuosi cantanti. E il geniaccio di Jamie xx con i suoi beat pone quella che è la ciliegina sulla torta, una ciliegina che è fondamentale per il sound della band.

Oltre ad aver creato un sound unico, credo che i The xx saranno tra qualche anno una di quelle band cui la maggior parte degli artisti indie faranno riferimento, dato il loro immediato, enorme e giustificato successo. Si spera che continuino così, di modo che anche alla radio ogni tanto si possa ascoltare musica buona, e che non cadano nella spirale dell'autocompiacimento ripetendosi in loop. Cosa che sembra essere successa ai Muse.

Se questo è ciò che i nostri tempi offrono, non c'è che da esserne felici.

The Haunted Man

Vincenzo Ticli — Wed, 31 Oct 2012 21:09:44 +0000

Voto:

8.3 / 10

Autore:

Vincenzo Ticli

Genere:

Dream Pop

Cantautorato

Elettronica

Etichetta:

Parlophone

Anno:

2012

Tracklist:

1. Lilies
2. All your Gold
3. Horses of the Sun
4. Oh Yeah
5. Laura
6. Winter Fields
7. The Haunted Man
8. Marilyn
9. A Wall
10. Rest your Head
11. Deep Sea Diver

Bat for Lashes

The Haunted Man

Nel 2006 compare nell’empireo musicale Bat for Lashes, il progetto dell’inglese Natasha Khan. Tre anni dopo arriva la consacrazione con un album che spicca per freschezza e definisce sempre più il suo talento, dopodiché il silenzio per altri tre lunghi anni. Silenzio interrotto soltanto da “Let’s get lost”, canzone scritta in collaborazione con Beck per la colonna sonora di uno degli episodi di Twilight, pezzo piuttosto insipido che rischia di segnare il declino prematuro di una stella che prometteva molto bene. Tutto questo fino al 12 ottobre 2012, quando vede la luce il terzo lavoro della Khan: The Haunted Man.

The Haunted Man è contemporaneamente un episodio di adesione al passato e di parziale distacco da esso: lo stile è sempre lo stesso, sognante ed etereo, ma allo stesso momento consolidato da una ricerca sonora e melodica più consapevoli. Il pezzo di apertura è Lilies, sorretto da una base elettronica quasi atona e dominato completamente dalla voce, che crea la melodia e che durante il ritornello si distende in vocalizzi soffici che si rifanno alla Kate Bush migliore. Non è questo l’unico momento in cui torna alla memoria lo stile della sua più celebre conterranea, che torna a far capolino nella marcia trasognata di Marilyn, mentre sono palesi i richiami al contemporaneo Patrick Wolf in Winter Fields, pezzo folk orchestrale in cui a farla da padroni sono violini nervosi come un vento invernale affiancati da timidi fiati e tamburi marziali.
Al di là di tutto, il “modus operandi” della nostra Natasha resta quello di sempre: Laura è una languida ballata per voce e piano accompagnata da ottoni e archi, dedicata ancora una volta ad uno dei suoi innumerevoli alter ego, commovente nel suo incedere tragico e nei continui climax tesi verso la cima che si staglia nitida alla fine di ogni ritornello, un po’ com’è già accaduto in splendidi pezzi del passato. Horses of the Sun è una canzone crepuscolare e complicata in tutto e per tutto simile a “Two Planets” del precedente album: installata su tamburi tribali che sostengono un cantato misterioso, è affascinante nella sua incostanza e nei suoi repentini cambiamenti di melodia, dapprima cupa, poi quasi minacciosa, e che infine si apre in maniera ariosa e quasi speranzosa, colorita di toni orientaleggianti che richiamano molto alla lontana l’atmosfera dei Dead can Dance.
Le canzoni che spiccano sono diverse: All your Gold innanzi tutto, singolo di lancio perfetto con il suo ritmo deciso tratteggiato da beats ostinati e impastato tra i fili eterei di arpe e sintetizzatori che si manifestano a tratti. Ottima è anche Oh Yeah, riuscitissimo esperimento trip hop che si colora di gospel nei cori che accompagnano un cantato suadente, ma la migliore è la title-track, The Haunted Man: parte in sordina, sparando una serie di veloci battiti che introducono una voce dolente avvolta in un guscio trasparente di voci sintetiche che risuonano come le vibrazioni di un cristallo. Presto è silenzio, e si profila da lontano il battito marziale di tamburi soldateschi, a cui presto si uniscono cori di uomini che cantano come se si trattasse di un inno di guerra. Il tono del canto aumenta e si fa sempre più forte e sempre più intenso fino all’esplosione finale e risolutiva in cui a fare da protagonista è lei, la trionfale cacciatrice d’uomini.
Ci sono pochi nei in questo provvidenziale, ottimo ritorno: A Wall, nonostante sia tutto sommato una buona canzone, dà una sgradevole sensazione di già sentito tanto da sembrare quasi un pezzo di qualche altro gruppo come gli Ok Go piuttosto che della Khan, e soltanto l’inconfondibile voce consente di restituire la canzone al legittimo proprietario.

