Alternative Metal

Once More 'Round the Sun

Matthias Stepancich — Thu, 08 Jan 2015 16:15:33 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Progressive Rock

Alternative Metal

Etichetta:

Reprise

Anno:

2014

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Troy Sanders – vocals, bass guitar
Brent Hinds – vocals, lead guitar
Brann Dailor – vocals, drums
Bill Kelliher – rhythm guitar

Tracklist:

1. Tread Lightly - 5:14
2. The Motherload - 4:59
3. High Road - 4:15
4. Once More 'Round the Sun - 2:58
5. Chimes at Midnight - 5:32
6. Asleep in the Deep (feat. Valient Himself & Ikey Owens) - 6:12
7. Feast Your Eyes - 3:23
8. Aunt Lisa (feat. The Coathangers & Gary Lindsey) - 4:08
9. Ember City - 4:59
10. Halloween - 4:39
11. Diamond in the Witch House (feat. Scott Kelly) - 7:49

Mastodon

Once More 'Round the Sun

Come rilasciato in un'intervista dal chitarrista Bill Kelliher, "[Death] always makes for really good story telling. It's kind of the theme that we have a lot in our music. We've had a lot of friends pass away since the last record. I'm not really sure yet. I think we're kind of focusing more about living on this earth and what would happen if this was your last year to live. I think that's sort of maybe a little bit of what we might be kind of touching on."
Il sesto album dei Mastodon, Once More 'Round the Sun, uscito per la Reprise, riflette allo stesso tempo un ulteriore cambio di rotta stilistico, una volontà di conquistare nuovi tipi di pubblico ulteriormente al di fuori del'arena metal, ma anche una maturazione personale dei quattro, che mai come ora hanno una visione consapevolmente positiva nei confronti della vita.
Se proprio i primi due pezzi ad aprire l'album contengono versi come "Open your eyes, take a deep breath and return to life. Wake up and fight, fight for the love and the burning light", e "I can see what this life has handed you, I can feel the weight. This time, things'll work out just fine. We won't let you slip away", la cosa è non solo chiara ma anche appositamente sottolineata.

Quella dei Mastodon è un'operazione di svecchiamento delle formule metal, prog rock e alternative rock, che si mescolano assieme in un calderone sempre ispirato e altamente personale, dunque riuscendo sempre a spiccare sul resto del panorama musicale ad essi contemporaneo, e risultando sempre soddisfacente. Once More 'Round the Sun non fa eccezione, e stavolta, a differenza di The Hunter, la parte del leone la fanno gli arrangiamenti (non solo chitarre, anche tocchi di synth e sample in un paio di punti), nei loro ultimi tre dischi mai così ricchi, rifiniti, ma allo stesso tempo non soffocanti nei confronti dell'orecchiabilità finale dei pezzi (come in molto Crack the Skye) - una complessità e ricchezza di dettaglio perfettamente rappresentata dalla cover del disco, opera dell'artista Skinner, di Oakland.
Essenziali sono infatti le melodie e la vena catchy di tutti i pezzi, che tocca il picco nei memorabili chorus di The Motherload, Asleep in the Deep e Ember City.

Come sintesi delle varie influenze della band, Once More 'Round the Sun funziona anche meglio di The Hunter, che non era altrettanto cesellato, upbeat e scorrevole, e senz'altro meglio di Crack the Skye, nel quale l'ambizione di costruire un concept in stile prog 1970s aveva preso completamente il timone.
Si possono trovare infatti riff sludge che rimandano ai loro lavori più vecchi, come in Asleep in the Deep, Chimes at Midnight e Aunt Lisa (con coro cheerleader finale), che poi evolvono in melodie "alternative" stilisticamente simili a quelle dei pezzi meno metal di Blood Mountain, ma anche fusioni tra strofe hardcore melodico alla Hüsker Dü (il cui approccio all'hardcore nei 1980s ricorda molto ciò che hanno fatto e stanno continuando a fare oggi i Mastodon nei confronti del metal) ed escursioni prog metal come nella title-track e in Halloween.

A differenza dell'album precedente, in questo si sente anche come una certa "distanza" tra la musica e l'ascoltatore, dovuta alla cura maniacale con cui il sound è stato reso ricco e scintillante; nonostante le maggiori dilatazioni pinkfloydiane, il suono era più essenziale e terrestre in The Hunter, mentre in Once More 'Round the Sun tutto viene compresso in uno spazio minore, con più lavoro di sovrapposizione, e contemporaneamente ottenendo un effetto "dreamy" e ipnotico, quasi un parallelo al dream/psychedelic indie che ha avuto successo nell'ultima decade (coi Deerhunter eccetera).

Quello che forse sfuggirà a molti è che Once More 'Round the Sun è un ottimo esempio di come si possa suonare prog, e anche chiaramente in stile settantiano, senza "fare" prog: tutti i momenti in cui i pezzi lasciano spazio a parti strumentali mostrano infatti evidenti influenze e omaggi al rock progressivo dei 1970s, ma scorrono su ritmi upbeat, si intrecciano e sciolgono in maniera vivace e rapida, e non durano un secondo più del necessario; questo disco dei Mastodon mostra una capacità di riassorbire e rinverdire le sonorità prog in maniera molto più fresca e convincente rispetto a cose come gli ultimi lavori targati Opeth, che vivono invece molto più di nostalgia che di innovazione.

Resta tuttavia impossibile non notare somiglianze con alcuni pezzi di The Hunter, particolarmente tra l'opener Tread Lightly e l'altra opener Black Tongue, ma soprattutto nel singolo The Motherload, che, riprendendo la carica alla Queens of the Stone Age dei tempi migliori ed anche l'idea di dare a Brann Dailor lo spazio principale al microfono, pare una versione meglio pensata e migliorata di Dry Bone Valley - il che conferma anche l'idea, esplicitata alla stampa dalla band, che il disco sia una continuazione, anche se con stile rinnovato, del suo predecessore.

C'è stavolta chiaramente anche un "quinto Mastodon", il producer Nick Raskulinecz, che si è probabilmente trovato di fronte a uno dei compiti più complessi della sua carriera, dovendo bilanciare l'orgia di arrangiamenti e rifiniture messa in pista dal gruppo, e allo stesso tempo il loro chiaro desiderio di non suonare heavy quanto nei loro vecchi album, con la necessità di non perdere nel processo la loro aggressività e potenza; un obiettivo molto difficile, e il giudizio sul fatto che sia riuscito o meno dipende largamente dalle aspettative del singolo ascoltatore.

Harmonicraft

Matthias Stepancich — Sat, 12 Jan 2013 05:30:05 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Punk Rock

Sludge

Alternative Metal

Etichetta:

Volcom

Anno:

2012

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Steve Brooks - Guitars, Vocals
Andrew Elstner - Guitars
Jonathan Nuñez - Bass
Rick Smith - Drums

Tracklist:

1. Letting Go – 2:03
2. Kicking – 2:35
3. Walk it Off – 1:25
4. Reverse Inverted – 3:50
5. In Pieces – 3:09
6. Snakes Are Charmed – 3:14
7. Sky Trials – 1:18
8. Roaming – 3:20
9. Skin Moth – 3:18
10. Kiss Me Dudely – 1:48
11. Solitary Traveler – 2:48
12. Harmonicraft – 3:15
13. Looking On – 6:40

Torche

Harmonicraft

Dopo aver perso il chitarrista Juan Montoya (sostituito da Andrew Elstner), e aver pubblicato l'EP Songs for Singles (2010), con cui avevano tentato (non senza ironia, a partire dal titolo) un approccio più melodico, forma-canzone e orecchiabile, senza tuttavia trovare soluzioni troppo convincenti, per i (nuovamente) quattro Torche di Miami è la volta del terzo full-length Harmonicraft (Volcom, 2012), un lavoro esagitato, travolgente e perforante che li rilancia nel gotha del nuovo heavy rock.

Si viaggia senza mai un momento di stanca tra la percussione costante tesa verso il tribale di Letting Go (che mette già in chiaro il tardemark del disco nel contrasto tra chitarra ritmica sludgy, pesante, terremotante, seconda chitarra schizzante in arzigogoli melodici metallici, vibranti, caleidoscopici, e voce che ritaglia melodie memorabili in una vena che ricorda più i Dinosaur Jr. che la tradizione sludge/stoner), i rallentamenti effettati e psichedelici del chorus di Kicking, il minuto e mezzo al fulmicotone di Walk It Off, la granitica e cadenzata Reverse Inverted (con lamentosi fraseggi di chitarra sopra ad una ritmica alternante 4/4 e 5/4 in variazioni diverse tra strofe e chorus, quest'ultimo con un riff sludge spaccaossa, fino ad una coda eccezionale che sviluppa un'avvolgente e stratificata figura ripetuta su ritmica 4/4 alternato a 6/4), il martellamento rabbioso di In Pieces (con una forte vena alla Helmet in voce e distorsioni metallico-industriali), le esplosioni tra indie-rock, psichedelia e sludge di Snakes Are Charmed (con pioggia costante di frasi chitarristiche), il minuto e mezzo scarso dell'anfetaminica Sky Trials (un misto tra hardcore melodico, indie-rock e Mastodon), le acrobazie ritmiche e melodie vocali memorabili di Skin Moth, l'inaspettato cambio di passo con la lenta Solitary Traveler (un torrente sonoro di malinconia creato attraverso chitarre pesantemente distorte, in un aggiornamento metal di shoegaze e indie introverso-intimista, che ricorda da vicino agli analoghi esperimenti distorti, melodici e cadenzati del Jesu di Conqueror e Opiate Sun), le feroci bordate chitarristiche della strumentale title-track, ed un finale da apocalisse con i quasi 7 minuti di Looking On (che più di tutti richiama non solo i Melvins, e in una maniera molto più calda e orecchiabile anche al post-metal dei Neurosis, ma si avvicina anche allo stoner-doom psichedelico e religioso degli Om, con un chorus vocale evocativo da fine del mondo, senza tuttavia riuscire a resistere alla tentazione di chiudere il tutto, dopo una serie di colpi lentissimi e micidiali ed un breve silenzio, con un minuto scarso di sludge-punk nuovamente a rotta di collo).

