Doom Metal

The Deer Woman

Giulio Magliulo — Sat, 21 May 2016 10:01:41 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Doom Metal

Etichetta:

Minotauro/Markuee

Anno:

2015

Line-Up:

Capitano – voce, chitarre
Annalisa – basso
Nadin – organo, synth
Boss - batteria

Tracklist:

The Deer Woman
Boletus Satanas
Last Sip
Drunk in Hell
Hunter Lies
Petronica

Funeral Marmoori

The Deer Woman

Ferali riff proto doom alternati ad un organo chiesastico memore dell'italico hard prog, la psichedelia malata del wah-wah che sposa gli accessi di follia dei Pentagram, cadenzate cavalcate heavy a squarciare atmosfere da horror padano, le morbose fantasie degli Electric Wizard e le solennità degli Atomic Rooster.

Ed una cover macabra e mortifera, Profanation dei Death SS, dalla cui linea di tastiera probabilmente hanno attinto anche gli Entombed di Left Hand Path.

L'ultima covata malefica della scena doom nazionale discende da una grande tradizione certamente molto codificata ma a differenza di tanti gregari senza troppa personalità risulta estremamente intensa e convincente, portandola a livelli superiori.
Peccato solo per le grafiche, davvero disturbanti e di cattivo gusto.

The Enigma Of Evil

Giulio Magliulo — Wed, 12 Aug 2015 11:18:43 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Doom Metal

Etichetta:

Minotauro

Anno:

2015

Line-Up:

Guitar, Bass, Tibetan Bowl, Throat Singing: Anthony

Vocals: Jorge Cortes (1,2,3) Indrayudh Shome (4,6), Ziko Franco Rockefeller (7)

Hammond, Woodruffe, Moog: Miguel Angel Yance

Drums, Fx, Bowl: Joaquin Cuadra

Tracklist:

Fohat
Kyrie Eleison
The Buddha From Mars
The Awakening Of Kosmos
Spirits Of Will
The Advent Of Ahriman
Guard Of The Two Thrones

El Hijo De La Aurora

The Enigma Of Evil

Nonostante il chiarissimo assunto sabbathiano evidente in tracce quali Fohat, Kyrie Eléison e The Buddha From Mars, il terzo album dei peruviani El Hijo De La Aurora, The Enigma Of Evil, dall'appeal esotico (inevitabile per il mix 'idioma e vocalità' di Jorge Cortes) e dalle ambizioni esoteriche percorre sentieri non comunemente battuti dal classico doom metal.

Al ciondolare degli Sleep, agli assoli dalla dilatazione space e ai cori monastici di confraternite passate alla concorrenza che possono anche far ricordare i Type O Negative, The Enigma Of Evil sorprende in brani come The Awakening Of Cosmos in cui un'acustica liquida accompagna la voce di Indrayudh Shome memore di un Tim Buckley in pigra deriva psichedelica o nell'ambient oscura di Spirits Of Will, ma forse ancor di più in The Advent Of Ahriman avvolta nelle stesse spire degli Om di Cremation Ghat II o in Guard Of The Two Thrones, droneggiante, rituale e doom, con Ziko Franco Rockefeller alle particolarissime vocals qui fuse tra acida malignità black metal, profondo growling da altre galassie e sperimentalismi dalla grey area più occulta.

Deus ex machina dell'intera vicenda El Hijo De La Aurora è Joaquin Cuadra (batteria, testi e produzione), che in questo disco approfondisce alcuni aspetti legati alla rivelazione di verità iniziatiche, tematiche care a teosofi come la Blavatsky e Steiner e per certi aspetti anche a Nietzsche.

The Enigma Of Evil può risultare musicalmente discontinuo alle orecchie degli ascoltatori di metal occidentale o superficiale nel concept per chi è avvezzo a certe letture o a frequentazioni di circoli esoterici, eppure ogni singolo brano ha una sua intensità, una sua vibrazione, e le citazioni nelle lyrics - a differenza di quello di tanti prezzolati poseur delle musiche estreme - riflettono un approccio alla materia serio e sentito.

Where Greater Men Have Fallen

Stefano Pentassuglia — Thu, 04 Dec 2014 14:08:15 +0000

Voto:

8.5 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Doom Metal

Black Metal

Folk Metal

Etichetta:

Metal Blade

Anno:

2014

Line-Up:

Alan Averill "Nemtheanga" - Voce

Ciaran MacUiliam - Chitarra

Michael O'Floinn - Chitarra

Pol "Paul" MacAmlaigh - Basso

Simon O'Laoghaire - Batteria

Tracklist:

1. Where Great Men Have Fallen
2. Babel's Tower
3. Come The Flood
4. The Seed of Tyrants
5. Ghosts of the Charnel House
6. The Alchemist´s Head
7. Born to Night
8. Wield Lightning to Split the Sun

Primordial

Where Greater Men Have Fallen

Ne è passata di acqua sotto i ponti.

Già a partire dai paesaggi evocativi e chiaroscurali di “The Gathering Wilderness”, i Primordial hanno intrapreso un cammino estremamente personale, che si distanziava sempre più dalle sue origini black metal verso un suono simile alla forma vivente di uno spirito guerriero profuso dal loro sangue celtico. “Imrama” e “Journey’s End” ormai sono un lontano ricordo, mentre quei semi che “Spirit The Earth Aflame” aveva sparpagliato iniziavano ormai a crescere e a germogliare senza più fermarsi.

Sempre più passionali, sempre più epici, sempre più inimitabili. Ma soprattutto, sempre più veri. Il 2007 fu l’anno d’oro, con quel “To The Nameless Dead” che si ergeva fiero ad emblema della loro nuova personalità e summa di un certo modo di intendere il metal e di una intera filosofia sul senso della guerra, del sacrificio, del concetto di “morire per il proprio Paese”. Il “morto senza nome” era colui che si immolava per una patria che lo inviava al massacro, senza che nessuna generazione risorta dalle sue ceneri potesse ricordarsi il suo nome, il suo viso, i suoi sogni, le sue speranze. La gloria è solo un’illusione e questo i Primordial ce lo fecero capire con canzoni impregnate di dolore e di un’epicità struggente, con chitarre che mettevano a tacere la retorica patriottarda di tante metal band che si fingono battagliere ma che non si sono mai davvero fermate a riflette sul vero significato della morte, fosse anche di una sola persona. E il successivo bellissimo album “Redemption At The Puritan’s Hand” non fece che proseguire su questa strada, leccando le ferite del disco precedente attraverso un ritorno alla terra e al più autentico folklore celtico.

Adesso, riposte le cuffie dopo l’ascolto di “Where Greater Men Fallen”, sembra quasi che quel ciclo iniziato nel lontano 2005 (anno di pubblicazione di “To The Gathering Wilderness”) si sia chiuso per sempre. Il nuovo lavoro dei cinque di Dublino è quello che potremmo definire il più “drammatico” della loro carriera. Non che prima la drammaticità non fosse presente, e basterebbe far riferimento al basso mortifero e agli scenari di assoluta desolazione di Gallows Hymn per ricordarlo; ma se un disco come “To The Nameless Dead” era anch’esso, a suo modo, “drammatico”, si trattava di un elemento che non avrebbe mai perso di vista la speranza in un futuro diverso, la convinzione che è possibile risalire dal fango, la ricerca di un senso in mezzo alla miseria.

Tutto questo è assente, ora. Le canzoni del nuovo album rimandano a sentimenti di sconfitta e rassegnazione, come se tutte le energie si fossero esaurite negli album precedenti e non fossero rimaste più lacrime da versare. La battaglia è finita e non conta se il nemico ha vinto o ha perso, ciò che conta è che quei valori in cui ancora speravamo sono sprofondati con noi nella fine del mondo, nell’abisso dell’assurdo. La band non può fare altro che ritirarsi e meditare in solitudine.

