Dark Wave

In Extremis

Giulio Magliulo — Sun, 05 Jul 2015 08:02:21 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Neo Folk

Dark Wave

Avantgarde

Etichetta:

Ritmo & Blu Recs.

Anno:

2015

Line-Up:

Bianca Maria Sciarra - voce | piano | synth | philicorda

Silvio Pavan - basso | tamburi | marimba

Diego Rinaldi - chitarre | fx | percussioni

Tracklist:

In Extremis
Fuori Fuoco
Hush Hush
Notturno

Minor Res

In Extremis

In Extremis riporta alla luce un percorso musicale i cui cunicoli sono ormai ricoperti dalle sabbie del tempo, i cui tesori sono ormai affondati nelle memorie più profonde: le prime produzioni della 4AD, eteree e - per il tempo - sperimentali di Cocteau Twins, Dead Can Dance e This Mortal Coil ma anche quelle più dark di Cranes, Arcana, Ataraxia, All About Eve ecc.

Ora che la faccia più spendibile della new wave viene cannibalizzata da finissime 'produzioni marchetta', i Minor Res dimostrano ben altre volontà.

L'operazione In Extremis sembra il risultato di un potente mix di intelligenza e passione, frutto di scelte mediate da una visione artistica (e tecnica) di fondo che non lascia altre possibilità oltre all'andare al di là della facile strada.

Sarebbe stato semplice e comodo riciclare certi clichè e adattarli un po' ai nostri tempi ma tutto ciò che è compreso nella forbice darkwave/neofolk/martial/industrial non è imploso su sé stesso, vittima delle sue intransigenze estetico/ideologiche nonché delle mode che passano?

Suoni che si creano dal silenzio e avanzano austeri nel silenzio, che si espandono fino ad affermarsi nel loro spazio fluttuante e atemporale. Ricerca di nuove forme e significati dalle trascrizioni di vecchi codici. Le magìe e i sortilegi che si sono realizzati nello Studio Ritmo & Blu di Stefano Castagna possiamo solo immaginarli.

Quella nera e abbagliante luce perseguita prima da Argine, Corde Oblique o Kirlian Camera sembra oggi rigenerarsi e superare quegli angusti corridoi, il trio bresciano ce la sta indicando, a noi poi il volerla seguire.

Violet Cries

Edoardo Baldini — Fri, 29 Apr 2011 17:05:46 +0000

Voto:

7.8 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Dark Wave

Indie Rock

Etichetta:

Matador Records

Anno:

2011

Link correlati:

Official Site

Line-Up:

- Rachel Davies - voce, basso
- Thomas Fisher - cori, chitarra, basso, campionamenti, effetti, tamburi
- Daniel Coperman - cori, chitarra, basso, campionamenti, effetti, tamburi

Tracklist:

1. Argirya
2. Marching Song
3. Marine Fields Glow
4. Light Streams
5. Hexagons IV
6. Chorea
7. Warpath
8. Battlecry-Mimicry
9. Eumenides
10. Swans

Esben and the Witch

Violet Cries

L’iconografia della fiaba ha da sempre affascinato generazioni di artisti e di intellettuali, trascinando verso lidi carichi di tradizione e lontani dall’artificialità del mondo contemporaneo. Il moniker Esben And The Witch, scelto dal nuovo trio di punta della Matador Records, è tratto dal titolo di una fiaba danese, resa nota al pubblico per la prima volta dal poeta scozzese Andrew Lang nel suo The Pink Fairy Book.
Cresciuti nel sottobosco indipendente di Brighton, che diede i natali a realtà come Spinning Wheels, The Maccabees e Bat for Lashes, gli Esben And The Witch giungono alla release del primo lavoro di studio nel gennaio 2011, dopo aver trascorso più di un anno ad affinare il proprio registro stilistico.

In equilibrio tra tensioni eteree, inquietanti divagazioni noir e un substrato di matrice pseudo-elettronica, Violet Cries appare come una gemma incastonata all’interno di una scena inglese da tempo consolidata e matura; il punto di forza della giovane formazione è rappresentato dalla capacità di sorprendere con soluzioni non convenzionali sparse omogeneamente in una cornice di ordinario Indie Rock.
Basti riflettere sulla cura prestata dagli Esben And The Witch in sede grafica, proponendo video oscillanti tra una violenza dai toni disillusi (Marching Song) e un elegante gusto retrò (Chorea).
L’atmosfera risulta intrisa parallelamente di un funereo alone cantautorale, emergente in episodi come il denso monologo Swans: i brani di Violet Cries si pongono come istantanee di un passato dalle sonorità grigie ed evocative, capaci di conservare i tratti della purezza dei Cocteau Twins e la drammaticità dei Portishead.
Tra i capitoli più memorabili si elevano l’allucinato singolo Marching Song, nel suo altalenante incedere Dark-Wave, la struggente Light Streams, solcata dalle distensioni del Dream Pop, e la cristallina Hexagons IV, punto di incontro tra vagiti elettronici e dimensione onirica.
Il fulcro dell’opera è costituito però da Chorea, impalpabile danza che rapisce l’ascoltatore, traportandolo all’interno di inquietanti meandri a cavallo tra follia post-elettronica e sapore vintage.

Nell’evoluzione di Violet Cries gli Esben And The Witch procedono quindi al rovesciamento del paradigma della fiaba, focalizzandosi sul suo lato più tetro e sinistro, figlio di una diversa interpretazione rispetto alla lettura tradizionale. Si deve anche sottolineare come dalle note dell’album trasudi la sensibilità inglese, una costante di qualità che accompagna una cospicua fetta del mercato indipendente contemporaneo.
La fusione di questi elementi permette di prefigurare un futuro artisticamente florido per il trio di Brighton, già caduto sotto l’attenzione degli occhi più esperti del panorama alternativo europeo.

Anna Calvi

Gabriele Bartolini — Fri, 22 Apr 2011 14:11:40 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Dark Wave

Cantautorato

Etichetta:

Domino

Anno:

2011

Link correlati:

Domino records

Line-Up:

-Anna Calvi - Voce, chitarra

-Daniel Maiden-Wood - Batteria

-Mally Harpez - Polistrumentista

Tracklist:

01. Rider to The Sea

02. No More Words

03. Desire

04. Suzanne & I

05. First We Kiss

06. The Devil

07. Blackout

08. I'll Be Your Man

09. Morning Light

10. Love Won't Be Leaving

Anna Calvi

Anna Calvi: la senti, la guardi, vedi come si atteggia, e poi sentenzi. Anna Calvi è una ragazza viziata, nata quando in TV le grandi star dal rossetto pesante dominavano e i grandi chanteurs la facevano da padrona. Lei, in mancanza di personalità, si è atteggiata. Leggi che nel 2009 ha fatto una cover di David Bowie, e tutto torna. Poi scopri che ha passato gran parte della sua infanzia in ospedale, a curarsi da una malattia rara. La Televisione l' avrà vista sì e no una volta al giorno, per non parlare poi di altri interessi artistici. Allora, forse, tutto cambia. Quel vecchio, ricco e felice mondo 80's l' ha coinvolta dentro le luci, i colori e le passioni di quell' epoca, nonostante le difficoltà. Che per molti non tornerà mai. Lei allora si arma della parola, della musica assimilata da Elvis, dal cantautorato e dalla wave, il dark e la gothic di Cure e Bauhaus e decide di iniziare ad occuparsi di musica. Dal 2006 infatti è ufficialmente in attività, insieme a vere e proprie band, come i Cheap Hotel, con cui registrerà un solo brano. Successivamente troverà in Daniel Maiden-Wood e Mally Harpez le basi per formare il suono che aveva in mente, materializzatosi dapprima con due singoli e poi con questo album omonimo.

Ricco, innanzitutto, di teatralità, inclusi pathos emotivi e recitazione. Anna Calvi infatti di italiano non ha solo il nome, ma anche il padre. Che, a quanto pare, le ha trasmesso fin da bambina la passione per la musica, qui riversata in brani pieni di passione che sfocia nelle chitarre, dal sapore latino, e nella voce, che sembra possedere il dono di saper interpretare tutte le varie emozioni, espresse ad esempio tramite gorgheggi tenebrosi o passi tipicamente lirici, aperti e maestosi. Sì, un disco fatto di emozioni, innanzitutto. Ma forti, eh, rivelatrici di una sensibilità innata, che portano a raffigurare Anna come una bambolina, la stessa di cui si parla in Fee Fi Fo dei Cranberries. " How could you touch something / So innocent and pure / Obscure / How could you get satisfaction / From the body of a child / You're vile, sick". Roba da far sfigurare tutto Palazzo Grazioli, insomma. Ma anche noi, che lungo questi quaranta minuti del disco godiamo del songwriting sopraffino, delle melodie orchestrali che azzerano gli ultimi sbiaditi ricordi sanremesi. Di una timidezza che qui esplode, rivelando un incredibile aspetto umano della bambolina. Già così esperta, spigliata e potente, al primo colpo. Tutt' altra cosa da Joan As Police Woman, che nelle sue esibizioni veste i panni della dura, e nemmeno vicino a Regina Spektor, troppo infantile e ancora immersa nei sogni che faceva da bambina. Ecco, Anna Calvi canta di cose adulte, musicando il tutto con fare da quindicenne, fanatica del perfezionismo, manifestato in una teatralità sopraffina e comune ad altri pochi. Ed è proprio qui, nell' assimilare questi fattori, che già riesce a stregarti.