Non siamo di fronte ad uno stoner che semplicemente assorbe molto dal punk, come poteva esserlo nei massicci Fu Manchu, ma ad una contaminazione più variegata, schizoide, "liquida" e post-moderna: le svariate dosi di punk, indie e pop gettate nel calderone suonano più che in linea con il sound generale della loro generazione, anzi, nelle loro aperture stratificate diventano quasi futuristici.
Ed anche se non raggiunge il livello di innovazione, esplosività e genio melodico del loro debut omonimo del 2005 (senz'ombra di dubbio uno dei migliori album sludge degli anni 2000), il lavoro è comunque più accattivante, e apprezzabile da un pubblico più vasto, rispetto al loro secondo Meanderthal del 2008, disco che (specialmente grazie alla pubblicazione per la Hydra Head di Aaron Turner) a tutt'oggi resta il loro più conosciuto. Il cambio di rotta avvenuto con Meanderthal, tramite cui il gruppo aveva iniziato ad assimilare parte del linguaggio alternative rock di 1980s e 1990s, mischiandolo ad un vivace sludge moderno di radice Mastodon-iana, è stato in Harmonicraft ripreso, ma dirottato verso lidi più punk, scoppiettanti, catchy, solari e divertenti.

Coloratissimo e caleidoscopico, Harmonicraft è una boccata d'aria fresca necessaria per tutto il genere.

Tantrum

Giulio Magliulo — Sun, 14 Dec 2014 18:41:52 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

A. Giulio Magliulo

Genere:

Post Metal

Alternative Rock

Alternative Metal

Etichetta:

Eve Recordings

Anno:

1991

Line-Up:

Vic Kemlicz – guitar, vocals

Duncan Brown - bass

Chin Keeler - drums

Tracklist:

1. Claws

2. Is That It?

3. Surgery

4. Girth

5. Hot Seat

6. Billy and Bobby

7. Gregor

8. Book One, Page One

9. Pyrosulphate

Milk

Tantrum

Meno di duecento km. quelli che separano Norwich, capitale della contea del Norfolk, dai colorati mercatini londinesi di Camden.
Quanto basta per lasciar perdere il jangle pop che ben ha attecchito nel nord del Regno Unito e far posto alla rivoluzione che nello stesso periodo negli U.S.A. ha un solo nome.

Siamo nel 1991 ed i Milk approdano dopo un paio di e.p. e diversi cambi di formazione a quello che potremmo definire un pefetto power trio.

Non sono soli i Milk a sperimentare soluzioni a cavallo tra l'alternative americano e le forti pulsioni art-rock tipiche delle terre di Albione. Purtroppo non riusciranno a far parte della schiera dei fortunati che svetteranno in alto nelle classifiche indie come i troppo filoamericani Therapy? o i leggendari prime movers God Machine, che per risapute ragioni preferiamo considerare parte del contingente inglese sebbene fossero californiani. Perfino i più noisy e caotici Silverfish ebbero maggiori riscontri commerciali.

I Milk vengono ricordati tra i minori del periodo, come i Jacob's Mouse, decisamente più variegati e schizzati nei suoni, o gli Scum Pups, completamente assorbiti dal grunge imperante oltreoceano.

Un'altra band che è bene citare per avere una piena comprensione di questo complesso quadro sono i Fudge Tunnel, che finirono poi per firmare per Earache.

Decisamente spostati quindi verso quello che potrebbe essere etichettato come art-metal o post-metal o più semplicemente alternative-metal, con Tantrum il trio realizza un lavoro definibile monolitico nel senso migliore del termine, cioè compatto e coeso, coerente ed onesto, potente ed ispirato.

L'album si apre con Claws, livido affresco metal tutto bagliori, chitarre tirate, stoppate e convulse con un chorus magnificamente romantico che non preclude chiaroscurali sospensioni, arpeggi in penombra ed esplosioni noise.
La voce di Vic Kemlicz è forse persino più graffiante e scorticata di quella di Dan Kubinski dei Die Kreuzen.
La seconda traccia, Is That It? lascia intravedere le influenze industrial della band tra le sue ritmiche serrate e le sue geometrie dissonanti.
Surgery riapre scenari decadenti all'interno di suoni oscuri e metallici e ricchi di isterici feedback in un brano che lascia ipotizzare una versione inglese dei Soundgarden.
Girth è la traccia che sancisce un legame con l'hard rock storico britannico.
Pensare ai Led Zeppelin non è però un fuorviante tentativo di far passare i Milk come dei nostalgici, quanto un ribadire che la musica heavy inglese di tutti i tempi ha sempre saputo comprimere un enorme potenziale elettrico, una carica fortissima in toni drammatici e perfino tragici. E chi meglio dei Led Zeppelin, della chitarra esoterica di Page o del teatrale Plant ha saputo far di meglio nell'assecondare quest'idea?
Hot Seat è una delle vette del disco: una cavalcata irruenta, veloce e dissonante; è l'heavy metal che anticipa il post-hardcore senza averne però nessuna cognizione.
Billy and Bobby è l'altro capolavoro: appassionata ed incredibilmente eterea per essere una traccia in cui il batterista Keeler picchia come se stesse scolpendo granito.
Gregor è poco più di un intermezzo di un minuto, la cui unica particolarità consiste nel fatto d'essere una traccia in reverse.
Nella penultima Book One Page One ritornano i Milk più cattivi, dalle impennate quasi voivodiane; ed infine c'è Pyrosulphate, ancora grumi di rabbia e gioia per uno degli album più sottovalutati e dimenticati di quell'eccitante spaccato dei primi nineties britannici.

I Milk, piuttosto che accomodarsi nella retorica grunge o cavalcare l'onda alternative a base di Hüsker Dü, Dinosaur Jr. e Sonic Youth, han preferito realizzare un disco per molti versi più vicino a quanto facevano band quali Helmet e Prong, aggiungendo però fuoco a quelle fredde collisioni post-metal e riuscendo inconsapevolmente anche a superare gli album meno ispirati di questi ultimi. Peccato che a ricordarlo siano rimasti in pochi.

Dead End Kings

Alessandro Mattedi — Thu, 31 Jan 2013 13:40:52 +0000

Voto:

7.0 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Gothic Rock

Alternative Metal

Etichetta:

Peaceville Records

Anno:

2012

Line-Up:

Jonas Renkse – vocals, guitar, keyboards, production, mixing
Anders Nyström – lead guitar, keyboards, backing vocals, production, mixing
Daniel Liljekvist – drums
Per Eriksson – guitar, engineering
Niklas Sandin – bass

Guests:

Silje Wergeland – vocals (track 2)
Frank Default – keyboards
JP Asplund - percussions

Tracklist:

1. The Parting
2. The One You Are Looking for Is Not Here
3. Hypnone
4. The Racing Heart
5. Buildings
6. Leech
7. Ambitions
8. Undo You
9. Lethean
10. First Prayer
11. Dead Letters

Katatonia

Dead End Kings

Dopo tre anni ritornano i Katatonia con il loro nuovo album Dead End Kings, seguito ed ideale proseguimento degli ultimi dischi, Night Is the New Day e The Great Cold Distance, dei quali è emanazione diretta, senza svolte come era anche lecito aspettarsi.

Rispetto all’ultimo, stilisticamente DEK si configura come una sua evoluzione più goth rock e meno metal, soprattutto più slegata da quei marcati elementi doom che ogni tanto tornavano a fare capolino anche in maniera diretta: l’album tende a mettere in secondo piano l'elemento “metallico” (almeno sul piano ritmico e atmosferico) per concentrarsi sul lato soft e “gotico”, a sua volta dal piglio leggermente meno drammatico, più intimista e malinconico. In effetti in alcuni frangenti sembra vengano ripescati certi elementi della parte centrale della carriera del gruppo – ma con l’ottica attuale più disillusa e decadente che depressiva. La differenza principale risiede più che altro nell’economia complessiva della tracklist, con canzoni un po’ più lineari e omogenee, anche se priva dei picchi più emozionanti e diretti.

Eppure l’opening track, The Parting, sembra suggerire qualcosa di diverso, con i suoi riff brucianti intervallati da digressioni melanconiche di tastiera minimale, strings e batteria cadenzata. Ricorda come struttura la precedente opening Forsaker, ma meno funerea. Ma addentrandosi nell’ascolto, con pezzi ben caratterizzati come l’alienante Hypnone, l'introversa ed effettata The Racing Heart (uno dei brani più riusciti ed espressione di un senso di solitudine molto malinconico) o Leech con il suo contrasto dolceamaro fra melodia e oscurità, si percepisce come gli elementi gotici siano più amalgamati e quelli metallici meno marcati e più sfumati. Altri momenti, come il riuscito trip mentale di Undo You, sono totalmente extra-metal, senza però porre le premesse per considerare i Katatonia in fase di “distacco” (analogo a quello di altre formazioni un tempo metal) e mantenendo i legami con il loro retaggio.

Rispetto a TGCD invece, l’eredità maggiore è nei riff corposi e bassi, ma l’attitudine nel songwriting è palesemente più dipendente dagli umori crepuscolari di NITND.
Naturalmente è immediatamente riconoscibile l’impronta del gruppo svedese, con la sua orecchiabilità oscura e la cura certosina riposta negli arrangiamenti, sempre suggestivi, graffianti e molto ben curati. Parte delle atmosfere è merito anche della collaborazione tastieristica di Frank Default, non preminente, ma un ottimo complemento alle sonorità che Renkse (autore di quasi tutte le canzoni dell’album da solo) e Nystrom intendevano evocare. Il ruolo più importante però è proprio quello di Renkse, sempre estremamente emozionale ed espressivo, nonché autore di testi molto vissuti - anche se un po' meno profondi che negli ultimi album e a volte un tantinello prevedibili nelle sensazioni che vorrebbero trasmettere.

Il lato che forse delude un po’ è la mancanza di grossi sussulti, in parte per la mancanza di sorprese (ma questo è accettabile, dopo 20 anni di carriera con già molti cambiamenti affrontati durante il percorso), in parte per l’omogeinizzazione prima menzionata che ha come rovescio della medaglia la tendenza a livellare le canzoni e appiattire i picchi. In particolare, nel tratto finale del disco subentra un pizzico di ripetitività, che però non impedisce allo stesso di essere nel complesso scorrevole e godibile… la chiusura affidata a Dead Letters è d’altronde ben congegnata con il suo altalenarsi di riff rabbiosi e digressioni cupe, riepilogando la tensione psicologica insita nell’album.
Il pezzo più debole è forse l'alternative orecchiabile di The One You Are Looking For Is Not Here (con backing vocals di Silje Wergeland dei Gathering), molto catchy ma un po’ grossolano. Controverso è invece dare un parere su Ambitions, che coniuga durezza decisa e trascinante, atmosfericità molto avvolgente ed elementi elettronici suggestivi, ma minata da una intrinseca banalità nei singoli elementi messi assieme e da un velato ricalco di brani già scritti in passato. Effettivamente, ogni tanto compare un minimo di “dejavù”, come in Lethean, molto incalzante e avvolgente ma che sembra una The Longest Year pt. II; fortunatamente ciò non è mai incisivo.