Where Greater Men Have Fallen, saggiamente scelta come opener del platter, è una chiara dichiarazione di intenti in tal senso, non fa prigionieri e non lesina sentimenti di rabbia e frustrazione, in una cavalcata in cui Alan Averill sembra buttare su nastro non tanto la sua voce quanto la sua stessa anima. Eppure, paradossalmente, è proprio la title-track a risultare il brano più "tradizionale" rispetto agli altri, con la sua classica struttura di strofa e ritornello che punta tutto sulla magnificenza delle chitarre e su riff che rimandano a sensazioni di eroica sofferenza.

Babel’s Tower, però, cambia completamente registro. Si rimane stupiti dall’iniziale arpeggio distorto, in cui sembra persino di cogliere le influenze di un certo swedish black metal figlio di Watain e Marduk, che pian piano si attenuta in una ballata ovattata e avvolgente. Risulta chiaro come i Primordial, adesso, abbiano deciso di mettere un po’ da parte le loro influenze più celtiche, per avvinarsi non solo al black quanto soprattutto al doom metal, con ritmi più pacati e atmosfere decadenti che in certi frangenti sembrano richiamare la sensibilità dei My Dying Bride. L’immagine di un uomo che si ritrova di fronte alla desolazione di un mondo ormai in declino è il tema portante del brano, perfettamente rappresentato dall’oscuro videoclip diretto da Gareth Averill.

Ma se i primi due brani ci hanno già ammaliato a puntino, è con la successiva Come The Flood che l’album spicca il volo in modo definitivo. A parere di chi scrive, si tratta della traccia migliore del disco, l’espressione più alta di quel sentimento di rassegnazione a cui, tuttavia, sembra che la voce di Alan non voglia arrendersi. Già solo l’intro affascina, prima di gettarci in atmosfere dove si respira molto più doom rispetto al passato. Averill si mostra così il più significativo cantastorie di questa nuova decadenza, mentre le chitarre sorreggono ritmiche cadenzate e oscure, che si trascinano inesorabili verso un finale da pelle d’oca, fatto di sangue, lacrime e pura emotività.

The Seed of Tyrants e Ghosts Of The Charnel House si rivelano francamente i brani meno ispirati del platter, ma pur sempre molto interessanti nella loro carica innovativa: la prima traccia è un chiaro ritorno alle origini più prettamente black metal che ormai sembravano dimenticate, con un furioso Simon O’ Laoghaire che mai aveva sfruttato così a fondo il doppio pedale; la seconda traccia imbastisce un riffing forse un po’ troppo stiracchiato e convenzionale, ma non per questo meno energico ed esaltante; ammirevoli comunque gli arpeggi finali intrecciati con il basso che riescono ad infatuare con la loro seducente pacatezza, anche strizzando leggermente l’occhio al post rock.

The Alchemist’s Head è indubbiamente uno dei brani più sperimentali che i Primordial abbiano mai composto; tendente anch’esso al black metal, particolarmente dissonante (soprattutto negli atmosferici riff che anticipano la fine) e sostenuto da ritmiche spezzate, si incastra perfettamente con lo screaming di Averill, mai così maligno nella tipica espressività che lo contraddistingue. Non si tratta certo di un brano facile da ascoltare, ed è più che probabile che qualche fan di vecchia data possa rimanerne spiazzato. In ogni caso, l’esperimento pare ben riuscito e per quanto il brano possa stonare nel contesto epico/drammatico dell’intero album, è da ammirare il coraggio con cui la band è riuscita a provare qualcosa di diverso e nuovo senza spostare di un millimetro quella personalità che l’ha resa unica.

La lunga e ispirata introduzione di Born To Night, di oltre tre minuti, stende un velo di arcana meditazione, come un cielo plumbeo che anticipa la tempesta, prima che uno dei migliori riff degli ultimi Primordial faccia il suo ingresso in campo. Chitarre mai così rocciose e decise gettano l’ascoltatore nell’headbanging più sfrenato, e quando Averill irrompe sulla scena lo vediamo subito prendere in mano le redini di un doom metal nordico, in parte memore dei sempre splendenti Candlemass, che invita chi lo accoglie a sognare ad occhi aperti.

Degna conclusione di questo viaggio ai confini dell’anima, Wield Lightning To Split The Sun emana odore di leggenda celtica da tutti i pori, avanzando in ritmi cadenzati e in echi lontani sperduti nel bosco, con un lirismo malinconico che sembra il canto di antichi guerrieri irlandesi in ricordo dei propri compagni morti in battaglia.

Certo, evitare il confronto con il passato è di fatto impossibile. Ma questo non è un male, anzi. Ci permette di comprendere come “Where Greater Men Have Fallen” rappresenti una naturale prosecuzione, non solo del suono ma soprattutto dell’anima dei cinque irlandesi, che forse sarà diventata più cupa e malinconica ma proprio per questo permette di riscaldare meglio le emozioni di chi sa ascoltarla. E se qualcuno alzerà il dito al cielo, pronto come al solito ad affermare che “To The Nameless Dead" era meglio, non sarà difficile zittirlo affermando che non è possibile migliorare la perfezione. Del resto, non era un disco “migliore” che ci aspettavamo dai Primordial; quello che volevamo era un disco bellissimo come sempre, nuovo, diverso, che continuasse quell’epico cammino di autenticità fatto di melodie sognanti e di sentimenti puri. Lo abbiamo avuto.

Finite le danze, se da un lato non possiamo affermare che “Where The Greater Men Have Fallen” sia un vero e proprio capolavoro, dall’altro non possiamo nemmeno negare che si tratti di un altro meraviglioso disco di una band che ormai è un’assoluta garanzia di qualità, passione ed emozioni sincere, degno stendardo di un’isola che non dimenticherà mai le sue radici e di un metal suonato prima con il cuore e poi con voce e strumenti. E scusate se è poco.

Chapeau.

Time to Die

Giulio Magliulo — Sun, 09 Nov 2014 20:14:58 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Doom Metal

Etichetta:

Spinefarm

Anno:

2014

Line-Up:

Jus Oborn - Guitars, Vocals

Liz Buckingham - Guitars

Mark Greening - Drums, Percussion

Clayton Burgess - Bass

Count Orlof - Bass

Tracklist:

Incense For The Damned

Time To Die

I Am Nothing

Destroy Those Who Love God

Funeral Of Your Mind

We Love The Dead

SadioWitch

Lucifer's Slaves

Saturn Dethroned

Electric Wizard

Time to Die

Il loro ultimo album, Black Masses, risale a ben quattro anni fa.

Un lasso di tempo più che adeguato – per qualcuno infinito – per farci sentire la loro mancanza e sfornare un nuovo disco carico, denso, come lo standard dei nostri narcosatanisti preferiti richiede.

Ed i leccarospi del Dorset ci hanno messo davvero l'anima per Time To Die; non deve essere stata indolore la separazione dalla storica label Rise Above, per non parlare dell'instabilità della sezione ritmica: Mark Greening alle pelli è si ritornato, ma sembra sia nuovamente andato via dalla band mentre per quanto riguarda il bassista Clayton Burgess non si capisce se in quest'album ci suoni o meno (il citato Count Orlof nella formazione dovrebbe/potrebbe essere lo stesso Oborn).

Generalmente un gruppo che non evolve e che continua a marciare/marcire sempre sullo stesso percorso che lo ha portato ad un presunto successo, artisticamente dovrebbe morire.

Nel caso degli Electric Wizard noi non ci aspettiamo altro e soprattutto non vogliamo altro: che continuino a fare esattamente quello che han sempre fatto

E se Time To Die si avvicini di più al sound di Dopethrone piuttosto che alle sonorità degli ultimi due album è un dato che può far piacere ma interessare fino ad un certo punto poiché riuscire ad annullare il pensiero e fermare la mente non con l'ambient music o con la classica, ma con qualsiasi disco degli Electric Wizard nell'esatto istante in cui si preme il play non è davvero da tutti.