Il ritorno di Bat for Lashes non sarà magari stato uno tra i più attesi da parte del grande pubblico: sin dalla sua comparsa, infatti, Natasha Khan ha cercato, più o meno volontariamente, di tenere il progetto lontano dagli isterismi di massa, riservandogli un angolo un po’ in disparte. Con The Haunted Man sembra esserci un tentativo di apertura, e ciò è chiaro soprattutto se si guarda a com’è stata usata l’elettronica, che non è più funzionale soltanto alla realizzazione della canzone in sé ma compare in maniera più massiccia e per l’ascoltatore, pensando cioè al suo intrattenimento e al suo gradimento. Non a caso, anche Bat for Lashes questa volta sembra seguire la “cresta dell’onda” e si adegua, in un certo senso, al revival anni ’80 che caratterizza la quasi totalità della produzione indie odierna. Ciò però non significa che si sia “svenduta”: Natasha Khan impara la lezione ma reinterpreta tutto a modo suo, evidenziando una crescita musicale vertiginosa e stupefacente, cosa che ovviamente si manifesta anche nella natura stessa delle canzoni: al consueto, semplice dream pop questa volta si affiancano pezzi di cantautorato di tutto rispetto, maturi e potenti. Insomma, al momento del suo ritorno, Bat for Lashes riesce pienamente ad allontanare ogni dubbio e, al contrario, a confermarsi sempre più come un nuovo, grande talento.

Interstellar

Gabriele Bartolini — Mon, 05 Mar 2012 15:05:56 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Dream Pop

Indie Pop

Etichetta:

Slumberland

Anno:

2012

Line-Up:

- Frankie Rose - Testi, musiche

Tracklist:

01. Interstellar

02. Know Me

03. Gospel / Grace

04. Daylight Sky

05. Pair Of Wings

06. Had We Had It

07. Night Swim

08. Apples For The Sun

09. Moon In My Mind

10. The Fall

Frankie Rose

Interstellar

Da tempo era nell' aria l'esordio solista (a tutti gli effetti) della bella Frankie Rose. Con la sua poliedricità e l' insolito acume musicale la mora di ferro già in passato aveva contribuito al successo di band indie - tra le più pregiate risultano Dum Dum Girls, Vivian Girls, Grass Widow e Crystal Stilts - tutt' ora con un buon futuro davanti, ma come per mille altri suoi colleghi l' idea di un ruolo da gregario a vita non le andava ovviamente giù.

Eccola allora, nemmeno un anno fa, nella veste ( fino ad allora) inedita di songwriter e cantante con le Frankie Rose & the Outs a dirigere in prima battuta il dischetto omonimo, un pastiche di retrò psych-rock piuttosto avulso dal panorama odierno ed altrettanto modaiolo e passeggero, considerata la "corrente" di revivalismo che passava in quel periodo. Non ancora soddisfatta del risultato, sebbene la critica di settore non avesse nella maggior parte dei casi provato disappunto, Frankie Rose si lancia adesso totalmente da sola, sperando almeno che la nomenclatura adottata stavolta sia anche la definitiva.

Nuovo giro altra corsa: per il nuovo act "Interstellar" - di nuovo targato Slumberland - il suono adotta una dimensione più congrua per essere spalmata su di un solo elemento, virando prepotentemente verso i calcatissimi lidi del dream pop velato da inquietudini new-wave. La Rose assembla diligentemente tutti i gruppi che adorava da ragazza - Cocteau Twins, This Mortal Coil e successivamente Galaxie 500 - proponendo un interessante mix tra nuovo e vecchio pop, aiutata da una produzione certosina che non di meno si rivela essenziale per il risultato finale del disco. L' impressionante precisione dell' ensemble viene ottimamente rappresentata dall' ambiziosa alternanza di archi e fiati con soffici sintetizzatori e soavi arpeggi, senza ombra di dubbio il vero fulcro di ognuna delle dieci tracce nonché il succo definitivo di "Interstellar", opuscolo davvero gradevole di atmosfere eteree e riconcilianti con il proprio spirito. Il cantato invece si prepone solamente di accompagnare il fluire musicale con gorgheggi densi di una purezza davvero insolita sebbene essenzialmente pop e non così arditi per riuscire a sfondare con tali armonie. La durata poi davvero scarna non permette all' album di compiere il salto di qualità tanto decantato, soprattutto per la mancanza di una vera e propria suite completa ed espansiva. Difatti presi a gruppi questi brani possono rivelarsi davvero ottimi, mentre accorpati in un disco - peraltro privo di cambi di marcia, di toni impetuosi, di ambizioni ascetiche - fanno un pò la figura del "nè carne nè pesce".

Detto questo, non di rado capita di scorgere spunti davvero interessanti ( il techno-pop di Daylight Sky che era degli Human League, la guizzante vivacità di Gospel / Grace oppure la purezza di Pair Of Wings, la migliore del lotto) alternati da vere e proprie copie delle copie ( penso a Had We Had It che ha lo stesso attacco di Interstellar). La parte finale però lascia sperare per il meglio, con la convincente apertura verso strade meno consone ben incarnata dal pianoforte di Apples For The Sun e dall' ultimo sorprendente climax di The Fall, con il mood da cameretta di "Demolished Thoughts" sventrato e lasciato ad essiccare.