In definitiva Dead End Kings è un album di per sé ben scritto di un gruppo maturo e spontaneo, anche se rimane comunque un compitino che non segnerà la storia del gruppo.
Porta con sè dei difetti che gli impediscono di risultare uno degli album migliori della loro discografia e di svettare fra le uscite dell’anno, ma rimane certo portatore di quelle caratteristiche che non mancheranno di essere apprezzate da chi gradisce la particolare, personale formula stilistica degli svedesi.

Precisiamo infine una cosa: se è vero che nel corso dell’ultimo decennio i Katatonia hanno avuto qualche influenza (soprattutto sul piano ritmico) dai Tool, si tratta comunque di un elemento ben amalgamato in uno stile molto personale e che (ormai?) non si può tanto estrapolare. Si dovrebbe pertanto prendere con le pinze quei commenti, soprattutto del pubblico metal, che per quest’album citano i Tool un po’ a caso come “ispirazione” dalle modalità non meglio specificate in non meglio precisati punti, perché spesso si tratta più di un “sentito dire” senza tanti chiarimenti e che rischia di sminuire una formazione fondamentalmente del tutto diversa dal progetto di Maynard James Keenan.

Sounds of a Playground Fading

Alessandro Mattedi — Sun, 27 Nov 2011 12:11:00 +0000

Voto:

5.9 / 10

Autore:

Alessandro Mattedi

Genere:

Metalcore

Alternative Metal

Etichetta:

Century Media

Anno:

2011

Line-Up:

Anders Fridén - voce
Björn Gelotte - chitarra
Peter Iwers - basso
Daniel Svensson - batteria, percussioni

Ospiti:

Johannes Bergion - violoncello
Örjan Örnkloo - tastiere, elettronica

Tracklist:

1. Sounds of a Playground Fading
2. Deliver Us
3. All for Me
4. The Puzzle
5. Fear Is the Weakness
6. Where the Dead Ships Dwell
7. The Attic
8. Darker Times
9. Ropes
10. Enter Tragedy
11. Jester's Door
12. A New Dawn
13. Liberation

In Flames

Sounds of a Playground Fading

Dopo una carriera quasi ventennale e il traguardo del decimo album studio (quello della "stella") le aspettative nei confronti di un gruppo musicale sono alte, soprattutto se si tratta di una formazione che ha segnato una scena musicale e fatto discutere nel bene e nel male. Gli In Flames decidono di affrontare la sfida complicandosi un po' la vita: tralasciando il cambio di label dalla storica Nuclear Blast alla Century Media, infatti già da qualche tempo il chitarrista principale (nonché fondatore del gruppo) Jesper Stromblad ha annunciato di aver temporaneamente lasciato il gruppo, ufficialmente per problemi legati all'alcool. Una bella tegola per gli svedesi che si trovano a comporre un disco senza una delle loro principali menti.

Mentre appare bizzarro che ci sia lo stesso nome sopra il primo disco Lunar Strain e quest'ultimo Sounds of a Playground Fading, nonostante nessun musicista suoni su entrambi gli album, i dubbi su cosa possa inventarsi l'ormai quartetto si fanno avanti: lasceranno libero sfogo a Gelotte per quanto riguarda il lato chitarristico, ottenendo probabilmente tecnicismi analoghi a quelli che confezionò per Colony, di modo da sopperire alla mancanza di Stromblad? Oppure questo lato lo riporranno in secondo piano, privilegiando le melodie vocali e le atmosfere di Fridén?

Il titolo già di per sè è emblematico: i suoni di un parcogiochi che svanisce possono essere i ricordi del passato del gruppo, la sua "infanzia", a intendere che ormai dopo molti anni e tante esperienze fatte il periodo degli esordi è solo un ricordo che va affievolendosi, per la musica suonata in sè o forse per le vicissitudini umane (e qui torniamo all'abbandono di Jesper).

Stilisticamente, SOAPF si mantiene sui binari degli ultimi dischi (il che già è una novità visto che gli infiammati sono cambiati spesso in passato, ma in realtà questa volta ce lo aspettavamo un po' tutti che sarebbero rimasti "statici"). Notiamo che viene ancor di più enfatizzato il lato più catchy del suono soprattutto nei ritornelli, mentre le chitarre giocano a intrecciare assoli molto semplici e banalotti, ma anche molto orecchiabili. Certe soluzioni di muri sonori che nel precedente disco si ricollegavano concettualmente a Reroute to Remain, qui sono pure più in evidenzia, ma purtroppo suonano più che altro come pecette su cui far adagiare le melodie vocali di Anders Fridén. Infatti notiamo anche che l'album risulta tendenzialmente monotono e povero di spunti, con davvero pochi riff che catturano l'attenzione e arrangiamenti diluiti probabilmente dalla mancanza stessa di Jesper.
Ciò su cui punta il gruppo sono, in sostanza, pochi refrain d'impatto per dare l'idea di "movimento" seguiti da ritornelli melodici che sono ciò che cattura veramente l'attenzione, ma si tratta di poca roba e ben presto emerge la sensazione che manchi molto, troppo.

Non è questione di mancanza di "cattiveria" o del fatto che le chitarre sono poco aggressive. Anche i Passenger, per citare uno dei side-project di Fridén, erano morbidi e orbitavano soprattutto attorno alle sue idee canore, ma avevano la loro forza in atmosfere introspettive, ritornelli irresistibili, una forma canora invidiabile da parte di Anders e giochi delle chitarre di gran classe con il loro dipingere numerose melodie semplici ma coinvolgenti (merito soprattutto di Niklas Engelin, che gli In Flames hanno chiamato a sostituire Stromblad ma che non ha preso parte alla stesura del disco). SOAPF difetta di tutto questo, abusa di riempitivi e momenti stantii, e perde di carattere dopo poco lasciando che le canzoni cadano nella monotonia di soluzioni. Ciò comporta anche un appiattimento del livello generale dell'album, con pochi picchi.

Ci sono comunque canzoni che svettano (il semplice ma accattivante singolo Deliver Us; la frenetica The Puzzle; l'heavy metal ultra-orecchiabile di Ropes; la power-ballad Liberation), ed altre meno riuscite che però riescono a incuriosire per qualche motivo (Fear Is the Weakness che sembra realizzata con uno di quei programmi per assemblare pezzi "ambient-metal"; la malinconica parentesi soft di The Attic, forse però troppo ripetitiva; Enter Tragedy che ricorda i momenti di Soundtrack to Your Escape più vicini ad un connubio fra "old-style", "modern-style" e spunti industrialoidi; l'ambizosa A New Dawn con refrain maideniani, parentesi emotive ed aperture più swedecore, purtroppo minata da un eccesso di sentimentalismo con tanto di archi smielati). Ma gli elementi di maggior interesse sono alla fine i chorus di Fridén, a metà fra un mezzo-screaming e aperture piacevolmente pop (ma senza eccessivi singulti emozionali come alcuni album fa). Fridén però si limita a svolgere il compitino senza lode e senza infamia, senza guizzi, come fosse ordinaria amministrazione. Anzi, l'intero disco risulta alla fine risulta un esercizio di stile easy-listening composto senza troppa ispirazione.

Sounds of a Playground Fading è senza troppi giri di parole il disco meno creativo ed ispirato del gruppo svedese, come anche il loro album meno personale (nel senso, in cui la loro personalità è meno espressa, per via dell'appiattimento compositivo); quanto ciò dipenda realmente anche dalla dipartita di Stromblad solo loro possono dircelo.

Non gli diamo però una bocciatura pesante, perché in fondo il senso per la melodia tipico degli infiammati, il loro piglio trascinante, fanno ancora parte del loro DNA, e quindi non mancano momenti divertenti e catturanti. Ma si tratta di un divertimento effimero, prima che tutto inizi a suonare addirittura come una raccolta di b-sides del precedente A Sense of Purpose.

Kairos

Corrado Penasso — Thu, 30 Jun 2011 09:00:58 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Thrash Metal

Alternative Metal

Etichetta:

Nuclear Blast

Anno:

2011

Link correlati:

My Space

Line-Up:

Paulo "Destructor" - Bass

Andreas Kisser - Guitars

Derrick Green - Vocals / Guitars (additional)

Jean Dolabella - Drums

Tracklist:

1. Spectrum - 04:03

2. Kairos - 03:37

3. Relentless - 03:36

4. 2011 - 00:30

5. Just One Fix (Ministry cover) - 03:33

6. Dialog - 04:57

7. Mask - 04:31

8. 1433 - 00:31

9. Seethe - 02:27

10. Born Strong - 04:40

11. Embrace the Storm - 03:32

12. 5772 - 00:29

13. No One Will Stand - 03:17

14. Structure Violence (Azzes) - 05:39

15. 4648 - 08:22

Sepultura

Kairos

Dodicesimo album per i brasiliani Sepultura, una volta universalmente conosciuti come una della colonne portanti del death/thrash metal. Dopo un deludente A-Lex, accozzaglia mal riuscita del solito groove metal dalle massicce contaminazioni hardcore, il combo della giungla ci riprova con questo nuovo lavoro dal titolo Kairos e possiamo notare con piacere che alcune cose sono migliorate sotto determinati aspetti.

Parlando in linea generale il sound dei Sepultura sul nuovo platter, esso non si distanzia molto dal solito approccio moderno o “alternativo” al genere, tuttavia molte influenze strizzano l’occhio al passato della band e più precisamente ad un album come Chaos A.D. Un primo assaggio di ciò che ho detto lo si può avere con l’oscura Spectrum, song dall’incedere marziale e dalle atmosfere plumbee. La conferma la si può avere già dalla successiva title-track. Una miscela ben organizzata di groove/thrash mi colpisce piacevolmente e persino la registrazione si avvicina molto al capolavoro del 1993, con chitarre e batteria più secche e meno impastate. Dimenticatevi quindi della confusione dell’album precedente perché qui si denota un netto miglioramento anche dal punto di vista della produzione.