Ecco perchè leggere in rete che il disco non presenta novità, è troppo lungo e ripetitivo e così via non può che far ridere.

Qualcuno si aspettava qualcosa di diverso dalla trasformazione del formato canzone in lunghe jam oscure ed acide?
Qualcuno voleva chitarre accordate di mezzo tono più in alto?
Qualcuno avrebbe rinunciato al suono più fantasticamente chiuso ed opprimente che ci sia?
Qualcuno avrebbe voluto resistere a quelle benzodiazepiniche spirali psicodark che ammorbidiscono l'encefalo?

Gli Electric Wizard, nel concetto di reiterazione nel rock, sono ad uno stadio molto elevato. Qualcuno dovrebbe proporre dei test neurologici capaci di evidenziare le differenze e le analogie che si riscontrano in soggetti che hanno assunto stupefacenti ed altri che non lo hanno fatto ma hanno ascoltato lo 'stregone elettrico'.

Per quanto riguarda invece i contenuti, i consueti surrogati di nichilismo stavolta sono mutuati dalla cronaca nera passata laddove nei precedenti dischi si attingeva di più a letteratura o a film horror di serie B. In ogni caso si perviene sempre a quella strana sorta di fiction da trip andati a male.

E se i nostri ci credano davvero o se si calano soltanto in questo ruolo fumettistico, non ci interessa proprio per niente.

Quel che ci interessa è quel wah-wah che si solleva e brucia l'aria intorno al quarto minuto e mezzo di Time To Die, il riff slabbrato e crudo che sostiene I'Am Nothing, l'approccio garage rivolto al doom di Funeral Of Your Mind, il ponte con l'hard-blues di Lucifer's Slave, l'aria di perversione generale che si respira in We Love The Dead e quell'organo che fa capolino qua e là come se fosse suonato dagli Atomic Rooster.. dieci metri sotto terra.

Primitive and Deadly

Giulio Magliulo — Sun, 12 Oct 2014 16:55:11 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Doom Metal

Etichetta:

Southern Lord

Anno:

2014

Line-Up:

Dylan Carlson - guitar

Adrienne Davis - drums, percussion

guests:

Randall Dunn - moog synthesizer

Brett Netson - guitar

Rabia Shabeen Qazi - vocals

Mark Lanegan - vocals

Tracklist:

Torn By The Fox Of The Crescent Moon

There Is A Serpent Coming

From The Zodiacal Light

Even Hell Has Its Heroes

Rooks Across The Gate

Earth

Primitive and Deadly

Ancora ipnotizzati dagli angeli zen degli ultimi atti, con Primitive and Deadly gli Earth piegano anche il rock al loro verbo.

Nel corso di un'intera carriera Dylan Carlson è riuscito a trascendere i luoghi comuni dei generi musicali arrivando ad una sorta di minimalismo anche quando la fisicità dei suoni ne rappresentava il suo opposto.

Reiterazione e magnetismo le parole chiave, formula osata da molti e spesso con noiosi esiti.

Torn By The Fox Of The Crescent Moon a ben guardare potrebbe essere il solito lento vortice superdoom drammaticamente neurosisiano e perfino di fronte a cotanta forza di gravità gli Earth riescono ad essere ieratici e a costringere l'epica metal in una zona di sospensione.

Quanto poi siano sempre stati parchi nell'utilizzo delle voci nella loro storia, lo si sa.

Ora addirittura due. La prima è quella di Mark Lanegan e sebbene la sua onnipresenza cominci a diventar fastidiosa, grazie agli Earth il dark cowboy che declama in There Is A Serpent Coming si eleva a profeta che dà voce a visioni mistiche in un paesaggio oscuro e desertico, del colore del cinabro.

L'altra voce è quella di Rabia Shaheen Qazi dei Rose Windows, formazione acid-folk di Seattle, che officia in From The Zodiacal Light, brano che lascia comprendere, ancor meglio rispetto all'opener, come anche nel più convenzionale heavy-psych il marchio Earth lasci più di un distinguibile segno.

Even Hell Has Its Heroes cupa e dal passo funereo è la Calvary del nostro tempo. Quasi dieci minuti in cui un Carlson mai così classico paga pegno ai padri della psichedelia elettrica, da consapevole discendente in quel ruolo.

Rooks Across The Gate è l'ultima traccia che non cambia nulla nella pasta sonora del disco e aggiungendo solo qualche bagliore, illuminando appena un po' il sentiero, lascia scorgere nuovamente Lanegan, e se la sua voce fa ricordare gli Screaming Trees, immaginiamo pure questo brano come una loro traccia sotto eroina.

Disco controverso per gente controversa questo degli Earth, ma in un certo senso coraggioso per la sua capacità di mostrarsi senza ambizioni, che lascia interdetti all'inizio fintanto che non ci si entra dentro e che va comunque assunto a piccole dosi, senza esagerare, per continuare ad apprezzarlo anche successivamente all'interno di una discografia nel quale si configura indubbiamente come l'anello debole.

Under Saturn Retrograde

Corrado Penasso — Thu, 19 May 2011 09:39:17 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Doom Metal

Black Metal

Etichetta:

Agonia Records

Anno:

2011

Link correlati:

My Space.com

Line-Up:

- Algol - basso

- Asher - batteria

- Herr Morbid - chitarra, voce

- Razor SK - chitarra

Tracklist:

1. Reject Existence (06:47)

2. Shutter (06:53)

3. Downlift (05:39)

4. I Wanna Be Your Dog (The Stooges cover) (03:13)

5. Joyless (04:48)

6. Under Saturn Retrograde Part I (03:40)

7. Under Saturn Retrograde Part II (04:23)

8. You Can't Kill Whos Already Dead (08:24)

9. Spectres Over Venice (06:58)

Forgotten Tomb

Under Saturn Retrograde

Quinto album in casa Forgotten Tomb, ovvero una band tra le più amate e pubblicizzate dell’intero panorama depressive black/doom metal internazionale. Fonte di orgoglio per noi italiani e concorrenza pura per i blasonati mostri sacri svedesi, la band di Herr Morbid ritorna con questo Under Saturn Retrograde, album frutto di una continua evoluzione che vedeva inizialmente la band debitrice ai maestri Burzum, Strid e Katatonia per poi muoversi verso lidi maggiormente “Seventies”, grazie all’apporto prezioso di un certo groove musicale. Una scelta coraggiosa che fece storcere il naso a molti e che con questo nuovo lavoro possiamo ritrattare.

Suoni potenti, cristallini ci introducono all’opener, una favolosa Rejected Existence. Il groove delle chitarre va a creare un’impalcatura per le linee soliste disperate a plasmare un contrasto accattivante ma anche terribilmente depressive. Le cadute in arpeggi aumentano la sensazione di pura claustrofobia mentre la voce di Herr Morbid riversa tonnellate di odio per la vita in un crescendo che culmina durante un ritornello sì di facile presa ma dalla carica autodistruttiva impressionante. Influenze maggiormente “moderne” si possono riscontrare nel riffing più tendente al black metal con punte dissonanti della successiva Shutter. Alcune sezioni arpeggiate donano una profondità ancora più marcata ad un sound nero come la pece, sostenuto da alcuni cambi di tempo dinamici ad arricchire strutture che viaggiano sempre su tempi medi/doom. Assolutamente imperdibile il groove Sabbathiano delle chitarre successivo al solo di basso ad introdurre pure alcune clean vocals ormai tanto care al cantante/leader.