Extinctions

Luca Pasi — Sun, 05 Feb 2012 00:22:32 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Luca Pasi

Genere:

Dream Pop

Indie Pop

Etichetta:

Shelflife Records / Solina Records

Anno:

2012

Link correlati:

Sito Ufficiale

Line-Up:

- Henry Ojala

- Jessika Rapo

Tracklist:

1. On The Last Day Of The Decade

2. Into The Wilderness

3. Modern Times

4. Love And Dissonance

5. The Swallows

6. Burn Burn Burn

7. Trade Winds

8. The Beast

9. Deep Waters

Burning Hearts

Extinctions

Il pop scandinavo ha da sempre avuto un ingrediente segreto che gli conferisce una grandezza e un'aura sublime, elevata, difficile da spiegare a parole, un ingrediente riconoscibile all'orecchio di molti, ma stranamente indecifrabile dagli artisti al di fuori della Scandinavia. Da sempre ha avuto una propria identità definita e da sempre è cresciuto e cresce mediante attrazioni magnetiche, dovute probabilmente all'instacabilità di quel freddo polare o all'isolamento forzato dei periodi invernali. Questo è ormai un fatto assodato e non smetteremo di ripeterlo. Alcuni degli esempi più marcati per quanto riguarda lo scorso anno e nel panorama svedese in particolare - giusto per citarne qualcuno - sono stati, tra i tanti, il ritorno degli Acid House Kings, i glitterati Sound of Arrows di Pet Shop Boysiana memoria, la riconferma della cantautrice scandinava di punta Lykke Li (attenzione che quest'anno il tuo posto potrebbe essere messo a dura prova) o l'esordio di Tobias Isaksson sotto il moniker Azure Blue.

Ma il nuovo anno, oltre a nuovi umori, porta anche nuove esperienze, e mentre gennaio lo passiamo tra hammond, pedal steel e chorus delle sorelle Klara e Johanna Söderberg, aka First Aid Kit, febbraio, non da meno, decide di non partire in sordina con il ritorno del pop etereo e scintillante dei finnici Burning Hearts, autori nel 2009 di quell'intrigante e primaverile Alboa Sleeping. Il duo, composto da Jessica Rapo, già vocalist di Le Futur Pompiste, ed Henry Ojala, batterista dei Cats on Fire e bassista dei Magenta Skycode, ci propone qua il loro secondo LP Extinctions, tra balli di atmosfere fredde ed umorali, in un percorso verso un'idea personale di pop-song che allo stesso tempo ricordi modelli più o meno nobili, aggiungendo in ultimo quel pizzico di distensione lontana e distaccata. Molte delle storie dell'album sono infatti tragiche e dedicate a persone e creature che non esistono più. Creature estinte, staccate da una vita terrena che più non gli appartiene e passate a semplice memoria. Questo scenario dissertivo, se vogliamo, potrebbe sembrare un po' inquietante, un po' apocalittico, insistendo su toni quasi macabri nelle proprie percezioni depressive, ma va detto che la maggior parte delle canzoni suonano sempre speranzose nelle loro armonie, con occhi sempre aperti e veleggiante al futuro, ne è un esempio lampante Modern Times.

Il titolo e la copertina, riassumono in fatti le prime righe del brano di apertura: On The Last Day Of The Decade spiana la strada agli argomenti malinconici a seguire. La spaziosa e unicamente calda voce della Rapo si adatta perfettamente al fianco della cauta e lussureggiante strumentazione di Ojala, ed ogni traccia è segnata da strutture pop deliberatamente elaborate con cura in cui l'attenzione al dettaglio è sempre presente, ma mai invadente. L'enfasi del suono dei Burning Hearts - in antitesi con gli altri gruppi del duo - è spostato e incentrato sull'atmosfera; quell'atmosfera nordica e un po' asettica che conferisce il gelo necessario a trasfigurare i suoni in immagini. La desolazione circolare di Into The Wilderness, singolo che anticipò l'EP del 2011 in cui la ritroviamo insieme a Burn Burn Burn, ne è un incalzante esempio: "Into the wilderness, away from the loneliness...". I riferimenti sono abbastanza limpidi, vi è infatti una forte complicità nel ripescaggio dagli Stereolab o dagli epigoni degli svedesi Sambassadeur, sia nell'uso intelligente dei suoni sintetici mischiati a blandi microsuoni, sia nell'armoniosa voce femminile. Gli arrangiamenti sono abbastanza naturali e creano una sensazione di spazio aperto, in cui ci si muove liberamente tra distese dinamiche di The Swallows, le cui carezze melodiche sono alternate da sferzate ritmiche, i repentini cambi di ritmo del secondo singolo (Burn Burn Burn) con cui il pezzo accelera, rallenta ed accelera di nuovo nel suo refrain Looperiano o nei leggeri ed eleganti downtempo di Trade Winds. L'elettro-acustiche The Beast e la conclusiva Deep Waters, dai tratti più classicamente indie pop, deviano una dimensione aggiuntiva che apre le tende della nostra cameretta, abbracciando e percependo in ultimo sospiri e brezze polari estinte ma facenti sempre parte di noi, e riuscendo ad offrire anche accenni di qualche inaspettata irregolarità.