Derrick Green si dimostra sempre un buon cantante, abbastanza versatile e potente. Non avrà il tocco ruvido e malato di Max ai tempi d’oro ma veramente non si può chiedere di più. Altro aspetto da considerare è la presenza meno ossessiva delle influenze tribali, caratteristica abusata sul A-Lex soprattutto durante gli intermezzi strumentali. Delle quindici canzoni presenti su questo disco cerco di descrivere quelle di maggior rilevanza o che in qualche modo possano rappresentare il sound rinnovato dei musicisti. Diciamo che per certi aspetti (il tempo di batteria marziale ed alcune linee vocali in tonalità pulita), canzoni come Relentless oDialog mi hanno riportato in mente la corrente scandinava del death metal moderno, Soilwork e Darkane in primis.

Tra gli episodi più veloci e potenti possiamo citare Mask,Embrace the Storm, Seethe e No One Will Stand; bordate thrash-core che chiamano in causa repentini up-tempo e sfuriate di doppia cassa senza che il groove delle sezioni rallentate sia dimenticato. Altra caratteristica che a mio parare arricchisce l’album e lo rende maggiormente plumbeo sono le raggelanti, dissonanti linee soliste del mitico Kisser. Esse, come ogni fan dei Sepultura ricorda, provengono da lavori come Arise o Chaos A.D. e fa sempre piacere ritrovarle, soprattutto se in dosi giuste, vedi Born Strong. Avvicinandoci alla fine del disco possiamo ancora trovare le atmosfere tribal/industrial a dir poco raggelanti di Structure Violence (Azzes) e gli otto minuti della finale 4648, traccia che nasconde in se la riuscita cover Firestarter dei Prodigy (ad affiancare quella dei Ministry Just One Fix) e l’inedita Point of No Return per un finale dal tetro groove.

Con queste carte in tavola i Sepultura mi hanno piacevolmente sorpreso proprio nel periodo in cui avevo perso qualsiasi speranza. Ovvio che non si può pretendere il capolavoro o l’album alla Beneath the Remains ma viste com’erano le cose fino a qualche anno fa direi che con Kairos c’è da essere felici.

Opiate

Matthias Stepancich — Tue, 07 Jun 2011 20:46:58 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Alternative Rock

Alternative Metal

Etichetta:

Zoo Records

Anno:

1992

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Danny Carey - Drums
Paul D'Amour - Bass
Maynard James Keenan - Vocals
Adam Jones - Guitar

Tracklist:

1. Sweat (3:46)
2. Hush (2:58)
3. Part of Me (3:17)
4. Cold and Ugly (Live) (4:09)
5. Jerk-Off (Live) (4:23)
6. Opiate (+ The Gaping Lotus Experience) (8:28)

Tool

Opiate

I Tool non soltanto sono una delle band ad aver cambiato per sempre i connotati alla musica rock/metal, ma hanno anche percorso lungo la loro carriera una delle evoluzioni stilistiche più stupefacenti di sempre.
Testimonianza evidente di ciò resta il loro debutto discografico, l'EP Opiate, lavoro tanto interessante quanto ruvido e grezzo, in cui tuttavia si possono già individuare, presenti in forma ancora ingenua e giovanile, i germogli che daranno vita ai loro capolavori successivi.

Nel 1990 Maynard James Keenan, Adam Jones e Paul D'Amour si erano trasferiti a Los Angeles, ognuno per cause diverse (Jones ad esempio per sfondare nell'industria del cinema, ed infatti collaborerà a diversi lungometraggi in qualità di creatore di effetti speciali); si incontrano e formano una band, che si completa quando Tom Morello (chitarrista dei nascenti Rage Against the Machine ed ex compagno di scuola di Jones) presenta ai tre il talentuoso batterista Danny Carey.

Tra la primavera e l'estate del 1991, tale quartetto, a nome Tool, registra una demo con 6 tracce (che poi sarà stampata in qualche centinaio di copie nel dicembre dello stesso anno) dal titolo 72826, i cui pezzi finiranno in altre versioni nei lavori ufficiali.
E accade già l'anno successivo che i quattro riescano a trovare un contratto con la Zoo Records e pubblicare l'EP Opiate, che riceve immediatamente molte attenzioni da parte della critica.
Questo breve lavoro presenta ancora quasi nessuna traccia della fusione tra alternative-metal e progressive-rock con influenze esoteriche che li contraddistinguerà in seguito, ma fa già scoprire un gruppo dal notevole potenziale compositivo e artistico, e rivela con chiarezza il terreno musicale da cui proviene la band (lo stesso che servirà da base anche per le evoluzioni future), ovvero il grunge.
Nonostante le prospettive del quartetto siano ancora acerbe, esiste già in Opiate una continua tensione verso la rilettura nettamente autoriale e personale di alternative-rock e grunge; e in particolare è Carey, grazie a delle abilità tecniche già evidenti e superiori agli altri tre, a reggere la baracca ed infilare diversi preziosismi, specie in pezzi dalle ritmiche impazzite come Part of Me (in ciò palesemente influenzati dall'ultimo hard-rock/grunge più imparentato con il prog-rock, ovvero guardando a Soundgarden e Alice in Chains).
Musicalmente si può parlare già di musica post-grunge, ma con qualcosa in più (tecnica, voglia di sperimentare oltre i confini del genere) e qualcosa in meno (svendita al mercato mainstream) rispetto al trend globale in corso. Nel suo intingere la tradizione hard-rock/heavy-metal dentro gli umori dell'underground alternativo, un'altra effettiva parentela si può individuare con i Jane's Addiction di Nothing's Shocking.
Tutti i testi fungono da commentario sociale e psicologico, spesso analizzanti problemi e conflitti generali tramite argute o sarcastiche metafore ispirate dai devastanti monologhi del comico statunitense Bill Hicks.

In particolare, svettano sulle altre due particolari tracce. La prima è Hush, un rock-grunge potentissimo, groovy ed esaltante (cadenzato con un riff letale di chitarra e basso, e squarciato da un memorabile urlo iniziale), che si scaglia con tagliente sarcasmo contro l'etica della censura: "I can't say what I want to, even if I'm not serious [...] People tell me what to say, what to think and what to play [...] Why don't you go fuck yourself?" - testo con cui la band afferma anche in modo schietto ed entusiastico la propria totale autonomia di pensiero; per questo pezzo viene anche girato un video, con i quattro musicisti nudi e imbavagliati (scontati i non pochi successivi problemi di airplay televisivo).
L'altra traccia più degna di nota è invece Opiate, che dà il nome al lavoro; il titolo è ispirato da un noto aforisma di Marx ("la religione è l'oppio dei popoli"), e l'intelligente testo si fa beffe di tutti i fanatismi religiosi americani ("Choices always were a problem for you. What you need is someone strong to guide you. Deaf and blind and dumb and born to follow. What you need is someone strong to guide you... like me"), denuncia l'operato degli imbonitori religiosi, ormai privi di qualsivoglia valore spirituale ma solamente prodotti di un mercato marcio, ed invita a trovare la propria spiritualità dentro se stessi e non attraverso un groviglio di dogmi scritti da altri ("If you want to get your soul to heaven, trust in me. Now don't judge or question" [...] "Jesus Christ, why don't you come save my life? Open my eyes and blind me with your light and your lies"). I minimali tocchi di corde dell'incipit, atmosfericamente paranoici, sfociano in un grunge fluido e catchy, quasi pop, nelle strofe, per poi smuovere la struttura del pezzo con scariche epilettiche, stop-and-go, tensioni psicotiche e dal sapore quasi industriale (in questo aiutate dalla produzione sonora decisamente metallica), per poi terminare riprendendo l'orecchiabilità e il groove.
Mentre la loro capacità melodica si fa comunque notare anche nell'opener Sweat, e la loro ancora timida anima più prog-rock si scatena invece nelle già citate ritmiche dell'imprevedibile Part of Me, completano il quadro le due registrazioni dal vivo (al Jello Loft per il capodanno 1991) di Cold and Ugly e Jerk-Off, dei rock-grunge acidi e più claustrofobici rispetto ai momenti esplosivi del lavoro.

Dopo qualche minuto di silenzio, al minuto 6:06 di Opiate (che è la sesta canzone, componendo così il numero 666) parte la traccia nascosta The Gaping Lotus Experience, un'imitazione ghignante dei viaggi lisergici dello psych-rock, ancora una volta ironica e sbeffeggiatrice della moralità ipocrita dei censori.

Plead the Fifth

admin — Fri, 04 Mar 2011 23:00:00 +0000

Voto:

5.0 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Alternative Metal

Etichetta:

Victory

Anno:

2010

Link correlati:

Taproot website

Line-Up:

- Stephen Richards - voce, chitarra
- Mike DeWolf - chitarra
- Phil Lipscomb - basso
- Nick Fredell - batteria

Tracklist:

1. Now Rise - 3:26
2. Game Over - 3:29
3. Fractured (Everything I Said Was True) - 3:16
4. Release Me - 4:33
5. Stolage - 3:38
6. 911ost - 3:07
7. Trophy WiFi - 3:49
8. Words Don't Mean A Thing - 3:28
9. Left Behind - 3:42
10. No View Is True - 3:38
11. Stares - 4:11

Taproot

Plead the Fifth

Plead the Fifth, prima release dei Taproot per la label Victory e prima release con alle pelli il nuovo drummer Nick Fredell, viene annunciato dal chitarrista Mike DeWolf come un ritorno allo stile di Gift e Welcome; se ciò può forse essere vero per l'approccio chitarristico più heavy rispetto a Our Long Road Home, non vale lo stesso per l'ispirazione delle melodie, la personalità, la capacità di suonare al passo con i tempi, e nemmeno la produzione (che sembra spaventata dal suonare troppo heavy, frenando ogni eccesso sonoro).

Mai come nell'opener Now Rise, i Taproot sono suonati semplicemente come una pallida e smaccata imitazione dei Deftones più heavy, dalla struttura del pezzo alle parti di chitarra all'uso della voce, ma andando avanti con le tracce si scopre che questo resta addirittura uno dei momenti migliori del lavoro.
Game Over e Fractured (Everything I Said Was True) sono power-ballad non ispirate che tentano di scuotere se stesse con qualche sprazzo sonoro nu-metal, Release Me è una versione leggermente più heavy del tipico post-grunge da classifica alla Creed.
911ost e Trophy WiFi sono un rimasticamento di pezzi del passato come So Eager e Lost in the Woods, ma senza lo stesso entusiasmo e la stessa freschezza melodica.
Gli eccessi catchy e melodrammatici delle melodie vocali fanno sembrare Left Behind e No View Is True come episodi usciti dal repertorio dei Breaking Benjamin (non è un complimento), stessa formula anche di Words Don't Mean a Thing, che riesce tuttavia a produrre un chorus abbastanza accattivante senza essere pomposo e corrivo, a differenza delle altre due.
Nelle dilatazioni distorte della finale Stares, con sovrapposizioni di chitarre acustiche e riverberi vocali, risiede forse l'unico momento in cui i quattro tentano effettivamente di fare musica come nel passato, e non di assemblare motivetti pretestuosi pensando a quanto piacerebbero ai teenager.