Tanto che No More Words sembra messa lì apposta, come ad anticipare le esecuzioni che troveremo di lì a poco: la musica segue la voce, a cui basta un "Oh my love" per convincere, riempiendo poi di cori la fine, magistralmente sfumata. Desire poi rivela da subito il lato dark del disco, dove traspaiono le figure del Diavolo e dell' Amore, che come due Dei avversi domineranno la scena. Ricca di percussioni, cori, chitarra e una voce che non rimane mai coperta, ma anzi sembra si diverta a sghattaiolare tra un elemento e l' altro dando vita ad esecuzioni una più bella dell' altra. Come Suzanne & I, dai toni melodrammatici e inquietanti, oppure First We Kiss, dai rimandi vintage, o Blackout, la più ritmata e convincente del lotto. Cullata, con tanto di riferimenti in mezzo ( "Should I fear you or should I just let go?") e poi fatta sbocciare, in tutta la sua purezza.

Una descrizione tanto simile a lei. Perché il vero punto di forza, che lungo questa recensione sono andato a ricercare, è proprio questo: ogni canzone le somiglia. Ed identiche a lei, le note sembrano fiere di essere suonate con così tanta verve emotiva. Un astro nascente, dunque, la cui unica difficoltà in futuro sarà quella di dover cercare di evolvere il proprio sound. Già imponente, dotato di una personalità forte, rimarcata a più riprese. Uno sfoggio di classe e unicità davvero insolito, ancora acerbo e giovane, e per questo sorprendente da sentire. Un' etichetta che a ben altri suoni ci aveva abituato, ma che con questo disco in catalogo riuscirà a tenere testa più che mai alle major. Acquisto a scatola chiusa per i più grandi, sicuramente. Ah, alla fine vince l' Amore, anche se il finale non ve lo avrei dovuto svelare.

Solaris

Giulio Magliulo — Sun, 31 Jul 2016 14:30:05 +0000

Voto:

6.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

New Wave

Dark Wave

Etichetta:

Atavic

Anno:

2016

Line-Up:

Giuseppe Lo Bue: Voce, chitarra, synth, drum machine, piano

Filippo Scalzo: Basso

Tracklist:

1.   Solaris
2.   Imago Mortis
3.   Dentro il Buco
4.   E’ un Mare
5.   Siamo Sassi
6.   Salto nel Blu
7.   Intermezzo 1
8.   La Qualità del Nulla
9.   Giove
10. Intermezzo 2
11. La Noia che abbiamo di Noi
12. Nell’ora Triste
13. Nuit Sans Fin

Caron Dimonio

Solaris

Quanto ancora influiscono i Joy Division nelle suburbie del rock? Quanti segni ha lasciato nelle produzioni contemporanee quest'estetica oscura e minimale?
Grazie all'elettronica e alla decadenza, ancora molti. Sulla seconda, poco da dire; qualunque sia il contesto cui vogliate riferirla, essa 'comanda et impera'. Più pregnante il discorso invece sulla musica elettronica che complice la riscoperta dei synth e della drum machine sembra aver dato nuova linfa a tutta una scena neo-wave che anche in Italia sembra aver preso piede.
Del resto la wave italiana degli ottanta ha fatto scuola, Diaframma su tutti, perché meravigliarsi se tra le nuove tendenze indie nostrane la darkwave ha ancora un certo appeal? Il problema semmai è che certi suoni codificati e sterotipati fanno si che diventi poi davvero difficile distinguersi, anche se i Caron Dimonio riescono almeno per metà ad affrancarsi da questa condanna.
Lo fanno con grande gusto e intelligenza quando chiamano in causa – sebbene in modo molto indiretto - certi episodi minori di wave nostrana che possono rievocare Garbo o Denovo o addirittura Richter, Venturi & Murru (E' un Mare, La Qualità del Nulla, Nuit Sans Fin); gran bella qualità quella di curiosare ed incuriosire grazie a pagine melodiche poco esplorate che riservano grandi sorprese ancora inespresse. E molto valida è anche la traccia Siamo Sassi ricca di pulsioni minimal che ricorda - più per atmosfere che per suoni - i Notwist di metà novanta.

L'altra metà invece è ancora troppo imbrigliata nelle pesanti divise post-punk di Imago Mortis (l'electro dilatata alla Soft Moon non basta ad allegerirne la pesante cappa), di Dentro Al Buco con quelle chitarre un pò Killing Joke e tanto Bernard Sumner e di Giove dove fanno addirittura capolino i Cure.

In ogni caso le buonissime intuizioni ed anche le capacità espressive di Giuseppe Lo Bue con il basso metallico di Filippo Scalzo fanno di Solaris un album che potrebbe aprire scenari molto interessanti che ci chiariranno meglio se queste musiche vogliono prendere dal passato per guardare in avanti o al contrario per rifugiarsi nel nostalgismo.

And Also The Trees

Edoardo Baldini — Wed, 24 Apr 2013 21:37:21 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Edoardo Baldini

Genere:

Dark Wave

Etichetta:

Reflex

Anno:

1984

Link correlati:

And Also The Trees Official Site

Line-Up:

- Simon Huw Jones - voce

- Justin Jones - chitarra

- Steven Burrows - basso

- Nick Havas - batteria

Tracklist:

1. So This Is Silence

2. Talk Without Words

3. Midnight Garden

4. The Tease the Tear

5. Impulse of Man

6. Shrine

7. Twilights Pool

8. Out of the Moving Life of Circles

And Also The Trees

Il debutto omonimo della formazione inglese riunita sotto il moniker di And Also The Trees giunge con qualche anno di ritardo rispetto al periodo d’oro Post-Punk/Darkwave d’oltremanica, culminato nella pubblicazione di Pornography da parte dei Cure. Proprio la vicinanza con la band di Robert Smith è l’elemento che caratterizza i primi passi degli And Also The Trees nell’ambiente underground britannico: il solido contatto tra le due realtà nasce a seguito dell’invio della prima demo-tape targata And Also The Trees nel 1980, figlia di un Dark Wave non ancora consolidato poiché in rapida evoluzione. Il fascino esercitato dai pochi pezzi di cui la demo-tape si compone desta l’interesse di Robert Smith a tal punto da convincere Mike Hedges (già produttore di Three Imaginary Boys) a investire sulla nuova realtà di Inkberrow, consentendole di prendere parte al secondo tour inglese dei Cure e co-producendo From Under the Hill, secondo demo.

Viene così ritardato al 1984 il primo episodio di studio degli And Also The Trees, che si colora di oscure tinte gotiche più vicine alla sensibilità di acts come Bauhaus e Sisters of Mercy; il disco appare sospeso in equilibrio tra la delirante inquietudine di Pornography e la vena Post-Punk più romantica degli Echo and the Bunnymen. La più emblematica testimonianza è fornita da Midnight Garden, in cui la destrutturazione della forma a “brano” tipica della Cold Wave e della Dark Wave emerge solo fievolmente. Le tracce scorrono velocemente, alternando momenti più caotici (So This Is Silence) a distensioni inattese (Talk Without Words) e culminando nell’onnipresente estetica Bauhaus (Impulse Man). La voce di Simon Huw Jones è la chiave di lettura principale dell’album, poiché elevata ad una dimensione esoterica negli episodi più tormentati e poiché mesta e sommessa nelle ballate più buie. Nonostante l’atmosfera creata dalle tetre sezioni di basso e da certi temi di chitarra riesca a stregare l’ascoltatore, il full-length soffre la propensione degli And Also The Trees per la disomogeneità di sound, non giungendo alla sintesi di un suono caratteristico e personale. La poetica della band appare infatti ancora immatura e poco elegante, priva del fascino evocativo che contraddistingue il nebbioso paesaggio della copertina.