Canzoni di grande immediatezza e forza comunicativa, da veri maestri di un modo di costruire quel pop sospeso tra nostalgia, modernariato e amore spontaneo e universale per la melodia pura, semplice e brillante. Davanti a questa apparente e falsa mestizia non possiamo fare altro che rimanerne attoniti e abbandonarci per l'ennesima volta in queste eteree e sublimi alchimie nordiche, aspettando e provando ad immaginare quale possa essere la prossima aurora.

Ester

Luca Pasi — Sat, 14 Jan 2012 18:46:56 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

Luca Pasi

Genere:

Dream Pop

Etichetta:

Double Six

Anno:

2012

Link correlati:

Sito Ufficiale

Line-Up:

- Susanne Aztoria (Voce)

- Jimmy-Lee (Chitarra)

- Dayo (Batteria)

- Adam J (Basso)

Tracklist:

1. Rolling Kiss The Universe

2. You Wish You Were Red

3. Dies in 55

4. Engelhardt's Arizona

5. Los Angered

6. Starlatine

7. Candy Girl

8. Strangling Good Guys

9. Black Circle

10. Turkish Heights

Trailer Trash Tracys

Ester

Talvolta l'hype può diventare un'arma a doppio taglio, non è la prima e non sarà l'ultima volta. Ne sanno qualcosa i quattro londinesi Trailer Trash Tracys che dopo aver rilasciato un singolo nel 2009 ed essere stati acclamati un po' da tutta la critica musicale e carta stampata annessa sono spariti dalla circolazione, terrorizzati o forse impreparati di fronte ad una pressione che al giorno d'oggi potrebbe di colpo spezzarti le gambe. Una pressione che di certo non li ha aiutati a focalizzare quelle buone idee che avevano custodito gelosamente nel loro piccolo cassetto. Riservatisi tre anni per la registrazione su Double Six di questo Ester, si riaffacciano al mondo della musica in un ensemble che riprende quelle atmosfere tanto acclamate quanto ovattate che erano state Candy Girl e You Wish You Were Red ma contorcendone di contro e di contorno i tratti manieristici dei più acclamati act. Ester è infatti un disco difficilmente inquadrabile, un disco complesso nelle sue esagerate ambizioni, ma che rischia di perdersi tra distorte idee e una gamma di coordinate poco limpide che non facilitano né l'approccio né l'ascolto, a discapito di un suono che ne perde sia in dream che in pop. Un significato che, ci teniamo a ripeterlo, non è mai a condanna né di artista né di ascoltatore.

Se escludiamo infatti i tre brani che già circolavano (anche Strangling Good Guys) da tempo, risulta un quadro poco focalizzato per quello che dovrebbero essere, o almeno è auspicabile che sia, al contrario, un dipinto dai colori caldi e nitidi. Prendete ad esempio un brano come Engelhard't Arizona, che con i suoi beat quasi dub e le dissonanze ossessive che infiammano e si rincorrono a perdersi - non si sa dove - in tutta la durata della canzone, rischia di sfociare in sensazioni quasi claustrofobiche, come se al brano mancasse aria. Ed è probabilmente questo uno dei difetti principali di Ester, manca aria o forse al contrario ce n'è troppa. Parecchi sono gli effetti che spaziano da lontane e lunghe suggestioni di registro, ce ne sono troppi e troppo pochi, sbilanciando un album che alterna discreti guizzi da beat wonky (Los Angered, Starlatine) a blandi filler. Ne è un altro esempio Dies in 55 in cui la melodia che accompagna la seppur ottima voce di Susanne Aztoria si perde in una circolarità che risulta essere fin troppo eccessiva. I nostri riacquistano invece credibilità quando il registro torna a ricreare quelle atmosfere distese, memori di esordi dell'anno appena trascorso come gli ottimi Blouse o Sleep ∞ Over. Candy Girl si muove infatti in questo senso verso lidi e trance ipnotiche che scavano nei nostri inconsci più reconditi, mischiando chitarre twang a riverberi allungati su cui fluttua magnificamente la voce. Ed è lo stesso per la vecchia You Wish You Were Red, che ricerca quella spiritualità attraverso sospiri paranoici in un oceano che trasporta e in cui gli strumenti conducono ma non sono mai trascinanti e carichi; un'elettronica che non deve mai prendere il sopravvento come lo è in una sconclusionata Black Circle, ma che deve essere soffusa e di spirituale ed ineffabile inquietudine.