Quella che nei loro dischi migliori era una fresca e interessante combinazione di nu-metal ed emo-core, ricercante una certa profondità emotiva e rifinita negli arrangiamenti in post-produzione, è ora divenuta solamente la scusa per spingersi verso le sonorità più radiofoniche e plasticose in voga nelle chart (e perfino in ritardo rispetto a molti altri): Plead the Fifth è dunque nella sostanza non un "ritorno" a Gift e Welcome, ma rappresenta invece l'appiattimento, la commercializzazione e la banalizzazione della formula sonora tipica di quegli album.
Un ulteriore passo indietro, non certo avanti, per una band un tempo capace di uscite interessanti, e che ora a quanto pare si è invece auto-declassata preferendo assimilarsi alla categoria dei vari Breaking Benjamin, Staind, Nickelback e affini. Un percorso, insomma, che replica le precedenti parabole in discesa di Chevelle e 30 Seconds to Mars.

Anomia 1

admin — Mon, 21 Feb 2011 23:00:00 +0000

Voto:

8.0 / 10

Autore:

Stefano Pentassuglia

Genere:

Alternative Metal

Etichetta:

Scarlet

Anno:

2007

Link correlati:

Line-Up:

- Lars Carlberg - vocals
- Tomas Eriksson - guitars, backing vocals
- Fredrik "Lillis" Johansson - guitars
- Rickard Larsson - bass, backing vocals
- Erik Wennerholm - drums

Tracklist:

1. Crawl - The Sermons And The Dreams Of John Duncan Thunstall
2. Best Trip
3. The Island Of St. Menée (Beach of The Living Dead)
4. Convert Into
5. Migrating
6. Avert Your Eyes

Bokor

Anomia 1

I Bokor sono una realtà che inconsciamente molti di voi forse desideravano già da tempo. Non esiste onnivoro musicale, probabilmente, che non abbia mai sognato di incontrare in vita sua una band in grado di miscelare con chirurgica precisione le influenze più disparate, che in questo Anomia 1 mette in scena riff di una personalità fuori dal comune con naturalezza ed originalità strettamente non-ordinarie, e che richiama alla mente un minestrone sbalorditivamente "omogeneo" delle band che apprezza di più.

Svedesi, mannaggia. C'è da ambire ad avere in Italia una band così, ma bisogna nuovamente riconoscere che la garanzia regna sovrana in terra scandinava. "Bokor" però non ha nulla di scandinavo, è una parola haitiana che rimanda a una sorta di mago o stregone voodoo (a cui si ispira il testo della terza canzone), che pratica magia malvagia e che si impadronisce del Gros Bon Ange (grande angelo guardiano), una delle due parti di cui è composta l'anima umana, trasformandolo in una specie di "spiritual version" del comune zombie da horror movie di serie B, mantenendolo prima in uno stato dormiente per poi usarlo come schiavo successivamente a corpo rafforzato.
Per stessa ammissione della band è stato il film "Il Serpente e l'Arcobaleno" ad ispirare questa figura per la loro musica, fatto sta che agli addetti ai lavori sembra più che sia la band stessa a compiere magie voodoo, con due bacchette di batteria al posto della bacchetta magica, con un basso, due chitarre e soprattutto una voce che sa farsi strumento e vivere nei brani come raramente accade di ascoltare…

Si parlava di contaminazione tra band. Fin qui tutto ok, ma… quali band? Iniziamo col dire che l'incipit del disco, la botta iniziale, è data da un brano squisitamente Mastodon nel mood e nelle strutture, c'est à dire, quanto di più evoluto possiate aspettarvi dal metal peNsante oggigiorno. Poi tutto si blocca e la voce diventa protagonista, sdoppiandosi e trasformandosi in qualcosa di molto vicino ai System Of A Down d'oro, ma se possibile ancora più calda e trascendente. Sempre con due chitarre che non mollano mai, e accompagnano la voce di Lars Carlberg fino ad uno stato di estasi assoluta, che ripiomba in strutture stralunate, come se gli stessi System Of A Down abbiano deciso di intraprendere una strada più rockeggiante, post-coreggiante e stranamente, più estrema.
Crawl è tutto questo. E l'influenza System si fa palpabile anche nel successivo momento di calma eterea che riesce a calmare i sensi e ad eccitarli contemporaneamente e se no è questa una dimostrazione vera di Classe & Talento, ditemi voi cosa lo è. Mistica.
La successiva Best Trip conferma l'idea. Ci potrei sguazzare nel suo riff d'apertura, e in quella splendida chiusura del riff che da anni avrei voluto ascoltare e solo a ridosso del 2007 è stata composta. Groove impressionante. E la canzone va avanti senza lasciare fiato, con un intermezzo simil-pop, per poi sfociare in riffoni hard rock sapientemente dosati con una maestria che, ahimé, farebbe l'invidia a molti mostri sacri pantofolai… e l'assolo finale condisce a puntino il tutto.
The Island parte di attacco hard rock purissimo per ritornare ai SOAD, con l'inconfondibile timbro nasale, e con un ritornello che scalda il cuore e vi basti sapere questo prima di ascoltarlo. E poi che succede? Impazziscono. Prepotentemente i Mastodon si riaffacciano sulla scena, con una chiusura del pezzo che definirei liturgica. Altro che voodoo. Le chitarre giocano ad acchiapparello ed entriamo nell'area più sperimentale del post-hardcore moderno.
La successiva Covert Intro è spiazzante e meravigliosa, gente. Inizio pacato e spirituale con cori ancestrali, la chitarra stessa si fa "ammaliante" e "sensuale". Un soffio del ritornello si perde nei ritmi tribali ed orientaleggianti del pezzo, con la voce di Lars ancella del dolore. Ma poi ritorna quel ritornello, uno dei migliori mai ascoltati da molto tempo a questa parte, dolce, romantico, una carezza all'anima. Da lacrime, mentre la voce di Lars si contorce e si butta in un attacco stile Rob Flynn nei Machine Head dell'ultimo album, ma molto più drammatici, e poi impazziscono richiamando gli onnipresenti Mastodon.

Ma come non vedere l'ombra dei Tool in tutto questo? Non è solo a Serj Tankian che Lars si rifà, ma soprattutto al buon vecchio Maynard… stesso dicasi per l'avvolgimento sonoro di certi passi chitarristici. Goduria pura, che sia strumentale o cantata. E alla fine del pezzo Lars ansima prima dell'assolone finale. Anche il fantasma degli Opeth aleggia in tutto questo, contateci…
Migration è la botta quasi-finale, una suite di 15 minuti tra andirivieni di chitarre ambient e ci ritornano alla mente i '70, il prog dei Genesis, la psichedelia dei Pink Floyd, i Porcupine Tree... liturgici, ancestrali, meravigliosi. Il pezzo continua su livelli altissimi ed esplode nel finale, con un attacco che distrugge ogni cosa e con la comparsa di un growl accompagnato dal pulito di Lars, prima di un riff finale ossessivo e opprimente che avvolge dolcemente.
Con l'ultima Avert Your Eyes si ritorna a picchiare duro, la canzone in assoluto più vicina ai Tool di tutto disco probabilmente, un andirivieni di chitarre dal piglio devastante ed è difficile uscirne tutti interi.

Anomia 1 lascia confusi e incerti e ci si chiede come sia stato possibile un debutto così. Gente, parliamo del primo album e sembra che prima ce ne siano stati altri dieci a precederlo tanta è la carne messa al fuoco, la classe e la maestria compositiva. Si tratta di un album speciale, un bijoux. Non importa definirlo in qualche modo, va ascoltato almeno una volta nella vita, con attenzione, e così come i nostri genitori più rockettari rispolverano ogni tanto i vecchi vinili dei Rolling Stones, così un giorno potremo dire ai nostri figli "quando avevo la tua età esisteva un gruppo chiamato Bokor… ".

A-Lex

admin — Thu, 02 Dec 2010 23:00:00 +0000

Voto:

4.0 / 10

Autore:

Corrado Penasso

Genere:

Alternative Metal

Etichetta:

SPV

Anno:

2009

Link correlati:

My Space

Line-Up:

- Derrick Green - vocals
- Andreas Kisser - guitar
- Paulo Jr. - bass
- Jean Dolabella - drums

Tracklist:

1. A-Lex I 01:54
2. Moloko Mesto 02:09
3. Filthy Rot 02:46
4. We've Lost You 04:15
5. What I do! 02:01
6. A-Lex II 02:18
7. The Treatment 03:24
8. Metamorphosis 03:02
9. Sadistic Values 06:51
10. Forceful Behavior 02:28
11. Conform 01:54
12. A-Lex III 02:03
13. The Experiment 03:28
14. Strike 03:41
15. Enough Said 01:37
16. Ludwig Van 05:30
17. A-Lex IV 02:46
18. Paradox 02:16

Sepultura

A-Lex

Un concept basato sul romanzo politico di Anthony Burgess dal titolo “Arancia Meccanica”, uscito originariamente nel 1962 e oggetto di rivisitazione sotto forma di film da parte del grande Stanley Kubrick. Questo è A-Lex, undicesimo album da parte dei Sepultura, a tre anni di distanza dal precedente Dante XXI, anch’esso concept album, ma basato su L’Inferno di Dante.

Il nuovo pargolo in casa Sepultura si distingue per una particolarità: è il primo album senza nessun Cavalera nella line-up, siccome anche il drummer Igor raggiunse il fratello Max nei Cavalera Conspiracy subito dopo le registrazioni di Dante XXI. Quindi, di membro originale sin dal lontano 1984 rimane Paulo Jr al basso, accompagnato dal fido Andreas Kisser, il secondo per anzianità. Il posto vacante dietro le pelli viene preso Jean Dolabella, mentre alla voce ritroviamo l’ormai navigato Derrick Green, stabile nella line-up dal 1997.