In definitiva, all’interno del panorama Dark Wave degli Ottanta questo esordio omonimo dell’act di Inkberrow non rappresenta un’opera così significativa da scavarsi una dimensione stilistica propria, apparendo al contrario come un discreto epigono dei capolavori del genere. Tuttavia, il gusto rurale esibito dalla ricerca lirica degli And Also The Trees costituirà l’elemento di forza che distinguerà i successivi capitoli discografici, lontani dal manierismo dilagante nella scena inglese a partire dal 1985.

Disclosures

Alessandro Mattedi — Fri, 01 Feb 2013 14:37:54 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Psychedelic Rock

Dark Wave

Alternative Rock

Etichetta:

Psychonaut / Andromeda

Anno:

2012

Line-Up:

Silje Wergeland (Vocals)
René Rutten (Guitars)
Marjolein Kooijman (Bass)
Hans Rutten (Drums)
Frank Boeijen (Keyboards, Vocals on ‘Meltdown’)

Guests:
Jos van den Dungen (Violin, Viola)
Noel Hofman (Trumpet)

Tracklist:

1. Paper Waves
2. Meltdown
3. Paralyzed
4. Heroes For Ghosts
5. Gemini I
6. Missing Seasons
7. I Can See Four Miles
8. Gemini II

Gathering, The

Disclosures

Disclosures è il decimo album studio degli olandesi Gathering, nonché secondo dopo l'arrivo della nuova cantante Silje Wergeland.
Il disco della "stella" rappresenta nella sua totalità un apprezzabile punto di rottura con l'approccio maggiormente chitarristico del precedente The West Pole (il quale a sua si distacca dai lavori immediatamente precedenti, più onirici ed introspettivi), basandosi maggiormente su un crogiolo di giochi compositivi che navigano fra dark, elettronica, pop, a volte ambient e psichedelia - con diversi collegamenti al binomio Souvenirs/Home.
Non si tratta di un lavoro sperimentale, facendo anzi riferimento a due formazioni che sono state importanti per il gruppo come i Pink Floyd e soprattutto i Dead Can Dance (dei quali ritornano in auge le influenze più esotiche e mesmerizzanti che si erano un po' perse negli anni); ma il risultato suona certamente più variegato e soffuso che in TWP, dove certi spunti dark e psych erano esplorati solo in alcuni brani e la cui economia generale era più ripetitiva.
Anzi, va detto che spesso e volentieri le chitarre in Disclosures si congedano tranne che per contribuire con note e fraseggi atmosferici di contorno. Non troverete un intenso riff principale attorno a cui incentrare le canzoni, lasciando che il disco nel complesso sia molto equilibrato e certosinamente arrangiato in maniera variopinta, mentre le redini vengono prese dai tappeti atmosferici e dalla voce molto bella di Silje.
D'altronde il disco rimane sempre molto melodico, molto immediato ed assimilabile. Ed anche intriso di una malinconia dolceamara come è tradizione del gruppo, esaltata dagli ormai consueti inserti di archi e di strings che, però, riteniamo siano eccessivamente melensi. Effettivamente, Disclosures è anche a tratti un po' manierista e artificioso, ed è questo il sassolino nella scarpa che gli impedisce di raggiungere i picchi di espressività ed innovazione raggiunti in passato; anzi, per certi versi TWP pur essendo meno ricco e curato, suonava più spontaneo, diretto e coinvolgente.

L'iniziale Paper Waves è molto orecchiabile ed accattivante, con le sue note esotiche ad evocare viaggi verso paesi lontani, gli (un po' banalotti) archi a tingere il tutto di emozionalità, la batteria incalzante e la buona prova vocale di Silje che però nel finale, quando il tutto si trasforma in un alternative rock effettato e melodrammatico (ed un po' stereotipato), finisce per ricalcare troppo le linee vocali dell'ingombrante ex Anneke van Giersbergen. Difficile giudicare quest'attitudine, da un lato è comprensibile e doveroso il cercare di mantenere un trademark del gruppo, dall'altro è forse più auspicabile l'insistere sulle coordinate più proprie della Wergeland.
Inizialmente, Meltdown è un brano effettato e negli intenti molto incalzante, con bassi penetranti e synth trascinante, a metà strada fra prog anni '70, Sonic Youth e il gusto per l'effettistica del britpop britannico. Rilevante la comparsata della voce maschile del tastierista Boeijen, primo duetto dagli arcaici tempi degli esordi, forse come primo "esperimento" per qualche futuro approfondimento. Da metà brano in poi, però, il tutto sfuma in una tenue ballata onirica a tinte cupe. Il risultato complessivo non è qualcosa di inaudito o particolarmente suggestivo (a parte forse quando subentra la tromba), ma si ritaglia il suo piccolo spazio senza lode e senza infamia.
La successiva Paralyzed coniuga il dark atmosferico degli Antimatter con il dream pop. Se i soliti archi suonano banalmente melensi, certi effetti distorti inquietanti controbilanciano l'effetto, ma si tratta di due note a margine di un brano sostanzialmente continuo, una lenta digressione onirica e soffusa anche un po' ripetitiva e, effettivamente, di maniera.
Heroes for Ghosts è un tributo ai Pink Floyd sia per la citazione del titolo sia per gli arpeggi psichedelici, il tutto fuso con un'atmosfericità onirica che è forse il punto di influenza maggiore da parte dei Dead Can Dance nell'album. Poi i soliti archi, che cozzano un po' con l'evocativa tromba... il brano è però, con tutta probabilità, il più intenso ed affascinante del disco, una lunga suite che rappresenta la summa di Disclosures.
Passiamo ora a Gemini I, un crogiolo di sferzate dark acustiche, climax emotivi nell'efficace ritornello, minimalismo che si riallaccia ad How to Measure a Planet? ed umori tanto penetranti quanto passionali. Dalla precedente traccia fino all'ultima esclusa abbiamo il picco di ispirazione dell'album, con i momenti soft più toccanti e le commistioni sonore più intriganti. Fra di essa e la seconda parte (che ne rappresenta solo una versione dream/ambient, romantica ma un po' stucchevole) troviamo la ballata Missing Seasons, un breve rimando a Mike Oldfield piacevole nel suo intrecciare dolenti accompagnamenti di pianoforte e velutati arpeggi acustici, e l'interessante suite strumentale a metà fra drone, jazz rock e crescendi post rock di I Can See Four Miles, che eredita il tentativo di progressione sonora già sperimentato in Black Light District.

La conclusione però sembra incompleta, anche perché Gemini II non dice niente di più della prima parte, riprendendone le stesse linee vocali e testo, con musica di contorno più piatta e melensa. Questo è anche l'album più breve dai tempi di Nighttime Birds, 51 minuti in "sole" 8 canzoni (di cui due suite ed un riarrangiamento di un altro brano); la sensazione che manchi qualcosa è lecito emerga, dando l'impressione che il gruppo abbia terminato le idee presto e si sia affrettato a confezionare un disco, sì piacevole e molto curato, ma anche un po' ruffianello per operare anche un po' di fan-service.
Si sarebbe potuto fare di più?
Forse no. Come già detto, l'album suona comunque più variegato di TWP (che non era certo brutto), e la classe compositiva, come la cura proposta negli arrangiamenti sempre molto maturi e raffinati, risulta superiore alla maggior parte degli ultimi lavori di Anneke van Giersbergen che con gli Agua de Annique sembra essersi impantanata (almeno per ora...)

Non si può dire se col senno di poi Disclosures risulterà un ulteriore album di transizione, nell'attesa di consolidare l'anima del gruppo dopo l'aggiunta di Silje Wergeland, o se la carriera ventennale del gruppo ormai manterrà queste coordinate sicure. Ma in definitiva risulta abbastanza per chi non si aspettava il capolavoro, un'antitesi complementare al suo predecessore con molti spunti pregevoli di per sé ed altri più per una certa frangia di fan.
E probabilmente deluderà chi ricercava un'opera più rock-oriented e/o più avanguardistica.

Anastasis

Vincenzo Ticli — Tue, 23 Oct 2012 15:13:32 +0000

Voto:

7.9 / 10

Autore:

Vincenzo Ticli

Genere:

Dark Wave

Etichetta:

Pias

Anno:

2012

Tracklist:

1. Children of the Sun
2. Anabasis
3. Agape
4. Amnesia
5. Kiko
6. Opium
7. Return of the She-King
8. All in Good Time

Dead Can Dance

Anastasis

Sedici anni fa, i Dead Can Dance davano l’addio al mondo della musica con il loro Spiritchaser e annunciavano il loro scioglimento. Sedici anni dopo avviene l’anastasi, la risurrezione del duo: fiorisce, appunto, Anastasis. Dopo sedici, lunghi anni d’assenza, da un progetto musicale di tale calibro ci si aspetta un ritorno trionfale con un capolavoro degno di nota, attesa che viene puntualmente delusa: Anastasis non è un capolavoro, accusa il colpo del tempo, della ridotta gamma di idee e della ripetitività che fisiologicamente si impadroniscono di qualsiasi artista che abbia avuto una carriera così varia e longeva.