Insomma è un disco che ha idee, o tenta di averle, non lo possiamo negare e questo è un bene soprattutto in un genere che nonostante tutto può essere ancora in divenire come lo è il dream, ma non si capisce esattamente che direzione vogliano prendere, in che recessi vogliano scavare, perché queste non vengono né centrate né focalizzate, perdendosi in voler mischiare tutto e subito e non in ottica di un'originalità tout court. Idee che cercano quindi pretenziosamente di toccare confini che evidentemente non gli sono familiari andando a dilatare un album in cui i bagliori risultano essere i brani che già circolavano; ed è proprio in questo senso che i londinesi si dovrebbero muovere, evitando quindi di azzardare sperimentazioni in fusioni che, il più delle volte, non finiscono in altro che svolazzi.

In Heaven

Gabriele Bartolini — Fri, 07 Oct 2011 17:27:56 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Synth Pop

Dream Pop

Etichetta:

Domino

Anno:

2011

Line-Up:

-Gabe D'Amico - Basso
-Eric Cardona - Chitarra, voce
-Andrea Estella - Voce
-Dev Gupta - Tastiere
-Bryan Ujueta - Batteria

Tracklist:

01. Daniel
02. Stop
03. Bad Street
04. Space Babe
05. Kimmi In a Rice Field
06. Luna’s Theme
07. Spain
08. Gene Ciampi
09. Saturday Sunday
10. Eastern Green

Twin Sister

In Heaven

I Twin Sister sono un sestetto proveniente da Long Island, in America, che fin dalle sue prime apparizioni nei palcoscenici importanti e non ha saputo contraddistinguersi per la spiccata vena sperimentale, oltre che per le capacità vocali della frontman Andrea Estella sicuramente fuori dal comune. Le loro produzioni discografiche si muovevano infatti in questo senso, ovvero valorizzando appieno la notevole capacità di interporre la castità di certe parti vocali con temi elettronici dream pop conosciuti dai più per mezzo dei cataloghi di Galaxie 500 e Cocteau Twins. Interessante fu poi osservare come il trend che vuole vedere una band dalle trame complesse riscuotere successo di fronte a platee non proprio così cerebrali come quelle indie venne confermato anche in questa occasione, ed in particolare con il secondo EP Color Your Life, edito nel marzo del duemiladieci per la Infinite Best. Composto da sei tracce per una durata totale di ben trenta minuti, l' uscita in questione riuscì ad ottenere persino il favore della stampa per i suoi spericolati riferimenti alla psichedelia slowcore precedentemente accennata ( culminante con il tributo Galaxy Plateau) ed alcune buone sortite di electro-pop che con una buona dose di ruffianaggine sapeva stringere la mano alla fervente chillwave.

Per la prima assoluta sulla lunga distanza, i Nostri decidono purtroppo di muoversi nella direzione di queste ultime melodie più facili ed altrettanto efficaci, improntando ogni traccia su un pop-rock fresco mediante un gusto minimale ancora più deciso, se possibile. L' incontro con la Domino li obbliga a compattare gli schemi e rendere maggiormente densa la qualità del suono, che fino ad ora si era positivamente contraddistinto per una continua e maniacale ricerca dell' imperfezione da demo, e ciò, sommato alla via intrapresa a livello di genere, li spinge inesorabilmente verso una forma di indie-pop, o meglio lounge-pop velato, tanto cara agli Stereolab. In Heaven, altresì, è un dischetto di limpide orchestrazioni pop che non mancherà di aggradare chi qualche mese fa ha consumato Rome di Danger Mouse e Daniele Luppi, di cui possiamo rintracciare molti passi sapientemente virati con gusto synth-pop e rallentati a dovere in maniera tale da risultare dreamy al punto giusto. Rispetto all' EP apripista Color Your Life, molti dei connotati sono rimasti immutati - A partire da certi sfondi atmosferici per concludere con l' attività di scrittura - ma paradossalmente ciò di cui è carente il disco sono le belle suite che avevano dato al nome Twin Sister un' aurea di esclusivo interesse. Fattore che penalizza e non poco In Heaven, che con i suoi numerosi mid-tempi adesso si limita a produrre soltanto buoni ritmi per i testi, sfumandosi proprio quando dovrebbero iniziare le parti improvvisative, da sempre loro punto forte.

Nonostante questo, molti sono i pezzi in cui si riesce a replicare l' enfasi emotiva delle prime uscite: sopra tutti Gene Ciampi, influenzata senza dubbio dalle composizioni di Ennio Morricone ( così come Spain), ma tra le altre Stop e Bad Street, provenienti dal mondo dell' hip-hop, non deludono affatto. In Saturday Sunday quando non si fermano ad ammiccarsi nell' elettronica sembrano quasi i Blonde Redhead ed anche Daniel, per quanto nulla di complicato, riesce a fluttuare nella sua languida armonia da Beach House. Luna's Theme esagera con i vocalizzi, come successo dalle sue fonti dirette Dirty Projectors e Björk, mentre
Kimmi In a Rice Field soffre del vizio contrario, peccando di giri eccessivamente stralunati ed ossessivi. Un plauso infine a Eastern Green, unica canzone cantata da Eric Cardona, che proprio in chiusura ha il pregio di riassumere le migliori parti espressive di In Heaven mediante spleen melanconici ed una massiccia dose di tastiere degli eighties, rinnovando anche per questo il paragone con l' elettronica sfornata dal credo DIY.