I quasi sei minuti diDownlift ci danno la possibilità di gioire di multiple e svariate influenze che il gruppo ha mostrato di poter trasformare in ottima musica. Il groove delle chitarre rimane un elemento importantissimo, in qual si voglia ambito. Esso va a sostenere lugubri arpeggi oppure strazianti linee soliste tra ricercati cambi di tempo e conseguentemente di atmosfera a sfociare nella rilettura in chiave doom di un classico che teoricamente non ci azzeccherebbe molto col suddetto genere, ovvero I Wanna Be Your Dog dei The Stooges. Il marchio Forgotten Tomb è impresso indelebilmente in ogni secondo di questa traccia. Qui si capisce veramente come un donare/ricevere di influenze sia stato importante per arricchire uno stile che dopo i primi tre superbi lavori dei nostri romagnoli era a rischio di immobilismo. Il compianto Pete Steele sarebbe stato orgoglioso di aver lasciato un segno così importante con i suoi Type O Negative in occasione di Joyless, ottimo episodio di doom/gothic profondo, melodico e desolato. Una sorta di Alone Part II.

Under Saturn Retrograde Part I non si fa notare in modo eclatante se non per la fase solista della chitarra verso lo scemare della traccia. Il resto si assesta su una sorta di black metal canonico, tra tempi questa volta maggiormente veloci e riffs più diretti. Di tutt’altra pasta Under Saturn Retrograde Part II: quasi completamente arpeggiata, questa traccia mostra neanche troppo timidamente influenze che ancora una volta chiamano i Black Sabbath sinfonici per proseguire con l’esplosione delle chitarre elettriche e le urla sofferenti di Herr Morbid per un viaggio disperato che sfocia nella lunga e tenebrosa You Can't Kill Whos Already Dead. Come sempre, i punti di forza risiedono nelle sezioni arpeggiate che si intrecciano e scambiano con le linee soliste e momenti in cui il groove delle chitarre crea un ottimo appoggio per alcune linee vocali pulite in indubbia espressività, sempre alternate al solito scream carico di malattia interiore e disperazione.

La finale Spectres Over Venice stilisticamente ci riporta al 2003 e all’album Springtime Depression giacché annovera idee maggiormente legate al passato della band per un risultato eclatante. L’oscurità e la sensazione di pura decadenza che questa traccia riesce a trasmettere sembrano voler essere una sorta di summa di tutto ciò che abbiamo avuto modo di ascoltare in questo ottimo lavoro.

I Forgotten Tomb hanno lavorato parecchio alla stesura di questo album e si sente. Tutte le sfumature del loro sound, le ottime idee che vengono a galla sin dal primo ascolto ed il carico di malessere interiore che ancora una volta il gruppo riesce a trasmettere sono tutti segni di una maturazione ormai compiuta e che sta dando i suoi frutti. Under Saturn Retrograde è un lavoro solido, forse migliore del suo predecessore e che conferma il gruppo come una delle realtà internazionali di spicco del genere.

Violet Art Of Improvisation

Giulio Magliulo — Sat, 23 Apr 2016 07:03:41 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Psychedelic Rock

Doom Metal

Etichetta:

Minotauro/Markuee

Anno:

2015

Line-Up:

Paul Chain - voce, chitarra e organo

Claud Galley - basso

Thomas Hand Chaste - batteria

Tracklist:

Disco I
Tetri Teschi in Luce Viola

Emarginante Viaggio

X-Ray

Disco II
Old Way

Hypnosis

Casual Two your Mister

Celtic Rain

Dedicated to Jesus

End by End

Paul Chain

Violet Art Of Improvisation

Violet Art Of Improvisation è la ristampa del doppio omonimo di Paul Chain del 1989, suddiviso tra primo disco le cui tre tracce sono sperimentali ed improvvisate mentre sul secondo prendono posto brani di forma più compiuta.

E cominciamo a parlare proprio della seconda parte, registrata nel 1986, quella in cui tutta la vasta gamma di interessi musicali del pesarese Paolo Catena troverà poi sviluppi futuri meglio definiti.

La prima traccia, Old Way, può risultare paradossalmente attuale visto il rinnovato interesse per le derive esoteriche della neopsichedelia; segue Hypnosis, pitching esagerato e più di un ricordo dei corrieri cosmici tedeschi dei settanta e Casual Two You Mister dalla voce lontana e loopata e dagli effetti disturbanti alla Throbbing Gristle in chiave horror.
Poi ancora Celtic Rain, peculiare visione del folk secondo Paul Chain, Dedicated To Jesus, austera, dal crooning sgraziato e dai chitarrismi floydiani e End By End in cui il protagonista assoluto è il mortifero organo da cripta.

Meno felice il primo disco che apre con Tetri Teschi In Luce Viola, psicotica mezz'ora di estenuante e insistita masturbazione chitarristica se si eccettua l'organo e le preci, seguita da Emarginante Viaggio e X Ray, ambedue con Thomas Hand Chaste alla batteria e Claud Galley al basso e più interessanti nella loro proposta hard psichedelica free-form.

Un lavoro Violet Art Of Improvisation a tratti ingenuo, in altri eccessivo, ma estremamente coraggioso se si considera come il tentativo di una mente fervida e labirintica che dalla provincia italiana dei primissimi anni ottanta cerca di oltrepassare gli angusti steccati del metal più tradizionale, riuscendoci pienamenente come ben sa chi ha approfondito le diverse espressioni artistiche – dal debutto metal alle evoluzioni successive - di questa figura di culto.

Abyss

Giulio Magliulo — Sat, 26 Sep 2015 08:09:08 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Doom Metal

Gothic Rock

Etichetta:

Sargent House

Anno:

2015

Line-Up:

Chelsea Wolfe (voce, chitarra)

Ben Chisholm (synth, basso)

Dylan Fujioka (batteria)

Ezra Buchla (viola)

Mike Sullivan (chitarra)

D.H. Phillips (chitarra)

Tracklist:

1. "Carrion Flowers"

2. "Iron Moon"

3. "Dragged Out"

4. "Maw"

5. "Grey Days"

6. "After the Fall"

7. "Crazy Love"

8. "Simple Death"

9. "Survive"

10. "Color of Blood"

11. "The Abyss"

Chelsea Wolfe

Abyss

Abyss segna un punto di non ritorno per Chelsea Wolfe.

L'artista di Sacramento dal gloomy mood, in questo disco raccoglie tutte le sue fascinazioni estetiche e le condensa in un simbolismo all'ennesima potenza che ci sprofonda in un incubo swansiano ad altissima densità.

La produzione di John Congleton e l'esperienza live con i Russian Circles - il cui chitarrista Mike Sullivan qui è della partita - influiscono profondamente sul suono che ora va oltre quel masochismo suadente, sublimato, romanticamente contemplato e perché no, subdolamente pop che ha fatto grande un lavoro come il precedente Pain Is Beauty; allo stesso modo le dolenti derive folk di Unknown Rooms sono ormai solo un lontano ricordo.

Perduti dunque quei tratti un pò naïf che talvolta caratterizzano certe espressioni del gotico americano – e questo un pò dispiace - , la dark lady presenta oggi un album degno di un trattato di psicoanalisi, centrato sul difficile rapporto tra la veglia e la fase onirica, nel momento in cui esse si confondono e quando i fantasmi che ne affiorano appartengono tanto alla realtà quanto all'inconscio.

Litanie che si srotolano lente su disturbanti tappeti industrial-electronici, ossessive, ipnotiche, scandite da pesantissimo doom e dal ferale rintocco di campane; striscianti e asfissianti tricks di coiliana memoria che si sgretolano sotto il peso di chitarre che accendono fuochi fatui di rarefatto post-core: questo è ciò che offre il platter.

La dark music credeva di aver trovato la sua PJ Harvey o la sua Cat Power ma Chelsea Wolfe si è incamminata verso un lontano empireo oscuro nel quale – a parte Nico e Diamanda Galas - e con il dovuto rispetto – non ci sono molte presenze femminili.
La strada è molto lunga, il sentiero imboccato potrebbe essere quello giusto ma la bambolina infernale un pò ci mancherà.