Il debutto dei Dead Can Dance nella scena musicale del XXI secolo non è assolutamente tutto rose e fiori: le canzoni mancano spesso di freschezza e spontaneità e rivelano, loro malgrado, la laboriosità legata alla loro realizzazione. Una vera e propria anabasi, un percorso ad ostacoli, come recita il titolo di una delle canzoni, Anabasis: pervasa di mistero orientale, è cadenzata da un pesante 4/4 su cui si librano violini arabi e liuti orientali, mentre la voce inequivocabile di Lisa Gerrard, immune al tempo, disegna imperscrutabili intarsi e l’hang drum risuona in tocchi metallici e attoniti che rimandano curiosamente alle influenze orientaleggianti della prima Kate Bush (come in Egypt). Altre due canzoni saranno decisamente legate alla tradizione musicale araba, come la successiva Agape che inizia subito con complicati intrecci violinistici di scale arabe, e Kiko, minacciosa e affascinante nei suoi tempi dispari percossi come in un rituale arcano e nei bassi à la Cure. Il legante comune tra queste canzoni rimane l’aleggiare leggero ma persistente della voce amorfa della Gerrard, che si contorce sicura e precisa e diventa quasi indistinguibile dal resto della strumentazione. In Kiko, a fare da contraltare troviamo assoli di liuto arabo che scorrono veloci e fluidi come rivoli pieni di anse, e alla fine persino la moderna chitarra riesce a parlare perfettamente la lingua antica che pervade l’intera canzone.
Sebbene queste canzoni siano interessanti e, in alcuni casi, anche sorprendenti, nel complesso suonano un po’ ripetitive e ridondanti, non aggiungendo nulla al repertorio passato del gruppo e suonando nell’album quasi come riempitivi aggiunti, in un certo senso, per “allungare il brodo”. La prima metà dell’album, infatti, scorre con una certa difficoltà, complice anche Amnesia, prova vocale di Brendan Perry che canta su una base scorrevole e ariosa di archi sintetici e pianoforte, talmente impalpabile che difficilmente riesce a fare presa e a rendere la melodia riconoscibile, cosa coerente con il tema della canzone, che si doglie dell’amnesia collettiva di cui sembra affetta l’intera società, incapace di imparare dalle lezioni del passato e pronta a commettere sempre gli stessi errori, ma poco funzionale alla sua stessa riuscita in quanto canzone, tanto da farla passare un po’ in secondo piano. Il discorso cambia per la conclusiva All in Good Time, un monologo in voce maschile su archi ventosi e dotata di una carica ipnotica che si poggia su ritmi sommessi simili a quelli del bolero, capaci di riportarla indietro di quasi un secolo, e per Opium, una ballata infernale su percussioni tese e medievali cori gregoriani, mitigati ancora una volta dal morbido suono dell’hang drum che si limita ad accompagnare con dolcezza la canzone all’inevitabile rovina.
Return of the She-King si erge maestosa subito prima della fine dell’album, in tutta la sua pomposità che la rende una realistica canzone d’insediamento per un’esotica regina-semidea. Incentrata su un tema che rimanda ad un’antica ballata celtica, la canzone sconfina ben presto in qualcosa di ben più intenso e grande, colorandosi di suggestioni orientali e tribali, ed è l’unica in cui Lisa Gerrard e Brendan Perry duettano, la prima impegnata nella realizzazione di uno stupefacente mosaico vergato di ieraticità, quasi il canto di un’assira Ishtar, il secondo che disarticola il suo linguaggio e si assoggetta ai vocalizzi della dea.Children of the Sun è il pezzo d’esordio, e sin dai primi dei suoi sette minuti e mezzo si consacra come il pezzo di spicco dell’album, forse uno dei migliori scritti dal duo: la voce senza tempo di Perry si libra su una marcia rinascimentale imperniata su un profondo drone monocorde, attorno a cui si avvolgono e a cui si riconducono tutte le melodie che compongono la canzone, quasi stanze isolate e separate ma allo stesso tempo incatenate tutte a quell’unico, solido stipite che è costretto a cedere soltanto due volte, la prima sospinto dall’innalzarsi della voce in un impeto liberatorio, la seconda al seguito delle trombe che squillano in un crescendo grandioso. Una canzone imponente, la più adatta a celebrare un ritorno atteso ed ammirato, sicuramente destinata a restare negli annali.

I Dead Can Dance sono tornati. Lo stile di Anastasis non spicca per innovazione e si adegua in tutto e per tutto allo standard a cui per tre decenni Gerrard e Perry hanno abituato il loro pubblico e, francamente parlando, risulterebbe poco realistico e forse anche sbagliato pensare che avrebbero dovuto rinnovarsi drasticamente: essendo stati i veri e propri fautori di un genere, sarebbe stato un azzardo spersonalizzante e quantomeno controproducente. Così, il nuovo millennio ci concede un lavoro epico e altisonante come sempre, come sempre curato all’infinito nelle melodie e negli arrangiamenti originali, come sempre raffinato. Ed è proprio questa la cosa che spicca di più: gli anni potranno pur passare ma, se la si possiede, l’eleganza resterà per sempre immutata, e Anastasis dei Dead Can Dance ne è la prova.

Crimes on the Dancefloor

Gabriele Bartolini — Sat, 10 Mar 2012 15:45:52 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

Synth Pop

Dark Wave

Etichetta:

Mannequin

Anno:

2012

Line-Up:

- Kovre - Voce
- Claudio Asserini - Sintetizzatori, ritmi
- Gabriele Farina - Basso

Tracklist:

01. The Red Moon
02. On The Dancefloor
03. Highly
04. War Days
05. Back On Water
06. Shadow Of A Desert Land
07. There Grows My Heart
08. Destruction Babies
09. Scurry Song
10. Lovely Times

Janitor of Lunacy

Crimes on the Dancefloor

Pochi giorni fa, a proposito di un gruppo stanco, con più niente da dire, abbiamo tristemente sottolineato la pigrizia intellettuale che molto spesso imperversa di fronte a memorial, ristampe, reunion o peggio ancora nuovi dischi dalle tre parti interessate: la band e l' etichetta, pronte a fiutare affari a costo zero piuttosto che puntare su di un prodotto di qualità, ed il pubblico, entusiasta ed impaziente anche solo per la minima sciocchezza commemorativa.

A meno che, aggiungiamo adesso, non ci si chiami Mannequin e si abbia il raro quanto segreto dono di riesumare ad ogni ristampa pezzi di Storia post-punk ancora vivi, pulsanti di oscurità propria, essenziali quanto basta per continuare a dettare legge nel proprio campo ispirativo. Stavolta è il caso dei Janitor Of Lunacy, formazione alquanto titolata già a suo tempo, come dimostrano anche le numerose presenze in compilation nostrane ( VM2, Komakino) e straniere ( la francese Magnetique), nonché nella recente serie "Danza Meccanica", nel cui primo volume ( tra l' altro anche prima stampa per la Mannequin) compare la magniloquente On The Dance Floor, la tetra litania synth-wave di puro stampo Factory che dà il nome alla seguente raccolta, "Crimes On The Dancefloor", in cui vengono immortalati i pochi ma fondamentali passi compiuti dal trio bresciano, fedele ( e non solo nel nome) alla leggendaria figura di Christa Paffgen. Nell' opera sono difatti inclusi gli unici "due" vagiti recanti la suddetta dicitura, ovvero il primo demo tape omonimo datato 1983 - la costola dura della parabola con ben sei tracce - e "The Testroom Tapes", quattro brani rielaborati che dovevano costituire parte del disco del 1986 mai portato a termine per divergenze artistiche, ben presto causa naturalmente dello scioglimento.

Difficile comprendere tali motivi, se pensiamo che i Janitor Of Lunacy costituiscono ancora oggi qualcosa di estremamente interessante e caratteristico, sia per la vena cold-wave - aperta ad incursioni elettroniche di puro stampo foxxiano - del primo periodo ( la marcia tagliente e funerea di Highly, ad esempio, fa sembrare i Balaclavas dei plagiatori di prima categoria) sia per la seguente apertura verso trame eteree di cantautorato romanticamente oscuro, sulle orme dei migliori Reed ed Eldritch ( da segnalare almeno le inquietanti ballate Shadow Of A Desert Land - There Grows My Heart). Ma oltre alla perfetta esecuzione delle tracce in scaletta, ognuna delle quali poteva benissimo essere trasmessa fin nei vicoli più tetri di Manchester, ciò che stupisce particolarmente della formula musicale ideata dal trio formato da voce - sintetizzatore - basso è l' invidiabile pazienza nel saper attendere i giusti momenti, nel prendere a piccole dosi l' elettricità degli strumenti, nel limitare a pochi convulsi attimi le parti cantate, e non per ultimo nel costruire pulsanti ritmiche a base di drum machine.