La sensazione che si ha durante l' ascolto di In Heaven è sì quella di assistere ad un lavoro pregevole ed omogeneo per intensità ed idee, ma è allo stesso tempo innegabile che dai Twin Sister ci si doveva aspettare molto di più. Aldilà di ogni dettaglio, per quanto importante, la strada scelta dal sestetto di Long Island si è soffermata ad oggi nella ripetizione di certe formulette synth-pop che negli anni addietro costituivano la scorciatoia più semplice per arrivare al successo. Adesso i risultati finali non saranno certamente replicabili anche per questioni di etichette, ma è indubbio che per il gruppo In Heaven possa rappresentare in breve tempo il paradiso all' improvviso.

Era Extraña

Gabriele Bartolini — Mon, 12 Sep 2011 14:14:08 +0000

Voto:

6.4 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Dream Pop

Elettronica

Etichetta:

Static Tongues / Transgressive Music

Anno:

2011

Line-Up:

-Alan Palomo
-Leanne Macomber
-Jason Faries
-Lars Larsen

Tracklist:

01. Heart: Attack
02. Polish Girl
03. The Blindside Kiss
04. Hex Girlfriend
05. Heart: Decay
06. Fall Out
07. Era Extraña
08. Halogen ( I Could Be a Shadow)
09. Future Sick
10. Suns Irrupt
11. Heart: Release
12. Arcade Blues

Neon Indian

Era Extraña

All' epoca dell' esordio si dette maggiore importanza più all' uomo che al disco, convinti che questo fosse il lato maggiormente vendibile e meno sperimentale della chillwave. Era Extraña, il secondo album per la band di Alan Palomo, dimostra invece l' esatto contrario. Ovvero che Psychic Chasms, definito da molti come una di quelle enormi discariche glo-fi dove vivono senza nessun pudore tastiere elettroniche dalle sole melodie catchy, è in realtà una delle massime espressioni musicali in ambito elettronico degli ultimi dieci anni. Una scappatella della psichedelia nei sentieri chillwave, quelli meno desiderati, dovuta molto probabilmente ad una serata a base di alcolici e droghe. Non sarebbe poi tutta questa sorpresa, non fosse che il disco seppe accavallare mediante un concept ottantiano evocante la confusione ed il disfacimento di certe strutture fino ad allora considerate indispensabili per un brano il sinth-pop con l' etica ( più che il genere in sè) della 8-Bit.

Fattori che vengono ripercorsi, se possibile, in maniera ancor più pedissequa ma non decisamente evoluta da questo complesso che della visual art ha fatto un marchio irrinunciabile. I Neon Indian infatti con Era Extraña concentrano le attenzioni nel vero fulcro della loro musica, eliminando le scorie di quell' inquinante nube ipnagogica kitsch e mostrando in tutto e per tutto la ricetta che era alla base dell' esordio, qui amplificata ed effettata con una maggiore dose di tecnicismi. Esce allo scoperto un lato dream-pop fedele agli stilemi imposti dalla seconda giovinezza degli M83, in particolare con Saturday = Youth, ma senza dubbio vengono screditati i paragoni con la italo-disco avanzati fin dai suoi primi brani messi in rete, a favore di un lato devoto ai Daft Punk e di cui viene permeato l' intero lavoro. I brani evidentemente si affinano, risultando forse fin troppo brevi per un lavoro che attinge da tali fonti, diminuendo i passi a forte impatto emotivo in modo tale da mantenere una certa linearità enfatica trattenuta con una precisa etica sperimentaloide. Ennesimo pretesto per evidenziare tutto il divario che intercorre tra artisti intelligenti del calibro di Toro y Moi, Neon Indian e Ducktails da altri semplicemente furbi o sempliciotti, quali i soliti Washed Out e Memory Tapes, occasione giusta per dare il giusto credito ad una scena che per quantità e qualità si sta anteponendo a mostri sacri come !!! o LCD Soundsystem, di cui anche in Era Extraña viene ripresa una certa acidità negli act dance. Il sound dei Neon Indian si può dire adesso più adulto, ma sebbene stavolta non voglia rendere palesi le sample ancora una volta ripresi dalla Sega ( da cui Alan Palomo varierà il nome in Vega per la sua esperienza solista) - esternati solamente nell' ultima distaccata Arcade Blues - per dimostrarsi anche sotto questo aspetto maggiormente maturo, il risultato finale si rivelerà meno soddisfacente rispetto a Psychic Chasms, malgrado la strada intrapresa sia per adesso soltanto abbozzata ed in attesa di una netta crescita. Detto questo, sembra ancora una volta impossibile riuscire a non arrendersi al cospetto di tracce dal tiro efficace come Polish Girl, la 8-bit stavolta montata sui velluti di Small Black e The Blindside Kiss, che per testo e ritmo potrebbe essere a tutti gli effetti un remix dei Radio Dept. più ispirati. Nelle retrovie, da segnalare la cascata di spleen languidi di Hex Girlfriend e la title-track, intermezzo dalle derive indietroniche, ma anche Halogen (I Could Be A Shadow), figlia del massimo picco trash 6669 (I don't know if you know) del precedente disco, oppure i rimandi all' oscurità della new wave con Fallout.