The Gnomes

Giulio Magliulo — Sat, 18 Jul 2015 09:26:41 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Doom Metal

Etichetta:

Minotauro

Anno:

2015

Line-Up:

Alessio Sanniti - Guitar, Drums

Vincenzo Sanniti - Bass

Andrea Penso - Electronic Effects and Keys

Mario 'The Black' Di Donato - guitar solo on track 2

Tracklist:

The Gnomes (Ariel)

The Salamander (Mikhael)

Undines (Gabriel)

Elfs (Raphael)

Misantropus

The Gnomes

Vecchia conoscenza i latinensi Misantropus che cambiano etichetta ma non deviano dal loro rigoroso percorso che ai più può sembrare statico, monolitico ed immune a qualsivoglia input esterno.
Che i Misantropus non cercassero facili consensi lo si sa, ma che essi stessero cercando una verità nella loro evoluzione artistica e umana era già sufficientemente chiaro nei contenuti del loro precedente lavoro (2012).
Una verità spirituale, naturalmente, che già si intravede nella sua essenza terrena attraverso opere, atti e frequentazioni che riconducono tutti al senso e alla possibilità di una rinascita.

La natura e gli animali sono ancora al centro dell'universo non solo simbolico dei due fratelli del green doom metal, in ottima compagnia di legioni di angeli guardiani pronti a punirci per i nostri misfatti terreni.
Il verbo che esprime tutta questa vasta gamma di avvertenze, prescrizioni, consigli e suggerimenti è naturalmente il doom nativo dall'heavy metal, quello dai lunghi riff e poche variazioni che nel suo distendersi accumula energia e diventa mantrico.

The Gnomes (Ariel), The Salamander (Mikhael), Undines (Gabriel) e Elfs (Raphael), questi i titoli - con i relativi riferimenti angelologici - dei quattro lunghi movimenti che formano il disco della durata di trentacinque minuti circa, vedono oltre alla presenza dei due fratelli Sanniti, Andrea Penso agli effetti elettronici e Mario “The Black” Di Donato in guitar solo sulla seconda traccia.
Notevole anche il booklet che contiene una bella carrellata di foto che ben rappresenta la vita artistica dei Sanniti nel corso degli anni.
Jimi Hendrix diceva “blues is easy to play but hard to feel” e mai come in questo caso sostituire 'doom' a 'blues' ci sembra appropriato ed escludendo la coda ambientale di Elfs, un sano, drenante e depurativo headbanging con buona pace dei tanti magister che presenziano invisibili a The Gnomes, ci sta tutto.

Misantropus

Giulio Magliulo — Wed, 07 Aug 2013 19:19:51 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Doom Metal

Hard Rock

Etichetta:

Doomymood

Anno:

2013

Line-Up:

Andrea Vozza - Drums

Vincenzo Sanniti - Bass

Alessio Sanniti - Guitars

Tracklist:

1. Noeh

2. Woodarc

3. Green (The Animalspact)

4. Birds

5. Seas

6. The Deluge

7. Filantropus (Sun)

Misantropus

Continua la partnership tra la label Doomymood ed i Misantropus che grazie ad essa hanno cominciato a pubblicare anche su cd i loro lavori (sebbene l’etichetta rispetti sempre l’idea originaria del vinile propria del trio di Latina).

Misantropus, terzo disco della band in quindici anni è in realtà del 2012 ma visti i tempi ‘comodi’ dei ragazzi, giunge a noi soltanto adesso (ed immaginiamo che ad altri non sia arrivato molto prima) e quindi possiamo considerarlo a tutti gli effetti ‘rilasciato’ quest’anno.

Come già si intuiva dal precedente lavoro, i fratelli Sanniti (più Andrea Vozza alla batteria) stanno approfondendo sempre di più le loro tematiche spirituali e filosofiche legando i brani che compongono l’album in una sorta di concept, incentrato questa volta su un altro archetipo, Noeh.

La necessità della salvezza quindi, necessaria quando la decadenza morale raggiunge il suo nadìr, vuole essere il filo conduttore di queste tracce in cui si affacciano – inevitabili implicazioni – elementi naturali e cosmici che nella narrazione biblica trovano poi sempre figure aderenti ed esplicative.

Una concezione quasi pagana più che religiosa dunque, ma in controtendenza rispetto ad altri archetipi – questa volta musicali – tipici del mondo metal.

‘Positive doom’ potremmo quindi ribattezzare l’evoluzione dei Misantropus, evoluzione che comincia ad essere anche formale oltre che concettuale (cover a parte che non è dissimile dalle precedenti e che sottolinea nella sua scarnezza una continuità con i trascorsi del gruppo): di atmosfere plumbee ed opprimenti proprie del più classico doom-metal qui non ce ne sono.

L’energia quasi ‘solare’ che al contrario i Misantropus vogliono trasmettere trova in tempi leggermente più veloci e sostenuti della media doom la sua espressione primaria ed anche le sequenze di accordi che formano i riff sono più in maggiore che in minore.

Sembra che la musica, pur restando un rock essenziale, basico, guardi stavolta più all’hard-rock e all’heavy metal primario, i suoni sono più caldi e corposi ed anche la chitarra solista è più evidente in alcuni episodi, più acida.

Il discorso che i Misantropus portano avanti li sta trasformando definitivamente in ‘Filantropus’: ‘la tenacia delle pietre e delle piante’ – per citarli direttamente – sembra essere dalla loro.

...and Don't Deliver Us from Evil

Corrado Penasso — Sun, 25 Nov 2012 18:58:51 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Doom Metal

Black Metal

Etichetta:

Agonia Records

Anno:

2012

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Kyoo Nam Rossi - Drums

Ferdinando Marchisio - Vocals, Guitars

Alessandro Comerio - Bass

Andrea Ponzoni - Guitars

Tracklist:

1. Deprived 06:13

2. ...and Don't Deliver Us from Evil 07:44

3. Cold Summer 08:33

4. Let's Torture Each Other 06:00

5. Love Me Like You'd Love the Death 08:43

6. Adrift 07:46

7. Nullifying Tomorrow 07:32

Forgotten Tomb

...and Don't Deliver Us from Evil

Giunti al sesto tassello di malessere interiore dal 1999, i Forgotten Tomb non perdono lo smalto e la creatività che da sempre hanno contraddistinto la loro proposta musicale. Doom, dark e black metal sono elementi di una combinazione che ha avuto tanti proseliti in Europa in questi anni ma pochi di questi si possono fregiare di una carriera su alti livelli. Forse neanche i blasonati "maestri" scandinavi riuscirono ad arrivare a sfiorare le vette compositive di Herr Morbid e soci. Disheartenment, Alone, Subway Apathy, Reject Existence sono solo una manciata di chicche di un’inarrivabile genialità compositiva, pregna di malessere e odio per l’umanità in generale.

Ora, arrivati nel 2012 ed a distanza di un anno da Under Saturn Retrograde, il combo piacentino da’ alle stampe questo ...and Don't Deliver Us from Evil. Le influenze groove, che da qualche anno ormai contraddistinguono lo stile del gruppo, si fanno pesanti ma non per questo la negatività tipica del genere ne risente. Anzi, ormai siamo abituati alle sorprese operate da Herr Morbid e, grazie al suo buongusto, esse si amalgamano sempre alla perfezione in uno stile in costante evoluzione. Se Deprived ad un primo approccio può sembrare una sorta di black ‘n’ roll, entrando in profondità possiamo notare una grande dose di oscurità ed atmosfera, specialmente in occasione del ritornello doom. La voce di Herr Morbid è acida, disperata e feroce mentre il groove delle chitarre risente molto dello stile stoner anni 70. In occasione del fantastico intermezzo arpeggiato forse si può riscontrare una maggior dose di melodia anche se il tutto rimane incredibilmente melanconico e desolato.