Il perfetto compromesso tra Neon ed Underground Life che non vi sareste mai aspettato.

LINK PER L' ASCOLTO

Cherish the Light Year

Gabriele Bartolini — Sat, 10 Dec 2011 15:12:33 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Gabriele Bartolini

Genere:

New Wave

Dark Wave

Etichetta:

Matador

Anno:

2011

Line-Up:

- Wesley Eisold
- Dominick Fernow
- Alex Garcia-Rivera

Tracklist:

01. The Great Pan Is Dead
02. Pacing Around the Church
03. Confetti
04. Catacombs
05. Underworld USA
06. Icons of Summer
07. Alchemy and You
08. Burning Sage
09. Villains of the Moon

Cold Cave

Cherish the Light Year

"Seasons change and passions change
But I live in a city with no seasons or passions at all
It's awful"

Da quando ha avuto il via il cosiddetto revival di gruppi post-punk / synth-pop, i Cold Cave, giunti persino in ritardo sulla piazza, sono senz' altro uno dei nomi più gettonati e meritevoli di attenzione. Unitosi a Philadelphia ed originariamente costituiti per buona parte da un folto numero di membri provenienti da gruppi sperimentali o hardcore talvolta anche famosi ( è il caso di Caralee McElroy e Jennifer Clavin, militanti rispettivamente negli Xiu Xiu e nei No Age in modo particolare in veste di live performer), l' ensemble registra molte tracce in sordina, senza mai rientrare tra i primissimi nomi lo-fi ma allo stesso tempo collaborando con i Crocodiles, ad esempio, non proprio dei novellini. Dopo aver raccolto le migliori cose venute fuori da questo primo periodo nella raccolta Cremations (Hospital, 2009) sempre nello stesso anno fanno uscire il loro disco d' esordio, Love Comes Close, contenente nove tracce totalmente dedite a sporcare con ogni mezzo possibile un canonico synth-pop, rivelatrici di un gruppo ancora troppo acerbo e prevedibilmente irruento.

Una pietra grezza che non troverà la giusta dimensione nella successiva cassetta di passaggio New Morale Leadership (Hospital, 2010) ma bensì nella nuova uscita di quest' anno, Cherish The Light Years (Matador, 2011). Come avrete notato, c'è stato un importante cambio di casacca per i Cold Cave, insigniti di una importante responsabilità qual è rappresentare una delle etichette più meritevoli di attenzione ad oggi, ma le novità non finiscono qui. Il frontman Wesley Eisold decide di fare chiarezza sul progetto, eliminando le parti superflue che molto spesso sono andate a discapito per ottenere buoni risultati. Ridimensiona difatti l' assetto a soli tre elementi, tenendo con se il batterista Alex Garcia-Rivera, già con lui nei Give Up The Ghost, e Dominick Fernow dai Prurient, con cui i Cold Cave avevano inciso lo split Stars Explode (Hospital, 2009). Dotato adesso di un più consueto assetto voce - chitarra - synth - batteria, Wesley riscopre il gusto risveglia le brume new-wave da troppo tempo lasciate in sospeso e con Cherish The Light Years fa semplicemente centro.

Perché se è vero che tale genere ormai lo conoscono e lo esercitano un pò tutti, qua si mettono porzioni limitate di carne al fuoco e non si fa confluire tutto in un indie-rock senza marca. Pur essendo alla famosa prima con certe sonorità, ed in particolare per la prima volta senza l' alone protettivo delle registrazioni in lo-fi, nel complesso il disco risulta molto personale e, strano ma vero, riconoscibile. A partire dalla voce perfetta, ruggente ed al tempo stesso vulnerabile come i grani interpreti del passato in questo campo, cavernosa, perfettamente inserita in un contesto altrettanto scintillante ed apocalittico. Un tenebroso spazio all' aperto dove vengono a confluire progressivamente aspetti electro e toni decisamente dark-wave, da cui ne scaturirà, come in occasione di Love Comes Close, un egual numero di brani votati ad un pop oscuro e crepuscolare. Stiamo sensibilmente percorrendo la seconda fase della new-wave, dove i concorrenti in gara per molteplici motivi si orientavano anch' essi verso la più canonica via del pop, tentando in ogni maniera di non perdere la propria (ed eventuale) vena goth.

Nel caso dei Cold Cave staremmo a parlare di un mix tra i Modern English di After The Snow ed i Killing Joke di Brighter Than A Thousand Suns, un punto di non ritorno tra le cosiddette "soluzioni facili" e tentativi di sperimentazione, in cui le composizioni si sciolgono al calduccio di un ritornello accogliente, ma successivamente si rimboccano le maniche e tornano a farsi gelide. A tratti compare qualche linea di basso orrorifica, ma la velocità di composizione di questo post-punk è troppo veloce per far pensare ai Bauhaus: con i Cold Cave è meglio concentrarsi sulla scena inglese, pensando a degli Human League congelati in una serie di brutture ai synth, quali ad esempio dei bassi pesanti ed alcune deformazioni asperrime, fortemente contributrici al successo del disco. I continui scambi tra synth-pop, dance e sperimentale sono gagliardi, di impatto, almeno quanto gli inni impetuosi fieri di svettare dall' alto la pattumiera di noise e lamiere che è Cherish The Light Years, e che in almeno due o tre casi danno vita a composizioni che ricorderemmo tutt' oggi se fossero state scritte negli eighties.

E dire che, paradossalmente, l' inizio prometteva una diversa svolta. L' iniziale The Great Pan Is Dead, difatti, è un lanciatissimo inno hardcore, qui effettato da una potente sezione elettronica: il ritmo serrato e le pose new romantics introducono comunque fin da subito i temi portanti del lavoro, ovvero l' incedere metallico e la propensione ad introdurre folate techno che stranamente coadiuvano nell' insieme, rendendo il mood alienato e spaziale alla maniera dei Japan, anche se ovviamente in altre modalità. A tal proposito l' emblematica Pacing Around The Church introduce subito guerre stellari e preghiere notturne, coronate da un impianto canoro già sopra alla media di act quali Bloc Party ed Editors, ma non ancora ben sviluppato e spoglio. Ci pensa allora Confetti ad allungare le distanze, in sei minuti di pura ascesi sonora dove tra rigurgiti goth e crepuscolarità modiana fuoriesce il lato più melanconico, stupendamente romantico del gruppo, dove la traiettoria percorsa dal suono appare decisamente intenta a rincorrere il secondo fondamentale episodio dei New Order, caso che si rivelerà comunque non isolato.

Catacombs affievolisce il pathos, senza per questo dimenticarsi di continuare a macinare del buon electro-pop, proprio quello dei maestri Suicide, di cui ne riescono a replicare la leggerezza di motivo, prima di lasciare spazio alla meno gentile Underworld USA, sotto le cui mentite spoglie si nasconde un gradevole pezzo di robotica dance europea, collocata in un contesto di drumming e chitarre per la prima volta apertamente rock, e quindi leggermente diverso dal dettato generale. Incoerenze che si possono permettere tranquillamente, in modo ancor più sincero se a seguirle sono brani come Icons Of Summer, ovvero frammenti harsh-noise in un ambiente fino a quel momento carico di molti ricordi. Gli squilli di tromba di Alchemy Around You, invece, si fanno avanti con un lieto esternare proto-punk, a cui però si vanno aggiungere componenti ciniche, come la linea di chitarra tenue, che paiono voler onorare in crescendo l' estremo senso di originalità di cui il gruppo è dotato. Segnali precisi, che venti anni fa non sarebbero andati perduti, diversi nel corpo del messaggio ma non nel destinatario. Il quale non si farebbe affatto sfuggire l' orrenda Burning Sage, discendente direttamente dalla prima famiglia industrial ( quella che si strozzava sempre nel noise) e notevolissima ciliegina sulla torta, per altro abbellita a dovere dalla catastrofica benevolenza di Villains Of The Moon.

Sopra tutti, Cherish The Light Year è il lampo di classe assoluto dei Cold Cave, salto assoluto tecnicamente di un genere ( post-punk revival) praticamente a piedi dall' esordio degli Interpol, oppure dall' omonimo dei Franz Ferdinand, se estendiamo il campo alla new-wave lato funky. Non si incorre mai in episodi realmente insipidi o fuori tema, pure se le tematiche affrontate sono quelle degli anni '80, e davvero non sappiamo come possa essere accaduto. Da puro amante del suono in questione, sicuramente di dischi solidi, forti e pensati non ce ne sono stati negli anni duemila. Rileggere la new-wave così, sinceramente è da folli.