Neon Indian sembra aver intrapreso una strada interessante con questo ultimo Era Extraña, capace di distaccarsi dalla bomba dell' esordio per una minore irruenza nella ricerca di certe illusioni schematiche alla lunga piuttosto sgonfie. Difficile replicare quel senso collettivo di inebetimento ottenuto non senza una certa dipendenza dai video game, per questo Alan Palomo fa la giusta mossa quando sceglie di cambiare rotta addentrandosi in precise melodie alienate e sicuramente fuori dalla norma. Per ora il cartello dice work in progress, ma non è da scartare l' ipotesi che il lato razionale di questo musicista di origini messicane ci riservi belle sorprese in futuro.

This Desert

Vincenzo Ticli — Thu, 02 Jun 2011 16:42:03 +0000

Voto:

6.7 / 10

Autore:

Vincenzo Ticli

Genere:

Synth Pop

Dream Pop

Etichetta:

Warp

Anno:

2010

Line-Up:

Eleanor Everdell - Vocals
Jason Friedman - Instruments

Tracklist:

Building in L.O.V.E.
Tom Tom
Ghosts
Sleepwalkers
In To It
It’s Only Everything

Hundreds in the Hands, The

This Desert

Un sound da giungla cittadina è quello che offre il duo newyorkese The Hundred in the Hands, composto dallo strumentista Jason Friedman e da Eleanore Everdell, voce del duo. L’ Ep d’esordio (a cui è seguita la pubblicazione del primo album, omonimo del gruppo) si intitola This Desert ed è un’azzeccata trafila di sei pezzi solidi e dotati di una particolare personalità, capaci di incastrarsi perfettamente l’uno nell’altro. Immersi tra beats e sintetizzatori, i due realizzano un universo sonoro che si rifà decisamente alle sonorità ottantine, prendendo ispirazione anche da gruppi più recenti, come i Crystal Castles, con cui condividono certi approcci al dream pop ma capaci di creare melodie più accessibili e sperimentazioni meno azzardate, un po’ come se fossero i loro “fratelli buoni”. La traccia di apertura è Building in L.O.V.E., un pezzo dai ritmi sostenuti delle epocali sonate dance degli anni ’70, con tanto di basso insistente, drum machines e synths su cui si adagia la voce piena della Everdell che suona ora solenne, ora isterica, ora sensualmente lasciva. Le drum machines possono esprimere tutta la loro potenzialità in Tom Tom, il pezzo cardine, il motore attorno a cui gravita l’intero Ep (non a caso, scelto come singolo), pur avendo le altre tracce molto poco da spartire con esso. E’ un pezzo divertente e freschissimo, in cui le percussioni sintetiche dipingono paesaggi tratteggiati come luci strobo dai mille colori fluo nel buio di una discoteca degli anni ’80, tra cui si incuneano trascinanti linee di tastiere che vanno e vengono come ondate di elettricità pura e un cantato leggero e bambinesco che ricorda (anche in alcuni punti del testo) Emiliana Torrini, che si risolve in un etereo coro a metà tra gospel e gregoriano. Altra punta di diamante è Sleepwalkers, la canzone più acustica tra le sei che compongono l’extended play, con incisivi giri di basso e melodie chitarristiche sovrapposte ed effettate in modo tale da creare, col contributo delle tastiere, un muro sonoro onirico e inafferrabile, sostenuto da una sezione ritmica e una vocalità ossessiva e malinconica che ricordano molto da vicino la Natasha Khan (Bat for Lashes) di “Two Suns”, col risultato di creare un pezzo di dream pop genuino e magnetico. Molto notevole è anche It’s Only Everything, pezzo di chiusura, sintetiche melodie futuristiche e cantato energico e scostante su beats incalzanti che ora gravitano intorno a bassi implacabili, ora scivolano su tastiere setose. Meno interessante risulta invece Ghosts, dal bell’impianto acustico e dall’oscura atmosfera scandinava à la Röyksoppma che risulta forse un po’ troppo monotona. In To It, cantilena eterea costruita su semplici melodie e cori, appare solare e in alcuni tratti quasi psichedelica, salvo rivelarsi alla fine piuttosto inconcludente.

Il viaggio attraverso This Desert risulta molto piacevole, dal momento che le melodie sono ben solide, gli arrangiamenti molto curati e particolari e la voce decisa e vellutata di Eleanore appare versatile e capace di adattarsi (sebbene non sempre in maniera impeccabile) al tono delle diverse canzoni. Gli Hundred in the Hands sono riusciti ad inserirsi con questo Ep nel vivo del trand odierno, che occhieggia ai tastieroni eighties e al retrò. Nulla di innovativo insomma, ma fatto con un tocco inequivocabile di originalità.