I quasi otto minuti di title-track esplodono in un riffing abbastanza serrato, prevalentemente in tremolo che viene supportato da un quasi continuo tappeto di doppia cassa. Qui c’è poco spazio per le melodie anche se personalmente preferisco i momenti in cui la band rallenta e lascia che le influenze doom pervadano i loro strumenti. I quasi nove minuti di Cold Summer debordano di malinconia ed oscurità in una marcia funerea senza luci. Arpeggi distorti, riffs profondi e grugniti dall'oltretomba sono caratteristiche di una traccia certamente oscura ma senza spunti originali; cosa già notata con la title-track. Si migliora decisamente in occasione di una groove Let's Torture Each Other, la quale spesso si avvale di oscure linee soliste per arricchire le sue trame. L'evoluzione é palese e la virata verso una forma di stoner tendente al black 'n' roll può spiazzare ma sicuramente a lungo andare riuscirà ad essere apprezzata.

Si ritorna allo stile dei primi tre lavori del gruppo grazie ad una Love Me Like You'd Love the Death veramente riuscita. Gli arpeggi alternati al puro doom che ammanta le chitarre sono un evidente richiamo al passato per forse la miglior traccia del lavoro insieme alla succesiva Adrift. La solita ed ottima melodia crepuscolare ammanta una composizione che si arricchisce di voci pulite al fine di arrivare dritta al cuore dell'ascoltatore e dilaniarlo. Insomma, un'accoppiata micidiale che riscatta appieno la parte centrale del disco, a mio parere meno ispirata. A chiudere l'ennesimo album azzeccato da parte dei Forgotten Tomb, abbiamo i quasi otto minuti di una canonica ma apprezzabile Nullifying Tomorrow. Tra cadute acustiche e momenti in puro doom Katatonia-style, il gruppo , ancora una volta, si appoggia la passato per un finale decisamente vintage ed in qualche modo meno legato alle nuove sperimentazioni.

Tirando le somme dell'ascolto, ...and Don't Deliver Us from Evil non delude affatto le aspettative e ci delizia con tre/quattro tracce veramente eccelse. Peccato per qualche caduta di tono nella parte centrale (io adoro quando il gruppo si getta a capofitto nelle melodie delle chitarre soliste invece che dilettarsi con il più oscuro doom/black). Nulla di grave, sopratutto se confrontato con la bontà delle altre tracce. I Forgotten Tomb si possono ancora fregiare del tittolo di miglior band depressive in circolazione per i miei gusti.

De Vermis Mysteriis

Giulio Magliulo — Thu, 08 Nov 2012 13:56:28 +0000

Voto:

7.3 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Thrash Metal

Doom Metal

Heavy Metal

Etichetta:

Anno:

2012

Line-Up:

Matt Pike - Guitar, Vocals

Des Kensel - Drums

Jeff Matz - Bass

Tracklist:

01 – Serums of Liao
02 – Fertile Green
03 – Bloody Knuckles
04 – Madness of an Architect
05 – Samsara
06 – Spiritual Rites
07 – King of days
08 – De Vermis Mysteriis
09 – Romulus and Remus
10 – Warhorn

High on Fire

De Vermis Mysteriis

Le entità deputate alla valutazione di un disco od una band sono tre ed il loro peso dovrebbe essere proporzionale all’ordine con cui di seguito vengono elencate: il pubblico, i media (quelli istituzionalizzati quindi spesso acritici) ed infine la critica.

Gli High On Fire rientrano in quella rara casistica di bands che sfugge a questa logica e si ritrova tributati tutti gli onori ed i riconoscimenti che merita proprio da parte dei media istituzionali mentre la critica li considera discretamente (ma neanche troppo, eccezion fatta per quella in cui i confini tra la sua missione e l’essere fan sono molto labili) ed il pubblico – in questo caso mi riferisco a quello metal – quasi per niente.

Eppure gli High On Fire meriterebbero più seguito da parte dei metalheads e se questo non avviene è solo per l’imprinting troppo forte che un glorioso passato ha lasciato sul nome di Matt Pike.

Qualche passo indietro per chi ha perso il filo: negli anni ’90 un trio di acid-freaks erige nuove fondamenta per la ricostruzione di un tempio del ‘culto Iommico’. I Black Sabbath ossessionano Pike e Cisneros ma loro più intenti a fumare bonghi che a spendere energie in incessanti martellamenti per headbangers rallentano il riff fino a dilatarlo e renderlo completamente liquido. Le conseguenze di tutto questo si vedranno più tardi nell’affermazione su scala planetaria dello stoner-doom, delle successive implicazioni con le scene drone, sludge ecc. ma resta di fatto che in quegli anni – almeno dal punto di vista commerciale, anni in cui etichette come la Earache dettano legge (nonostante Holy Mountain esca proprio su Earache) e la Peaceville reintroduce sì il doom purchè corroso dalle eresie black e/o death – gli Sleep per esser troppo avanti (o troppo ‘fuori’?) perdono il loro treno.

Se nulla poi è andato perduto poiché come già detto quel seme maligno ha ben attecchito, lo scioglimento degli Sleep allora fu inevitabile. E successero quindi cose strane, ma anche belle: quel nucleo si sdoppiò in due creature che rispecchiavano l’anima dei due componenti principali: da un lato gli OM di Cisneros, mistici, mantrici, orientaleggianti ed ipnotici, più aperti a tutte le culture che il lato spirituale degli Sleep sottendeva, dall’altro gli High On Fire di Matt Pike, dapprima inventori di una formula sludge tuttora ineguagliata con le prime due uscite (che già lasciavano intravedere uno sfilacciamento verso lidi metal), poi con gli altri quattro album che rientrano a pieno diritto nel dominio del metal più puro, duro ed intransigente.

Evidentemente questo non è bastato ai metallari tradizionalisti che probabilmente non hanno mai perdonato quei retaggi spuri, ma peggio per loro poiché non hanno capito che la torcia sacra dell’heavy metal oggi è proprio portata da High On Fire.

Quindi Matt Pike era ed è un metallaro impenitente. Se Blessed Black Wings, Death Is The Communion e Snake For The Divine non son bastati a dimostrarlo (e mi chiedo come sia possibile..), De Vermis Mysteriis offre oggi la possibilità di comprendere e recuperare appieno tutta la gloria e la potenza del metal ‘old school’ nell’attimo supremo del passaggio oscuro tra heavy e thrash (con tutte quelle implicazioni black rozze ed arcaiche che non verranno più sviluppate dal ‘black metal’ propriamente detto, con tutta la spinta propulsiva dello speed che è ancora formalmente ‘heavy’ e con tutto quel corredo iconografico che in certe sue frazioni ancora apparenta doom, epic e power). E sarà proprio questo album, inconsueto nel formato ‘concept’ per il mondo metal, a restituire un’ ampia veduta su questo spaccato di cronache musicali.

Mysteries Of The Worm è una raccolta di storie di Robert Bloch, l’autore di Psycho, ispirato ad alcuni racconti - omaggio poi ricambiato - di Lovecraft con cui era intimo. Ecco dove Pike ha attinto per il titolo, il resto lo fa la sua fantasia malata quando in preda a chissà quale terribile trip si chiede cosa sarebbe successo se Gesù avesse avuto un gemello morto alla sua nascita per permettere la vita al suo fratello più famoso, se questo fratello fosse diventato un viaggiatore del tempo, se – suggestionato anche dalle storie di Conan - avesse incontrato un alchimista cinese che gli avrebbe servito il suo siero, estratto di loto nero e così via.