Total Decay

Emanuele Pavia — Fri, 11 Nov 2011 15:11:54 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Dark Wave

Etichetta:

Captured Tracks

Anno:

2011

Line-Up:

- Luis Vasquez - Voce, Chitarra, Sintetizzatore
- Justin Anastasi - Basso
- Damon Way - Drum Machine, Sintetizzatore

Tracklist:

1. Repetition
2. Alive
3. Total Decay
4. Visions

Soft Moon, The

Total Decay

Il secondo capitolo della saga dei The Soft Moon (divenuti un vero e proprio gruppo musicale con l'arrivo di Justin Anastasi e Damon Way al fianco del mastermind Luis Vasquez) viene pubblicato dalla Captured Tracks il 31 ottobre 2011, a un anno dall'uscita del loro sorprendente debutto eponimo.

In realtà, Total Decay - il titolo del nuovo lavoro - è solamente un breve EP di quattro brani di una durata totale di nemmeno un quarto d'ora, che rappresenta una sorta di assestamento dello stile musicale già abbozzato nel full-length d'esordio, sospeso tra revival di new/dark wave e desolanti scenari apocalittici.
I mezzi e lo scopo della musica di Vasquez non hanno subito particolari cambiamenti, eccezion fatta per l'adozione di una produzione leggermente più curata e fredda che enfatizza maggiormente la ritmica e gli elementi più cupi del sound di The Soft Moon a discapito delle atmosfere più dilatate e rarefatte dell'album precedente (che comunque rappresentano ancora una componente determinante della musica di Vasquez): Total Decay è quindi un coerente e lineare proseguimento sulle coordinate già presentate che, se di certo non fa gridare al miracolo per uno stravolgimento della proposta, mantiene intatta la classe del primo disco.
Repetition riprende le atmosfere gotiche ed eteree del debut, accompagnando le distese pareti sonore ereditate dalla darkwave con rumorismi elettronici e percussioni tribali, mentre la base ritmica che sostiene i misticismi distorti e i sibili soffocati di Vasquez diviene ancora più martellante nella successiva Alive (tanto da ricordare le pesanti drum-machine della coldwave americana). In modo più affine a The Soft Moon prosegue invece la title-track, tra le cui coltri di distorsioni, riverberi e feedback si rincorrono i gemiti disumani di Vasquez, prima che l'EP si spenga nel tribalismo ferale e negli inquietanti rumori della conclusiva Visions.

Ancora efficace, seppur non più sbalorditiva come era apparsa nell'esordio, la formula dei Soft Moon si conferma come una gradita novità nel panorama musicale odierno. Di certo Total Decay non è un'uscita imperdibile - considerando anche l'esigua durata dell'EP -, ma conferma le aspettative che si sono create intorno a uno dei progetti più interessanti degli ultimi anni in vista di un secondo full-length.

Conatus

Vincenzo Ticli — Wed, 12 Oct 2011 16:30:30 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Vincenzo Ticli

Genere:

Synth Pop

Dark Wave

Etichetta:

Sacred Bones

Anno:

2011

Line-Up:

NIka Roza Danilova - vocals, producer
Brian Foote - engineer, producer
Davery Riley - engineer
Nick Johnson - drum
Sean McCann - viola, violin
Ryan York - cello, double bass

Tracklist:

1. Swords
2. Avalanche
3. Vessel
4. Hikikomori
5. Ixode
6. Seekir
7. In Your Nature
8. Lick the Palm of the Burning Handshake
9. Shivers
10. Skin
11. Collapse

Zola Jesus

Conatus

Al suo terzo lavoro, il talento di Zola Jesus è ormai confermato: è giovane, Nika Roza, ma realizzando tre album nel giro di tre anni è riucita a delineare un genere non nuovo, ma certamente originale. Soprattutto il nuovissimo Conatus, alleggerendo l'aria gotica che sin dall'inizio circonda i suoi lavori, smorza i toni affidandosi alla vena 90's e lo-fi condivisa da molti altri artisti contemporanei, pur mantenendo quel tocco in più che rende inequivocabilmente suoi tutti (o quasi) i pezzi che compone.

Conatus è un album dalle poche melodie semplici e dai ritmi complessi e costanti. Le prime canzoni creano un'opprimente atmosfera nebulosa, un'aura adesiva che si attacca ai timpani e che sostiene un cantato austero e imponente. Dopo l'introduzione pulsante e ventosa di Swords, tocca ad Avalanche essere il primo pezzo ad incarnare il consueto goticismo di Zola Jesus: tre note di inquieti archi sintetici si susseguono con minime variazioni per tutta la sua durata, accompagnate da sussulti elettronici fitti e da una linea vocale ampia, semplice e glaciale nelle sue improvvise strozzature gutturali. Vessel e Hikikomori sono le vette dell'album: la prima trascinante nei suoi beats cadenzati e nella scarna melodia per pianoforte e lame di sintetizzatore, la seconda, al contrario, impreziosita da complicate melodie di archi e tastiere, dissonanti sorelle che si intrecciano su ritmi discreti e profondi bassi implacabili. In entrambe, a spiccare è la voce di Zola Jesus: ferma, lugubre, si abbandona a saliscendi che trasudano un trasporto capace quasi di sciogliere il ghiaccio che, ascoltando queste canzoni, sembra respirabile. Ixode, a metà tra dance e techno, accusa un po' il colpo della ripetitività ma resta evocativa.
Improvvisamente, le nubi si dissolvono e il livore lascia spazio ad una luce tenue, una malinconia sfilacciata e diluita su pezzi che si aprono maggiormente a contaminazioni di vario genere: c'è Seekir, ritmata e rischiarata da tastiere dense e intarsi vocali, c'è Shivers, retta su complicati pattern di percussioni di chiaro stampo glitch che concretizzano evanescenti tocchi di tastiera. Affidati al pianoforte sono l'intimismo delicato di Skin e Lick the Palm of the Burning Handshake, un appassionato brano dal taglio quasi soul, diviso tra la dolcezza intensa delle melodie e la spigolosità dei colpi di frusta che tengono il ritmo.

E' sempre più chiaro che a fare la fortuna di Zola Jesus è proprio la sua consapevolezza del mondo artistico in cui è nata ed il desiderio di distinguersi senza volersene completamente distaccare. Il suo è un semplice synthpop evocativo e vibrante ma dotato di una cupezza ed essenzialità affine a quella dei Cure del primo periodo, ed è proprio questo il carattere di novità che rende inconfondibile la sua musica. In Conatus sono presenti anche tracce di altri generi musicali che se, da una parte, consentono finalmente alla musica di Zola Jesus di aprirsi ad un pubblico più ampio rispetto a quello del circuito più indipendente, dall'altra rischiano di spersonalizzarla: per dirne una, Skin sembra a tutti gli effetti una canzone della contemporanea Bat for Lashes, e Seekir potrebbe benissimo essere un pezzo del nuovo progetto di Jonna Lee, la misteriosa Iamamiwhoami.

Al di là di tutto, Conatus è un prodotto interessante che dimostra che quello di Nika Roza, alias Zola Jesus, è un talento autentico.

Giles Corey

Paolo Bellipanni — Tue, 14 Jun 2011 19:08:53 +0000

Voto:

6.9 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Dark Wave

Folk Rock

Etichetta:

Enemieslist

Anno:

2011

Line-Up:

- Dan Barrett - musiche, voce, chitarra

Tracklist:

1. The Haunting Presence
2. Blackest Bile
3. Grave Filled With Books
4. Empty Churces
5. I'm Going to Do It
6. Spectral Bride
7. No One Is Ever Going to Want Me
8. A Sleeping Heart
9. Buried Above Ground

Giles Corey

Il ritorno di Dan Barrett non porta, come ci si aspettava, il marchio Have A Nice Life. Per l’occasione, il compositore statunitense (balzato agli occhi di pubblico e critica col sopraccitato progetto e con l’intelligente Enemieslist, etichetta indipendente per la cosiddetta home-made music) tira fuori un progetto solista nuovo di zecca, il cui nome riporta in auge la bizzarra figura di Giles Corey, allevatore statunitense di fine ‘600 accusato di stregoneria e torturato (fino a provocarne la morte) durante il celeberrimo processo alle streghe di Salem.