Sleeplessness

Petra Savic — Sun, 01 May 2011 21:50:00 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Petra Savic

Genere:

Dream Pop

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2011

Link correlati:

Bandcamp

Tracklist:

1. Southbound

2. Sleepless Fever

3. Insomnia Plague

4. Untitled

5. Sister

6. Milk

7. Orion's Eyes

Sea Oleena

Sleeplessness

Classe 1990, la giovane Charlotte in arte Sea Oleena è annoverabile a pieno titolo in quella corrente di ragazze-cantautrici-chitarriste-dream-folk, à la Marissa Nadler, Josephine Foster o Alela Diane, per citarne alcune. Si possono citare le più famose, certo, ma la branca di cui fanno parte è talmente vasta, numericamente parlando, che un elemento in più non era richiesto, per quanto eventualmente gradito.

Presenta qui il suo secondo EP, a un anno di distanza dall'omonimo. Sette tracce per una mezz'ora tonda di musica, esattamente di quel genere che ormai non dice più nulla dato che ormai vi sono uscite simili nell'ordine delle migliaia: voce femminile delicata con qualche effetto delay, chitarra classica, qualche nota di piano, qualche effetto field recording, tematiche un po' malinconiche. Nessun brano, per quanto carino esso possa essere definito, spicca sugli altri; non ha tratti che lo possano far distinguere dalla maggioranza dei dischi del genere. Poco male, giacchè la presentazione della fanciulla canadese recita unicamente "Sea Oleena is sounds and that’s all.", il che non crea esattamente grandi aspettative.

Nel lavoro tendenzialmente povero di note di merito, ricordiamo l'apertura Southbound, la traccia più lunga dell'album e Untitled, probabilmente il punto più interessante dell'opera.

The Magic Place

Petra Savic — Tue, 26 Apr 2011 00:49:35 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Petra Savic

Genere:

Dream Pop

Etichetta:

Asthmatic Kitty

Anno:

2011

Link correlati:

Official website

Tracklist:

1. Envelop

2. Keep Up the Good Work

3. The Magic Place

4. Cloak

5. White Flag

6. Vow

7. Bob In Your Gait

8. Prizewinning

9. Flown

Julianna Barwick

The Magic Place

L'eterea ed impalpabile artista della Louisiana, ora di casa a New York, è qui alle prese con il suo secondo full length, a quasi cinque anni di distanza dal suo esordio Sanguine. La ricetta, per quanto infallibile alle orecchie di chi ama certe sonorità, è fondamentalmente la stessa: sampling, loop, voce eterea e fatata, testi in linguaggi indecifrabili, ad eco personalizzato delle grandi glorie del genere, quali Enya e Björk.

L'album si apre con Envelop, delicatissima litania con soavi voci sovrapposte, le quali garantiscono un intreccio musicale che rende pressochè inutile l'ausilio di alcuna strumentazione, ma la nostra opta per un sottile outro di pianoforte a traghettarci alla seconda traccia, Keep Up The Good Work, dai giochi vocali analoghi al primo brano, ma stavolta accompagnati dal suono di un battito cardiaco, con la comparsa di piano e basso a partire dalla metà a rinvigorire la composizione. Il brano omonimo ha un sapore particolarmente crepuscolare e celtico, quasi adatto ad una nuova versione della colonna de Il Signore degli Anelli, mentre a seguire troviamo Cloak, pregno degli echi delle cattedrali altomedievali, riconducibile al tipo di composizioni di Hildegard Von Bingen, allietato da un quasi superfluo piano. White Flag, con il suo gioco di timbri alti, bassi ed intermedi tra diversi ipotetici cori, affida il tempo ad un impalpabile basso; Vow, dal tessuto strumentale più cospicuo rispetto ai precedenti brani, è una dolce ninna nanna in attesa di Bob In Your Gait, in cui si dà più importanza agli strumenti reali che alla voce, la quale s'è rivelata uno strumento degnissimo. Una chitarra ed un piano suonati da mani elfiche non involgariscono, per quanto si possa immaginare di involgarire, la dolce e delicata atmosfera che si è creata; tuttavia, per quanto leggero, il beat di Prizewinning lascia un po' straniti, mentre il cantato può risultare dalle sonorità natalizie. A risollevare dall'atmosfera onirica, a metà brano si inserisce uno snare, che per quanto aggraziato e retrò, stona. A conclusione del disco troviamo Flown, suddivisa in una quasi monocorde parte a cappella e una parte solo piano,a guidarci lentamente fuori dal sogno.

Il disco è molto fine e femminile, Julianna ha una buona padronanza della sua voce in diversi timbri e impostazioni e i brani hanno una lunghezza sufficiente a non risultare noiosi e troppo dilatati, tuttavia le strutture (fade in di voci senza accompagnamento, inserimento strumentale a metà brano, conclusione generalmente senza cantato) potrebbero risultare troppo ripetitive in un genere che è già ripetitivo di suo; per essere già al secondo full length (senza dimenticare l'EP Florine, del 2009) non ci sono grandi evoluzioni, nè cambiamenti, nè personalizzazioni di stile. Per quanto fascinoso possa essere un ascolto di un incrocio tra Enya e Natural Snow Buildings in una stanza d'ovatta, è più indicato come sottofondo ad una delicata mattina primaverile che come ascolto concentrato e attento.