La traduzione in musica di questi deliri?
Serum Of Liao: la creazione in laboratorio di un abominio genetico tra Cronos e Lemmy, Motorhead e Venom, fusi insieme per fare tanto male. Pochi albums cominciano in un modo così sporco;
Bloody Knuckles: Slayer allucinati che sbattono dritti contro una muraglia di doom/thrash;
Fertile Green: a dispetto del video che si rifà ad un’estetica stoner freak, qui ci sono tamburi di guerra e cadenze marziali, un impianto superthrash serratissimo a supportare le rauche maledizioni scagliate da un’ugola al vetriolo ed interessante assolo che rivela una notevole fantasia di Matt Pike alla chitarra nell’alternare velocità e rallentamenti;
Madness Of An Architect: titolo degno dei Cathedral per un brano degno dei Cathedral, episodio ‘pure doom’ barocco, acido e malevolo;
Samsara: l’eterno ciclo di vita e morte in forma heavy-psych, meritato break psichedelico per non dimenticare che è una immaginazione lisergica a partorire tutto ciò, bello anche per chi ascolta Pink Floyd e Colour Haze ed ulteriore prova della capacità degli High On Fire di potersi liberare dalle spire del metal se volessero (ma non lo vogliono);
Spiritual Rites: per chi si fosse troppo accomodato nella traccia precedente, riecco la barbarie, la macchina bellica del thrash e la presenza dello spettro di Lemmy lasciato da solo all’inferno;
King OF Days: più doom e più epica di un brano dei Candlemass, però con una voce ‘maschia’ al posto di ottave da eunuchi;
De Vermiis Mysteris: la traccia che dà il titolo all’album evidenzia quanto possa essere malvagio e penetrante certo metal senza utilizzare necessariamente velocità forsennate e il growling (ma forse quaranta sigarette al giorno sì);
Romulus And Remus: il tema del doppio,l’ambiguità dei gemelli, trattate con lo stesso feel grunge degli Entombed pre-death n’roll, quelli del periodo Wolverine Blues;
Warhorn: la chiusura delle danze in una traccia ammantata di pesanti e cupe rimembranze Celtic Frost al netto però delle tentazioni avantgarde del combo svizzero.

La produzione dell’album è di Kurt Ballou (Converge), lo studio dove è stato registrato è in quel di Salem e Matt Pike sarà ricordato nel mondo hard & heavy in futuro come uno dei personaggi importanti ma mai abbastanza citati, come la sorte toccata un po’ di eoni fa a Ted Nugent.

Nello sludge, stoner et similia invece è già considerato un dio quindi poco male…poiché anche nella sua natura metallica nel nostro resterà sempre e comunque quel substrato melmoso quantunque affilato e tagliente.

Hic Sunt Leones

Giulio Magliulo — Tue, 29 May 2012 20:22:01 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Progressive Rock

Doom Metal

Etichetta:

Doomymood

Anno:

2012

Line-Up:

Carlo Castellani: voce, basso elettrico, flauto dolce, organo, pianoforte

Edoardo Natalini: voce, batteria, percussioni

Federico Rocchi: chitarre classiche ed elettriche, armonica

Tracklist:

I.Hic Sunt Leones

II.Il Re E La Quercia

III.Figlio Di Cagna

IV.Calendimaggio

V.Un Profeta Dal Cosmo

VI.Era Autunno

VII.Vinsanto

(PARTE I.Un Mare Di Incenso Copriva Le Croci

PARTE II.Povero Piccolo Pellegrino

PARTE III. Neve

PARTE IV. E Quindi Uscimmo A Riveder Le Stelle)

Focus Indulgens

Hic Sunt Leones

Dopo il lavoro del 2010, The Past, ritornano i Focus Indulgens e questa volta cantano in italiano secondo i canoni del più antico e nobile prog italico. Intro di organo, prepotente riff hard vintage, una cavalcata con la chitarra solista che doppia sé stessa: così andiamo incontro a questi ‘leoni’ che bivaccano felici ed indisturbati sotto le stelle, tra i vigneti della Valdichiana.

Hic Sunt Leones è la cosa più vicina ad un incontro tra doom ‘old style’ e la PFM o Le Orme. Sono i riff portanti a sostenere e preparare delle fughe di simil-moog, mentre i tappeti di tastiere non sono mai troppo invadenti perché i Focus Indulgens riescono in qualche modo a prendere il lato più schiettamente rock di quel progressive, mettendo da parte certe noiose e cervellotiche strutture tipiche del genere, con il risultato finale che questo disco piacerà molto di più agli amanti di Candlemass e Saint Vitus che non a quelli di Yes od E.L.P. (del resto già nella primigenia ondata di prog italiano l’oscuro e l’esoterico regnavano incontrastati).

Gli assoli veloci sono puro heavy-doom come quello di una band qualsiasi di Wino Weinrich, ma l’effetto dell’affiorare improvviso di un flauto fiabesco è ancor più straniante in tale contesto.

I testi, di evidente derivazione progressive, si perdono tra sensazioni paesaggistiche e cosmiche e sono immersi in una narrazione di stampo medioevale. Deliranti al punto giusto, come il bellissimo art-work, restituiscono esattamente ciò che i Focus Indulgens vogliono rappresentare e delineano e completano la proposta artistica del trio ed il suo orizzonte estetico.

L’inusitato incontro tra doom e il progressive italiano è davvero molto piacevole perché - oltre alla notevole perizia tecnica - l’amore incondizionato dei Focus Indulgens per queste derive passatiste è talmente grande e spontaneo che il calligrafismo che in certi passaggi potrebbe emergere passa in secondo piano, a favore di un’immensa libertà espressiva per quanto possano permetterlo generi come questi, ampiamente codificati.

Mai avremmo pensato che il doom-metal sabbathiano avesse potuto incontrare e sposare così felicemente la declinazione di un verbo nostrano, restando così sospeso tra oscurità e luce e con l’ambizione di poter intrigare un pubblico avvezzo tanto ai primi Deep Purple, quelli più psichedelici, quanto alle più temibili formazioni di epic-doom dei novanta (i nostri hanno condiviso palchi con Pagan Altar, Slough Feg, Solstice, Forsaken e Mirror of Deception).

Il finale flamencato di Vinsanto (parte IV) fa pensare che i Focus Indulgens possano maneggiare e plasmare tali materie come vogliono, e non escludo che in futuro possano stupirci ancora e di più.

LP-EP (2003)

Giulio Magliulo — Mon, 19 Mar 2012 21:49:40 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Doom Metal

Etichetta:

doomymood

Anno:

2011

Line-Up:

Alessio Sanniti - chitarra

Vincenzo Sanniti - basso

Massimiliano Bergo - batteria

Francesca Luce - vocals (e.p.)

Tracklist:

LP:

Life

Man

Woman

Animalspact

Transformation

EP:

Life

Transformation

Misantropus

LP-EP (2003)

E’ solo dal 2007 che il trio dark-doom strumentale dei Misantropus da Latina ha deciso di pubblicare i propri lavori su cd poiché il primo omonimo album del 2000 e l’e.p. del 2003 all’epoca uscirono solo su vinile.

L’edizione di cui ora parliamo presenta anche il secondo album, finora inedito, da affiancare all’e.p. dello stesso anno e per questo bisogna ringraziare la piccola e coraggiosa etichetta Doomymood oltre che gli stessi fratelli Sanniti che da anni, imperterriti ed imperturbabili continuano a perseguire i propri valori ancor prima della loro musica.

Scesi relativamente a patti con la modernità per quanto riguarda formato e distribuzione, non si può dire altrettanto della loro musica che resta fedele al verbo del doom più incontaminato, oseremmo dire ‘vintage’ nell’accezione più positiva del termine. Del resto i riferimenti di genere dei Misantropus si conoscono, Death SS e Paul Chain, The Black e Requiem, forse Black Hole, insomma doom-metal italico affascinato dal dark.