Affreschi folk-gotici che riescono a rievocare nella maniera più intensa e viva ciò che era Giles Corey e, soprattutto, ciò che erano Salem e l’America del tempo. Musica come arte descrittiva, come racconto e rievocazione storica in parallelo allo scavo interiore. Dan Barrett abbraccia la propria chitarra acustica, la immerge nell’inchiostro e scrive senza sosta una storia macabra e gotica, richiamo ad un ricordo insinuatosi nelle radici più antiche della memoria americana. L’abbandono dell’oscurità e del malessere urbano spinge la mente degli HANL vero le pianure desolate, verso il freddo e la solitudine dei boschi, verso l’inquietudine delle chiese abbandonate e della propria interiorità. Paura e depressione, stregoneria e una blackness bizzarra perché trasformata dalla vecchiaia del legno e dall’umidità dei campi.

Giles Corey è un esordio sorprendente nonostante la figura a cui fa capo sia divenuta una sorta di santone underground che pare aver già dato tutto il suo spirito in musica nella manciata di progetti in cui è entrato (Have a Nice Life e Planning For Burial su tutti). Evangelizzato il proprio dogma enemieslistiano, Dan Barrett pare non aver affatto accusato la pressione mediatica creatasi attorno al suo lavoro “artigiano”, anzi, pare che la moltitudine di occhi posatisi sulla sua vita artistica stiano fungendo da veri stimolatori e catalizzatori della sua interiorità. Musica sporca e rarefatta, pervasa da un misticismo ancestrale, da un atmosfera misteriosa, inquieta, vibrante, introdotta da The Haunting Presence che fa un po’ da sintesi iniziale delle coordinate stilistiche dell’album: pianoforti modulati, voci sofferenti, melodie dal gusto molto dark e, infine, atmosfere maledettamente avvolgenti. Poi c’è Blackest Bile che si apre a sapori quasi psych-folk, in seguito ripresi nelle fasi conclusive da A Sleeping Heart e Buried Above Ground. E ancora Empty Church, meditativa ed eterea, gioiello dell’album, e poi rarefazioni atmosferiche e lamenti riverberati che proseguono con I’m Going to Do It (sorta di cerimonia religiosa dei boschi) e No One Is Ever Going to Want Me, più ritmata ma ugualmente nebbiosa e decadente.

Un disco di sicuro non perfetto e largamente migliorabile (episodi come Grave Filled With Books risultano un bel po’ soporiferi) ma che ci mostra un lato di Dan Barrett nuovo e diverso. Se il suo spleen più “acustico” poteva essere scorto già dal monolite Deathconsciousness, col progetto Giles Corey questa attitudine e questa ricerca atmosferico-tematica si manifestano nella loro forma più ancestrale e artigianale, continuando a scavare quel limbo nero di buio, solitudine e perdizione che prese meravigliosamente vita nel 2008 con quella malvagia, commovente riflessione sulla consapevolezza della morte.

"Acoustic music from the industrial revolution"

A I A : Dream Loss / Alien Observer

Paolo Bellipanni — Mon, 28 Mar 2011 23:37:37 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Paolo Bellipanni

Genere:

Ambient

Dark Wave

Etichetta:

Autoproduzione

Anno:

2011

Link correlati:

Myspace

Line-Up:

- Liz Harris - voce, programming, musiche

Tracklist:

A I A : Dream Loss

1. Dragging the Streets

2. I Saw A Ray

3. Soul Eraser

4. Atone

5. No Other

6. Wind Return

7. A Lie

A I A : Alien Observer

1. Moon Is Sharp

2. Alien Observer

3. Vapor Trails

4. She Loves Me That Way

5. Mary, On the Wall

6. Come Softly

Grouper

A I A : Dream Loss / Alien Observer

Liz Harris, o degli abissi interiori. Meglio conosciuta come Grouper, lei è la bella musa della nuova estetica dark sperimentale e al suo interno si crogiola un’antologia di poesie sbiadite. Colori effimeri eppure così veri, puri, pesanti: il nero del buio sotterraneo, il bianco della lucente catarsi interiore. Labirinti infinitamente contorti, quelli dell’anima; lei lo sa e ne traduce in musica l’essenza attraverso l’isolazionismo più profondo, nido di impercettibili implosioni interiori. I suoi fiori del male esalano sgomento e un abbandono malinconico, eppure al contempo cantano con sotterraneo lirismo il risveglio dei sentimenti e la loro dolce risalita in superficie. Cenere portata all’altare dal vento.

La poesia funerea che annuncia il suo ritorno si presenta con le fattezze di un doppio album apparentemente colossale intitolato A I A, suddiviso nei due capitoli Dream Loss / Alien Observer. Monolite di inquietudine e sentimenti sotterranei, il disco rievoca il nome di Liz Harris a due anni di distanza dalla splendida collaborazione col genio neozelandese Roy Montgomery (altra collaborazione illustre assieme a quella con Xiu Xiu del 2006 e la più recente con gli Animal Collective). A risalire le viscere della terra e raggiungere la superficie è un’altra messa gotico-ambientale di malinconico esoterismo, condotta attraverso il solito (e ormai consolidato) connubio di soavi intrecci vocali e soundscapes polverosi e dilatati.

La religiosità della Harris riappare con il solito procedere ieratico, introdotto in entrambi i capitoli del disco da distensioni dark ambient che ne scavano i diversi stati d’animo e le diverse profondità emotive. Dream Loss incarna la poesia più oscura di A I A, fatta di flussi ambientali strozzati e atmosfere da cimitero dei sogni. I frammenti del primo disco sono per lo più gioielli di rara intensità: Atone, che si eleva nella sua trascendentale pacatezza; Wind Return, che è la messa simbolica dell’album; l’effimera malinconia del capolavoro Dragging the Streets; il drone tenebroso di I Saw A Ray, apnea che attraversa splendidamente superfici ruvide e un crepuscolare ipnotismo. E’ la notte infestata di lucciole morenti che la Harris rievoca come una sciamana dal capo chinato, anticipando il secondo disco col suo inchiostro più nero e suoi malinconici fuochi fatui.
La seconda metà del libro, Alien Observer, pare quasi risollevare Grouper dalle viscere della terra da cui cantava sommessa il proprio abbandono al buio: ora gli arrangiamenti sono più sottili, la voce di Grouper è più squillante e il riverbero (che in Dream Loss impregnava il sound, facendone risaltare il piglio cupo) ritrova un’inaspettata leggerezza. L’acquario di tenebre e acque infestate viene tradotto così dalla Harris in una poesia distaccata, che non ha più origine nell’oscurità sotterranea ma nell’aria; le masse sonore si spostano con la leggerezza del vento e non più con la pesantezza di un fiume di fango e detriti, ritrovando al proprio interno anche un certo afflato psichedelico che sembrava essere andato perduto (She Loves Me That Way).
I morbidi rintocchi di Vapor Trails e i piacevoli vocalismi di Alien Observer fanno così emergere il lato più chiaro e lirico della cerimonia grouperiana, nascosta in questa seconda parte di lavoro sotto un velo di insolita dolcezza e un’atmosfera quasi aperta (se non si conta Moon Is Sharp, che implode meravigliosamente nel solito, sommesso decadentismo melodico).

Le tenebre interiori della Harris ancora conservano quindi un ultimo barlume di dolcezza, fragile speranza nel buio innalzato dalle funeree soundscapes ambientali di Dream Loss. Tra ermetismo ed esoterismo (caratteristiche - anche stilistiche - che Grouper non ha mai minimamente cambiato sin dagli esordi) viene man mano delineandosi il dualismo di base di A I A, il quale traspone in musica quello kunderiano per eccellenza: l’essere, sospeso tra leggerezza e pesantezza, tra il suo piacevole canto e il fascino della sua lenta caduta. Dietro, a fare da sfondo, il solito inseguirsi di eco e lamenti: il nuovo mistero interiore di Liz Harris, poetessa e sirena dark.

Garlands

admin — Fri, 18 Feb 2011 23:00:00 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Dark Wave

Etichetta:

4AD

Anno:

1982

Link correlati:

Line-Up:

- Robin Guthrie - guitars, drum-machine
- Elizabeth Fraser - vocals
- Will Heggie - bass

Tracklist:

1. Blood Bitch
2. Wax and Wane
3. But I'm Not
4. Blind Dumb Deaf
5. Shallow Then Halo
6. The Hollow Men
7. Garlands
8. Grail Overfloweth

Bonus tracks:

9. Dear Heart
10. Hearsay Please
11. Hazel
12. Blind Dumb Deaf pt II
13. Speak No Evil
14. Perhaps Some Other Aeon

Cocteau Twins

Garlands

Il termine "dream pop" nasce per definire la musica dei Cocteau Twins e dei loro successivi emuli.
Ciò che caratterizzava questo genere erano le atmosfere oniriche e dilatate, con muri di chitarra stratificati imparentati con le distorsioni della new wave ma che invece di suonare corrosivi costruivano invece paesaggi eterei, amplificati dai bassi pulsanti e da dei melodismi vocali da nenia cristallina.