Questo nuovo lavoro potrebbe trarre in inganno ad una prima occhiata veloce perché l’artwork rimanda al periodo di Arise o Chaos A.D. ed il logo adottato anch’esso è legato ad un passato neanche troppo distante. Insomma, se dal punto di vista meramente estetico A-Lex avrebbe tutte le carte in regola per un tuffo nel passato, musicalmente invece la solfa è sempre la stessa. Ci troviamo ancora una volta a sorbirci massicce dosi di groove/hardcore tribalizzato senza né capo né coda. Le diciotto tracce presenti sono brevi, sfuggevoli e mal sviluppate perché non danno quell’idea di continuità che un concept album dovrebbe possedere anche dal punto di vista musicale, oltre che lirico. Dal punto di vista metrico, i tempi sono abbastanza vari e le composizioni si susseguono annoverando diversi cambi, anche se ciò é da considerarsi nella totalità del lavoro, non sicuramente se si analizzano le strutture delle singole composizioni, ovvero elementari e mal sviluppate.

La registrazione è abbastanza caotica ed i suoni impastati come raramente si era sentito prima. Già in occasione della veloce Moloko Mesto si comprendono tutti i limiti di una tale produzione, con un Derrick Green sì brutale ma anche dalla voce quasi filtrata ed artificiale. Come si diceva in precedenza, le strutture sono lineari e ridotte ai minimi termini mentre i soli cambiamenti sono dettati dall’entrata delle influenze tribali, le quali sporadicamente invadono le canzoni. Terribilmente scontati gli episodi groove che viaggiano su tempi medi ed a tal proposito citerei in particolare Filthy Rot, We’ve Lost You, Strike e The Experiment, ove alcune vocals tipiche del rap danno il colpo finale. Ad ogni modo anche gli episodi più tirati di sicuro non brillano per qualità e basterebbe ascoltare The Treatment o Forceful Behaviour per comprendere come ormai i Sepultura non siano più quella band capace di farci esaltare tanti anni fa.

È vero, in questi casi è difficilissimo per il sottoscritto pronunciare ancora il loro nome in occasione delle ultime uscite perché per quanto mi riguarda il combo Brasiliano cessò di esistere tanto tempo fa. Penso anche di non essere l’unico a pensare determinate cose ed un motivo ci sarà. Probabilmente sarà anche la mia totale avversione al genere, tuttavia tra i miei ascolti passati non sono mai mancati quelli che in qualche modo si rifacevano a tali sonorità ed il mio pensiero non è mai stato così negativo. La bolgia sonora operato su questo nuovo A-Lex è qualcosa di agghiacciante ed i pochissimi episodi salvabili dell’album di sicuro non potranno salvare una band che sempre più in fretta si sta conquistando l’oblio quando una volta guardava tanta gente dalla punta dell’Olimpo del death/thrash.

L’ora di cambiare nome al gruppo è arrivata da un bel pezzo ormai, ma si sa che il mercato musicale è crudele e sicuramente con un nuovo monicker la strada diventerebbe in salita, più di quanto non lo sia già per un gruppo ormai incapace di suonare musica intelligente. E qualcuno è ancora capace di additare lavori come Morbid Visions e Bestial Devastation come quelli più immaturi in una discografia altrimenti esaltante. Misteri.

In Due Time

admin — Sun, 10 Oct 2010 22:00:00 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Alternative Metal

Etichetta:

Wind-up

Anno:

2004

Link correlati:

Official website

Line-Up:

Donald Carpenter - voce, pianoforte
Eric Friedman - chitarra, cori
TJ Davis - chitarra
Kelan Luker - basso
Garrett Whitlock - batteria

Tracklist:

1. Complicated
2. Dripping
3. You Run
4. Divide the Hate
5. Unconcerned
6. Deny Me
7. Broken Man
8. Flicker
9. The Piano Song
10. Leave
11. Come to Me

Submersed

In Due Time

Band che in Europa non ha fatto quasi per niente parlare di sé, i Submersed si formano nel 2000 a Stephenville, in Texas, dall'unione di Donald Carpenter (voce e pianoforte), Eric Friedman (chitarra e cori), TJ Davis (chitarra), Kelan Luker (basso) e Garrett Whitlock (batteria).
In Due Time, loro debutto, esce nel 2004 per la semisconosciuta Wind-up, e li presenta come una delle band del filone cosiddetto "christian rock" proliferato negli USA in particolare dopo il trauma dell'11 settembre 2001.

La band si accoda alla già lunga serie di artisti alternative-metal che stanno tentando di costruire nuove formule più pop e radio-friendly a partire dagli stereotipi di post-grunge, hard-rock e nu-metal.
Il quintetto ha, sostanzialmente, quattro grosse influenze. La prima, per altro dominante sulle altre, sono i Creed: da una parte la cosa è volontaria, Carpenter in alcuni episodi ricalca il timbro vocale di Stapp (il quale a sua volta ricalca Vedder), mentre la musica spesso appare una fusione di grunge e heavy-metal in chiave radio-friendly, come dunque i Creed facevano; dall'altra parte è invece involontaria, dato che il sound dei Creed pervade in ogni caso le tracce per il semplice motivo che Scott Philips e Mark Tremonti (entrambi ex Creed e poi Alter Bridge) hanno influenzato pesantemente la realizzazione del disco (Philips vi suona alcune parti di batteria, Tremonti produce l'album e vi suona alcune parti di chitarra).
La seconda influenza sono i Chevelle, probabilmente i primi a suonare un simile ibrido tra post-grunge e nu-metal, e i Submersed in fondo si orientano verso una variante personalizzata della stessa idea.
La terza influenza sono i primi A Perfect Circle, anch'essi tra gli alfieri di un nuovo alternative-rock fondato sul post-grunge, che non ha evidentemente lasciato indifferenti i cinque texani: diverse parti di chitarra e melodie vocali suonano ispirate da un album come Mer De Noms.
La quarta influenza è la scena di Seattle: potrebbe sembrare che i Submersed siano vicini solamente ai Creed e quindi di conseguenza ai Pearl Jam (perché i Creed in fondo non hanno fatto altro che suonarne una loro variante), ma Davis e Carpenter dimostrano in molti punti (come ad esempio l'opener Hollow) di saper assimilare e rimasticare in salsa radio-friendly anche qualcosa dei Soundgarden.

In Due Time si apre con cinque pezzi sognanti e dalle melodie catchy ultra-dirette: Hollow, To Peace e la title-track sono le più fresche, trascinanti e memorabili, mentre Dripping e Flicker suonano più soft e addolcite, due perfetti esempi di aggiornamento della classica ballad hard-rock all'era dell'emo-core.
La parte non convincente del disco è rappresentata dalle centrali Parallelism e Deny Me, sostanzialmente dei plagi ai Creed, ma di poco riesce a sollevarsi la qualità complessiva con la power-ballad You Run (pericolosamente vicina ai Nickelback) e la più potente Divide the Hate, pezzi che conducono verso un più convincente finale, costituito da Piano Song e Unconcerned.
Nel complesso, il disco è un'uscita non memorabile, ma tutto sommato positiva. Le influenze citate sono presenti e più che riconoscibili, ma l'album nella maggior parte degli episodi trasmette una sua personalità e voglia di comunicare (i testi tentano difatti un approccio "positivo" e "saggio" più che spirituale, avvicinandosi se non abbracciando del tutto lo stesso pubblico che aveva portato al successo i P.O.D.); la voce di Carpenter emerge comunque come la differenza nella formula, grazie ai passaggi in cui si sposa in maniera azzeccata alle parti chitarristiche cercando sempre un contrappunto emotivo, riuscendo ad ammaliare particolarmente in Hollow.
L'uscita, nonostante anni luce inferiore ai dischi più creativi del grunge di Seattle e della tradizione alternative-metal in generale, mescola alternative-rock, hard-rock, nu-metal e post-grunge in una maniera che all'uscita riesce a suonare ancora un minimo fresca, e la maturità tecnico-stilistica (seppur aiutata da Philips e Tremonti) dei singoli componenti contribuisce ad elevarli al di sopra di molti gruppi a loro contemporanei (ad esempio i Crossfade, uno dei tanti dal sound simile).

I Submersed pubblicheranno ancora un album, il deludente Immortal Verses (Wind-up, 2007), senza più Friedman, per poi sciogliersi nel 2008.

QUORE - Hidalgo Picaresco

admin — Wed, 28 Jul 2010 22:00:00 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Emanuele Pavia

Genere:

Alternative Metal

Etichetta:

Vacation House Records

Anno:

2010

Link correlati:

Codeina @ MySpace.com

Line-Up:

- Mattia - Chitarra, Voce
- Emanuele - Basso, Cori
- Emiliano - Batteria

Tracklist:

1. Ridi Pagliaccio
2. Quore
3. E' Tutto Grasso Che Cola
4. Carnivali E.
5. Piorrea
6. La Eco
7. Lasa Con Codeina
8. Peristalsi
9. Vitupera
10. Tesla Vs. Marconi

Codeina

QUORE - Hidalgo Picaresco

È con questo album che i Codeina, band italiana formatasi nei pressi di Milano nel 1998, dopo oltre un decennio di gavetta passato a suonare cover in vari locali registrando del materiale solamente per una demo del 2004, debuttano con il loro primo full-length, intitolato QUORE - Hidalgo Picaresco.

In questa uscita, il power trio milanese sfoggia un sound pesante, con muri sonori chitarristici che strizzano l'occhio prevalentemente allo stoner dei Kyuss (ma si avvertono anche accenni allo sludge in qualche passaggio), alternato a parentesi più melodiche e vicine al panorama alternativo, con momenti debitori di acts quali i Tool, soprattutto per quanto riguarda le linee di basso. Ciò non toglie che il lavoro fatto in quest'album non sia una mera accozzaglia di influenze: i Codeina infatti sono capaci di rielaborarle in un modo personale, dando alla luce dieci brani ben suonati e convincenti, seppur di tanto in tanto l'ascoltatore possa provare una sensazione di già sentito.