Finora i nostri non si son lasciati irretire dalle malìe del doom che negli anni ha copulato incestuosamente con lo stoner, con il drone, con lo sludge o con il death; l’unica sirena che li ha catturati è stata Francesca Luce dei Marbre Noir, vecchia formazione dark wave capitolina le cui phonetic vocals sono state utilizzate con grande gusto in questo e.p. (e molti anni prima di quanto fatto da Ufomammut con Rose Kemp in Idolum).

E’ la nuova dimensione estetica la grande novità dei Misantropus e con i fratelli Sanniti estetico ed etico non si contrappongono mai, semmai si confondono.

Il verde imperante sulla cover vuole andare a sostituire un immaginario nero, ossianico e a tutti i costi cimiteriale e sottende ad una sorta di rinascita ed evoluzione che contempli una sensibilità verso tematiche ecologiste, di rispetto per la natura e per gli individui ed una riflessione sulla spiritualità, un auspicio che essa ritorni ad essere molto più ampia e presente nelle nostre vite.

Di guide e maestri spirituali i Misantropus ne hanno indicato diversi (per approfondimenti consigliamo la lettura della recensione dell’album solista di Alessio Sanniti su queste pagine), vedremo se in futuro anche la loro musica risentirà di queste ispirazioni e risulterà più varia o resterà in linea con il dogma sabbathiano.

Del resto la musica dei Saint Vitus resta sempre una delle più spirituali nei sottomondi del rock, magari domani i nostri li chiameremo Filantropus e la loro musica green doom metal.

New World Shadows

Damiano Cembali — Thu, 28 Apr 2011 09:52:59 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Death Metal

Doom Metal

Etichetta:

Lifeforce Records

Anno:

2011

Link correlati:

Omnium Gatherum @ MySpace.com

Line-Up:

Jukka Pelkonen – vocals

Markus Vanhala – guitars

Aapo Koivist – keyboards

Toni Maki – bass

Jarmo Pikka – drums

Tracklist:

1. Everfields (9:17)
2. Ego (4:07)
3. New World Shadows (6:00)
4. Soul Journeys (4:54)
5. Nova Flame (4:10)
6. An Infinite Mind (5:43)
7. Watcher Of The Skies (4:17)
8. The Distance (3:59)
9. Deep Cold (9:29)

Omnium Gatherum

New World Shadows

E’ evidente ormai che il metal nordico, al di là delle sottili differenze interne fra soluzioni più ravvicinabili al death ed altre meglio assimilabili al doom, abbia avuto nel decennio scorso una fioritura talmente rigogliosa e colorata da oscurare praticamente tutto ciò che ne è seguito e ne seguirà, perché è chiaro che, anche senza dedicarsi ad affannosi lavori di certosina ricerca, ben difficilmente potrà uscire sul mercato discografico qualcosa che, in grande o minima parte, non sia stato già scritto e sentito anni prima. Semplicemente, chi se ne importa: sarebbe totalmente inutile e persino controproducente rinnegare quelle propensioni naturali che negli anni hanno pressoché caratterizzato le produzioni musicale scandinave, in quanto è la stessa posizione geografica, le stesse condizioni climatiche, la stessa concezione dell’esistenza stessa a rendere svedesi e finlandesi in particolar modo adatti a tradurre in musica e parole quelle sensazioni, quelle visioni, quei profumi del circolo polare artico. Detto ciò, è evidente come un banale scimmiottamento di certe precise sonorità non riservi assolutamente nulla di interessante e contribuisca in negativo a diffondere l’opinione comune (e ormai dilagante, purtroppo) che il melodic death metal al pari del doom metal siano ormai esauriti, che si trascinino stancamente in un perpetuo auto riciclarsi, completamente svuotati di qualsivoglia spunto di personalità.

New World Shadows, quinto studio album degli Omnium Gatherum, è l’esempio perfetto di come ancora oggi sia possibile reinterpretare il metal nordico con grande varietà, con ammirevole coerenza e soprattutto con un’identità spiccata e fortemente riconoscibile. Al di là delle palesi e molteplici ispirazioni, che spaziano dalla potenza firmata In Flames della gloriosa stagione pre-Reroute To Remain alla sensibilità cupa e progressive degli Amorphis di Elegy per finire con la glacialità distante e avvolgente degli Insomnium di Across The Dark, la formazione finlandese dimostra di avere molte idee e molto chiare, riuscendo nell’intento di introdurre all’interno della sua proposta più tradizionalmente doom/death numerosi elementi di power metal ed industrial metal, generando così un sound estremamente variegato ed accattivante che vince quella generale sensazione di torpore che solitamente esala dalla lunga progressione di queste sonorità grazie a spunti di totale esaltazione, capaci di rendere immediatamente riconoscibile non soltanto la matrice creativa della band ma anche ogni singola traccia di questo fulminante disco. I crescendo epici di Ego, perfettamente accoppiati alla grezza brutalità del drumming in levare, esaltano le prime impressioni di cui sopra, frutti di un songwriting decisamente maturo ed astuto, perfettamente in grado di manipolare le dinamiche interne alle partiture così da eludere puntualmente le attese, alimentando la curiosità di chi ascolta e impendendone la sormontante noia. Non mancano ovviamente episodi più canonici, ma anch’essi vengono arricchiti di pochi ma significativi tratti personali: Soul Journeys presenta una sezione centrale dal pathos semplicemente ammaliante, capace di tratteggiare in pochi rintocchi di tastiera quei paesaggi e quelle emozioni che caratterizzano l’intero album sin dal titolo, mentre Nova Flame, in perfetta corrispondenza col proprio incipit, si rivela groovy e coinvolgente sin da principio, lasciandosi cavalcare con trasporto e calore per tutta la sua (contenuta) durata ancor più di The Distance, traccia decisamente brillante e moderna che ha il solo demerito di non concretizzare la furia trascinante della sezione ritmica in un chorus realmente esplosivo e vibrante. L’unico momento di effettivo smarrimento è dovuto all’ingombrante presenza della coppia costituita da An Infinite Mind e dalla strumentale Watcher Of The Skies, con la prima che sprofonda nella più tetra impalpabilità e la successiva che, ad eccezione della lunga introduzione acustica, non riesce mai a colpire nel segno, colpa di una totale prevedibilità che la rende come noi mai impenetrabile e fredda, nel senso più negativo nel termine.

Tuttavia, anche questo lungo e improvviso calo di tensione non smarrisce il valore intrinseco di un lavoro compatto ed estremamente gradevole che restituisce agli Omnium Gatherum una collocazione decisamente più prestigiosa e gratificante all’interno di una scena metal, quella nordica, che reclamava a gran voce nuova linfa vitale: quest’ultima ha quindi le forme suadenti di un melodic death metal moderno ed espressivo (si prenda a esempio la titletrack, con quelle clean vocals così tradizionali eppur così poco impiegate…), dalle sfumature atmosferiche esaltate a dismisura dalla cristallina produzione di Dan Swanö e i suoi Unisound studios, arricchito di passaggi feroci ma mai brutali in cui il growl piuttosto canonico eppure caldo di Jukka Pekkonen pare trovarsi a meraviglia, e capace di slanciarsi in costruzioni articolate a sufficienza per richiamare alla memoria certi ardimenti opethiani. Sia chiaro, New World Shadows non aggiunge nulla di sostanziale ad un genere ormai completamente sviscerato e attraente soltanto per gli amanti più fedeli come per coloro che avessero l’ardire di avvicinarvisi per la prima volta, eppure riesce ad inserirsi al suo interno con quella giusta dose di orgogliosa personalità della quale, dopo ben 4 studio album, iniziavamo seriamente a dubitare; quella necessaria impronta personale che fa la differenza, oggi, fra chi si limita a omaggiare, ricalcare, copiare e chi, invece, cerca di rivisitare, rielaborare, reinterpretare a modo proprio. Come gli Omnium Gatherum.