Questo approccio, visionario e a suo modo mesmerizzante, aveva qualche affinità con la psichedelia, ma a differenza di essa non si ricercava il viaggio mentale o il "trip" acido, bensì una dimensione intimista e sognante, condita da un certo spiritualismo ed esistenzialismo.
Con questi risultati finali Elizabeth Fraser e Robin Guthrie, compagni di vita oltre che musicali, iniziano la loro avventura nel 1980 a Grangemouth in Scozia (prendendo il nome da una canzone dei futuri Simple Minds) come uno dei numerosi gruppi venuti fuori dal filone post-punk; a loro si aggiunge ben presto il bassista Will Heggie e nel 1982 debuttano con l'album Garlands per la 4AD, che sarebbe diventata l'etichetta per eccellenza del dream pop.

Si tratta comunque di un lavoro che non presenta ancora i particolari connotati che i Cocteau Twins inventeranno e istituzionalizzeranno di lì a poco.
Le loro radici musicali vanno ricercate nel gothic rock, dato che il dream pop è d'apprincipio una emanazione della dark-wave e quindi del post-punk: infatti è a pane e gruppi come i Public Image Limited, i Cure o i Birthday Party, (influenti per la particolare dimensione malinconica, emozionale e mentale, con una tensione psicologica interiorizzata mediante le loro sonorità cupe e avvolgenti) come anche e soprattutto i Joy Division (dai quali riprendono un certo senso di disagio e in particolar modo l'accoppiata chitarre con drum-machine) che i tre crescono. Ma in realtà più di tutti andrebbe citata Siouxsie Sioux e i suoi Banshees, icona chiave della transizione dal punk al dark, dichiarata musa ispiratrice della Fraser che ne imita le linee vocali dolenti durante la prima parte di carriera.

Garlands è, quindi, un lavoro ancora molto legato nei gruppi goth, dai quali non si discosta molto, con molti stereotipi come le penetranti linee di basso, le percussioni sintetiche continue ed ossessive, le chitarre quasi dissonanti, il canto tetro. Ma c'è una cosa in più che aggiungono i Cocteau Twins, cioè lo stile compositivo di Guthrie, che dilata i suoni tingendoli di celestialità e cristallinità, anticipazione delle stratificazioni oniriche per i quali il gruppo è famoso.

Il risultato comunque è ancora acerbo e non del tutto personalizzato nelle forme, con canzoni alienanti e dalla forte carica psicologica ma anche un po' ripetitive e che non sfruttano appieno il potenziale canoro della Fraser, ancora troppo legata a Siouxsie.
Svettano in particolar modo Wax and Wane (liquida, ossessiva, riverberata e tragica, ma anche ancora molto "siouxsieana"), Shallow Then Halo (inquietante e tenebrosa, con distorsioni rumoristiche agghiaccianti accompagnate da scurissimi bassi pulsanti) e, in una rara versione con inediti aggiuntivi, Dear Heart (eterea, dissonante e alienante) e Speak No Evil (fumosa e cadenzata).

Garlands è quindi un disco poco incisivo e alla lunga monotono, ma in esso sono presenti già alcuni germi di uno stile particolare e personale che vedrà la luce nel successivo Head Over Hills.

The Fool

admin — Thu, 06 Jan 2011 23:00:00 +0000

Voto:

7.2 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Psychedelic Rock

Dark Wave

Etichetta:

Rough Trade

Anno:

2010

Line-Up:

- Emily Kokal - vocals, guitar
- Jenny Lee Lindberg - bass, vocals
- Theresa Wayman - vocals, guitar, drums, keyboards
- Stella Mozgawa - drums, keyboards, vocals, guitar

Tracklist:

1. Set Your Arms Drown
2. Warpaint
3. Undertow
4. Bees
5. Shadows
6. Composure
7. Baby
8. Majesty
9. Lissie's Heart Murmur

Warpaint

The Fool

Le Warpaint sono un gruppo tutto al femminile formato dalle nientemenoche amiche d'infanzia Theresa Wayman, Emily Kokal, Shannyn Sossamon e Jenny Lee Lindberg il giorno di San Valentino 2004 a Los Angeles.
Con queste zuccherose premesse il quartetto si diletta nei live e, sotto l'egida di John Frusciante e Josh Klinghoffer dei Red Hot Chili Peppers come rispettivamente produttore e session-man, incide un primo EP nel 2008, Exquisite Corpse, che riscuote un discreto successo.
Nel 2009 si unisce a loro la batterista Stella Mozgawa al posto della Sossamon, partecipano ad una compilation di cover su David Bowie e cominciano le registrazioni per il full-lenght di debutto, intitolato The Fool e distribuito per Rough Trade l'anno seguente.

Iscritto nell'art rock dalla critica d'oltre oceano, l'album si rivela un interessante e piacevole punto di incontro fra la psichedelia d'estrazione californiana e la new wave inglese, particolarmente a tinte dark (Cure, Siouxsie and the Banshees) e in parte dream pop (This Mortal Coil), l'approccio compositivo è però influenzato dall'indie pop americano che melodizza e rende più immediati i pezzi.
Le canzoni sono soffuse e pacate, con tonalità basse che riflettono umori crepuscolari, dolcemente malinconici ma in alcuni casi anche parzialmente tetri. Il gusto melodico delle ragazze risulta solido e con esso le statunitensi dipingono delicati fondali onirici di sostegno ad una trama acida, ma certosinamente mitigata dai vocalismi, sempre cristallini anche se ancora non moltissimo flessibili, e dai fraseggi chitarristici.
Tuttavia nel tentativo di risultare il più possibile avvolgenti e mesmerizzanti, il gruppo indugia un po' nel dilatare i brani che così possono sembrare leggermente prolissi e stemperati della loro vena più radio-friendly.
Si tratta comunque di un aspetto di per sè secondario, risulta più rilevante piuttosto che questa dilatazione porta, alla fine, a lasciare un po' un senso di inconcludenza nella maggior parte dei pezzi, come se fosse imminente una qualche risoluzione conclusiva che puntualmente non avviene perché le quattro insistono sulle stesse idee. Un tocco di acerbità compositiva insomma che ci auspichiamo lasci presto spazio alla maturazione completa del gruppo.

Si comincia dunque con la pacata Set Your Arms Down, con echi psichedelici '60 filtrati attraverso un piglio placido maggiormente affine alla wave ottantiana e in particolare allo stile di Siouxsie. La voce della Kokal è espressiva, ma ogni tanto tende a indugiare sulla stessa soluzione, peccando di monotonia.
La successiva Warpaint è più cupa e arabesca, trovando connessioni con un goth lisergico portato avanti dalla sezione ritmica spedita (soprattutto i bassi) e dai giochi melodici a metà fra Gathering e Cure.
Viene ora il singolo Undertow, orecchiabile pop-rock dalle sottili tinte psych/dream con un ritornello dolce e romantico, in contrapposizione alla tenebrosa Bees, la canzone più gotica e inquietante dell'album con riverberi raggelanti, bassi penetranti, versi acidi e spettrali insieme.
Shadow è dolce e malinconica, con una chitarra acustica alienata abbinata ad una delicata ballata di pianoforte, questa volta è la Wayman a cantare rivelandosi altrettanto dolce e limpida.
Composure intende essere un crocevia fra Gathering, (in parte) Radiohead e This Mortal Coil, ma a questo punto le composizioni iniziano ad essere un po' stanche e stona l'alternanza di parti più soffuse ed eteree con altre più psych-funk (bassi funky e chitarre pinkfloydiane).
La ballata folk Baby è melodicamente cullante ma anche scontata e banalotta, per fortuna l'elettronica cupa e le atmosfere notturne di Majesty suonano più intriganti (anche se il risultato è ancora prolungato in maniera forse eccessiva), come una via di mezzo più pop fra Raincoats e Gathering scandita dagli intrecci di rhodes, battiti sintetici e spruzzi eterei lievemente tendenti al trip lisergico.
Infine abbiamo la malinconica Lissie's Heart Murmur, incentrata sul motivo ripetuto di pianoforte al quale si aggiungono via via la batteria cadenzata, riempimenti tastieristici di sfondo e riverberi alienati in lontananza, mentre la voce è impegnata in una nenia dolceamara che trasmette sentimento e tristezza.

In conclusione, l'album, a volte forse un po' troppo osannato dalla stampa, riesce ad essere cupo e ipnotico ma anche magico ed evocativo allo stesso tempo, tuttavia emergono alcuni difetti che impediscono di comporre il capolavoro. C'è però di che ben sperare in futuro.