Il disco si apre quindi con la bella Ridi Pagliaccio, in cui si notano subito le influenze stoner della band: da un'intro di feedback acustico si arriva a un brano energico e pesante, dove i muri sonori della chitarra quasi soffocano la voce del cantante Matteo rendendo difficile l'interpretazione del testo, mentre la base ritmica svolge ottimamente il suo lavoro. È anche doveroso fare un plauso alla produzione, che seppur non valorizzi tanto la voce nei momenti più stoner, permette l'ascolto ottimale di tutti e tre gli strumenti per tutta la durata del disco.
Dopo l'opener è la volta di una più cadenzata, almeno per quanto riguarda la prima parte, title-track, il cui ritmo ricorda quasi i Black Sabbath, mentre nella seconda metà si evolve in un brano molto più confusionario sulla scia del pezzo precedente, senza risultare però particolarmente memorabile. Al contrario con E' Tutto Grasso Che Cola si favoriscono le influenze alternative e l'aspetto melodico del trio, che si cimenta in un brano dai riff accattivanti seppur un po' ripetitivi alla lunga.
La successiva Carnevali E. è uno degli apici del platter: caratterizzata da uno stile molto più vicino a quello dei Tool, è un brano ben suonato che si distingue per alcuni degli arrangiamenti più interessanti del disco, che permettono al pezzo di non annoiare l'ascoltatore per tutti i suoi cinque minuti di durata.
Dopo la breve sfuriata più hardcore e furiosa di Piorrea si giunge così a un altro brano che si distingue particolarmente, ovvero la power ballad malinconica e sognante La Eco.
Successivamente è la volta di Lasa Con Codeina, che però non aggiunge molto alle tracce più energiche precedenti, nonostante mostri alcuni spunti notevoli come la sezione solistica nel finale; seguono sulla stessa scia anche Peristalsi e Vitupera, per poi lasciare spazio alla strumentale che conclude il disco, Tesla Vs. Marconi, dalle interessanti influenze math, aperta e chiusa da inquietanti rumori elettrici.

QUORE - Hidalgo Picaresco è dunque un disco molto omogeneo stilisticamente, che rappresenta un buon biglietto da visita di questa band che ha dimostrato di avere delle buone potenzialità, seppur in questo lavoro non siano sfruttate pienamente come dimostrano alcuni brani con poco carattere, soprattutto nella seconda metà dell'album. In ogni caso, il tutto risulta ampiamente godibile e interessante, e fa ben sperare per il futuro dei Codeina.

Behind the Blackest Tears

admin — Wed, 09 Jun 2010 22:00:00 +0000

Voto:

7.5 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Alternative Metal

Etichetta:

Relapse Records

Anno:

2010

Link correlati:

Kingdom Of Sorrow @ MySpace.com

Line-Up:

- Jamey Jasta - voce
- Kirk Windstein - chitarra, voce
- Steve Gibb - chitarra
- Matthew Brunson - basso
- Derek Kershwill - batteria

Tracklist:

1. Enlightened To Extinction (03:47)
2. God’s Law In The Devil’s Land (03:56)
3. Monuments Of Ash (03:34)
4. Behind The Blackest Tears (03:08)
5. Envision The Divide (03:12)
6. From Heroes To Dust (03:46)
7. Along The Path To Ruin (04:07)
8. With Barely A Breath (03:42)
9. The Death We Owe (03:46)
10. Sleeping Beast (02:34)
11. Torchlight Procession (02:57)
12. Salvation Denied (02:08)

Kingdom of Sorrow

Behind the Blackest Tears

I Kingdom Of Sorrow nascono nel 2005 per volontà di James Jasta, front man della mosh core band Hatebreed, e Kirk Windstein, leader delle formazioni sludge metal che rispondono ai nomi di Crowbar e Down: il frutto di un’amicizia decennale, di una stima professionale reciproca e solida al punto tale, prima, da condividere il palco in occasione di qualche sporadico concerto nordamericano, poi da organizzare insieme un tour britannico, occasione propizia per gettare le fondamenta di un progetto parallelo che riesca a fondere i gusti musicali di entrambi i suoi ideatori ed artefici con il loro personale background artistico. Nonostante la lunga e complicata gestazione, dovuta essenzialmente agli impegni di entrambi con i rispettivi main projects (nel 2006 gli Hatebreed pubblicano l’egregio Supremacy, un anno dopo i Down fanno ritorno sul mercato discografico, dopo ben 5 anni di assenza ingiustificata, con Down III: Over The Under), il debutto ufficiale dei Kingdom Of Sorrow vede la luce nel 2008, per la Relapse Records, ottenendo consensi generalmente positivi ma, nel complesso, tutt’altro eccelsi: come sempre accade, infatti, le aspettative alimentate dalla grandezza e dalla notorietà dei nomi coinvolti finiscono per far sottovalutare grandemente lavori senz’altro solidi e genuini ma evidentemente non all’altezza dei capolavori paventati ed auspicati, trascurando naturalmente una considerazione fondamentale, ovvero il tempo necessario ed imprescindibile all’amalgama tecnica e stilistica di musicisti dalle radici umane e tecniche distanti o, comunque, differenti.

Posto che il debutto assoluto va quindi osservato con attenta indulgenza, è chiaro che la seconda release risulta decisamente più interessante e significativa per riuscire a individuare e comprendere la natura, le dimensioni e le prospettive della band in questione. Behind The Blackest Tears, questo il titolo del secondo capitolo discografico dei nostri Kingdom Of Sorrow, è la più chiara dimostrazione di come tempo e dedizione, accrescendo la conoscenza professionale e consentendo di sviluppare al meglio la conseguente e necessaria intesa, possano far svoltare anche progetti mal nati o pregiudicati da un’eccessiva fretta. In sostanza, il seguito dell’omonimo debutto Kingdom Of Sorrow è un lavoro estremamente compatto e pesante, che abbina la carica esplosiva del mosh core di James Jasta, già fortemente metallico e tagliente di suo, alle atmosfere soffocanti e cupe dello sludge metal di Kirk Windstein, che si rivela chitarrista tutt’altro che geniale ma certamente esperto e preparato. L’accurata interazione fra questi due mondi, vale a dire (in massima sintesi) sludge metal e moshcore, produce risultati di discreto valore, talvolta persino sorprendenti per impatto emotivo e credibilità del progetto, trascinato dal profondo convincimento (e coinvolgimento) dei suoi artefici, ben più saldo e appagante rispetto allo zoppicante (?) esordio; soprattutto, stupisce come, nella più totale sovrabbondanza di produzioni metal di scarsa personalità, i Kingdom Of Sorrow riescano comunque a collocarsi in maniera, piaccia o no, ben individuabile e riconoscibile, che rende soprattutto merito ad una sensibile maturazione collettiva. L’altro elemento che maggiormente sorprende, lasciando interdetti in prima istanza ma imponendosi con crescente soddisfazione nel corso degli ascolti, è la scelta di non ricorrere ad eccessivi artifici elettronici, ritocchi scenografici di gusto più o meno discutibile: Kirk Windstein e la sua crew danno vita a linee melodiche estremamente lineari per mezzo di un sound quasi minimalista, in cui tutti gli strumenti adoperati si distinguono e si riconoscono, per nulla mascherati dalle consuete produzioni plastificate. Questa ruvidità, all’inizio stridente ma capace di trasudare fascino e genuinità nel prosieguo, è un altro indizio in favore del carattere estremamente reticente di quest’album, la cui solidità, la cui efficacia, il cui entusiasmo trapelano in maniera progressiva, ma con inquieta lentezza, soltanto dopo numerosi e impegnativi passaggi nel lettore.

Ovviamente Behind The Blackest Tears è un disco dal taglio squisitamente moderno, che richiamerà l’immediata attenzione dei fans dei 2 leader e fondatori (e delle rispettive band, ovvero Hatebreed e Crowbar) ma anche, ne siamo certi, di quanti non disdegnano un metal arcigno, oscuro, che si agiti fra il groove più dinamico e travolgente ed il buio, scricchiolante e fraterno, dello sludge, che si nutra costantemente della ferocia furente del moshcore (e pure dell’hardcore nudo e crudo) ed evochi, al contempo, l’hard rock statuario e voluttuoso dei Black Sabbath. Sebbene non si possa certamente parlare di capolavoro, è evidente lo stesso come i Kingdom Of Sorrow abbiano pubblicato un lavoro di grande saldezza e di buona levatura, che apre loro le porte di un avvenire decisamente luminoso e che smentisce del tutto, con assoluta fermezza, i tanti giudizi poco lusinghieri (ma, alla sentenza dei posteri, altrettanto frettolosi) espressi in occasione dell’omonimo debutto.

Diamond Eyes

admin — Tue, 01 Jun 2010 22:00:00 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Matthias Stepancich

Genere:

Alternative Metal

Etichetta:

Reprise/Warner Bros.

Anno:

2010

Link correlati:

Deftones official website

Line-Up:

Stephen Carpenter – chitarre
Abe Cunningham – batteria
Frank Delgado – tastiere, sampling
Chino Moreno – voce, chitarre
Sergio Vega – basso

Tracklist:

1. Diamond Eyes – 3:08
2. Royal – 3:32
3. CMND/CTRL – 2:25
4. You've Seen the Butcher – 3:31
5. Beauty School – 4:47
6. Prince – 3:36
7. Rocket Skates – 4:14
8. Sextape – 4:01
9. Risk – 3:38
10. 976–EVIL – 4:32
11. This Place Is Death – 3:48

Deftones

Diamond Eyes

La maggior disgrazia nella carriera dei Deftones è avvenuta nel novembre 2008, quando il bassista Chi Cheng è rimasto vittima di un incidente stradale che l'ha ridotto in stato minimamente cosciente.
Già dal 2007, la band aveva iniziato, assieme al produttore Terry Date, a registrare un nuovo disco dal titolo Eros, che nei progetti avrebbe dovuto essere cupo, atmosferico e aggressivo. Dopo l'incidente, i Deftones hanno deciso di posticiparne indefinitivamente l'uscita, e registrare daccapo un nuovo disco assieme al sostituto bassista Sergio Vega (un tempo nella band post-hardcore Quicksand, e già entrato temporaneamente nei Deftones nel 1998).
L'album, prodotto da Nick Raskulinecz e intitolato Diamond Eyes, viene registrato nel 2009 e pubblicato nel maggio 2010 per la Reprise/Warner Bros.

Il disco è stato palesemente creato ben più in fretta rispetto alle scorse release, e la conferma arriva non solo dalla struttura piuttosto prevedibile e ripetuta dei pezzi, ma anche dal sound maggiormente scarno e spoglio, sia nei momenti più duri (che non arrivano ai livelli del wall of sound sfoderato nell'album omonimo) che in quelli più emotivi (che non presentano il certosino lavoro di stratificazioni di Saturday Night Wrist). Oltre a ciò, sembrano mancare anche delle melodie effettivamente memorabili, fino a questo momento sempre state presenti negli album del gruppo. Il difetto principale, comunque, è che l'album non dà la sensazione di aggiungere qualcosa allo stile e al repertorio dei Deftones, come invece avevano fatto i precedenti: ogni traccia rimanda ad un modello eretto e perfezionato in precedenza, con rarissime e solo parziali eccezioni.
Sarà infatti anche piacevole ritrovare la furia metal della band nelle prime tracce in apertura, ma è innegabile che ad esempio il sound di Royal provenga da pezzi di Around the Fur come Lhabia e Rickets; e proseguendo, incontrando i consueti episodi meno violenti, si riconoscerà nelle power-ballad sognanti e avvolgenti Beauty School e Risk (la prima, in ogni caso tra i pezzi migliori, con anche arpeggio post-rock) il tipico stile delle power-ballad già presenti in Saturday Night Wrist, come Beware e Cherry Waves; o ancora, nella più distorta e comunque ispirata Prince, sarà facile notare la somiglianza con le strofe di RX Queen (da White Pony), battito sintetico e sincopato e annesso giro di basso riverberato con incastonamento pari pari della melodia vocale, almeno sino all'esplosione dell'acuto di Chino sul fondale che mixa distorsioni e arpeggi dilatati, che ritaglia una buona accoppiata bridge-chorus.
Altrove ci si avvicina anche pericolosamente alla non esaltante imitazione altrui, ad esempio nella scontata title-track (messa anche in apertura, scelta non molto condivisibile), su cui c'è poco da dire, strofa con semplice riff sincopato di diretta derivazione Helmet (o Korn), e chorus dalla melodia che un tempo ci si sarebbe aspettati più dagli Ill Niño che dai Deftones.
Fortunatamente sono presenti anche episodi più validi: le strofe scandite in voce acuta sputante rabbia su riff abrasivo e battito secco in CMND/CTRL sono accoppiate ad un fondale sonoro drone-noise, tanto da farle sembrare il sogno metal proibito di una band electroclash; You've Seen the Butcher rallenta ritmica e riffing, affogandoli in una progressione paludosa a cui fanno da contrappunto le note sostenute dalla voce di Chino; il singolo di lancio Rocket Skates, pur nella sua semplicità strutturale, fa perno su di un chorus catchy che non solo entra facilmente in testa, ma gioca anche su di un indovinato e imprevisto stacco ritmico; la rockeggiante power-ballad 976–EVIL scova la propria forza nelle aperture melodiche, con annessi falsetti, della voce di Chino, che riescono a costruire alcuni dei momenti migliori del disco.
Completano il quadro un paio di tracce ascoltabili ma tutto sommato piuttosto anonime, ovvero la ballad Sextape (una sorta di incrocio tra Teenager e una band emo-core ispirata, tipo Finch), e la power-ballad ultra-distorta ma non abbastanza graffiante This Place Is Death, che chiude il disco su toni smorzati rispetto ai pezzi che l'hanno preceduta.

In buona sostanza, chi pensava di ritrovare i Deftones più ammorbiditi con il passare del tempo (seguendo in parabola lo stacco avvenuto tra l'omonimo e Saturday Night Wrist) rimarrà felicemente sorpreso di sentirli nuovamente sprigionare una sana dose di potenza e cattiveria più vicina allo stile del periodo 1997-2003, ma il tutto è avvenuto al prezzo di aver scarnificato parecchio la loro ricorrente complessità sonora, solitamente ben più ricca di variazioni, con un occhio di riguardo alle atmosfere oniriche, e spesso forte di melodie incredibili, che qui paiono, a voler essere buoni, eccessivamente ben nascoste.
Inoltre, come già anticipato, il disco non segna un netto passo evolutivo nella medesima misura dei suoi predecessori, ma sembra più che altro un assemblamento e consolidamento di idee già belle che sperimentate, messe assieme un po' sottotono: un lavoro diligente, muscolare, di mestiere, senza crolli qualitativi, ma certo non uno dei vertici nella carriera di quest'ottima band.

Cold Day Memory

admin — Thu, 22 Apr 2010 22:00:00 +0000

Voto:

6.5 / 10

Autore:

Damiano Cembali

Genere:

Alternative Metal

Etichetta:

Asylum Records

Anno:

2010

Link correlati:

Sevendust @ MySpace.com

Line-Up:

:
- Lajon Witherspoon – lead vocals
- Clint Lowery – guitar, backing vocals
- John Connolly – guitar, backing vocals
- Vincent Hornsby – bass
- Morgan Rose – drums, percussion, backing vocals

Tracklist:

:
01. Splinter (3:54)
02. Forever (3:26)
03. Unraveling (3:58)
04. Last Breath (3:48)
05. Karma (3:52)
06. Ride Insane (3:15)
07. Confessions (Without Faith) (4:06)
08. Nowhere (3:29)
09. Here and Now (4:07)
10. The End Is Coming (4:34)
11. Better Place (4:21)
12. Strong Arm Broken (3:39)

Sevendust

Cold Day Memory

Ci eravamo illusi che Chapter VII : Hope And Sorrow avrebbe segnato, in qualche modo, una svolta decisiva, il primo passo per abbandonare lo stereotipato alt metal americano e volgersi a dimensioni musicali meno ovvie e banali. Avevamo creduto ai loro buoni propositi, testimoniati dalle prestigiose collaborazioni ad opera di Myles Kennedy e Mark Tremonti, voce e mente degli inarrivabili Alter Bridge. Ci eravamo quasi convinti che forse, dopo i gloriosi fasti degli esordi ed i clamorosi passi falsi costituiti da Next ed Alpha, completamente fuori misura e fuori controllo, ci avrebbero finalmente restituito parte della loro grazia primitiva, reinverdendo un sound inariditosi uscita dopo uscita. La considerazione che accompagna i primi ascolti di Cold Day Memory, ottavo capitolo discografico dei Sevendust nonché primo dopo l’atteso ritorno dell’esule Clint Lowery alla chitarra, è una versione edulcorata dell’esatto opposto di quanto appena detto: ci troviamo di fronte, infatti, ad un netto passo indietro rispetto al suo coraggioso predecessore, che, seppur timidamente, aveva saputo infondere nuova linfa vitale al robusto tronco di Animosity, inaugurando una nuova stagione musicale ben più teatrale e articolata, pur sempre nella sua immutata semplicità. La formazione statunitense capitanata dal vocalist coloured Lajon Witherspoon, anziché procedere in questa interessante direzione, si ripropone all’attenzione dei suoi fans con un album piuttosto prevedibile, una sorta di rielaborazione, l’ennesima, di un sound perfettamente consolidatosi dopo oltre 10 anni di carriera letteralmente trascorsi “a fare solo quello”: soliti riffs stoppati, solita propensione rock, solite clean vocals calde e pastose come solo i cantori del continente nero riescono a produrre, insomma solito nu/alt metal radiofriendly e easy listening tipicamente american style.

Potremmo concludere qui la nostra analisi che il profilo tracciato avrebbe perfettamente focalizzato tutti gli elementi chiavi di questa più o meno attesa release: difficile, infatti, individuare brani più o meno significativi per un eventuale approfondimento, quando è proprio la compattezza, o la monotonia, complessiva ad essere contemporaneamente croce e delizia di un lavoro che lascerà del tutto indifferenti quanti già non avevano nulla da chiedere ai Sevendust e che invece farà letteralmente entusiasmare quanti, invece, li hanno sempre seguiti ed apprezzati. Proprio questo è forse l’aspetto più gratificante di Cold Day Memory, vale a dire che, a differenza di tanti altri lavori ugualmente clonati ma drammaticamente mosci, apatici, persino faticosi (come il loro stesso Next), quello in questione mantiene una discreta fluidità ed impressiona per una facilità d’ascolto che davvero può essere ricondotta, con tutte le necessarie premure che le circostanze impongono, ai primi passi discografici dei Sevendust. Lo stesso Chapter VII, nonostante i sopracitati progressi stilistici, mostrava il fianco ad una certa congenita pesantezza, frutto di scelte ritmiche piuttosto fragili, di linee melodiche inconcludenti o, peggio, di arricchimenti inutilmente pomposi e prolissi. Al contrario, la tracklist di Cold Day Memory, pur non riservandoci mai momenti davvero memorabili, scorre via con leggerezza e buona efficacia, senza lasciare tracce di particolare contenuto artistico ma nemmeno quella spiacevole sensazione di noia mista a sconforto che troppo spesso offrono di sé album palesemente ruffiani e privi di qualsivoglia ispirazione. Pertanto, va dato atto ai Sevendust di aver sì prodotto l’ennesimo album fotocopia della loro ormai lunga carriera, ma allo stesso tempo di non averne fatto esclusivamente il simulacro di idee che furono, quanto piuttosto l’ennesimo manifesto di un sound oggettivamente datato ma nel quale i 5 musicisti originari di Atlanta si identificano del tutto, che sia la più intima sincerità, la loro, oppure un invidiabile senso del marketing.

Sì, perché, come sempre accade in questi casi, non bisogna mai stupirsi di chi propone qualcosa, quanto piuttosto di chi decide liberamente di fruirne o di condividerla, ed è questo l’interrogativo più pressante, ovvero per quale ragione esistano ancora e tuttora prolifichino gruppi cloni i cui riferimenti discografici non sono altro che certe band nu metal il cui sound, adeguatamente rammollito e ulteriormente levigato, costituisce il perfetto trait d’union per giovani rampolli desiderosi di affrancarsi, in maniera più o meno autentica, da una massa commerciale cui anche loro sentono di appartenere. E’ una fase di crescita culturale ed umana che, in tempi più o meno lunghi, quasi tutti affrontiamo, in maniera assolutamente naturale e nient’affatto discriminante; tuttavia sarebbe opportuno che le band chiamate ad interpretare questo ruolo, ingrato forse ma senza dubbio molto remunerativo, subissero anch’esse lo stesso processo evolutivo e di maturazione che investe i loro più o meno giovani supporters. Non si chiede loro di snaturarsi, di modificare le proprie inclinazioni, né tantomeno di costringersi a fare qualcosa del tutto distante dalle proprie genetiche attitudini: crescere, semplicemente crescere, nient’altro che crescere. Ecco, fra le tante formazioni che non l’hanno fatto, in maniera più o meno consapevole e della quale non spetta a noi sindacarne i motivi, i Sevendust rimagono un passo avanti a tutti, sia alla luce del loro glorioso quanto effimero passato, sia in virtù di un presente non del tutto affievolitosi nell’ombra glaciale di sé stesso.

LINK PER L'ASCOLTO (streaming integrale) : http://tunelab.com/2010/04/18/album-stream-sevendust-cold-day-memory/